uma história muito importante (os assassinatos de mulheres indígenas pelo seu petróleo/terra). Também boa atuação (especialmente de Lily Gladstone)
e gosto de como ela contou a história da perspectiva de quem está por dentro. Discordo totalmente dos comentários que argumentam que deveria ter sido da perspectiva do FBI - já temos tantos filmes como esse, e isso teria simplesmente tirado a história dos povos indígenas e feito o FBI (que ignorou seus pedidos de ajuda numerosos vezes) se parecem com os heróis.
Agora vamos para o lado ruim. Como muitos já mencionaram, o tempo de execução é muito longo. 100% não precisava demorar tanto. Talvez pudesse funcionar se fosse envolvente o tempo todo, mas em alguns momentos me peguei verificando o tempo de execução e me perguntando quando isso terminaria. Definitivamente havia partes que poderiam ter sido cortadas. Além disso, parte da narrativa era confusa - eles pulavam entre os personagens e as coisas ficavam confusas. Você pensaria que com 3,5 horas eles seriam capazes de resolver isso melhor...
Direi que achei este filme melhor que Oppenheimer. Mas também não gostei muito de Oppenheimer.
Harvey Keitel interpreta um tenente que gosta muito de drogas, sexo e jogos de azar. Ele não tem nome, e isso é por uma razão. Este filme quer mostrar a animosidade do personagem. Quer criar a sensação de que Keitel está interpretando um “homem comum”. Não necessariamente um policial com nome específico, mas qualquer um... quase nos mostrando que esse tipo de corrupção acontece nos lugares menos esperados, pelas pessoas menos esperadas. O filme começa com Keitel levando os filhos para a escola. Ficamos desiludidos com a ideia de que ele tem fortes valores familiares, talvez não seja o policial “mau” que todos esperam. Após 10 minutos de filme, essa ideia muda drasticamente. Nós o vemos tentando roubar drogas de um carro, olhando os seios de uma garota baleada, pegando dinheiro do dono de uma mercearia e, finalmente, consumindo grandes quantidades de cocaína e heroína. Depois de cerca de trinta minutos sem enredo, apenas sexo explícito e uso de drogas, somos empurrados para mais uma cena horrível. Este deveria ser o “enredo” do filme. Ocorre um ato inexplicável de violência que faz Keitel reconsiderar o caminho de vida que escolheu. Seu mundo muda completamente enquanto ele tenta caçar os criminosos deste caso e também usa dramaticamente a religião para olhar para trás, para sua alma. Será que esses criminosos e Keitel podem ser salvos?
O desenvolvimento excessivo do personagem pode prejudicar ou ajudar um filme. Neste caso, doeu. Com diálogos muito pequenos, mas cenas de drogas extra alongadas, somos forçados a ter a impressão de que Keitel é um policial mau. Tudo bem, depois de cinco minutos eu entendo... mas por que mostrar mais? Por que dedicar cerca de três quartos do filme para mostrar todas as maldades que esse tenente é capaz de cometer? Este poderia ter sido um filme muito sombrio e perturbador, mas em vez disso caiu no problema que ‘The Deer Hunter’ teve. O diretor optou por usar a técnica de “deixar a câmera rodando”. Isso significa que ele pensa que a verdadeira natureza do personagem aparecerá quanto mais tempo ele deixar a câmera ligada durante uma cena. Isso pode ser verdade em alguns casos, mas neste filme não foi. Eu entendi que ele era um policial corrupto, quer dizer, aprendi muito com o título. Conte-me mais... por que ele era um policial mau? Isso pode parecer um pequeno ponto, mas teria ajudado ao tentar entrar na mentalidade do personagem.
Achei que o diretor deixou muita coisa para o espectador assumir. Nas duas grandes cenas de drogas, havia algumas pessoas aleatórias com quem Keitel estava, e eu não tinha ideia de quem eram. Desenvolva esses personagens menores também, isso permitirá que você construa um mundo verossímil para o personagem principal. Se você não fizer isso, quando o seu “grande” momento central ocorrer, o espectador não estará perdido.
Quando Keitel começa a olhar para trás, para as ações de sua própria vida, ele começa a se preocupar por não saber o que fazer para consertar as coisas ou como fazer "a coisa certa". Por muito tempo ele vem quebrando as regras e vivendo o estilo de vida ao qual se acostumou... que quando quer mudar de vida, não sabe como fazê-lo. MAS vou lhe dizer que usar mais drogas e permitir que o crime continue não o empurra na direção certa.
No geral, não houve desenvolvimento suficiente do personagem de Keitel para justificar ficar chocado com este filme. Lembro-me muito claramente do último pensamento que passou pela minha cabeça quando os créditos rolaram, foi..."Graças a Deus este filme acabou....".
Considerado por muitos um dos maiores filmes já feitos, The Grand Illusion (também chamado La Grande Illusion) é gentil e atencioso demais para um filme de guerra. Embora seja adequado na sua descrição do absurdo e da futilidade da guerra e nas tentativas de apelar à humanidade universal que transcende as fronteiras criadas pelo homem, os seus temas anti-guerra são um tanto diluídos pela sua abordagem excessivamente pacifista.
Co-escrito e dirigido por Jean Renoir, esta é minha primeira passagem por seus trabalhos e, embora as lentes humanistas e as relações de classe sejam um estudo interessante, seu retrato da guerra não é diferente do que uma criança imagina que a guerra seja. A absoluta falta de horror, destruição e sofrimento que a guerra deixa no seu rastro é terrível. É ingénuo condenar a guerra mas não ilustrar por que é digna de condenação.
Renoir aqui possivelmente argumenta que, independentemente das nossas identidades nacionais, a nossa experiência coletiva é mais comum do que parece e, nesse sentido, a guerra é totalmente inútil. Mas a generosidade e a compaixão com que os inimigos interagem entre si são um pouco irrealistas para eu ignorar. Por um lado, o roteiro trata a todos com respeito e não difama ninguém. Um ao outro, nada mais é do que uma ilusão.
Este é um filme simplesmente brilhante: engraçado, cru, emocionalmente honesto e complicado. O casal (Ethan Hawke e Julie Delpy, que co-escreveram com Linklater) está agora na casa dos 40 anos e enfrenta alguns desafios muito reais em seu relacionamento. Comecei a rir e a chorar em cerca de 3 minutos e ambas as emoções continuaram até o final. Todos assistiram aos créditos para que pudessem limpar o rosto. Atuação brilhante. . . Este filme dá esperança para o estado do cinema americano e lembra que Linklater é um dos nossos autores mais subestimados. Sinceramente espero que ele continue e que eu viva o suficiente para ver o casal na terceira idade.
Mesmo que você nunca tenha visto os dois primeiros filmes, não perca este.
Em suma, “Lawrence da Arábia” é um dos melhores filmes já feitos. Acabei de assistir esta noite pelo que parece ser a enésima vez e ainda encontrei coisas novas que não tinha visto antes. Embora não seja perfeito - há poucas, se houver, grandes obras de arte que o são, é uma experiência tão envolvente que cria a ilusão que apenas uma obra-prima de arte pode criar: que o espectador não está apenas observando o ação, mas está imerso nela.
Uma das principais maneiras pelas quais o filme consegue isso é com seu roteiro. É brilhante. Isso ocorre independentemente de quão historicamente preciso ou impreciso possa ser. (Não é preciso ser uma testemunha dos acontecimentos para criar um relato ficcional deles para o deleite do público - Shakespeare fez isso, e o mesmo poderia acontecer com o diretor de "Lawrence", David Lean.) O roteiro de Robert Bolt apresenta tantas curvas, e ainda assim eles são quase todos garantidos.
Compartilhamos com Lawrence seu horror e choque quando ele se acusa de executar um assassino, apenas para descobrir que é o mesmo homem que ele resgatou da morte no deserto. Sentimos empatia por Lawrence quando ele se encontra de volta à base inglesa com um uniforme militar mal ajustado, "expondo-o um pouco grosso" para se encaixar... quando sabemos que ele não pode. E acenamos com a cabeça com Ali quando ele critica Lawrence por avisá-lo sobre derramamento de sangue, já que o próprio Lawrence é incapaz de fazê-lo, a julgar por suas ações anteriores.
É notável. Não há nenhuma linha que não diga, que não esteja carregada. O diálogo conduz a ação. Isso move isso. Este é um filme de “ação” porque é sobre “ação” – se o roteiro fosse ruim, seria um filme de “inação”, pois não levaria a lugar nenhum. Em "Lawrence", você acredita. Você está com isso. Este filme está com isso.
Gostaria de citar alguns dos meus momentos favoritos, se tiver espaço. Uma delas é a j
á mencionada cena de “execução” – ainda angustiante quando a câmera se aproxima para mostrar o rosto lamentável do homem que foi salvo da morte, apenas para morrer pelas mãos de Lawrence. Ou a observação de Auda “Só existe o deserto para você” para Lawrence. Ou o choque que Lawrence e companhia sentem quando vêem as atrocidades cometidas por uma divisão turca, apenas para cometerem um massacre semelhante sobre os soldados em fuga como retribuição...resultando numa reprimenda de Ali e do repórter anteriormente insensível, agora enojado. E então aquele flash de sua câmera... e um corte para um homem a cavalo atacando.
As performances são uniformemente espetaculares. Uma nota especial vai para Peter O'Toole, cujo Lawrence é complicado, taciturno, sarcástico, genuíno. Omar Sharif como Ali é igualmente taciturno e igualmente bom. Sir Alec Guinness apresenta um desempenho educado, embora geralmente excelente. ("Acho que você é um desses ingleses amantes do deserto" é uma frase de destaque.) Jack Hawkins como o general Allenby pode ser um tanto esquecido neste elenco clássico, mas sua vez, IMHO, é especialmente boa - rude, cínico, divertido, e talvez no final, até um pouco perturbado com seu comportamento. E, claro, Sir Anthony Quayle, Anthony Quinn, Jose Ferrer e o incomparável Claude Rains fazem um trabalho fantástico.
A famosa trilha sonora de Maurice Jarre é principalmente maravilhosa (é um pouco exagerada, mas funciona). E a cinematografia é estupenda. Todos esses componentes se somam a um todo maravilhoso que fica ao lado de “Os Sete Samurais”, “O Terceiro Homem”, “Janela Indiscreta” (sim, cara do filme de ação, estou incluindo esse filme na lista dos grandes sucessos. .há mais ação acontecendo lá através do diálogo e da edição do que em todo o cânone de Renny Harlin :-)), "O Sétimo Selo", "Ivan, o Terrível Partes I e II", "Ugetsu Monogatari" e um punhado de outros filmes como uma das grandes obras-primas do cinema mundial. “É um prazer” ver “Lawrence” novamente e apreciá-lo tanto quanto eu. Espero que você também.
Uma comédia adolescente sinceramente elaborada, cuidadosamente processada e habilmente executada que pode ressoar mais com aqueles cuja adolescência ficou para trás, The Edge of Seventeen equilibra seus elementos de comédia e drama com confiança, é dolorosamente autêntico ao retratar o outro lado da vida adolescente, e é catapultado para um status mais elevado, graças a uma vitrine estelar de sua protagonista.
A história de The Edge of Seventeen segue Nadine Franklin, uma garota do ensino médio que sempre teve problemas para se conectar com os outros. A única coisa estável em sua vida é sua amizade com Krista, mas tudo desmorona quando ela descobre que sua melhor amiga está namorando seu irmão mais velho, a quem ela detesta absolutamente, e é deixada sozinha para lidar com essa reviravolta inesperada. .
Escrito, coproduzido e dirigido por Kelly Fremon Craig naquela que é sua estreia na direção, é sem dúvida um começo promissor para a nova cineasta e exibe habilmente sua compreensão do comportamento humano. Buscando total honestidade ao retratar as dificuldades de crescer, ela coloca todos os seus esforços para esculpir um personagem totalmente dimensional que pareça irritantemente real e extremamente identificável.
Seu roteiro é tão refinado quanto sua direção, abstraindo momentos de comédia sem nunca se esforçar muito, e há momentos em que consegue ser hilário, comovente e comovente ao mesmo tempo. As risadas são muitas, mas nada disso é exagerado, o drama é convincente do início ao fim e até os personagens coadjuvantes são um tanto abençoados com arcos bem arredondados.
Também observando seu enredo emocionante está seu emocionante trabalho de câmera que faz o filme parecer vivo o tempo todo. Seus 104 minutos de duração simplesmente voam, graças à excelente edição e ao excelente ritmo. Sua trilha sonora carece de uma base segura em algumas ocasiões, mas ainda é útil na maior parte. O único problema que tenho é o final, que parece uma desculpa e não é totalmente merecido, mas é mais uma crítica do que qualquer outra coisa.
Chegando às apresentações, The Edge of Seventeen apresenta um elenco comprometido composto por Hailee Steinfeld, Woody Harrelson, Kyra Sedgwick, Haley Lu Richardson e Blake Jenner, com Steinfeld roubando a cena. Carregando o filme inteiro nos ombros, ela dá vida a Nadine com precisão e é um casamento personagem-ator que simplesmente funciona. O elenco de apoio desempenha o seu papel com responsabilidade, com Harrelson se destacando mais que os demais.
Em uma escala geral, The Edge of Seventeen é impressionante o suficiente para ser classificado entre os melhores filmes de "dramédia" de 2016 e é definitivamente uma entrada bem-vinda no mundo das comédias adolescentes e dramas sobre a maioridade. Uma montanha-russa de emoções que mostra um nível inicial de honestidade e compreensão sobre o assunto e é guiada pela atuação arrasadora de Hailee Steinfeld, este drama comovente, divertido e tratado com ternura é totalmente recomendado. Não perca.
Napoleão é um adolescente dolorosamente estranho, em um mundo retrô e desbotado. ele fala devagar e parece que a qualquer momento pode desmaiar de um estado inexplicável de exaustão. talvez seja isso que torna este filme tão engraçado: Napoleão nunca parece estar totalmente acordado, então seus comentários aleatórios e ridículos pegam você desprevenido. Alguns de nós fomos ver esse filme, e metade de nós adorou, metade odiou. na verdade, as pessoas atrás de nós saíram no meio do filme. não era como se eles não estivessem rindo constantemente, apenas perceberam que nada iria acontecer... E é verdade: nada acontece. não há enredo seco e seco, não há clímax, não há romance épico. é apenas Napoleão e seu amigo Pedro refletindo sobre seus mundos. eles se deparam com uma série de mini-aventuras estranhas, mas isso é tudo. Se você souber disso antes de ver, acho que seria útil. você pode desligá-lo a qualquer momento e saber que não precisa se preocupar em não descobrir o final. é apenas um filme pelo qual você flutua, aproveitando o tempo que pode passar no mundo relaxante e ridículo de Napoleão. Devo dizer que pessoalmente adorei. sempre que Napoleão aparecia na tela eu ria. se você tiver paciência para assistir a este filme e apreciar seu humor sutil e lento, também ficará encantado.
Talvez não fosse o que eu sabia, mas o que eu esperava, e apesar dos trabalhos quase imperdoáveis de Joel Schumacher nos últimos filmes do Batman, consegui exatamente o que esperava deste filme.
Cada cena com Foster é exatamente como eu faria se estivesse caindo: a lógica, a frieza, a violência racional e intencional. A certa altura, me perguntei por que achava isso morbidamente engraçado e divertido, especialmente o local do Whammyburger. Mas a cada cena, Foster proclama que “só quer ir para casa” e o público consegue identificar-se com a simplicidade do seu objetivo.
Quase todas as sequências deste filme começam com uma longa cena da cidade, acompanhada de música taciturna. Quando se começa a escolher Foster na multidão, a impressão seria quase a de que o que é mostrado nada mais é do que um campo de batalha urbano, um soldado travando uma guerra contra o seu mundo.
O que me leva ao ponto: 'Falling Down' não é um drama, não é uma comédia, não é ação, é um filme de guerra. É claro e simples: Foster está travando uma guerra. este filme é como o Resgate do Soldado Ryan do gênero decadência urbana. Os aspectos de escrita e performance são ouro maciço, não há um momento vazio em Michael Douglas. O enredo é um arquétipo perfeito de Journey, bem como Apocalypse Now. Cada cena tem novas pessoas e novas situações, mas todas levam ao mesmo tema de profanação da civilização.
Faça uma pausa após cada cena com D-Fens e pergunte-se: “você pode culpá-lo?”.
"Monster" segue a espiral descendente da moradora de rua/prostituta/assassina em série Aileen Wuornos. É uma história sombria, com certeza, mas é contada com tanta compaixão e é tão notavelmente livre de emoção que o filme fica completamente mais denso. Desde o início, sentimos que Aileen e sua namorada lésbica mais nova estão condenadas – uma sensação de pavor paira sobre os personagens. Pode ser o mesmo tipo de pressentimento que sentimos com “Boys Don’t Cry”.
A maioria dos comentários é, claro, sobre a linda Charlize Theron se transformando completamente nessa personagem. É surpreendente, com certeza. Mas não se trata simplesmente de um ator ganhando peso para um papel; Theron oferece um desempenho surpreendente; ela se aprofundou nesse personagem e você pode sentir as camadas dessa mulher. Em “Raging Bulls”, Robert DeNiro passou por uma transformação física semelhante, mas qual era o objetivo? Parecia ser um exercício por si só, porque seu Jake LaMotta estava além da redenção - simplesmente um bruto - e nos deixou perguntando por que alguém deveria glorificar esse personagem com um filme.
Theron também se aprofunda em sua personagem, mas consegue simpatia.
Não há comentários suficientes sobre a impressionante conquista da diretora e roteirista estreante Patty Jenkins. Ela entregou um filme excelente com mão segura e firme. Incrível.
Suponho que “Vidas Passadas” poderia ser caracterizada como “minimalismo”, mas é mais do que isso. Embora não haja um momento sinalizador de explosão emocional, as emoções dos personagens são calorosamente palpáveis. E você terá dificuldade em encontrar outro filme em que as cenas fluam tão facilmente e perfeitamente umas nas outras. O assunto é, bem, comum. Na verdade, um personagem se descreve como completamente “comum”. O que há de tão extraordinário neste filme é a bela escrita e a interpretação ainda mais bela da escrita.
"Vidas passadas" começam com uma espécie de prólogo, uma cena muito comum de três pessoas sentadas em um bar e diálogos enigmáticos em voz de outros clientes que nunca vemos, apenas tramas. Eles se perguntam sobre o relacionamento do trio, dois coreanos, um homem e uma mulher, e um cara branco (que mais tarde no filme é conhecido por ser judeu). Os coreanos são um casal ou são irmãos? Como os caras brancos estão conectados com eles. Talvez sejam apenas três colegas liberando pressão depois de queimarem óleo à meia-noite.
Após este prólogo, o filme é dividido em 3 períodos distintos marcados com texto claro na tela "24 anos antes", "12 anos atrás" e outro "12 anos atrás".
Flashback de 24 anos mostra dois colegas de classe de 12 anos, Na Young e Hei Sung, com o que presumimos serem paixões de cachorro um pelo outro. Eles chegaram a entrelaçar os dedos no banco de trás do carro de um dos pais. Quando Na Young imigrou para os EUA com seus pais, a separação não foi de lamentos dolorosos, mas sim de resignação a um sopro de tristeza, com compostura para ser admirada nessas duas crianças pré-adolescentes.
Quando o texto na tela anuncia "12 anos se passam", Na Young não é mais Na Young (exceto para sua mãe), mas Nora, uma jovem escritora que trabalha duro em Manhattan, esperando uma folga. Hei Sung continua com sua vida "comum" na Coreia do Sul, seguindo carreira em engenharia. Então, eles encontram cada um no Facebook. Bate-papos ocasionais em tempo real logo se tornam viciantes. Essa conexão finalmente vê o que você pode chamar de morte natural. A possibilidade de viajar para nos vermos não está dentro de um horizonte de dois anos. Isso machuca mais ele do que ela. Seu relacionamento com a namorada é instável. Ela conhece, em um resort idílico para escritor, um jovem escritor judeu. Arthur (John Magaro, excelente e sem crédito suficiente pela crítica) é gentil, gentil e sensato. Enquanto Hei Sung mergulha ainda mais na melancolia do amor de infância não realizado, Nora avança para o próximo capítulo dela. Ela se casa com Arthur e o casal se muda para Nova York, alugando um minúsculo apartamento, para seguir o sonho de um dia se tornar um escritor de sucesso.
Mais “12 anos se passam”. Nora e Arthur estão saudavelmente apaixonados, totalmente comprometidos um com o outro, embora haja dúvidas esporádicas sobre o andamento de suas carreiras. Hei Sung, por outro lado, está à deriva em sua normalidade. Ele tem namorada, mas o relacionamento deles é um caminho difícil. Então, ele decide fazer uma viagem para Nova York. Seja qual for o pretexto, ele quer ver Nora. Ela sabe. Até Arthur sabe.
É mais do que óbvio que o filme trabalha nessas cenas finais. Nora e Hei Sung se encontram enquanto ela mostra Manhattan a ele. É aqui que Lee e Yoo mostram seu brilho sutil com nuances, expressões faciais e linguagem corporal. Ah, eles entregam o diálogo lindamente também. Existe amor, amizade. O arrependimento é diluído com a crença de que este talvez seja o seu destino, influenciado pelas suas vidas passadas.
No final desta breve viagem, Hei Sung visita o casal em seu minúsculo apartamento para conhecer Arthur. O trio então sai para comer macarrão (sua resposta ao "o que você gostaria de comer" de Arthur?) E depois tomar uma bebida. As cenas remontam ao "prólogo" de abertura. Cada um dos três é tão natural quanto você esperaria. Arthur aprecia totalmente a situação, permitindo espaço para os dois namorados de infância conversarem em coreano. O bônus para o público é a cena entre os dois homens (quando Nora vai ao toalete), sempre tão gentilmente tocante. A cena de despedida, quando ela o acompanha na espera por seu Uber dela, embora previsível, é uma pungência agridoce que você adoraria. Para completar está a cena final que aquece seu coração.
Este não é o meu tipo de filme mas é o tipo de filme que me faz pensar muito depois. O filme se tornou interessante quando a história de Kevin foi apresentada cronicamente e, claro, Swinton, a atuação da infância e da adolescência de Kevin foi muito além de excelente. Mas depois de assistir ao filme, me perguntei: sobre o que é esse filme? Um bom filme precisa sempre de uma centralidade acentuada para fazer pensar, refletir, revelar ou criticar. Presumo que o filme estava tentando apresentar natureza versus criação, mas qual é a conclusão do filme? A natureza venceu! A próxima educação perfeita da mãe e de outros membros da família simplesmente não conseguiu salvar o espírito maligno de Kevin. Tudo o que pude ver foi apenas uma situação extrema, ou estatística, porque não há ninguém para culpar pelo comportamento de Kevin. E esta é a falha fundamental do filme: ele não conseguiu equilibrar a batalha ou conflito entre natureza e criação.
Quando vi este filme pela primeira vez, há alguns anos, imaginei que seria uma versão um pouco mais abrasiva de "The Breakfast Club" ou "Pretty in Pink", aqueles filmes sobre amadurecimento em que uma personagem feminina desajeitada sofre desprezo e ridícula durante a maior parte do filme, apenas para passar por uma ***FASHION MAKEOVER*** e surpreender as crianças populares com sua beleza saudável e natureza bem ajustada. Felizmente, este filme não seguiu esse caminho cansativo. Este filme reflete que muitas vezes o inconformismo não é uma escolha, que aqueles que estão à margem da sociedade nem sempre estão lá porque querem e são capazes de retroceder na aceitabilidade sempre que a situação o exigir. Neste caso, Dawn Weiner não está imune às mesmas travessuras mesquinhas de seus algozes. Como costuma acontecer, o abuso que ela sofre é transmitido a quem ela pode abusar. Este não é um filme em que se possa “torcer” por qualquer personagem em particular. Oferece um retrato bastante iluminado da psicologia de famílias reais e adolescentes reais, enquanto eles buscam todo o poder que podem. Ele retoma a trama de “Pigmalião” (também saqueada em “My Fair Lady” e “Uma Linda Mulher”, ugh) com um cenário de ensino médio. Mais uma vez, estamos de volta aos desajustados que “limpam bem” e só então se tornam objetos de afeto de seus senhores atletas.
De alguma forma, The French Connection ganhou o prêmio de Melhor Filme de 1971, mas não foi nem remotamente tão bom quanto esta obra-prima de Peter Bogdanovich. Este é o melhor filme sobre uma pequena cidade já feito em Hollywood. O número de performances excelentes é incrível.
Timothy Bottoms e Jeff Bridges são ótimos colegas de ensino médio em uma cidade empoeirada do Texas que tem seus altos e baixos. Cybill Shepherd é uma boa razão pela qual eles têm seus altos e também a razão pela qual eles têm seus baixos. Cloris Leachman é maravilhosa como a mulher mais velha que seduz Bottoms, e Ellen Burstyn interpreta uma mãe muito experiente que enfrenta os golpes da vida.
Ben Johnson é muito bom em papéis coadjuvantes, assim como Eileen Brennan. Até o jovem Randy Quaid é divertido.
São pelo menos meia dúzia de ótimas atuações em UM filme. A direção e a fotografia são perfeitas e filmar o filme em preto e branco foi uma ótima ideia. Não perca esta obra-prima da vida em uma pequena cidade do Texas.
Não consigo descrever esse filme em palavras. Achei que sabia no que estava me metendo com base no trailer, mas vai além de tudo que já experimentei.
O cenário é muito inspirado no romance gótico da década de 1920 e não decepciona. Se você é fã de Frankenstein, Retrato de Dorian Gray, Jeckyll e Hyde ou qualquer outro romance de ficção gótica, precisa assistir a este filme.
Questiona-se o que é ser humano de uma forma muito envolvente, humana, divertida e empática. Os filmes indicados ao Oscar geralmente são muito atraentes, mas não envolventes. Este filme prende sua atenção em cada cena enquanto faz você questionar tudo o que sabe sobre o mundo.
Passarei as próximas semanas tentando encontrar um filme que se aproxime do que foi este.
Lillian Hellman é um ícone americano. Uma mulher à frente do seu tempo, em todos os departamentos. Suas mulheres nunca são fáceis de ler, mas são reais. Da gelada Regina em "The Little Foxes" às irmãs de "Toys In The Attic" - Jane Fonda a interpretou, brilhantemente, em "Julia". Aqui, suas mulheres caminharam em um avião um pouco mais ousado. "The Children's Hours" foi um grande sucesso da Broadway e William Wyler, um dos melhores, dirigiu a versão cinematográfica como "These Three" na década de 1930, eliminando qualquer referência à homossexualidade. Acho que essa pode ser uma das razões pelas quais ele o refez em 1961 com o título original "The Children's Hour" Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Fay Bainter e Miriam Hopkins, que também estava no original no papel de Shirley MacLaine. O filme é atraente e parece maravilhoso e acho que é mais um documento de sua época, escrito por uma das escritoras mais corajosas de sua época. O estranho aqui é que são as mulheres que permanecem firmes em seus dias, elas nos mostram a indignação a partir de sua perspectiva e é por isso que parece "datado". Eles se comportariam de maneira muito diferente hoje, mas não os sulistas ricos. Acredito que eles também tirariam seus filhos da escola. assim como fizeram então. Os oprimidos seguiram em frente, mas os opressores diminuíram em número, mas não mudaram muito. Um filme fascinante.
O primeiro filme da trilogia de James Dean que o estabeleceu como o porta-voz de uma vez por todas da juventude masculina angustiada é East of Eden. É um romance de John Steinbeck que fala da Califórnia da juventude de Steinbeck nos anos imediatamente anteriores à Primeira Guerra Mundial.
É a história de dois irmãos criados por um pai hipócrita, um dos quais é a menina dos seus olhos e o outro um completo idiota que não consegue acertar nada. Parece muito com Caim e Abel, não é?
Em Gênesis realmente não se explica por que Abel foi tão favorecido por Deus em oposição a Caim. A única coisa que diz é sobre suas ocupações e, presumivelmente, cuidar de ovelhas é uma coisa melhor a se fazer na escala social do que trabalhar com ferro. Deus parece meio arbitrário ali, assim como o pai Raymond Massey, que não se chama 'Adam' Trask à toa.
James Dean é o filho mau chamado Caleb ou Cal, para abreviar, e Dick Davalos é o filho bom chamado Aaron. Davalos até aspira ao ministério, uma vocação sem dúvida que Massey poderia ter desfrutado. Ele criou os dois sem mãe e disse que ela estava morta.
Mas Dean descobre o contrário, ela não está apenas viva, mas também é a próspera senhora de um bordel na vizinha Monterey. Dean a procura e guarda suas notícias para Davalos em um momento em que ele está vulnerável.
Assim como Deus parece preferir arbitrária e caprichosamente Abel a Caim, Massey apenas favorece este filho em detrimento do outro. Dean sabe disso em algum nível e isso o devora vivo.
Julie Harris tem um bom papel no filme como a noiva de Davalos, que fica cada vez mais atraída por Dean à medida que o filme avança. Gostei muito de Burl Ives que faz o papel de xerife e que realmente funciona como os olhos e ouvidos do público em East of Eden. É a perspectiva dele de onde o filme é desenhado. Ele tem Massey quase certo, como um bom homem e um bom amigo, em muitos aspectos, bom demais e não real nos costumes do mundo.
Em Gênesis, Deus ordenou que Adão e Eva saíssem do paraíso, mas no Leste do Éden é Adão quem expulsa Eva. A mãe é interpretada por Jo Van Fleet, que ganhou o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante naquele ano. A cena do confronto entre Dean e Davalos é inesquecível.
James Dean foi indicado para Melhor Ator; na verdade, foi a primeira indicação póstuma dada em qualquer uma das categorias de atuação. Ele perdeu para Ernest Borgnine por Marty. Por incrível que pareça, seus dois últimos filmes foram lançados após sua morte, em 29 de setembro de 1955. Isso transformou a tragédia da morte de uma jovem estrela promissora em uma lenda do século XX.
Não sei por que Dick Davalos não recebeu a mesma aclamação por seu papel como James Dean. Como parte do velho bloco hipócrita de Massey, está longe de ser um retrato unidimensional. Davalos sente que é quase sua missão na vida refletir o pai de todas as maneiras possíveis.
O romance de Steinbeck foi bastante reduzido, há metade do livro que explica como a família Trask foi até onde está completamente desaparecido e mais um pouco no futuro para explicar o que acontece com todos eles. Ainda há mais do que suficiente aqui e as partes mais importantes da história e dos personagens não são perdidas.
Os personagens de ficção, como um todo, conseguem mais do que é permitido na realidade. Eles fazem coisas que nunca toleraríamos em nossos colegas, mas ainda assim conseguem despertar nossa simpatia. Talvez seja uma forma de catarse – em vez de infligir violência a outras pessoas, assistimos alguém na tela fazer isso e torcemos por ela. Esse é o caso de “Chicago” – o filme apresenta uma grande galeria de criminosos desonestos, com homens e bandidos, mas a maioria deles é surpreendentemente agradável. E, no entanto, o desejo de torcer pelos bandidos é um tanto perturbador, pois "Chicago" é uma história sobre pessoas vencendo o rap manipulando o público, ilicitando sua simpatia e brincando com sua necessidade profunda pelo bizarro e sangrento.
Contada de uma maneira, a história de “Chicago” soa como um drama do showbusiness: uma jovem sonha com o estrelato. Ela é inicialmente ingênua, mas aprende rapidamente, ascendendo ao centro das atenções enquanto uma rival mais velha e experiente se ressente do novo rosto que está roubando a cena. A diferença é que a arte é o assassinato, e o palco é composto pelos jornais, pelo rádio, pelo tribunal e pelo olhar público que tudo devora. A veterana é Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones), uma cantora de boate que matou o marido e a irmã depois de encontrá-los no que costuma ser chamado de “posição comprometedora”. A recém-chegada é Roxie Hart (Renee Zelweiger), uma gracinha que atirou em seu amante depois de descobrir que ele a estava usando, e que espera que seu marido Amos (John C. Reilly, excelente como capacho por excelência) a apoie depois. Ambas as mulheres são representadas por Billy Flynn (Richard Gere), que se gaba de poder vencer qualquer rap pelo preço certo e é provavelmente o que Shakespeare tinha em mente quando fez aquela piada sobre matar todos os advogados. A fórmula de Flynn é simples: transforme o cliente em um queridinho da mídia, conte uma história trágica sobre a boa menina arruinada por más escolhas e a conquista será certa.
"Chicago" é um musical, e o filme usa o artifício de estabelecer dois mundos: a Chicago real e um mundo de fantasia surreal na forma de um teatro da Era do Jazz, onde a música e a dança acontecem. Em muitos musicais isso não funcionaria, mas aqui faz sentido. O diretor Rob Marshall funde muito bem os dois mundos, criando imagens que se complementam de forma eficaz. Alguns dos conceitos parecem coisas que você veria em um cartoon editorial: uma coletiva de imprensa torna-se um ato ventroliquista e um show de marionetes, um julgamento é retratado como um circo literal. Outros oferecem um reflexo do eu interior do personagem: Amos, disfarçado de comediante de calças largas, lamenta o fato de que, como todas as segundas bananas, ninguém realmente o nota - até mesmo o público de fantasia parece indiferente à sua atuação (o que é , na verdade, maravilhoso).
O conjunto se transforma em excelentes atuações na categoria atuação, mas o canto é mais desigual. Zeta-Jones tem de longe a melhor voz dos protagonistas, como exemplificado pela casualmente sensual "All That Jazz". Zelweiger é aceitável, principalmente porque tem-se a impressão de que sua Roxie tem mais charme e determinação do que talento real. Gere mal consegue lidar com a música, e o faz principalmente porque Billy Flynn não é um dos papéis mais difíceis vocalmente no canhão do teatro musical. Mas o que falta em flautas ele compensa no departamento de personagem: seu Flynn é um canalha perfeitamente carismático, cujo talento e perigo estão em sua capacidade de ser tão charmoso. Taye Diggs, que preside o mundo dos sonhos como líder da banda, não consegue cantar, o que é uma pena, porque ele pode - ele estava no elenco original de "Rent" - mas funciona muito bem com o que lhe é dado.
A mistura de glitter e sujeira em “Chicago” lembra o “Moulin Rouge”, mas aqueles que consideraram este último excessivo provavelmente acharão este mais atraente. Qualquer fã de teatro musical, entretanto, não vai querer perder este filme – pode ser apenas o renascimento do filme musical de que temos ouvido falar.
A história de Diana Nyad é uma que sinto que deveria ter conhecido no passado. Parece que era de conhecimento público, mas essa história deve ter passado despercebida. Estou meio grata por isso, porque isso acabou me deixando na ponta da cadeira. Este é um ótimo estudo de personagem e os dois co-protagonistas muitas vezes roubam o cenário um do outro. É por isso que recomendo dar uma olhada no Nyad.
Crescendo como uma nadadora com muitos sonhos de nadar de longa distância, Diana Nyad (Annette Benning) decide aos 60 anos que não está pronta para desistir. Depois de não nadar há mais de 30 anos, ela opta por treinar e se esforçar para nadar 160 quilômetros de Cuba até Florida Keys. Sua melhor amiga de longa data, Bonnie (Jodie Foster), está sempre ao seu lado e apoiando-a, mas acha que ela está louca por essa escolha em particular. A dinâmica entre os dois também torna o filme muito mais divertido. É uma história simples sobre uma mulher que quer tentar mais uma vez realizar seu sonho, mas a química entre os dois co-protagonistas faz essa história cantar.
Dirigido pela dupla indicada ao Oscar Jimmy Chin e Elizabeth Chai Vasarhelyi (Free Solo), a personalidade que eles trouxeram para este filme é contagiante. Eles não apenas construíram as sequências de natação para serem intensas às vezes, mas os atores em geral pareciam estar se divertindo quando a história permitia. Esses são dois diretores nos quais vou ficar de olho. Também adorei a adição de Rhys Ifans como capitão do barco, John Bartlett. Suas atuações são sempre excelentes, mas sua forma passiva de se emocionar neste filme foi ótima. Seu personagem também é a razão pela qual um ou dois anos podem ter ocorrido no final do filme, e eu sempre elogio um filme por conseguir isso.
No geral, o lançamento de Nyad pela Netflix é algo que eu não esperava gostar tanto quanto gostei. Não é apenas uma história comovente de se assistir (mesmo que as escolhas da pessoa na vida real parecessem insanas), mas a natureza humorística de cada personagem, quando as coisas não são sérias, foi simplesmente uma alegria de assistir. Soberbamente dirigido, bem escrito, atuado impecavelmente e envolvente quando necessário, Nyad é um filme muito bom em todos os aspectos. É básico em termos de como tudo se desenrola, o que faz com que pareça muito familiar, mas não tenho muitas reclamações fora disso. Nyad vale o seu tempo.
Literalmente um dos piores filmes de super-heróis que já vi.
Pelas propagandas, eu sabia que esse filme não seria ótimo, mas ainda assim, me surpreendeu o quão ruim e chato era. Tudo sobre direção, escrita, personagens, aspectos técnicos e designs é realmente horrível. A escrita é pobre, pois há muitos conceitos, ideias e aspectos confusos e sem graça. O roteiro confuso cria diálogos ruins por parte do elenco e os personagens não são interessantes. Os efeitos especiais pareciam ainda piores que o marketing e todas as performances eram muito ruins. Honestamente, me sinto mal por Dakota Johnson porque ela é uma boa atriz, mas ela merece ter papéis melhores do que este. O mesmo pode ser dito do resto dos membros do elenco.
Os usos da colocação de produtos são irritantes, os momentos de ação são enfadonhos e, no geral, foi enfadonho. Filmes de super-heróis não deveriam ser chatos, mas isso realmente se arrastou. É uma pena, porque as protagonistas femininas de super-heróis são algo que adoro ver, como Mulher Maravilha e A Velha Guarda, que são muito divertidas. Mas, infelizmente, parecia que isso provavelmente não aconteceria tão cedo.
Vapor, vento, som e gravidade em um asteróide voando pelo espaço? Sim, o diretor realmente não pensou em toda essa 'coisa espacial' (ou acho que ele simplesmente não se importou... ele disse: "Meh, vamos apenas tornar isso divertido"). E o filme é muito divertido, se você ignorar as inconsistências óbvias e as falhas na trama. Veja assim: é um filme de Bruce Willis e sua equipe de desajustados tentando salvar o mundo indo para o espaço sideral e explodindo um asteróide gigante que está se aproximando da Terra. PS. Liv Tyler a única coisa boa desse filme.
Para ser honesta, não há mais nada a dizer em termos de história depois deste filme. A tragédia, a atmosfera e tudo mais...
Como admiradora da filmografia de Dennis Villeneuve graças ao seu trabalho nos últimos anos, já sabia o quanto ele é um brilhante contador de histórias. No entanto, Incendies não é diferente. Roteiro lindamente estruturado, visual, trilha sonora...
Por último, a introdução, junto com "You and Whose Army?" é provavelmente um dos melhores que já testemunhei facilmente.
Existem imagens e cenas extremamente poderosas e inesquecíveis em Incendies. Basta dizer que mesmo que você não tenha interesse pela história do Oriente Médio, este filme irá prender sua atenção desde o início e prendê-lo até o fim. É o terceiro grande filme (e sem dúvida o melhor) que vi sobre esse assunto depois de Valsa com Bashir e Líbano. Tudo isso é uma visualização essencial.
Promessa sutil, delicada, comovente e fascinante da vida como fruto do sonho. Sobre o gosto ambíguo da imaginação e sobre a existência como uma viagem espetacular. Sobre desejo e realidade como pão quente.
O filme é uma mistura entre infância e pequenos milagres, sobre uma imagem especial de gestos comuns e sobre esperança em aspectos excêntricos. A textura é a mesma dos contos da avó na véspera de Natal ou na manhã de domingo. Um herói corajoso, uma vila estranha, tentação e grande amor, sucesso e descobertas, milagres e público, sentido secreto de vida e coragem. Assim, em muitos casos, a realidade é apenas uma passagem enfadonha e o sonho, a brincadeira infantil, o som da voz do anjo ou os fatos estranhos são o cerne de um magnífico ato de contemplação.
É uma história moral mas, na mesma medida, é fonte de uma forma de ver o mundo. A vida não é um castigo ou um saco de rotina. A fé não faz parte apenas de uma relação com Deus, mas consigo mesmo. Os outros são, em grande medida, partes de um milagre engraçado e de uma expectativa inefável.
A atuação de Ewan Mc Gregor é brilhante. Nuances, sotaques, inflexões de palavras, sorrisos ou gestos são tijolos de um caráter magnífico, comovente, caloroso, credível. Em alguns momentos, o filme apresenta diálogos espetaculares entre a interpretação de McGregor e Albert Finney.
Na verdade, "Big Fish" é um conto. Um conto de fadas sobre a magia da vida a partir de palavras ou fatos exteriores.
Cheguei a este filme de Michael Winterbottom a partir de um de seus esforços anteriores, estrelado por Samantha Morton e Tim Robbins. Nunca tinha ouvido falar dele como diretor e quando a Sight and Sound fez um artigo sobre ele achei que ele merecia atenção.
Outra razão para ver este filme foi a promessa de poder assistir a um casal fazendo sexo de verdade e não apenas fingindo orgasmos e sugerindo sexo oral e nada de pornografia. Eu queria muito ser lembrado dos motivos pelos quais duas pessoas podem ficar juntas por causa do que têm em comum.
O filme de Winterbottom não é pornografia de forma alguma. É apenas um estudo de um relacionamento visto através do contexto do sexo real (o que quase todos nós experimentamos quando atingimos uma certa idade (geralmente 18 anos ou mais) e não estamos vinculados a considerações religiosas, ou seja, o sacerdócio católico) e música popular. Isso é tudo. E o elenco são duas pessoas comuns. Eles não são atores pornôs artificialmente aprimorados ou bonecos enfeitados para o benefício do espectador. É um filme cheio de verrugas, embora eu tenha muita admiração por Winterbottom por persuadir qualquer ator a mostrar à câmera (e, portanto, ao público) sua verdadeira ereção e posterior orgasmo.
Uma vez que a novidade de assistir sexo adulto real passa, no entanto, resta pouco mais e essa é a verdadeira decepção deste filme. No entanto, é um filme adulto e alguns podem gostar.
Assassinos da Lua das Flores
4.1 612 Assista AgoraVamos começar com o que é bom. O filme tem uma premissa interessante e conta
uma história muito importante (os assassinatos de mulheres indígenas pelo seu petróleo/terra). Também boa atuação (especialmente de Lily Gladstone)
Agora vamos para o lado ruim. Como muitos já mencionaram, o tempo de execução é muito longo. 100% não precisava demorar tanto. Talvez pudesse funcionar se fosse envolvente o tempo todo, mas em alguns momentos me peguei verificando o tempo de execução e me perguntando quando isso terminaria. Definitivamente havia partes que poderiam ter sido cortadas. Além disso, parte da narrativa era confusa - eles pulavam entre os personagens e as coisas ficavam confusas. Você pensaria que com 3,5 horas eles seriam capazes de resolver isso melhor...
Direi que achei este filme melhor que Oppenheimer. Mas também não gostei muito de Oppenheimer.
Vício Frenético
3.9 124Harvey Keitel interpreta um tenente que gosta muito de drogas, sexo e jogos de azar. Ele não tem nome, e isso é por uma razão. Este filme quer mostrar a animosidade do personagem. Quer criar a sensação de que Keitel está interpretando um “homem comum”. Não necessariamente um policial com nome específico, mas qualquer um... quase nos mostrando que esse tipo de corrupção acontece nos lugares menos esperados, pelas pessoas menos esperadas. O filme começa com Keitel levando os filhos para a escola. Ficamos desiludidos com a ideia de que ele tem fortes valores familiares, talvez não seja o policial “mau” que todos esperam. Após 10 minutos de filme, essa ideia muda drasticamente. Nós o vemos tentando roubar drogas de um carro, olhando os seios de uma garota baleada, pegando dinheiro do dono de uma mercearia e, finalmente, consumindo grandes quantidades de cocaína e heroína. Depois de cerca de trinta minutos sem enredo, apenas sexo explícito e uso de drogas, somos empurrados para mais uma cena horrível. Este deveria ser o “enredo” do filme. Ocorre um ato inexplicável de violência que faz Keitel reconsiderar o caminho de vida que escolheu. Seu mundo muda completamente enquanto ele tenta caçar os criminosos deste caso e também usa dramaticamente a religião para olhar para trás, para sua alma. Será que esses criminosos e Keitel podem ser salvos?
O desenvolvimento excessivo do personagem pode prejudicar ou ajudar um filme. Neste caso, doeu. Com diálogos muito pequenos, mas cenas de drogas extra alongadas, somos forçados a ter a impressão de que Keitel é um policial mau. Tudo bem, depois de cinco minutos eu entendo... mas por que mostrar mais? Por que dedicar cerca de três quartos do filme para mostrar todas as maldades que esse tenente é capaz de cometer? Este poderia ter sido um filme muito sombrio e perturbador, mas em vez disso caiu no problema que ‘The Deer Hunter’ teve. O diretor optou por usar a técnica de “deixar a câmera rodando”. Isso significa que ele pensa que a verdadeira natureza do personagem aparecerá quanto mais tempo ele deixar a câmera ligada durante uma cena. Isso pode ser verdade em alguns casos, mas neste filme não foi. Eu entendi que ele era um policial corrupto, quer dizer, aprendi muito com o título. Conte-me mais... por que ele era um policial mau? Isso pode parecer um pequeno ponto, mas teria ajudado ao tentar entrar na mentalidade do personagem.
Achei que o diretor deixou muita coisa para o espectador assumir. Nas duas grandes cenas de drogas, havia algumas pessoas aleatórias com quem Keitel estava, e eu não tinha ideia de quem eram. Desenvolva esses personagens menores também, isso permitirá que você construa um mundo verossímil para o personagem principal. Se você não fizer isso, quando o seu “grande” momento central ocorrer, o espectador não estará perdido.
Quando Keitel começa a olhar para trás, para as ações de sua própria vida, ele começa a se preocupar por não saber o que fazer para consertar as coisas ou como fazer "a coisa certa". Por muito tempo ele vem quebrando as regras e vivendo o estilo de vida ao qual se acostumou... que quando quer mudar de vida, não sabe como fazê-lo. MAS vou lhe dizer que usar mais drogas e permitir que o crime continue não o empurra na direção certa.
No geral, não houve desenvolvimento suficiente do personagem de Keitel para justificar ficar chocado com este filme. Lembro-me muito claramente do último pensamento que passou pela minha cabeça quando os créditos rolaram, foi..."Graças a Deus este filme acabou....".
A Grande Ilusão
4.1 54 Assista AgoraConsiderado por muitos um dos maiores filmes já feitos, The Grand Illusion (também chamado La Grande Illusion) é gentil e atencioso demais para um filme de guerra. Embora seja adequado na sua descrição do absurdo e da futilidade da guerra e nas tentativas de apelar à humanidade universal que transcende as fronteiras criadas pelo homem, os seus temas anti-guerra são um tanto diluídos pela sua abordagem excessivamente pacifista.
Co-escrito e dirigido por Jean Renoir, esta é minha primeira passagem por seus trabalhos e, embora as lentes humanistas e as relações de classe sejam um estudo interessante, seu retrato da guerra não é diferente do que uma criança imagina que a guerra seja. A absoluta falta de horror, destruição e sofrimento que a guerra deixa no seu rastro é terrível. É ingénuo condenar a guerra mas não ilustrar por que é digna de condenação.
Renoir aqui possivelmente argumenta que, independentemente das nossas identidades nacionais, a nossa experiência coletiva é mais comum do que parece e, nesse sentido, a guerra é totalmente inútil. Mas a generosidade e a compaixão com que os inimigos interagem entre si são um pouco irrealistas para eu ignorar. Por um lado, o roteiro trata a todos com respeito e não difama ninguém. Um ao outro, nada mais é do que uma ilusão.
Antes da Meia-Noite
4.2 1,5K Assista AgoraEste é um filme simplesmente brilhante: engraçado, cru, emocionalmente honesto e complicado. O casal (Ethan Hawke e Julie Delpy, que co-escreveram com Linklater) está agora na casa dos 40 anos e enfrenta alguns desafios muito reais em seu relacionamento. Comecei a rir e a chorar em cerca de 3 minutos e ambas as emoções continuaram até o final. Todos assistiram aos créditos para que pudessem limpar o rosto. Atuação brilhante. . .
Este filme dá esperança para o estado do cinema americano e lembra que Linklater é um dos nossos autores mais subestimados. Sinceramente espero que ele continue e que eu viva o suficiente para ver o casal na terceira idade.
Mesmo que você nunca tenha visto os dois primeiros filmes, não perca este.
Lawrence da Arábia
4.2 417 Assista AgoraEm suma, “Lawrence da Arábia” é um dos melhores filmes já feitos. Acabei de assistir esta noite pelo que parece ser a enésima vez e ainda encontrei coisas novas que não tinha visto antes. Embora não seja perfeito - há poucas, se houver, grandes obras de arte que o são, é uma experiência tão envolvente que cria a ilusão que apenas uma obra-prima de arte pode criar: que o espectador não está apenas observando o ação, mas está imerso nela.
Uma das principais maneiras pelas quais o filme consegue isso é com seu roteiro. É brilhante. Isso ocorre independentemente de quão historicamente preciso ou impreciso possa ser. (Não é preciso ser uma testemunha dos acontecimentos para criar um relato ficcional deles para o deleite do público - Shakespeare fez isso, e o mesmo poderia acontecer com o diretor de "Lawrence", David Lean.) O roteiro de Robert Bolt apresenta tantas curvas, e ainda assim eles são quase todos garantidos.
Compartilhamos com Lawrence seu horror e choque quando ele se acusa de executar um assassino, apenas para descobrir que é o mesmo homem que ele resgatou da morte no deserto. Sentimos empatia por Lawrence quando ele se encontra de volta à base inglesa com um uniforme militar mal ajustado, "expondo-o um pouco grosso" para se encaixar... quando sabemos que ele não pode. E acenamos com a cabeça com Ali quando ele critica Lawrence por avisá-lo sobre derramamento de sangue, já que o próprio Lawrence é incapaz de fazê-lo, a julgar por suas ações anteriores.
É notável. Não há nenhuma linha que não diga, que não esteja carregada. O diálogo conduz a ação. Isso move isso. Este é um filme de “ação” porque é sobre “ação” – se o roteiro fosse ruim, seria um filme de “inação”, pois não levaria a lugar nenhum. Em "Lawrence", você acredita. Você está com isso. Este filme está com isso.
Gostaria de citar alguns dos meus momentos favoritos, se tiver espaço. Uma delas é a j
á mencionada cena de “execução” – ainda angustiante quando a câmera se aproxima para mostrar o rosto lamentável do homem que foi salvo da morte, apenas para morrer pelas mãos de Lawrence. Ou a observação de Auda “Só existe o deserto para você” para Lawrence. Ou o choque que Lawrence e companhia sentem quando vêem as atrocidades cometidas por uma divisão turca, apenas para cometerem um massacre semelhante sobre os soldados em fuga como retribuição...resultando numa reprimenda de Ali e do repórter anteriormente insensível, agora enojado. E então aquele flash de sua câmera... e um corte para um homem a cavalo atacando.
As performances são uniformemente espetaculares. Uma nota especial vai para Peter O'Toole, cujo Lawrence é complicado, taciturno, sarcástico, genuíno. Omar Sharif como Ali é igualmente taciturno e igualmente bom. Sir Alec Guinness apresenta um desempenho educado, embora geralmente excelente. ("Acho que você é um desses ingleses amantes do deserto" é uma frase de destaque.) Jack Hawkins como o general Allenby pode ser um tanto esquecido neste elenco clássico, mas sua vez, IMHO, é especialmente boa - rude, cínico, divertido, e talvez no final, até um pouco perturbado com seu comportamento. E, claro, Sir Anthony Quayle, Anthony Quinn, Jose Ferrer e o incomparável Claude Rains fazem um trabalho fantástico.
A famosa trilha sonora de Maurice Jarre é principalmente maravilhosa (é um pouco exagerada, mas funciona). E a cinematografia é estupenda. Todos esses componentes se somam a um todo maravilhoso que fica ao lado de “Os Sete Samurais”, “O Terceiro Homem”, “Janela Indiscreta” (sim, cara do filme de ação, estou incluindo esse filme na lista dos grandes sucessos. .há mais ação acontecendo lá através do diálogo e da edição do que em todo o cânone de Renny Harlin :-)), "O Sétimo Selo", "Ivan, o Terrível Partes I e II", "Ugetsu Monogatari" e um punhado de outros filmes como uma das grandes obras-primas do cinema mundial. “É um prazer” ver “Lawrence” novamente e apreciá-lo tanto quanto eu. Espero que você também.
Quase 18
3.7 607 Assista AgoraUma comédia adolescente sinceramente elaborada, cuidadosamente processada e habilmente executada que pode ressoar mais com aqueles cuja adolescência ficou para trás, The Edge of Seventeen equilibra seus elementos de comédia e drama com confiança, é dolorosamente autêntico ao retratar o outro lado da vida adolescente, e é catapultado para um status mais elevado, graças a uma vitrine estelar de sua protagonista.
A história de The Edge of Seventeen segue Nadine Franklin, uma garota do ensino médio que sempre teve problemas para se conectar com os outros. A única coisa estável em sua vida é sua amizade com Krista, mas tudo desmorona quando ela descobre que sua melhor amiga está namorando seu irmão mais velho, a quem ela detesta absolutamente, e é deixada sozinha para lidar com essa reviravolta inesperada. .
Escrito, coproduzido e dirigido por Kelly Fremon Craig naquela que é sua estreia na direção, é sem dúvida um começo promissor para a nova cineasta e exibe habilmente sua compreensão do comportamento humano. Buscando total honestidade ao retratar as dificuldades de crescer, ela coloca todos os seus esforços para esculpir um personagem totalmente dimensional que pareça irritantemente real e extremamente identificável.
Seu roteiro é tão refinado quanto sua direção, abstraindo momentos de comédia sem nunca se esforçar muito, e há momentos em que consegue ser hilário, comovente e comovente ao mesmo tempo. As risadas são muitas, mas nada disso é exagerado, o drama é convincente do início ao fim e até os personagens coadjuvantes são um tanto abençoados com arcos bem arredondados.
Também observando seu enredo emocionante está seu emocionante trabalho de câmera que faz o filme parecer vivo o tempo todo. Seus 104 minutos de duração simplesmente voam, graças à excelente edição e ao excelente ritmo. Sua trilha sonora carece de uma base segura em algumas ocasiões, mas ainda é útil na maior parte. O único problema que tenho é o final, que parece uma desculpa e não é totalmente merecido, mas é mais uma crítica do que qualquer outra coisa.
Chegando às apresentações, The Edge of Seventeen apresenta um elenco comprometido composto por Hailee Steinfeld, Woody Harrelson, Kyra Sedgwick, Haley Lu Richardson e Blake Jenner, com Steinfeld roubando a cena. Carregando o filme inteiro nos ombros, ela dá vida a Nadine com precisão e é um casamento personagem-ator que simplesmente funciona. O elenco de apoio desempenha o seu papel com responsabilidade, com Harrelson se destacando mais que os demais.
Em uma escala geral, The Edge of Seventeen é impressionante o suficiente para ser classificado entre os melhores filmes de "dramédia" de 2016 e é definitivamente uma entrada bem-vinda no mundo das comédias adolescentes e dramas sobre a maioridade. Uma montanha-russa de emoções que mostra um nível inicial de honestidade e compreensão sobre o assunto e é guiada pela atuação arrasadora de Hailee Steinfeld, este drama comovente, divertido e tratado com ternura é totalmente recomendado. Não perca.
Napoleon Dynamite
3.5 389Napoleão é um adolescente dolorosamente estranho, em um mundo retrô e desbotado. ele fala devagar e parece que a qualquer momento pode desmaiar de um estado inexplicável de exaustão. talvez seja isso que torna este filme tão engraçado: Napoleão nunca parece estar totalmente acordado, então seus comentários aleatórios e ridículos pegam você desprevenido.
Alguns de nós fomos ver esse filme, e metade de nós adorou, metade odiou. na verdade, as pessoas atrás de nós saíram no meio do filme. não era como se eles não estivessem rindo constantemente, apenas perceberam que nada iria acontecer... E é verdade: nada acontece. não há enredo seco e seco, não há clímax, não há romance épico. é apenas Napoleão e seu amigo Pedro refletindo sobre seus mundos. eles se deparam com uma série de mini-aventuras estranhas, mas isso é tudo.
Se você souber disso antes de ver, acho que seria útil. você pode desligá-lo a qualquer momento e saber que não precisa se preocupar em não descobrir o final. é apenas um filme pelo qual você flutua, aproveitando o tempo que pode passar no mundo relaxante e ridículo de Napoleão.
Devo dizer que pessoalmente adorei. sempre que Napoleão aparecia na tela eu ria. se você tiver paciência para assistir a este filme e apreciar seu humor sutil e lento, também ficará encantado.
Um Dia de Fúria
3.9 894 Assista AgoraTalvez não fosse o que eu sabia, mas o que eu esperava, e apesar dos trabalhos quase imperdoáveis de Joel Schumacher nos últimos filmes do Batman, consegui exatamente o que esperava deste filme.
Cada cena com Foster é exatamente como eu faria se estivesse caindo: a lógica, a frieza, a violência racional e intencional. A certa altura, me perguntei por que achava isso morbidamente engraçado e divertido, especialmente o local do Whammyburger. Mas a cada cena, Foster proclama que “só quer ir para casa” e o público consegue identificar-se com a simplicidade do seu objetivo.
Quase todas as sequências deste filme começam com uma longa cena da cidade, acompanhada de música taciturna. Quando se começa a escolher Foster na multidão, a impressão seria quase a de que o que é mostrado nada mais é do que um campo de batalha urbano, um soldado travando uma guerra contra o seu mundo.
O que me leva ao ponto: 'Falling Down' não é um drama, não é uma comédia, não é ação, é um filme de guerra. É claro e simples: Foster está travando uma guerra. este filme é como o Resgate do Soldado Ryan do gênero decadência urbana. Os aspectos de escrita e performance são ouro maciço, não há um momento vazio em Michael Douglas. O enredo é um arquétipo perfeito de Journey, bem como Apocalypse Now. Cada cena tem novas pessoas e novas situações, mas todas levam ao mesmo tema de profanação da civilização.
Faça uma pausa após cada cena com D-Fens e pergunte-se: “você pode culpá-lo?”.
Monster: Desejo Assassino
4.0 1,2K Assista Agora"Monster" segue a espiral descendente da moradora de rua/prostituta/assassina em série Aileen Wuornos. É uma história sombria, com certeza, mas é contada com tanta compaixão e é tão notavelmente livre de emoção que o filme fica completamente mais denso. Desde o início, sentimos que Aileen e sua namorada lésbica mais nova estão condenadas – uma sensação de pavor paira sobre os personagens. Pode ser o mesmo tipo de pressentimento que sentimos com “Boys Don’t Cry”.
A maioria dos comentários é, claro, sobre a linda Charlize Theron se transformando completamente nessa personagem. É surpreendente, com certeza. Mas não se trata simplesmente de um ator ganhando peso para um papel; Theron oferece um desempenho surpreendente; ela se aprofundou nesse personagem e você pode sentir as camadas dessa mulher. Em “Raging Bulls”, Robert DeNiro passou por uma transformação física semelhante, mas qual era o objetivo? Parecia ser um exercício por si só, porque seu Jake LaMotta estava além da redenção - simplesmente um bruto - e nos deixou perguntando por que alguém deveria glorificar esse personagem com um filme.
Theron também se aprofunda em sua personagem, mas consegue simpatia.
Não há comentários suficientes sobre a impressionante conquista da diretora e roteirista estreante Patty Jenkins. Ela entregou um filme excelente com mão segura e firme. Incrível.
Vidas Passadas
4.2 752 Assista AgoraSuponho que “Vidas Passadas” poderia ser caracterizada como “minimalismo”, mas é mais do que isso. Embora não haja um momento sinalizador de explosão emocional, as emoções dos personagens são calorosamente palpáveis. E você terá dificuldade em encontrar outro filme em que as cenas fluam tão facilmente e perfeitamente umas nas outras. O assunto é, bem, comum. Na verdade, um personagem se descreve como completamente “comum”. O que há de tão extraordinário neste filme é a bela escrita e a interpretação ainda mais bela da escrita.
"Vidas passadas" começam com uma espécie de prólogo, uma cena muito comum de três pessoas sentadas em um bar e diálogos enigmáticos em voz de outros clientes que nunca vemos, apenas tramas. Eles se perguntam sobre o relacionamento do trio, dois coreanos, um homem e uma mulher, e um cara branco (que mais tarde no filme é conhecido por ser judeu). Os coreanos são um casal ou são irmãos? Como os caras brancos estão conectados com eles. Talvez sejam apenas três colegas liberando pressão depois de queimarem óleo à meia-noite.
Após este prólogo, o filme é dividido em 3 períodos distintos marcados com texto claro na tela "24 anos antes", "12 anos atrás" e outro "12 anos atrás".
Flashback de 24 anos mostra dois colegas de classe de 12 anos, Na Young e Hei Sung, com o que presumimos serem paixões de cachorro um pelo outro. Eles chegaram a entrelaçar os dedos no banco de trás do carro de um dos pais. Quando Na Young imigrou para os EUA com seus pais, a separação não foi de lamentos dolorosos, mas sim de resignação a um sopro de tristeza, com compostura para ser admirada nessas duas crianças pré-adolescentes.
Quando o texto na tela anuncia "12 anos se passam", Na Young não é mais Na Young (exceto para sua mãe), mas Nora, uma jovem escritora que trabalha duro em Manhattan, esperando uma folga. Hei Sung continua com sua vida "comum" na Coreia do Sul, seguindo carreira em engenharia. Então, eles encontram cada um no Facebook. Bate-papos ocasionais em tempo real logo se tornam viciantes. Essa conexão finalmente vê o que você pode chamar de morte natural. A possibilidade de viajar para nos vermos não está dentro de um horizonte de dois anos. Isso machuca mais ele do que ela. Seu relacionamento com a namorada é instável. Ela conhece, em um resort idílico para escritor, um jovem escritor judeu. Arthur (John Magaro, excelente e sem crédito suficiente pela crítica) é gentil, gentil e sensato. Enquanto Hei Sung mergulha ainda mais na melancolia do amor de infância não realizado, Nora avança para o próximo capítulo dela. Ela se casa com Arthur e o casal se muda para Nova York, alugando um minúsculo apartamento, para seguir o sonho de um dia se tornar um escritor de sucesso.
Mais “12 anos se passam”. Nora e Arthur estão saudavelmente apaixonados, totalmente comprometidos um com o outro, embora haja dúvidas esporádicas sobre o andamento de suas carreiras. Hei Sung, por outro lado, está à deriva em sua normalidade. Ele tem namorada, mas o relacionamento deles é um caminho difícil. Então, ele decide fazer uma viagem para Nova York. Seja qual for o pretexto, ele quer ver Nora. Ela sabe. Até Arthur sabe.
É mais do que óbvio que o filme trabalha nessas cenas finais. Nora e Hei Sung se encontram enquanto ela mostra Manhattan a ele. É aqui que Lee e Yoo mostram seu brilho sutil com nuances, expressões faciais e linguagem corporal. Ah, eles entregam o diálogo lindamente também. Existe amor, amizade. O arrependimento é diluído com a crença de que este talvez seja o seu destino, influenciado pelas suas vidas passadas.
No final desta breve viagem, Hei Sung visita o casal em seu minúsculo apartamento para conhecer Arthur. O trio então sai para comer macarrão (sua resposta ao "o que você gostaria de comer" de Arthur?) E depois tomar uma bebida. As cenas remontam ao "prólogo" de abertura. Cada um dos três é tão natural quanto você esperaria. Arthur aprecia totalmente a situação, permitindo espaço para os dois namorados de infância conversarem em coreano. O bônus para o público é a cena entre os dois homens (quando Nora vai ao toalete), sempre tão gentilmente tocante. A cena de despedida, quando ela o acompanha na espera por seu Uber dela, embora previsível, é uma pungência agridoce que você adoraria. Para completar está a cena final que aquece seu coração.
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Precisamos Falar Sobre o Kevin
4.1 4,2K Assista AgoraEste não é o meu tipo de filme mas é o tipo de filme que me faz pensar muito depois. O filme se tornou interessante quando a história de Kevin foi apresentada cronicamente e, claro, Swinton, a atuação da infância e da adolescência de Kevin foi muito além de excelente. Mas depois de assistir ao filme, me perguntei: sobre o que é esse filme? Um bom filme precisa sempre de uma centralidade acentuada para fazer pensar, refletir, revelar ou criticar. Presumo que o filme estava tentando apresentar natureza versus criação, mas qual é a conclusão do filme? A natureza venceu! A próxima educação perfeita da mãe e de outros membros da família simplesmente não conseguiu salvar o espírito maligno de Kevin. Tudo o que pude ver foi apenas uma situação extrema, ou estatística, porque não há ninguém para culpar pelo comportamento de Kevin. E esta é a falha fundamental do filme: ele não conseguiu equilibrar a batalha ou conflito entre natureza e criação.
Bem-Vindo à Casa de Bonecas
3.9 228Quando vi este filme pela primeira vez, há alguns anos, imaginei que seria uma versão um pouco mais abrasiva de "The Breakfast Club" ou "Pretty in Pink", aqueles filmes sobre amadurecimento em que uma personagem feminina desajeitada sofre desprezo e ridícula durante a maior parte do filme, apenas para passar por uma ***FASHION MAKEOVER*** e surpreender as crianças populares com sua beleza saudável e natureza bem ajustada. Felizmente, este filme não seguiu esse caminho cansativo. Este filme reflete que muitas vezes o inconformismo não é uma escolha, que aqueles que estão à margem da sociedade nem sempre estão lá porque querem e são capazes de retroceder na aceitabilidade sempre que a situação o exigir. Neste caso, Dawn Weiner não está imune às mesmas travessuras mesquinhas de seus algozes. Como costuma acontecer, o abuso que ela sofre é transmitido a quem ela pode abusar. Este não é um filme em que se possa “torcer” por qualquer personagem em particular. Oferece um retrato bastante iluminado da psicologia de famílias reais e adolescentes reais, enquanto eles buscam todo o poder que podem. Ele retoma a trama de “Pigmalião” (também saqueada em “My Fair Lady” e “Uma Linda Mulher”, ugh) com um cenário de ensino médio. Mais uma vez, estamos de volta aos desajustados que “limpam bem” e só então se tornam objetos de afeto de seus senhores atletas.
A Última Sessão de Cinema
4.1 123 Assista AgoraDe alguma forma, The French Connection ganhou o prêmio de Melhor Filme de 1971, mas não foi nem remotamente tão bom quanto esta obra-prima de Peter Bogdanovich. Este é o melhor filme sobre uma pequena cidade já feito em Hollywood. O número de performances excelentes é incrível.
Timothy Bottoms e Jeff Bridges são ótimos colegas de ensino médio em uma cidade empoeirada do Texas que tem seus altos e baixos. Cybill Shepherd é uma boa razão pela qual eles têm seus altos e também a razão pela qual eles têm seus baixos. Cloris Leachman é maravilhosa como a mulher mais velha que seduz Bottoms, e Ellen Burstyn interpreta uma mãe muito experiente que enfrenta os golpes da vida.
Ben Johnson é muito bom em papéis coadjuvantes, assim como Eileen Brennan. Até o jovem Randy Quaid é divertido.
São pelo menos meia dúzia de ótimas atuações em UM filme. A direção e a fotografia são perfeitas e filmar o filme em preto e branco foi uma ótima ideia. Não perca esta obra-prima da vida em uma pequena cidade do Texas.
Wish: O Poder dos Desejos
3.0 169 Assista Agorao roteiro foi feito no chatgpt
Pobres Criaturas
4.1 1,2K Assista AgoraNão consigo descrever esse filme em palavras. Achei que sabia no que estava me metendo com base no trailer, mas vai além de tudo que já experimentei.
O cenário é muito inspirado no romance gótico da década de 1920 e não decepciona. Se você é fã de Frankenstein, Retrato de Dorian Gray, Jeckyll e Hyde ou qualquer outro romance de ficção gótica, precisa assistir a este filme.
Questiona-se o que é ser humano de uma forma muito envolvente, humana, divertida e empática. Os filmes indicados ao Oscar geralmente são muito atraentes, mas não envolventes. Este filme prende sua atenção em cada cena enquanto faz você questionar tudo o que sabe sobre o mundo.
Passarei as próximas semanas tentando encontrar um filme que se aproxime do que foi este.
Infâmia
4.4 300Lillian Hellman é um ícone americano. Uma mulher à frente do seu tempo, em todos os departamentos. Suas mulheres nunca são fáceis de ler, mas são reais. Da gelada Regina em "The Little Foxes" às irmãs de "Toys In The Attic" - Jane Fonda a interpretou, brilhantemente, em "Julia". Aqui, suas mulheres caminharam em um avião um pouco mais ousado. "The Children's Hours" foi um grande sucesso da Broadway e William Wyler, um dos melhores, dirigiu a versão cinematográfica como "These Three" na década de 1930, eliminando qualquer referência à homossexualidade. Acho que essa pode ser uma das razões pelas quais ele o refez em 1961 com o título original "The Children's Hour" Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Fay Bainter e Miriam Hopkins, que também estava no original no papel de Shirley MacLaine. O filme é atraente e parece maravilhoso e acho que é mais um documento de sua época, escrito por uma das escritoras mais corajosas de sua época. O estranho aqui é que são as mulheres que permanecem firmes em seus dias, elas nos mostram a indignação a partir de sua perspectiva e é por isso que parece "datado". Eles se comportariam de maneira muito diferente hoje, mas não os sulistas ricos. Acredito que eles também tirariam seus filhos da escola. assim como fizeram então. Os oprimidos seguiram em frente, mas os opressores diminuíram em número, mas não mudaram muito. Um filme fascinante.
Vidas Amargas
4.2 176 Assista AgoraO primeiro filme da trilogia de James Dean que o estabeleceu como o porta-voz de uma vez por todas da juventude masculina angustiada é East of Eden. É um romance de John Steinbeck que fala da Califórnia da juventude de Steinbeck nos anos imediatamente anteriores à Primeira Guerra Mundial.
É a história de dois irmãos criados por um pai hipócrita, um dos quais é a menina dos seus olhos e o outro um completo idiota que não consegue acertar nada. Parece muito com Caim e Abel, não é?
Em Gênesis realmente não se explica por que Abel foi tão favorecido por Deus em oposição a Caim. A única coisa que diz é sobre suas ocupações e, presumivelmente, cuidar de ovelhas é uma coisa melhor a se fazer na escala social do que trabalhar com ferro. Deus parece meio arbitrário ali, assim como o pai Raymond Massey, que não se chama 'Adam' Trask à toa.
James Dean é o filho mau chamado Caleb ou Cal, para abreviar, e Dick Davalos é o filho bom chamado Aaron. Davalos até aspira ao ministério, uma vocação sem dúvida que Massey poderia ter desfrutado. Ele criou os dois sem mãe e disse que ela estava morta.
Mas Dean descobre o contrário, ela não está apenas viva, mas também é a próspera senhora de um bordel na vizinha Monterey. Dean a procura e guarda suas notícias para Davalos em um momento em que ele está vulnerável.
Assim como Deus parece preferir arbitrária e caprichosamente Abel a Caim, Massey apenas favorece este filho em detrimento do outro. Dean sabe disso em algum nível e isso o devora vivo.
Julie Harris tem um bom papel no filme como a noiva de Davalos, que fica cada vez mais atraída por Dean à medida que o filme avança. Gostei muito de Burl Ives que faz o papel de xerife e que realmente funciona como os olhos e ouvidos do público em East of Eden. É a perspectiva dele de onde o filme é desenhado. Ele tem Massey quase certo, como um bom homem e um bom amigo, em muitos aspectos, bom demais e não real nos costumes do mundo.
Em Gênesis, Deus ordenou que Adão e Eva saíssem do paraíso, mas no Leste do Éden é Adão quem expulsa Eva. A mãe é interpretada por Jo Van Fleet, que ganhou o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante naquele ano. A cena do confronto entre Dean e Davalos é inesquecível.
James Dean foi indicado para Melhor Ator; na verdade, foi a primeira indicação póstuma dada em qualquer uma das categorias de atuação. Ele perdeu para Ernest Borgnine por Marty. Por incrível que pareça, seus dois últimos filmes foram lançados após sua morte, em 29 de setembro de 1955. Isso transformou a tragédia da morte de uma jovem estrela promissora em uma lenda do século XX.
Não sei por que Dick Davalos não recebeu a mesma aclamação por seu papel como James Dean. Como parte do velho bloco hipócrita de Massey, está longe de ser um retrato unidimensional. Davalos sente que é quase sua missão na vida refletir o pai de todas as maneiras possíveis.
O romance de Steinbeck foi bastante reduzido, há metade do livro que explica como a família Trask foi até onde está completamente desaparecido e mais um pouco no futuro para explicar o que acontece com todos eles. Ainda há mais do que suficiente aqui e as partes mais importantes da história e dos personagens não são perdidas.
Chicago
4.0 997Os personagens de ficção, como um todo, conseguem mais do que é permitido na realidade. Eles fazem coisas que nunca toleraríamos em nossos colegas, mas ainda assim conseguem despertar nossa simpatia. Talvez seja uma forma de catarse – em vez de infligir violência a outras pessoas, assistimos alguém na tela fazer isso e torcemos por ela. Esse é o caso de “Chicago” – o filme apresenta uma grande galeria de criminosos desonestos, com homens e bandidos, mas a maioria deles é surpreendentemente agradável. E, no entanto, o desejo de torcer pelos bandidos é um tanto perturbador, pois "Chicago" é uma história sobre pessoas vencendo o rap manipulando o público, ilicitando sua simpatia e brincando com sua necessidade profunda pelo bizarro e sangrento.
Contada de uma maneira, a história de “Chicago” soa como um drama do showbusiness: uma jovem sonha com o estrelato. Ela é inicialmente ingênua, mas aprende rapidamente, ascendendo ao centro das atenções enquanto uma rival mais velha e experiente se ressente do novo rosto que está roubando a cena. A diferença é que a arte é o assassinato, e o palco é composto pelos jornais, pelo rádio, pelo tribunal e pelo olhar público que tudo devora. A veterana é Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones), uma cantora de boate que matou o marido e a irmã depois de encontrá-los no que costuma ser chamado de “posição comprometedora”. A recém-chegada é Roxie Hart (Renee Zelweiger), uma gracinha que atirou em seu amante depois de descobrir que ele a estava usando, e que espera que seu marido Amos (John C. Reilly, excelente como capacho por excelência) a apoie depois. Ambas as mulheres são representadas por Billy Flynn (Richard Gere), que se gaba de poder vencer qualquer rap pelo preço certo e é provavelmente o que Shakespeare tinha em mente quando fez aquela piada sobre matar todos os advogados. A fórmula de Flynn é simples: transforme o cliente em um queridinho da mídia, conte uma história trágica sobre a boa menina arruinada por más escolhas e a conquista será certa.
"Chicago" é um musical, e o filme usa o artifício de estabelecer dois mundos: a Chicago real e um mundo de fantasia surreal na forma de um teatro da Era do Jazz, onde a música e a dança acontecem. Em muitos musicais isso não funcionaria, mas aqui faz sentido. O diretor Rob Marshall funde muito bem os dois mundos, criando imagens que se complementam de forma eficaz. Alguns dos conceitos parecem coisas que você veria em um cartoon editorial: uma coletiva de imprensa torna-se um ato ventroliquista e um show de marionetes, um julgamento é retratado como um circo literal. Outros oferecem um reflexo do eu interior do personagem: Amos, disfarçado de comediante de calças largas, lamenta o fato de que, como todas as segundas bananas, ninguém realmente o nota - até mesmo o público de fantasia parece indiferente à sua atuação (o que é , na verdade, maravilhoso).
O conjunto se transforma em excelentes atuações na categoria atuação, mas o canto é mais desigual. Zeta-Jones tem de longe a melhor voz dos protagonistas, como exemplificado pela casualmente sensual "All That Jazz". Zelweiger é aceitável, principalmente porque tem-se a impressão de que sua Roxie tem mais charme e determinação do que talento real. Gere mal consegue lidar com a música, e o faz principalmente porque Billy Flynn não é um dos papéis mais difíceis vocalmente no canhão do teatro musical. Mas o que falta em flautas ele compensa no departamento de personagem: seu Flynn é um canalha perfeitamente carismático, cujo talento e perigo estão em sua capacidade de ser tão charmoso. Taye Diggs, que preside o mundo dos sonhos como líder da banda, não consegue cantar, o que é uma pena, porque ele pode - ele estava no elenco original de "Rent" - mas funciona muito bem com o que lhe é dado.
A mistura de glitter e sujeira em “Chicago” lembra o “Moulin Rouge”, mas aqueles que consideraram este último excessivo provavelmente acharão este mais atraente. Qualquer fã de teatro musical, entretanto, não vai querer perder este filme – pode ser apenas o renascimento do filme musical de que temos ouvido falar.
NYAD
3.7 153A história de Diana Nyad é uma que sinto que deveria ter conhecido no passado. Parece que era de conhecimento público, mas essa história deve ter passado despercebida. Estou meio grata por isso, porque isso acabou me deixando na ponta da cadeira. Este é um ótimo estudo de personagem e os dois co-protagonistas muitas vezes roubam o cenário um do outro. É por isso que recomendo dar uma olhada no Nyad.
Crescendo como uma nadadora com muitos sonhos de nadar de longa distância, Diana Nyad (Annette Benning) decide aos 60 anos que não está pronta para desistir. Depois de não nadar há mais de 30 anos, ela opta por treinar e se esforçar para nadar 160 quilômetros de Cuba até Florida Keys. Sua melhor amiga de longa data, Bonnie (Jodie Foster), está sempre ao seu lado e apoiando-a, mas acha que ela está louca por essa escolha em particular. A dinâmica entre os dois também torna o filme muito mais divertido. É uma história simples sobre uma mulher que quer tentar mais uma vez realizar seu sonho, mas a química entre os dois co-protagonistas faz essa história cantar.
Dirigido pela dupla indicada ao Oscar Jimmy Chin e Elizabeth Chai Vasarhelyi (Free Solo), a personalidade que eles trouxeram para este filme é contagiante. Eles não apenas construíram as sequências de natação para serem intensas às vezes, mas os atores em geral pareciam estar se divertindo quando a história permitia. Esses são dois diretores nos quais vou ficar de olho. Também adorei a adição de Rhys Ifans como capitão do barco, John Bartlett. Suas atuações são sempre excelentes, mas sua forma passiva de se emocionar neste filme foi ótima. Seu personagem também é a razão pela qual um ou dois anos podem ter ocorrido no final do filme, e eu sempre elogio um filme por conseguir isso.
No geral, o lançamento de Nyad pela Netflix é algo que eu não esperava gostar tanto quanto gostei. Não é apenas uma história comovente de se assistir (mesmo que as escolhas da pessoa na vida real parecessem insanas), mas a natureza humorística de cada personagem, quando as coisas não são sérias, foi simplesmente uma alegria de assistir. Soberbamente dirigido, bem escrito, atuado impecavelmente e envolvente quando necessário, Nyad é um filme muito bom em todos os aspectos. É básico em termos de como tudo se desenrola, o que faz com que pareça muito familiar, mas não tenho muitas reclamações fora disso. Nyad vale o seu tempo.
Madame Teia
2.1 239 Assista AgoraLiteralmente um dos piores filmes de super-heróis que já vi.
Pelas propagandas, eu sabia que esse filme não seria ótimo, mas ainda assim, me surpreendeu o quão ruim e chato era. Tudo sobre direção, escrita, personagens, aspectos técnicos e designs é realmente horrível. A escrita é pobre, pois há muitos conceitos, ideias e aspectos confusos e sem graça. O roteiro confuso cria diálogos ruins por parte do elenco e os personagens não são interessantes. Os efeitos especiais pareciam ainda piores que o marketing e todas as performances eram muito ruins. Honestamente, me sinto mal por Dakota Johnson porque ela é uma boa atriz, mas ela merece ter papéis melhores do que este. O mesmo pode ser dito do resto dos membros do elenco.
Os usos da colocação de produtos são irritantes, os momentos de ação são enfadonhos e, no geral, foi enfadonho. Filmes de super-heróis não deveriam ser chatos, mas isso realmente se arrastou. É uma pena, porque as protagonistas femininas de super-heróis são algo que adoro ver, como Mulher Maravilha e A Velha Guarda, que são muito divertidas. Mas, infelizmente, parecia que isso provavelmente não aconteceria tão cedo.
Realmente não há mais nada a dizer.
Ruim.
Armageddon
3.5 1,1KVapor, vento, som e gravidade em um asteróide voando pelo espaço? Sim, o diretor realmente não pensou em toda essa 'coisa espacial' (ou acho que ele simplesmente não se importou... ele disse: "Meh, vamos apenas tornar isso divertido"). E o filme é muito divertido, se você ignorar as inconsistências óbvias e as falhas na trama. Veja assim: é um filme de Bruce Willis e sua equipe de desajustados tentando salvar o mundo indo para o espaço sideral e explodindo um asteróide gigante que está se aproximando da Terra. PS. Liv Tyler a única coisa boa desse filme.
Incêndios
4.5 1,9KPara ser honesta, não há mais nada a dizer em termos de história depois deste filme. A tragédia, a atmosfera e tudo mais...
Como admiradora da filmografia de Dennis Villeneuve graças ao seu trabalho nos últimos anos, já sabia o quanto ele é um brilhante contador de histórias. No entanto, Incendies não é diferente. Roteiro lindamente estruturado, visual, trilha sonora...
Por último, a introdução, junto com "You and Whose Army?" é provavelmente um dos melhores que já testemunhei facilmente.
Existem imagens e cenas extremamente poderosas e inesquecíveis em Incendies. Basta dizer que mesmo que você não tenha interesse pela história do Oriente Médio, este filme irá prender sua atenção desde o início e prendê-lo até o fim. É o terceiro grande filme (e sem dúvida o melhor) que vi sobre esse assunto depois de Valsa com Bashir e Líbano. Tudo isso é uma visualização essencial.
Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas
4.2 2,2K Assista AgoraPromessa sutil, delicada, comovente e fascinante da vida como fruto do sonho. Sobre o gosto ambíguo da imaginação e sobre a existência como uma viagem espetacular. Sobre desejo e realidade como pão quente.
O filme é uma mistura entre infância e pequenos milagres, sobre uma imagem especial de gestos comuns e sobre esperança em aspectos excêntricos. A textura é a mesma dos contos da avó na véspera de Natal ou na manhã de domingo. Um herói corajoso, uma vila estranha, tentação e grande amor, sucesso e descobertas, milagres e público, sentido secreto de vida e coragem. Assim, em muitos casos, a realidade é apenas uma passagem enfadonha e o sonho, a brincadeira infantil, o som da voz do anjo ou os fatos estranhos são o cerne de um magnífico ato de contemplação.
É uma história moral mas, na mesma medida, é fonte de uma forma de ver o mundo. A vida não é um castigo ou um saco de rotina. A fé não faz parte apenas de uma relação com Deus, mas consigo mesmo. Os outros são, em grande medida, partes de um milagre engraçado e de uma expectativa inefável.
A atuação de Ewan Mc Gregor é brilhante. Nuances, sotaques, inflexões de palavras, sorrisos ou gestos são tijolos de um caráter magnífico, comovente, caloroso, credível. Em alguns momentos, o filme apresenta diálogos espetaculares entre a interpretação de McGregor e Albert Finney.
Na verdade, "Big Fish" é um conto. Um conto de fadas sobre a magia da vida a partir de palavras ou fatos exteriores.
Nove Canções
2.6 384Cheguei a este filme de Michael Winterbottom a partir de um de seus esforços anteriores, estrelado por Samantha Morton e Tim Robbins. Nunca tinha ouvido falar dele como diretor e quando a Sight and Sound fez um artigo sobre ele achei que ele merecia atenção.
Outra razão para ver este filme foi a promessa de poder assistir a um casal fazendo sexo de verdade e não apenas fingindo orgasmos e sugerindo sexo oral e nada de pornografia. Eu queria muito ser lembrado dos motivos pelos quais duas pessoas podem ficar juntas por causa do que têm em comum.
O filme de Winterbottom não é pornografia de forma alguma. É apenas um estudo de um relacionamento visto através do contexto do sexo real (o que quase todos nós experimentamos quando atingimos uma certa idade (geralmente 18 anos ou mais) e não estamos vinculados a considerações religiosas, ou seja, o sacerdócio católico) e música popular. Isso é tudo. E o elenco são duas pessoas comuns. Eles não são atores pornôs artificialmente aprimorados ou bonecos enfeitados para o benefício do espectador. É um filme cheio de verrugas, embora eu tenha muita admiração por Winterbottom por persuadir qualquer ator a mostrar à câmera (e, portanto, ao público) sua verdadeira ereção e posterior orgasmo.
Uma vez que a novidade de assistir sexo adulto real passa, no entanto, resta pouco mais e essa é a verdadeira decepção deste filme. No entanto, é um filme adulto e alguns podem gostar.