André Vinhas

Quando ouvimos que Dwayne Johnson estrelou um novo filme, a expectativa quase automática é a de encontrar ação explosiva, humor ou aquele carisma típico que marcou sua trajetória em Hollywood. Porém, Coração de Lutador: The Smashing Machine segue por um caminho bem diferente e talvez seja essa quebra de expectativa um dos pontos mais interessantes da produção. O filme mergulha na complexa dualidade do lutador Mark Kerr, um atleta vitorioso e reverenciado publicamente, mas que, nos bastidores, trava batalhas intensas contra o vício em opioides e seus próprios fantasmas pessoais.

O maior destaque da obra é, sem dúvida, a interpretação de Dwayne Johnson. Ele abandona a persona “The Rock” para entregar uma atuação surpreendentemente contida, vulnerável e dolorosa. É um trabalho de figuração física e emocional que foge do óbvio e mostra o ator em uma de suas performances mais maduras. Johnson se transforma em Kerr de um jeito que realmente sustenta o filme.

Outro ponto positivo está nas ambientações das lutas. Os cenários reproduzem com fidelidade a estética crua dos ringues que ajudaram a construir a lenda de Mark Kerr no esporte. Há um esforço visível em transportar o público para aquele universo, trazendo autenticidade às cenas e resgatando o clima da época.

Mas, apesar dessas qualidades, Coração de Lutador não consegue se firmar plenamente como um grande filme esportivo. As lutas, que poderiam ser o ponto alto da narrativa, acabam soando decepcionantes, sem impacto dramático ou técnico. Além disso, a narrativa promete explorar muitos temas, vício, carreira, saúde mental, relacionamentos, mas não aprofunda nenhum deles como deveria. O resultado é um filme que parece sempre à beira de dizer algo grandioso, mas não chega lá.

No fim, The Smashing Machine vale pela entrega impressionante de Johnson e pela tentativa de apresentar um lado pouco conhecido da vida de Mark Kerr. No entanto, fica a sensação de oportunidade perdida, sobretudo para quem esperava uma história mais forte, lutas marcantes e uma abordagem mais profunda sobre o homem por trás do lutador.

Quando a simplicidade encontra a poesia

Em uma época em que muitos espectadores buscam nos cinemas superproduções, efeitos especiais grandiosos e grandes astros para se impressionarem, Sonhos de Trem (2025) surge como um lembrete de que o cinema não precisa de artifícios para emocionar. Dirigido por Clint Bentley, o filme aposta justamente no oposto: uma história simples, contada com calma e sutileza, sustentada por uma fotografia belíssima que se torna o verdadeiro coração visual da obra.

A interpretação de Joel Edgerton merece destaque absoluto. Seu trabalho é de uma sensibilidade rara, capaz de transmitir camadas profundas de dor, silêncio e ressignificação apenas com olhares, gestos contidos e pausas que dizem mais do que longos diálogos. É uma performance cativante, que carrega o filme sem esforço e transforma sua jornada pessoal em algo universal.

Sonhos de Trem também se destaca pelos aspectos contemplativos que propõe. Ao longo da narrativa, o espectador é convidado a refletir sobre temas como a solidão, o luto, a memória e o legado que deixamos. O filme se move em um ritmo que pode parecer arrastado em alguns momentos, mas essa lentidão é parte do encantamento: ela abre espaço para sentir, observar e deixar a história respirar.

No fim das contas, Bentley entrega um filme “simples” apenas na superfície. Por trás dessa simplicidade, há poesia, sensibilidade e força emocional. Sonhos de Trem não tenta ser grandioso e justamente por isso, é lindo, tocante e permanece na mente do espectador muito depois que os créditos sobem.

Entre a nostalgia e o politicamente incorreto: o espaço do humor despretensioso em 2025

Em tempos em que a comédia vem tropeçando nas bilheterias, Corra Que a Polícia Vem Aí! (2025) cumpre uma missão quase impossível: resgatar o riso leve, besteirol e politicamente incorreto que marcou gerações nos anos 80 e 90.

O filme não se leva a sério, e nem tenta. Ele abraça o humor de quinta série, aquele que muitos acreditavam estar ultrapassado, mas que ainda encontra espaço e público. É uma volta às raízes do gênero, lembrando que o riso escrachado também pode ser catártico.

Liam Neeson surpreende como o filho do inesquecível Frank Drebin, papel eternizado por Leslie Nielsen. A transição funciona e presta homenagem ao mestre do humor físico e absurdo. O elenco de apoio também brilha, com destaque para Pamela Anderson, que protagoniza momentos tão improváveis quanto hilários.

No fim, Corra Que a Polícia Vem Aí! não pretende revolucionar o cinema, mas sim devolver ao público a leveza e a diversão sem pretensão. E nisso, acerta em cheio: é entretenimento puro, descompromissado, para quem quer apenas rir e se distrair.

A Vida de Chuck: um filme tocante que reflete sobre a essência da vida

Stephen King já deu ao cinema adaptações memoráveis tanto no terror quanto no drama: títulos como O Iluminado (1980), À Espera de um Milagre (The Green Mile, 1999) e Um Sonho de Liberdade (The Shawshank Redemption, 1994) permanecem num patamar quase imbatível. Ainda assim, A Vida de Chuck, dirigido por Mike Flanagan, se destaca com seu charme próprio, talvez não na primeira prateleira histórica, mas certamente merecedor de atenção e respeito.

O filme é estruturado em três atos reversos: do fim ao princípio, mantendo fidelidade à obra literária de King. Essa sequência “não natural” captura o interesse desde o primeiro ato e confere uma experiência narrativa provocadora e que desperta a curiosidade imediatamente.

A filosofia existencial e tocante que permeia o conto é transmitida com delicadeza. Falas reflexivas e uma atmosfera emocional rica tornam-se essenciais para envolver o público nesse mergulho introspectivo.

No elenco, as três fases da vida de Chuck são interpretadas com ternura e profundidade. Tom Hiddleston traz gravidade e mistério à versão adulta; Benjamin Pajak confere sinceridade e vulnerabilidade à infância; e Jacob Tremblay, em uma fase intermediária, entrega nuances que emocionam, mesmo que breve.

A trilha sonora, eleva as camadas emocionais do filme com um arranjo comovente e envolvente. Outro ponto destacável, é a fotografia, que valoriza a narrativa e o tom contemplativo, criando composições visuais belíssimas.
Enfim, embora talvez não rivalize com os maiores clássicos das adaptações de King, que, como mencionado, formam uma prateleira altíssima, A Vida de Chuck merece seu lugar destacável. É uma obra sensível, comovente e reflexiva, que reafirma a versatilidade emocional de King no cinema contemporâneo.

Quando a busca pelo paraíso revela o lado sombrio da humanidade

Com a premissa de um grupo de pessoas distintas que abandona a civilização para buscar nas Ilhas Galápagos a resposta para a pergunta eterna: qual é o sentido da vida? O diretor Ron Howard (responsável por sucessos como Apollo 13 (1995), Uma Mente Brilhante (2001) e O Código Da Vinci (2006)) entrega uma obra que mistura fascínio e estranheza. O elenco estrelado e o fato de a narrativa ser baseada em uma história real fisgam o público logo de início, despertando curiosidade imediata.

A realidade por trás dos fatos, contudo, é sombria e perturbadora: disputas territoriais, rivalidades, desaparecimentos e mortes misteriosas formam o pano de fundo. Apesar disso, a adaptação para o cinema acaba soando arrastada em alguns trechos, perdendo parte do impacto que a trama naturalmente carrega.

Ainda assim, há momentos de tensão bem construídos, que prendem o espectador e resgatam o interesse com diálogos intensos e cenas que flertam com o suspense. A mensagem maior que o filme parece deixar é dura e direta: não existe paraíso na Terra enquanto houver humanidade, já que os conflitos humanos sempre tendem a se repetir, mesmo nos lugares mais isolados.

No fim, Éden é uma história diferente e pouco conhecida, que, mesmo com ritmo irregular, consegue se sustentar pelo peso de seus fatos reais e pela atmosfera de breve tensão que deixa o público refletindo após os créditos.

Cheguei até Warfare (2025) por dois motivos: a temática de guerra, que sempre me atrai no cinema, e o nome do diretor Alex Garland, responsável por grandes obras como Civil War (2024) e Ex Machina (2015). Durante a exibição, em alguns momentos tive a impressão de estar diante de uma produção arrastada. Porém, ao final, com uma análise mais criteriosa, compreendi a proposta do diretor: mostrar a guerra em sua realidade nua e crua, sem dramatizações ou atos heroicos tão comuns ao gênero.

Garland opta por destacar o lado humano dos soldados americanos, fugindo das fórmulas tradicionais de glorificação. Aqui, o choque, a violência e o trauma assumem o papel de protagonistas, dando ao espectador uma experiência mais crível e perturbadora.

Outro aspecto que merece destaque é o primoroso trabalho sonoro. O contraste entre silêncio e estrondo cria uma atmosfera de tensão constante e contribui para a imersão, fazendo com que o público sinta a guerra não apenas como imagem, mas como impacto sensorial.

Warfare pode não agradar quem busca ação frenética ou heroísmo patriótico, mas se revela uma obra corajosa, que encara a brutalidade da guerra sem filtros.

Um live action carismático, divertido e que emociona

Na leva de remakes em live action da Disney, Lilo & Stitch (2025) ocupa um lugar interessante. Confesso que não vi a animação original, apesar de saber o quanto ela é idolatrada por crianças e adultos. Ainda assim, este novo filme confirma o carisma eterno dos personagens.

A história é divertida e emocionante, conduzida por personagens cativantes e, principalmente, pela atuação encantadora de Maia Kealoha, que dá vida à Lilo com muita naturalidade e emoção. É ela quem carrega boa parte da força emocional da trama, estabelecendo uma conexão sincera com o público.

Mesmo sem a referência da versão animada, este live action conquistou minha simpatia. Colorido, afetuoso e divertido, o filme tem a leveza típica da Disney, mas também entrega emoção. Para quem já era fã, é um reencontro; para quem, como eu, não conhecia a fundo a história, é uma bela porta de entrada. Vale a pena conferir.

James Gunn Transforma Superman em um Herói Mais Humano e Divertido

Confesso que nunca fui um grande fã da DC. Tirando Batman, os outros personagens nunca me despertaram tanta atenção, seja nos desenhos ou nos filmes. Inclusive, não assisti aos clássicos antigos do Superman. Ainda assim, o hype em torno dessa nova fase da DC, comandada por James Gunn, me fez dar uma chance.

E é justamente por isso que minha conclusão é um pouco ambígua. O filme apresenta um Superman diferente, mais humano, com nuances de humor que lembram a identidade de Gunn em Guardiões da Galáxia. A presença de Krypto, o cachorro, apesar de claramente buscar atrair o público infantil, não chega a destoar e até acrescenta leveza em alguns momentos.

No fim, o resultado é um filme despretensioso, divertido, colorido e cheio de ação. Não é a reinvenção definitiva do herói, mas certamente agrada quem já aprecia o estilo de James Gunn e pode até conquistar aqueles que, como eu, não têm tanta ligação com o Superman.