Quando ouvimos que Dwayne Johnson estrelou um novo filme, a expectativa quase automática é a de encontrar ação explosiva, humor ou aquele carisma típico que marcou sua trajetória em Hollywood. Porém, Coração de Lutador: The Smashing Machine segue por um caminho bem diferente e talvez seja essa quebra de expectativa um dos pontos mais interessantes da produção. O filme mergulha na complexa dualidade do lutador Mark Kerr, um atleta vitorioso e reverenciado publicamente, mas que, nos bastidores, trava batalhas intensas contra o vício em opioides e seus próprios fantasmas pessoais.

O maior destaque da obra é, sem dúvida, a interpretação de Dwayne Johnson. Ele abandona a persona “The Rock” para entregar uma atuação surpreendentemente contida, vulnerável e dolorosa. É um trabalho de figuração física e emocional que foge do óbvio e mostra o ator em uma de suas performances mais maduras. Johnson se transforma em Kerr de um jeito que realmente sustenta o filme.

Outro ponto positivo está nas ambientações das lutas. Os cenários reproduzem com fidelidade a estética crua dos ringues que ajudaram a construir a lenda de Mark Kerr no esporte. Há um esforço visível em transportar o público para aquele universo, trazendo autenticidade às cenas e resgatando o clima da época.

Mas, apesar dessas qualidades, Coração de Lutador não consegue se firmar plenamente como um grande filme esportivo. As lutas, que poderiam ser o ponto alto da narrativa, acabam soando decepcionantes, sem impacto dramático ou técnico. Além disso, a narrativa promete explorar muitos temas, vício, carreira, saúde mental, relacionamentos, mas não aprofunda nenhum deles como deveria. O resultado é um filme que parece sempre à beira de dizer algo grandioso, mas não chega lá.

No fim, The Smashing Machine vale pela entrega impressionante de Johnson e pela tentativa de apresentar um lado pouco conhecido da vida de Mark Kerr. No entanto, fica a sensação de oportunidade perdida, sobretudo para quem esperava uma história mais forte, lutas marcantes e uma abordagem mais profunda sobre o homem por trás do lutador.

Quando a simplicidade encontra a poesia

Em uma época em que muitos espectadores buscam nos cinemas superproduções, efeitos especiais grandiosos e grandes astros para se impressionarem, Sonhos de Trem (2025) surge como um lembrete de que o cinema não precisa de artifícios para emocionar. Dirigido por Clint Bentley, o filme aposta justamente no oposto: uma história simples, contada com calma e sutileza, sustentada por uma fotografia belíssima que se torna o verdadeiro coração visual da obra.

A interpretação de Joel Edgerton merece destaque absoluto. Seu trabalho é de uma sensibilidade rara, capaz de transmitir camadas profundas de dor, silêncio e ressignificação apenas com olhares, gestos contidos e pausas que dizem mais do que longos diálogos. É uma performance cativante, que carrega o filme sem esforço e transforma sua jornada pessoal em algo universal.

Sonhos de Trem também se destaca pelos aspectos contemplativos que propõe. Ao longo da narrativa, o espectador é convidado a refletir sobre temas como a solidão, o luto, a memória e o legado que deixamos. O filme se move em um ritmo que pode parecer arrastado em alguns momentos, mas essa lentidão é parte do encantamento: ela abre espaço para sentir, observar e deixar a história respirar.

No fim das contas, Bentley entrega um filme “simples” apenas na superfície. Por trás dessa simplicidade, há poesia, sensibilidade e força emocional. Sonhos de Trem não tenta ser grandioso e justamente por isso, é lindo, tocante e permanece na mente do espectador muito depois que os créditos sobem.

Entre a nostalgia e o politicamente incorreto: o espaço do humor despretensioso em 2025

Em tempos em que a comédia vem tropeçando nas bilheterias, Corra Que a Polícia Vem Aí! (2025) cumpre uma missão quase impossível: resgatar o riso leve, besteirol e politicamente incorreto que marcou gerações nos anos 80 e 90.

O filme não se leva a sério, e nem tenta. Ele abraça o humor de quinta série, aquele que muitos acreditavam estar ultrapassado, mas que ainda encontra espaço e público. É uma volta às raízes do gênero, lembrando que o riso escrachado também pode ser catártico.

Liam Neeson surpreende como o filho do inesquecível Frank Drebin, papel eternizado por Leslie Nielsen. A transição funciona e presta homenagem ao mestre do humor físico e absurdo. O elenco de apoio também brilha, com destaque para Pamela Anderson, que protagoniza momentos tão improváveis quanto hilários.

No fim, Corra Que a Polícia Vem Aí! não pretende revolucionar o cinema, mas sim devolver ao público a leveza e a diversão sem pretensão. E nisso, acerta em cheio: é entretenimento puro, descompromissado, para quem quer apenas rir e se distrair.