A franquia 'A Barraca do Beijo' da Netflix começou com atitudes sexistas e retrógradas em relação aos personagens principais em idade escolar, depois evoluiu para uma coleção de tropas românticas e truques que dão ao gênero uma má fama. Agora ficamos com o episódio final, após três filmes, esta série ainda não conseguiu encontrar o seu protagonista.
'A Barraca do Beijo 3' encontra mais complicações para Elle, mas nenhuma delas mostra que ela está se tornando uma pessoa madura. Na franquia, toda a identidade de Elle está enraizada em seus relacionamentos com Noah e Lee. Sem eles, ela simplesmente não existe.
Tem muita coisa acontecendo em 'A Barraca do Beijo 3', há muitas distrações para realmente desenvolver a dinâmica sem algum diálogo desajeitado explicando exatamente o que está acontecendo. Parte disso é devido ao grande número de histórias comprimidas em menos de duas horas de duração do filme.
Diante de um roteiro muito pobre, direção fraca, ritmo horrível, muita tela verde e piadas sem graça, o elenco injeta coração e humor em seus personagens, ainda assim, o charme dos atores e atrizes não são suficientes para salvar a franquia, que finalmente e felizmente, está chegando ao fim, ou não...
Joey King, que normalmente dá o seu melhor para vender as dores crescentes do amor jovem de Elle, parece um pouco mais cansada desta vez. Ela deixou para trás o otimismo de olhos arregalados dos filmes anteriores por uma Elle que parece tão exausta com tudo isso.
O namorado legal e gostoso de Jacob Elordi também parece igualmente cansado. A postura machista de seu personagem é menos sobre se conectar com Elle do que ser muito inseguro com ela. Joel Courtney parece ser o único totalmente comprometido com seu personagem, o que infelizmente, não parece ter amadurecido muito desde quando ele protestou pela primeira vez por sua melhor amiga namorar seu irmão.
O filme se torna maçante e cansativo quando mais uma vez essas crianças tem uma lista de atividades para cumprir, essencialmente preparadas por Elle para deixar Lee feliz. Por razões que não posso explicar, isso inclui um concurso para ver quem consegue beber bebidas congeladas mais rápido, um número de karaokê induzido por gás hélio e um flash mob coreografado. O único cenário que consegue ser mais criativo do que exaustivo é uma corrida de kart baseada no videogame "Mario Kart".
É difícil acreditar que a cinematografia desses filmes poderia piorar, mas acredite em mim, piorou. Provavelmente devido à pandemia ou a uma agenda apertada, uma série de closes de Elle, Lee e Noah claramente têm planos de fundo verdes, parecendo tão pouco naturais quanto muitas coisas na história.
'A Barraca do Beijo 3' parece se preocupar mais em entregar diversão do que uma boa história. Embora haja o suficiente para distrair os espectadores da história extremamente sutil, a ideia de diversão do filme torna-se tediosa rapidamente. O longa é uma ótima conclusão para a trilogia, continuando a diversão exagerada, embora superficial, dos filmes anteriores enquanto tenta levar a história de Elle adiante.
Esta comédia romântica para adolescentes tem tudo: traição, ciúme, garotas más, desculpas públicas, uma competição de dança de videogame, um colapso aquecido do Dia de Ação de Graças e montagens românticas e tristes. Mesmo assim, 'A Barraca do Beijo 2' é bastante vazio, previsível e completamente bobo.
É engraçado que a autora tenha dito que queria escrever "The Kissing Booth" porque os únicos livros de romance para jovens adultos que existiam eram da variedade sobrenatural / vampiro e ela queria algo real.
Porém 'A Barraca do Beijo 2' é pura fantasia. A alegria é forçada, as revelações são banais e os personagens são imemoráveis. Como o primeiro, este filme não existe em nenhum tipo de realidade: financeira, emocional ou física.
A sequência, dirigida e co-escrita novamente por Vince Marcello, não se afasta muito da fórmula da primeira, colocando os itens de cinema do ensino médio em embalagens caras e lustrosas.
Infelizmente 'A Barraca do Beijo 2' não é um bom filme, nem uma boa sequência. Com alguns momentos divertidos, especialmente para os fãs, mas em última análise, é uma sequela de filme adolescente exagerado, superestimada e prolongada.
'Bela Vingança' é o primeiro filme com Emerald Fennell na direção, o longa é uma fantasia de vingança feminina que segue alguns dos tropos do gênero, mas também tem uma alegria considerável em superar as expectativas do espectador. Estrelado por Carey Mulligan, o filme é um tanto irregular, mas sempre convincente de suspense, comédia negra e um monte de outras coisas que vai despertar muito debate.
'Bela Vingança' evita a fórmula familiar de vingança de estupro e injeta um olhar feminino subversivo, mas não cobre nenhum terreno novo que ainda não tenha sido tocado. Apesar de todas as complexidades do tópico, ele é abordado com uma simplicidade surpreendente.
Para mim uma das grandes falhas de 'Bela Vingança' é deixar a personagem Nina de fora. Ela é uma personagem essencial, mas o que aconteceu com ela não é mostrado, nem ela aparece durante o longa, sua morte ocorre antes do início do filme e toda sua identidade é consumida pelo evento que alterou irrevogavelmente a vida dela e de Cassie. A metáfora é clara, mas isso não a torna menos confusa.
O filme é um pouco confuso com sua mensagem. Cassie não é uma sobrevivente de agressão sexual, para ela, o trauma sexual de Nina atrofiou sua vida: forçou-a a abandonar a escola e perder o sonho de se tornar médica. Cassie assume o trauma de Nina é como uma mistura de feminismo branco e dilui o poder do que Fennell está realmente tentando alcançar com seu filme: o desmantelamento da tropa do “cara legal”. 'Bela Vingança' explora de forma ostensiva ideias complexas, cortando o caminho mais simples por meio delas.
A motivação da personagem Cassie é sincera, mas também desfocada. Carey Mulligan é uma das atrizes mais talentosas de nosso tempo, faz o que pode para dar vida a este filme. A atriz é muito talentosa e faz o seu melhor para fazer desta uma história sobre um ser humano sofrendo, ao invés de apenas um grande momento de ensino. Ela interpreta Cassie como uma mulher que foi roubada de alegria, deixando para trás uma pátina manchada de exaustão e desconfiança.
Os atores atuam principalmente para a câmera, como se não tivessem certeza de que sua ênfase de chumbo é pesada o suficiente. O tom de 'Bela Vingança' pretende ser sombriamente cômico, mas o elenco de apoio não é suficientemente hábil para sustentá-lo. Tudo fica mais complicado quando o enredo é narrado de maneira telegráfica em vez de dramática.
A trilha sonora apresenta um desfile de músicas pop deliberadamente enfadonhas de nomes como Paris Hilton e Spice Girls. No entanto, a trilha sonora original de Anthony Willis é intrigantemente convencional e séria. O designer de produção Michael Perry e o diretor de fotografia Benjamin Kracun trazem imagens com cores doces que combinam com sombras sinistras para dar à produção um visual distinto.
Assim que Cassie se aproxima do final, o filme muda para um terceiro ato que com certeza se polariza. Quando você acha que Cassie pode estar caminhando para um acabamento limpo e sem brilho, Fennell em vez disso, define um estopim para um ato final explosivo que vai inspirar peças de reflexão e dissecações nos anos que virão.
O filme é baseado em um livro de mesmo nome da autora Beth Reekles. Antes de ser publicada, a história foi originalmente postada online no Wattpad por Beth quando ela tinha apenas 15 anos. Não preciso falar mais nada né?!
A maior diferença do filme, vai além das situações divertidas durante a árdua conquista do atleta gatinho e garanhão, mas ele também é sobre amizade. E aí você pensa "nossa que legal!" só que não! Quando a trama sobre amizade surge no meio do filme, A Barraca do Beijo fica cabisbaixa e o seu tom fica arrastado. Da metade para frente o filme entra em queda livre para o desastre.
Se há algo digno de elogio no longa é a jovem atriz Joey King. Ela constrói uma protagonista espirituosa que apronta e usa a sexualidade. Reparando na lastimável masculinidade que cerca Elle, seria realmente difícil ela não se destacar. A jovem é uma ilha em meio a personagens babacas e interpretações limitadas de rapazes escolhidos pela profundidade dos suspiros que são capazes de provocar.
'A Barraca do Beijo' é aquele típico telefilme, irregular demais, porém a regra desse subgênero nunca foi impressionar. 'A Barraca do Beijo' é aquele tipo que você assiste na sessão da tarde quando está doente. Um filme ruim do qual você não dá importância nenhuma.
O prestígio do filme também veio de sua fonte literária. Baseado no romance de 1925 de Sinclair Lewis, que ganhou o Prêmio Nobel de 1930 por ele, o filme foi roteirizado por Sidney Howard, vencedor do Prêmio Pulitzer de drama. Alguns de nós têm a chance e oportunidade de fazer o que quiserem com sua vida, enquanto muitos outros entre vocês simplesmente fazem o que devem. Encontrar esse equilíbrio é uma das ideias centrais de 'Médico e Amante'.
O clássico contém uma boa quantidade de discursos de “mensagens” sobre idealismo e integridade que são a base e a marca registrada de muitos filmes da era da Depressão. Ford enfatiza os valores de auto-sacrifício, dedicação à causa, nobreza de caráter e a importância de estar acima de pequenas disputas.
'Médico e Amante' também explora muito bem o romance e a paixão. O namoro do médico Arrowsmith com Leora é quase anti-séptico em muitos aspectos, com os dois nunca parecendo se conectar em um nível mais profundo do que a devoção. Sim, eles acreditam um no outro e têm fé, são bons companheiros, mas falta algo primordial. O casamento de Leora e Arrowsmith, realizado em um tribunal por um escrivão indiferente, é a epítome do romance de fundo do poço.
Esses sentimentos são contrastados não apenas pelo amor e devoção de Arrowsmith à ciência, mas por uma bela mulher que ele conhece nas profundezas da selva. É uma mulher de Nova York chamada Joyce que está presa em uma plantação infestada de peste nas Índias. Sua pele pálida está em um contraste gritante, e é evidente pelos olhares trocados que não é apenas a massa de morte que está colocando um peso em seus estômagos.
O diretor John Ford tem uma grande habilidade de usar os rostos dos atores de maneiras que não apenas expressam como eles se sentem, mas como não o fazem. Poucos diretores se sentem confortáveis permitindo que os personagens fiquem de frente para a tela por longos períodos, mas Ford constantemente quebra essa regra, simplesmente permitindo que a personalidade de um personagem domine a tela.
O longa traz algo surpreendente para época, um homem negro é tratado com um pingo de dignidade. Ultrajante! O retrato de Marchand aqui como um médico negro sem o impacto dos estereótipos raciais é considerado incrivelmente progressivo. Considerando o destino que ele recebe e sua relativa falta de caracterização, porém, é mais inofensivo do que progressivo.
Este filme é uma adaptação ambiciosa de um romance longo, há muito enredo aqui. Isso é confuso e talvez bagunçado, mas o filme se beneficia disso e torna-se um daqueles longas fascinantes que coloca questões na frente do público e nunca oferece soluções fáceis. 'Médico e Amante' é exagerado, cheio de observações irônicas e um desejo sincero de ajudar seu personagem-título a encontrar o caminho certo, seja ele qual for.
Por mais cínica que você tente manter, 'Paddington 2' encontrará as fendas em sua armadura. Dublado com perfeita inocência por Ben Whishaw e maravilhosamente animado, este urso profundamente simpático constantemente acompanha a linha de máximo encanto sem escorregar.
O cenário, uma espécie de conto de fadas de Londres, onde tudo e todos são um pouco mais excêntricos, coloridos e amigáveis do que a realidade. O mundo de Paddington faz você se sentir melhor sobre o nosso e lhe dá esperança para uma geração crescendo com isso. 'Paddington 2' é uma aventura familiar emocionante, entregando emoção humana real através de um pequeno urso.
"Paddington 2" é lindo de se ver, inteligentemente escrito, e alegremente engraçado, ostentando um conjunto feroz de estimáveis artistas britânicos. Para quem procura especificamente por um excelente entretenimento familiar, é imperdível; mas até mesmo outros espectadores acharão esse filme valioso.
'Skippy' foi lançado em 1931 e é inspirado na história em quadrinhos de Percy Crosby, muitos filmes daquele ano não se sustentaram nas décadas que se seguiram, mas certamente não foi o caso aqui. O longa contava com uma história simples, mas sua simplicidade pode ser uma das razões pelas quais se sustentou tão bem.
Talvez esse filme seja um dos mais peculiares indicados para Melhor Filme no Oscar, pois não é apenas uma adaptação de história em quadrinhos, mas também um típico filme infantil do qual a Academia geralmente não gosta.
Embora voltado para crianças, a maioria dos adultos encontrará muitas coisas para se divertir em 'Skippy', começando com a performance comovente de Jackie Cooper. Embora ocasionalmente o trabalho do ator pareça um tanto calculado, na maioria das vezes é natural e sem esforço. Ele pode ser inocente e conivente, astuto e ingênuo e quando está feliz, a alegria irradia de dentro.
Skippy e Sooky são personagens cuja química é incrível. Cooper e Coogan atuam muito bem um com o outro, criando um relacionamento forte e natural na tela que fundamenta todo o filme e todas as transformações dramáticas que a história sofre. É fácil acreditar que Skippy está crescendo e aprendendo com seu tempo com Sooky, um garoto da parte pobre da cidade e ele está se tornando uma pessoa melhor por causa disso.
Grande parte do crédito por seu sucesso, é claro, deve ir para o diretor Norman Taurog, que lida com todo o filme com delicadeza e sensibilidade. Todas as oportunidades estavam aí para transformar essa obra em um grande melodrama, um verdadeiro arremessador de lágrimas, mas Taurog evita clichês e ao contrário, nos conta uma história muito cativante e sentimental, mas sem exageros.
Muitos dos diálogos de Joseph Mankiewicz ainda têm um impacto, mesmo que alguns deles agora pareçam um pouco piegas. Quase o mesmo pode ser dito sobre o enredo, especialmente porque os espectadores viram muitos de seus elementos em outros filmes ao longo dos anos.
'Skippy' é um filme infantil sólido, frequentemente cativante e memorável, que é um dos mais peculiares indicados ao Oscar de Melhor Filme, tendo em mente que é um filme familiar baseado em uma história em quadrinhos.
Paddington é uma espécie de Turma da Mônica para os britânicos, um fenômeno em terras europeias, mas pouco conhecido no resto do mundo. Apesar de não compartilhar desse conhecimento do personagem e de seu fenômeno, o filme consegue criar empatia e cativar com sua trama, mesmo você não conhecendo o personagem do passado.
Os efeitos especiais usados na criação de ursinho Paddington são competentes e é a coisa que mais chama atenção neste filme. O balançar dos pelos e a interação com os atores flui bem, não apenas nas conversas como nas sequências onde alguma trapalhada acontece.
Paul King entrega um filme familiar. Com atuações que não são grande coisa e com as trapalhadas do urso tentando achar seu lugar no mundo, o filme anda sem correr riscos. O longa é para crianças, isso sem sombra de dúvidas, os pequenos vão se divertir muito. Não se assuste se algum adulto soltar uma risadinha, pois o filme também diverte os mais crescidos.
Com um roteiro e história que já estamos acostumados a ver, ‘Paddington’ diverte muito além de seu efeito especial convincente e com belas imagens. Um filme para a família assistir junto.
O filme não sabe se quer ser uma comédia, uma peça de moral ou um conto de advertência sobre ter cuidado com o que deseja. Essa perda de tempo tola, esboçada por Jack Thorne e dirigida por Pascal Chaumeil, tem uma excentricidade britânica desanimadora e inexplicável.
Tendo explorado descaradamente o suicídio como um artifício da trama, o roteiro passa a dar a seus personagens razões para viver, oferecendo todos os tipos de oportunidades de vínculo implausíveis.
O personagem de Pierce Brosnan arruinou sua vida após um escândalo de pedofilia, Toni Collette se sente "desamparada", Imogen Poots provavelmente só quer atenção e Aaron Paul parece chateado porque 'Breaking Bad' acabou.
'Uma Longa Queda' é um caso clássico de direção excessiva. Arrastado em clichês estúpidos, os personagens riem demais, eles tiram férias juntos e em algum momento, esses personagens suicidas literalmente dançam 'I Will Survive'. A emoção do filme é vítima de uma péssima produção cinematográfica.
'Uma Longa Queda' é um filme que teme o seu tema: a depressão suicida. Não há um perigo real ou urgência na situação desses personagens para lutar contra seus demônios antes de matá-los, a falta de senso de que essas pessoas podem realmente acabar com suas vidas esgota o drama. O filme não liga para a dor. Não dá atenção a isso.
Com sua música animada e com uma produção que se contenta em ser bonitinha, alguns acharão o filme adorável; o resto ficará com vontade de cortar os pulsos. Não há momentos de ternura e falta emoção honesta no frustrante 'Uma Longa Queda', é preciso muito esforço do telespectador para comprar a ideia do filme.
Desde suas primeiras incursões na narrativa de histórias, o cinema deixou uma coisa bastante clara: os homens têm que ser durões. Há pouco ou nenhum espaço para sensibilidade no mundo masculino. O cinema sempre tratou os melodramas com algo feminino e sempre ignorou a existência do vínculo terno e belo entre pai e filho que raramente é retratado no cinema até hoje.
Tonalmente falando, 'O Campeão' é uma bagunça, vacilando entre os gêneros não se firmando por completo. Cada momento que Jackie Cooper compartilha com Wallace Beery é adorável, mas Vidor tem um olho perfeito para o melodrama. É um filme que captura a sensação de tentar encontrar a felicidade mesmo nos momentos mais difíceis, mesmo que não encontre o equilíbrio tonal perfeito, o filme consegue mexer com seu coração.
Não há nada datado em 'O Campeão' e isso é fantástico, já que boa parte dos filmes da mesma época não se encaixam mais hoje em dia. O mundo ainda adora boxe, jogos de azar e corridas de cavalos. Ainda temos problemas de alcoolismo e pobreza. O que faz 'O Campeão' se destacar acima de todos os outros, é o seu foco na relação profunda entre um homem e seu filho.
Jackie Cooper, que havia mostrado muito talento em 'Skippy' um ano antes, desempenha o papel de garoto desagradável muito bem, sua atuação faz qualquer telespectador entender o porquê de sua postura. Seu Dink é alegre, amoroso e esperto de uma maneira que as crianças provavelmente nunca mais serão.
No entanto, não há como negar o quão absolutamente devastador é o final do filme. Com todos aqueles momentos em que você tem Jackie Cooper admirando seu pai, tudo é muito mais difícil considerando seu ponto de vista ingênuo. Mas como Vidor coloca isso no centro de 'O Campeão', é ainda mais poderoso para isso.
Enquanto muitos filmes vieram depois que exploraram o território emocional da relação parental e como a masculinidade tradicional pode realmente fraturar a identidade ou o senso de identidade de um homem em comparação com o que ele sente, 'O Campeão' é um dos primeiros filmes a identificar o valor dessas coisas. Essas são discussões complexas e na maioria das vezes ignoradas.
'Palavras nas Paredes do Banheiro' tenta conscientizar sobre a saúde mental, o filme uma adaptação do romance popular de Julia Walton, é complicado e cheio de obstáculos típicos da maioridade com as realidades da esquizofrenia diagnosticada pelo herói, dando tratamento incomum e ansioso para as peças predefinidas do gênero ao longo do caminho.
Muito do filme é lamentavelmente dedicado a traçar previsivelmente a evolução do relacionamento de Maya e Adam, com os adolescentes precoces jorrando chavões de amor e devoção que parecem saídos de um romance de Nicholas Sparks. Os cineastas tentam dar a esse relacionamento um peso dramático adicional ao espelhar a relutância de Adam em compartilhar os detalhes de sua aflição com Maya com o desejo de Maya de esconder de Adam o fato de que ela é pobre, mas a correlação é desequilibrada demais para segurar muito peso.
O filme é bem atuado pelo menos. Enquanto a performance carismática de Plummer habilmente se expande e contrai com os estados de consciência e humor de seu personagem que mudam descontroladamente, Russell faz maravilhas elétricas com um personagem mais mal concebido. O tipo de boa garota de 16 anos que poderia facilmente se tornar uma fantasia irritante, ela deu um pouco de escuridão por trás dos olhos na interpretação brilhante, mas ferida de Russell. Se você pode ver desde o início para onde as coisas estão indo, pelo menos a conexão natural de Plummer e Russell dá sentido ao inevitável.
Teria sido muito fácil para 'Palavras nas Paredes do Banheiro' deslizar para uma narrativa que retrata o amor de Adam por Maya como sua "cura" para a esquizofrenia, ou que um relacionamento com ela era sua única motivação para "melhorar", mas ambas as narrativas teriam sido uma simplificação exagerada da doença mental. Em vez disso, o roteiro de Naveda e a direção de Freudenthal acertam em trabalhar o mais fundo possível no cérebro de Adam, permitindo que os espectadores experimentem como Adam vê o mundo.
As surpresas ocasionais em 'Palavras nas Paredes do Banheiro' emergem não do que acontece, mas como. Seus picos e vales emocionais nem sempre chegam como fomos guiados a esperar. Uma promessa é jogada não como um momento de alegria, mas como um anticlímax evasivo, enquanto um confessionário público sincero parece gerar uma explosão de aplausos que, ao que parece, nunca acontece.
As lentes de alto brilho de Michael Goi e a trilha sonora sempre presente de The Chainsmokers contribuem para uma realidade elevada em que todos são a versão mais vívida e articulada de si mesmos. Freudenthal e Naveda subvertem a lógica do mundo do cinema dessas e de outras maneiras, embora seu filme também não esteja totalmente localizado em nosso mundo.
O resultado de 'Palavras nas Paredes do Banheiro' é uma exploração cuidadosa da experiência de Adam com esquizofrenia, incluindo sua luta para encontrar medicamentos que ajudem e como sua maneira de lidar com sua doença coloca uma pressão em seus relacionamentos. O filme não consegue ir além do clichê com o seu relacionamento bobo de adolescente, mas entrega uma boa experiência na empatia pela doença da esquizofrenia.
'O Retrato de Dorian Gray', foi um fracasso de bilheteria na época em que foi lançado. A história pela qual se baseia escrita por Oscar Wilde, foi extremamente popular de início, mas a performance sem carisma de Hurd Hatfield, deixou o público distante do longa-metragem, mesmo com as suas indicações ao Oscar (Melhor Fotografia, Melhor Direção de Arte e Melhor Atriz).
O filme passa boa parte do tempo falando sobre as coisas sem realmente mostrá-las. Os diálogos são cheios de metáforas e de muita ressonância poética. Em termos de atmosfera, o filme é uma delícia com sua cinematografia nítida em preto e branco, enquanto a câmera vagueia por ruas de paralelepípedos envoltas em neblina e se esgueira por mansões ostensivas de classe alta. O longa-metragem ganhou merecidamente a indicação ao Oscar.
'O Retrato de Dorian Gray' é estiloso com seus cenários. O design de produção, em particular à luxuosa casa londrina de Dorian, é requintado, expansivo e magnífico. Enquanto as ruas úmidas dos bairros mais pobres de Londres são áreas sombrias e destituídas, áreas da cidade perfeitamente assustadoras para praticar atos malignos.
A fotografia de Harry Stradling, que trabalhou com Hitchcock apenas alguns anos antes, encontra um medo arrepiante por trás de cada luz bruxuleante e de cada abajur balançando. O uso da música por Herbert Stothard no filme é indicativo do período, cheio de cordas, metais e utilizando material temático de Chopin e Beethoven misturado com melodias originais.
Hurd Hatfield dá vida a um estranho Dorian Gray. O ator consegue reforçar a arrogância da alta classe, mas a sua falta de expressão facial entra em desacordo com seu amor pelo luxo, e não passa, para quem assiste, a turbulência interior do personagem que é muito importante para reforçar a trama do filme. O personagem Dorian aqui é mais assustador, se comportando como muitos dos monstros clássicos do cinema daquela época.
No final do filme há uma cena em que o filme muda de monocromático para tecnicolor, para realçar uma certa revelação do retrato de Dorian que eu achei muito legal, mas há quem acha a escolha brega. 'O Retrato de Dorian Gray' é fiel se tratando de uma adaptação. Tem seus problemas de ritmo, mas a trilha sonora é absolutamente notável e a cinematografia é surpreendente.
Em 1993, os criadores de The Killing Fields e Chariots of Fire compraram os direitos de filmagem do maior videogame do mundo. O resultado foi um desastre comercial, apesar de tentarem colocar esse filme na prateleira dos cult, esse é um dos piores filmes que eu já vi.
'Super Mario Bros.' de 1993 se destaca como um excelente exemplo do que não fazer ao tentar construir uma narrativa de longa-metragem sobre um jogo de vídeo game. Matando efetivamente a carreira cinematográfica do casal de diretores Rocky Morton e Annabel Jankel, a abordagem da dupla de jogar tudo na tela e ver o que gruda resulta em uma bagunça inchada com pouco para envolver qualquer pessoa, até mesmo os fãs.
O filme ganha um tom cyberpunk, seus cenários são distópicos, épicos, cheio de efeitos gerados por computador e muito uso de animatrônicos. 'Super Mario Bros', foi sim, um longa-metragem inovador para época e permanece visualmente atraente até hoje. O problema é que o tom não tem nada a ver com Super Mario.
Pouca coisa faz sentido no filme. O seu roteiro é terrivelmente exposto e cheio de buracos abertos. Fãs nostálgicos obstinados do jogo podem se sentir compelidos a revisitar 'Super Mario Bros.' de 1993, mas para os não-jogadores, o filme fica dolorosamente aquém de receber uma 'vida extra' nessas duas décadas.
'Super Mario Bros.' é ótimo em sua construção de mundo e produção, o visual é a única coisa que funciona aqui, mas tentar transformá-lo em um cult por isso é demais. O filme se tornou uma lenda cinematográfica por todos os motivos errados. O filme não conversa com os fãs e nem com não é fã, um longa-metragem absurdo e sem sentido.
Apesar de uma montagem de abertura de clipes de notícias que sugere fenômenos improváveis como golfinhos encalhando em massa, um surto de raiva e pessoas assistindo Piers Morgan, 'Guerra Mundial Z' não tem um significado social. É apenas um filme improvisado que pensa que “coisas pulando em você e fazendo barulho” é igual a horror e “ser humano perfeito imune a tudo” é igual a herói.
Por que Gerry Lane sabe mais sobre epidemiologia do que a Organização Mundial da Saúde? Por que ele é o único em Israel que sabe que barulhos altos os agitam? Por que ele consegue vencer zumbis mesmo quando está gravemente ferido? Porque ele é o Brad Pitt. Seria difícil achar um heri mais enfadonho do que esse. Aparentemente, nenhum dos quatro roteiristas creditados poderia inventar muito além de Brad Pitt indo aqui e acolá fugindo de zumbis.
'Guerra Mundial Z' chega atrasado, afinal zumbis se tornaram tão comuns que já nem tem tanta graça assim, mas o longa-metragem mostra zumbis completamente diferentes. Movendo-se em enxames frenéticos e até empilhando uns sobre os outros para escalar paredes, os mortos-vivos do diretor Marc Forster se comportam de maneira hostil.
Marc Forster oferece um filme com um ritmo estranho. Parece que a produção colocou todos os milhões nas primeiras cenas e de maneira independente filmou todo o resto. O filme começa frenético com muita ação e de repente para ficando bem chato. O diretor oferece violência, ocorre fora da câmera ou abaixo da linha do quadro, o filme não deixa de causar impacto momentâneo.
'Guerra Mundial Z' sabe ser tenso em alguns poucos momentos e é bem editado. Há algumas cenas terrivelmente assustadoras de zumbis individuais, eles também oferecem algumas cenas de ação interessantes assistir. O longa-metragem funciona de maneira recortada e não em seu conjunto. A ideia aqui foi oferecer um filme de zumbi gigantesco para pessoas que não gostam de filmes de zumbis.
'Frankenstein de Mary Shelley' é desajeitadamente costurada a partir de uma série de elementos temáticos. À medida que este filme muda, de forma desigual, de aventura fanfarrona para um horror clássico, para um romance floreado, e depois para elementos gráficos sangrentos, não há como dizer o que você está assistindo.
Há algo excessivamente ansioso (até chato) sobre esse longa-metragem, como se o diretor britânico pensasse que poderia ganhar pontos por edição frenética, movimento de câmera inquieto, cenários excessivamente esquálidos, sangue e saltos de gênero.
Embora seja tradicional que a criatura se saia melhor nesses filmes, o personagem de Robert De Niro ganha nosso carinho especial por não gritar no volume máximo como todo mundo. O ator, sob a maquiagem de látex de espuma flexível criada por Daniel Parker, entrega uma criatura mais convincente e simpática, um cara legal incompreendido que prefere discussões filosóficas à violência física.
Infelizmente, o diretor Kenneth Branagh e os roteiristas Steph Lady e Frank Darabont criaram uma história tão mal feita quanto a criatura de Robert De Niro. Embora existam momentos intelectuais intrigantes, quando Frankenstein briga com os cientistas conhecidos da época e fala sobre criatividade onisciente, as histórias centrais são emocionalmente pouco envolventes.
O filme oferece personagens com pouca personalidade. Através do uso de um homem de fé, um cientista curioso, um plebeu assustado e soldados treinados decididos a agir, várias perspectivas sobre como abordar seres alienígenas são sistematicamente abordadas. Suas reações díspares são moderadamente divertidas, embora estranhamente antipáticas.
O ritmo geral do filme vacila um pouco. O primeiro ato é um pouco lento conforme o mistério aumenta, o ritmo acelera. O terceiro ato é o melhor, não é de surpreender que a situação toda se torna desesperadora. A rapidez com que tanques, jipes e outras máquinas poderosas são convocadas para travar uma guerra contra a espaçonave desconhecida é certamente o ponto alto desse longa-metragem.
A cinematografia e a edição são pontos fortes adicionais do filme. Algumas das sequências e cenas são surpreendentemente impactantes. As imagens da biblioteca também são bem usadas durante as cenas que mostram outros locais e tecnologia militar. A edição nessas sequências é suave em termos de criação de continuidade.
O filme faz um trabalho notável utilizando transmissões de rádio e atualizações militares para mostrar o impacto global e a escala da invasão, mantendo seu foco em nível micro de uma pequena cidade fora de Los Angeles.
"A Guerra dos Mundos" tem um bom design de produção. Os efeitos do raio de calor e da vaporização são bons. Em algumas cenas, os raios aparecem como faíscas, enquanto em outras parecem mais feixes desenhados à mão. O design do cenário, principalmente as estruturas que são destruídas, é impressionante. Lembrando que o filme ganhou o Oscar de Melhores Efeitos Especiais.
A direção de Byron Haskin é boa. A sensação de desesperança que Haskin transmite, aliada ao uso de intersticiais, atuações e cenas memoráveis, mostra a natureza completa de sua direção. Partindo do princípio de que o diretor trabalhou com um roteiro apertado de Barre Lyndon, ele ainda foi capaz de evocar suspense, e ocasionalmente, oferecer um horripilante filme de ficção científica.
Teria sido bom se o ritmo pudesse ter acelerado mais cedo no filme, especialmente porque o filme tem um tempo de execução relativamente curto, mas "A Guerra dos Mundos" quebra o paradigma estereotipado da ficção científica. Se você gosta de ficção científica no estilo dos anos 1950 ou se está procurando um filme alienígena clássico, esse longa-metragem é para você.
O filme é essencialmente o conto clássico de Jane Austen sobre costumes sociais da Inglaterra do século 19 incluindo: personagens, cenários, trama e diálogos, apenas com a incômoda inclusão de mortos-vivos aparecendo aqui e ali para complicar as coisas.
O que diferencia 'Orgulho e Preconceito e Zumbis' de seu material de origem literária são suas grandes sequências de ação, mas elas são encenadas, iluminadas, filmadas e editadas de maneira tão confusa que muitas vezes é difícil dizer o que está acontecendo.
No começo, é divertido tentar prever como os monstros comedores de cérebro serão inseridos na história, mas não há contexto visual para os ataques e nenhuma maneira de determinar sua origem ou tamanho, o que esgota a tensão dessas cenas.
A mistura funciona bem nos momentos mais calmos e silenciosos, quando os personagens se sentam em uma sala de estar limpando suas armas ou se superando enquanto comparam seus conhecimentos nas artes mortais. A comédia também é interpretada de maneira peculiarmente direta, apenas Matt Smith parece estar se divertindo, como um pároco parcimonioso que se apaixona por Elizabeth.
Eu amo zumbis e o livro é um dos meus favoritos, então essa ideia é simplesmente genial para mim. Os pequenos e inexpressivos momentos do filme de Burr Steers têm mais impacto do que as peças massivas e barulhentas. 'Orgulho e Preconceito e Zumbis' tem suas falhas e funciona de maneira estranha, mas não é totalmente sem charme.
'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' é um caso curiosamente superficial, uma comédia sem graça baseada nos animais queridos de Beatrix Potter de dezenas de livrinhos delicados criados quando o mundo era menos cínico.
O filme ainda traz muita fofura com seus animais em CGI. O crescimento da tecnologia cinematográfica é notável. As criaturas são foto realistas e os cineastas fazem a escolha sábia de não antropomorfizar muito. Há texturas variadas de pele, há um trabalho incrível com sombra e a luz, a umidade nos olhos, a equipe de animação e efeitos visuais superaram mais uma vez.
Os momentos dedicados aos humanos, entretanto, deixam um gosto amargo. Byrne não tem muito com o que trabalhar desta vez, infelizmente, na maior parte do filme, o Thomas de Gleeson em vez de ser um trapalhão inseguro de quem simpatizamos, Thomas aparece como um chorão estridente e ciumento.
O roteiro do diretor Will Gluck e Patrick Burleigh se diverte um pouco com clichês de filmes de assalto e consegue as maiores risadas do filme com um visual ultrajante de cenários, mas o filme oscila principalmente entre piadas internas para os pais e humor físico para os espectadores mais jovens.
Trazendo um favorito das crianças para a vida com visuais vividamente realistas e design de produção atraente, 'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' simplesmente prova que quando um filme falta o coração e o charme que tornou sua fonte de material querida para os leitores por mais de um século, ele se torna algo superficial.
'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' traz a fofura para os adultos e o pastelão para as crianças. A aposta dos cineastas de que o público vai perdoar as modernizações e esquecer o original, é reforçada pelo fato de que, o primeiro filme arrecadou cerca de sete vezes o orçamento relatado.
Essencialmente um produto da era vitoriana, D.W. Griffith foi o primeiro grande diretor da América, e 'O Nascimento de uma Nação' (1915) e 'Intolerância' (1916) representaram um salto para a nova arte do século XX. Valendo-se de todas as técnicas à sua disposição, o diretor trouxe um novo escopo e escala ao cinema.
A abordagem temática da era vitoriana não funciona mais, isso pode afastar muitos dos cinéfilos de hoje, mas a poesia visual é avassaladora, especialmente nas cenas de multidão. O uso excelente do cross-cutting pode deixar muitos cineastas atuais com inveja. O uso da ação para gerar suspense, cria um clímax que poucos filmes hoje não conseguem obter.
Quatro das histórias contadas em 'Intolerância' são: uma citação de Walt Whitman ('Fora do berço, balançando sem parar'). 'O Nazareno' é estrelado por Bessie Love, 'A História Medieval' envolve o massacre dos huguenotes no dia de São Bartolomeu em 1572, 'A Queda da Babilônia' apresenta Constance Talmadge, Elmo Lincoln, Seena Owen, Tully Marshall e cenários impressionantes, e 'A Mãe e a Lei' é uma emocionante história contemporânea estrelada por Mae Marsh e Robert Harron.
Enquanto alguns contos são menos substanciais e servem quase exclusivamente a propósitos alegóricos, 'A Queda da Babilônia' narrando padres rejeitados e o drama de um homem tentando evitar a forca, são totalmente emocionantes. Os cenários incríveis e os valores de produção luxuosos falam muito.
'Intolerância' mostra a coragem da antiga Hollywood. No conto que passa na Babilônia de 539 a.C., o erotismo é desenfreado, o período é retratado impressionantemente de maneira espetacular, com um cenário absurdamente gigantesco e exuberante. O longa-metragem também mostra o que Hollywood perdeu quando mais tarde se curvou à censura do Código Hays.
D.W. Griffith projeta os quatro contos para mostrar que a intolerância, em várias formas, existiu em todas as épocas. Três das exemplificações são baseadas em fatos históricos, a quarta, 'A Mãe e a Lei', é um melodrama de golpe poderoso que ainda pode causar um efeito até hoje.
A opinião crítica sobre o valor desse clássico foi dividida por quase um século, com Griffith sendo aclamado como um visionário. Quaisquer que sejam suas glórias e falhas, 'Intolerância' continua sendo um marco na arte e entretenimento cinematográficos. Pode parecer falho de várias maneiras para algumas pessoas, mas este é um cinema monumental e essencial para os verdadeiros entusiastas do cinema.
Peter Rabbit teve sua aventura contada pela primeira vez em 1902 pela autora Beatrix Potter em uma série de 23 pequenos volumes de fábulas infantis sobre a vida secreta dos habitantes da floresta. “The Tale of Peter Rabbit” continua a ser um material de leitura popular na hora de dormir, principalmente porque nosso herói teimoso sofre as consequências de seu mau comportamento e tudo retratado em aquarela delicadamente matizados de seus personagens.
Beatrix Potter ficaria lisonjeada em saber que um dia, mais de um século depois de publicar "The Tale of Peter Rabbit", seu personagem mais amado seria reinterpretado na tela, mas talvez ela não ficaria tão feliz de ver seus personagens em CGI ao invés de desenho tradicional.
'Pedro Coelho' é impressionante do ponto de vista dos efeitos visuais, não apenas casacos de pele virtuais, mas o grau em que as criaturas CGI interagem com seus ambientes é incrível, tapando a grama e levantando cascalho ou até mesmo quando conseguimos ver a pele do coelho oscilar de forma convincente nas suaves brisas do campo, o filme é perfeito em questões de efeitos visuais.
O diretor Will Gluck, que escreveu o roteiro junto com Rob Lieber, rapidamente estabelece o tom abertamente pastelão da produção desde o início, enquanto um quarteto de pássaros cantando em volta do logo Columbia Pictures termina com final trágico e cômico.
Não há uma história legal para contar aqui, nem há muitos personagens para alimentá-la. Peter não tem personalidade além de um verniz cansativo de sarcasmo. Sem personalidade, não pode haver arco emocional, nem crescimento do personagem, nem lições de vida aprendidas.
O que torna 'Pedro Coelho' assistível é a química óbvia entre Byrne e Gleeson e a animação CGI honestamente excelente de Peter e companhia. Para qualquer pessoa familiarizada com o “Peter Rabbit” original, é um pouco deprimente ver seu charme de contos de fadas reduzido a pastelão infantil.
Poucos filmes, até hoje, atingiram uma mensagem anti-guerra tão poderosa quanto a extraordinária evocação de Lewis Milestone da trágica loucura da guerra. Indiscutivelmente, ainda o maior filme da Primeira Guerra Mundial, seu terno retrato da inocente juventude alemã é justaposto ao angustiante imediatismo da guerra de trincheiras, filmado com uma verossimilhança reveladora que muitos cineastas modernos, com todas as suas ferramentas, não conseguiram igualar.
O Lewis Milestone não deixou nada de fora. Três ou quatro mortes à vista do público; duas cenas de hospital; sugeriu amputações de pernas tão sugestivamente forçadas que você quase pode vê-las cortadas; mortes por aquela carnificina de guerra no campo e uma morte por esfaqueamento nas trincheiras, incluindo a visão medonha de um par de mãos nuas apenas, por apenas um flash, pendurado em uma cerca de arame farpado.
É uma produção expansiva com vistas que nunca parecem ser limitadas. Quando os projéteis demolem os aposentos subterrâneos, os gritos de medo, juntamente com o som das metralhadoras, dos morteiros e dos projéteis, 'Sem Novidade no Front' sabe contar a história dos terror de uma guerra.
O terror sangrento da guerra retratado aqui, é uma inovação, talvez pareça loucura escrever isso, mas estamos nós em 1930, o filme é extremamente original quando você parar para pensar na sua forte linguagem dentro de seu contexto histórico e época.
A história é contada inteiramente através das experiências dos jovens recrutas alemães e destaca a tragédia da guerra através dos olhos dos indivíduos, levando o telespectador uma profunda imersão na trama. Enquanto os meninos testemunham a morte e a mutilação ao seu redor, qualquer preconceito sobre "o inimigo" e os "erros e acertos" do conflito desaparece..
É difícil lançar a comédia na maior tragédia que o mundo já conheceu, mas aqui, eles conseguem, principalmente por meio de Slim Summerville como um veterano fervoroso ou quando três soldados alemães nadam nus, através do rio até a costa francesa, carregando pão e salsichas para três garotas francesas do outro lado.
O diálogo pode parecer arqueado e teatral para os padrões de hoje, os discursos prolixos sobre camaradas caídos dificilmente são realistas, mas são reveladores e nenhuma concessão é feita às noções morais do bem contra o mal.
'Sem Novidade no Front' lançado em 1930 é considerado um dos filmes anti-guerra mais eficazes já feitos. Ganhou grandes elogios nos Estados Unidos, mas foi proibido em vários outros países, incluindo a Alemanha, por causa de sua mensagem pacifista. O filme é baseado em um romance de Erich Maria Remarque e reinventa a narrativa sobre a guerra com um olhar corajoso e verdadeiro.
Vencedor do Oscar de Melhor Filme em 1930, 'Melodia da Broadway' entra na lista daqueles filmes que ganharam o prêmio, mas que não mereciam. Eu não vou escrever aqui que tudo nesse longa-metragem musical é ruim. O tom de humor, uma vez ou outra, arranca algum riso. Duas canções do filme realmente valem a pena, a romântica 'You Were Meant For Me' e a graciosa e bem executada 'Truthful Parson Brown'.
Dirigido por Harry Beaumont, o filme marcou época, foi um grande sucesso de bilheteria (o filme custou 379 mil dólares e arrecadou pouco mais de 2,8 milhões, só nos Estados Unidos) e ainda gerou três sequências, 'Melodia da Broadway' de 1936, 'Melodia da Broadway' de 1938 e 'Melodia da Broadway' de 1940.
Se olharmos para a história do cinema, é possível encontrar explicações históricas e artísticas para a boa recepção e legado do filme. É importante termos em mente que 'Melodia da Broadway' é um musical e este gênero era uma grande novidade na época. Até aquele momento, apenas cinco musicais haviam sido lançados, sendo os mais famosos 'O Cantor de Jazz' de 1927, também conhecido por ter sido o primeiro “filme sonoro” da história do cinema, e 'A Última Canção' de 1928, ambos protagonizados por Al Jolson e produzidos pela Warner Bros.
Aqui há uma história muito simples projetada para reunir apresentações de canto e dança. O principal problema é que os números musicais parecem prolongar demais essa curta história, o que meu deu a sensação de que as músicas estão sendo usadas para prolongar o tempo de execução.
A relação dos personagens mostram egos conflitantes e artistas nervosos, demonstrando a atmosfera turbulenta das celebridades de Nova York, embora mesmo no final dos anos 20 o tema pareça cansado. Um enredo muito simples, mas muito melodramático o que me fez achar 'Melodia da Broadway' muito chato.
Do trio de atores principais, apenas Charles King sabia cantar, mas infelizmente a sua atuação não é uma das melhores de assistir. Anita Page começou sua carreira no cinema mudo, mas rapidamente fez a transição para o cinema falado. Em 1929, a loira estava no auge de sua popularidade. Bessie Love teve a corrida mais longa e constante de qualquer um dos três. Sua primeira aparição na tela foi em 1915 e a última em 1983. Nesse meio tempo, ela fez mais de 100 filmes e nunca passou mais de cinco anos sem um papel.
É impossível negar o valor histórico, talvez um pouco técnico também, de 'Melodia da Broadway'. Foi difícil para mim não sofrer impacto dos seus tediosos cem minutos de duração. O longa-metragem vale a pena se o espectador quiser completar a lista de filmes vencedores do Oscar ou de obras com valor notável para o desenvolvimento da arte cinematográfica, mas para quem procura um bom filme, eu sinto em lhe informar, 'Melodia da Broadway' não é bem o que você está precisando.
'Ghostbusters: Mais Além' é um exercício profundamente nostálgico. Isso está claro desde o início, como costuma ser o caso de filmes que combinam sequências de décadas depois com reinicializações famintas de franquia.
'Os Caça-Fantasmas' se tornaram um clássico ao mesclar absurdos loucos e fantásticos com uma frouxidão cômica vagamente contra cultural. 'Ghostbusters: Mais Além', dirigido e co-escrito por Jason Reitman, traz uma aventura infantil, que possui algumas piadas boas e em outros momentos a comédia oferece piadas ruins sobre piadas ruins.
O filme faz uma tentativa desanimada de formar um novo quarteto de heróis briguentos e brincalhões, com os irmãos se juntando ao novo amigo de Phoebe, Podcast (Logan Kim) e a paixão instantânea de Trevor, Lucky (Celeste O'Connor). A falta de tempo de tela real que os quatro passam juntos como um grupo é uma dica de que a mistura de crianças mais jovens e mais velhas é um ato de posicionamento demográfico mais do que qualquer outra coisa.
Durante a primeira hora, 'Ghostbusters: Mais Além' solidamente segue a linha entre o antigo e o novo, enquanto Jason Reitman oferece ótimos momentos, no entanto, o filme muda de brincar com a mitologia do passado para imitar completamente.
Aspectos técnicos lindamente construídos a partir do original. A partitura do compositor Rob Simonsen é uma homenagem aos temas clássicos e inesquecíveis de Elmer Bernstein, ao mesmo tempo em que estabelece sua própria paisagem sonora única com instrumentação semelhante à de sopros, cordas e metais pesados.
A cinematografia do colaborador frequente Eric Steelberg é sutilmente influenciada pela abordagem de László Kovács, aumentando simultaneamente os tons narrativos com seu próprio toque humanístico e fundamentado. O design de produção de François Audouy e os figurinos de Danny Glicker dão interpretações inteligentes a momentos icônicos do filme de 1984.
Jason Reitman aperta o botão de reinicialização mais uma vez, desta vez carregando um legado cinematográfico familiar. Com toda a nostalgia acumulada na imagem, sua própria identidade remodelada fica levemente comprometida, funcionando como um mimeógrafo do que veio antes dela.
'Os Caça-Fantasmas' foi um grande sucesso e foi uma boa ideia refazer o filme com um elenco só com mulheres. Quando você tem mulheres tão engraçadas como Kristen Wiig, Kate McKinnon, Leslie Jones e Melissa McCarthy fazendo filmes, é inteligente encontrar maneiras de juntá-las, mas esse remake parece desperdiçar todas as oportunidades.
'Caça-Fantasmas' começa bem, com Zach Woods como guia turístico em uma casa mal-assombrada. Em seguida, a ação muda para Kristen Wiig, como Erin, uma professora de física a poucos dias de sua revisão de mandato. O roteiro é nítido com algumas linhas inteligentes, mas nada parece funcionar aqui.
Todo o caos sobrenatural do primeiro filme foi apoiado pelo ótimo relacionamento entre quatro personagens principais, distintamente desenhados. 'Caça-Fantasmas' não traz uma relação convincente entre essas personagens o que deixa o longa fora de órbita dentro de seu próprio universo.
Chris Hemsworth rouba bastante a cena como um secretário pouco inteligente. Kristen Wiig sabe que a comédia é basicamente drama, mas atua com senso de humor e Melissa McCarthy é sempre um prazer assisti-la na comédia. O que dá errado é que Wiig e McCarthy são apenas duas pessoas e 'Caça-Fantasmas' é sobre um quarteto.
Kate McKinnon, em particular, está chocantemente deslocada e ela ajuda a arrastar o filme para baixo com expressões faciais e gestos selvagens, reações fora de contexto e vozes estranhas sem motivo específico. Temos Leslie Jones, cujo papel como trabalhadora do metrô transformado em caça-fantasmas é completamente plano.
A ladainha do fanservice também não ajuda 'Caça-Fantasmas'. Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, o busto de Harold Ramis, Ernie Hudson, Annie Potts, Slimer e mais, todos mostram seus rostos em cenas que parecem criadas para a seção de aplausos enlatados de uma comédia quando o amado personagem finalmente aparece. E suas aparições sempre paralisam qualquer impulso que existe enquanto ele se deleita em suas aparições nostálgicas, mas sem sentido.
'Caça-Fantasmas' segue o modelo do original de Dan Aykroyd e Harold Ramis, o roteiro fraco de Feig e sua co-roteirista Katie Dippold não dá caldo para um boa história. Com pouco humor e tensão, os encontros assustadores são colisões rotineiras com espectros vaporosos de CGI que se transformam em um cataclismo sobrenatural sem envolvimento desencadeado na Times Square de Nova York.
'Os Caça-Fantasmas' pode ter nos feito sentir bem em 1984, mas essa atualização pouco imaginativa cruza seus fluxos convencionais muitas vezes para seu próprio bem. É uma pena que esta atualização quase sem graça e sem inspiração só irá alimentar os raivosos fãs do clássico. É tudo ocupado e barulhento com zero emoção e pouca comédia sustentável.
A Barraca do Beijo 3
2.5 230A franquia 'A Barraca do Beijo' da Netflix começou com atitudes sexistas e retrógradas em relação aos personagens principais em idade escolar, depois evoluiu para uma coleção de tropas românticas e truques que dão ao gênero uma má fama. Agora ficamos com o episódio final, após três filmes, esta série ainda não conseguiu encontrar o seu protagonista.
'A Barraca do Beijo 3' encontra mais complicações para Elle, mas nenhuma delas mostra que ela está se tornando uma pessoa madura. Na franquia, toda a identidade de Elle está enraizada em seus relacionamentos com Noah e Lee. Sem eles, ela simplesmente não existe.
Tem muita coisa acontecendo em 'A Barraca do Beijo 3', há muitas distrações para realmente desenvolver a dinâmica sem algum diálogo desajeitado explicando exatamente o que está acontecendo. Parte disso é devido ao grande número de histórias comprimidas em menos de duas horas de duração do filme.
Diante de um roteiro muito pobre, direção fraca, ritmo horrível, muita tela verde e piadas sem graça, o elenco injeta coração e humor em seus personagens, ainda assim, o charme dos atores e atrizes não são suficientes para salvar a franquia, que finalmente e felizmente, está chegando ao fim, ou não...
Joey King, que normalmente dá o seu melhor para vender as dores crescentes do amor jovem de Elle, parece um pouco mais cansada desta vez. Ela deixou para trás o otimismo de olhos arregalados dos filmes anteriores por uma Elle que parece tão exausta com tudo isso.
O namorado legal e gostoso de Jacob Elordi também parece igualmente cansado. A postura machista de seu personagem é menos sobre se conectar com Elle do que ser muito inseguro com ela. Joel Courtney parece ser o único totalmente comprometido com seu personagem, o que infelizmente, não parece ter amadurecido muito desde quando ele protestou pela primeira vez por sua melhor amiga namorar seu irmão.
O filme se torna maçante e cansativo quando mais uma vez essas crianças tem uma lista de atividades para cumprir, essencialmente preparadas por Elle para deixar Lee feliz. Por razões que não posso explicar, isso inclui um concurso para ver quem consegue beber bebidas congeladas mais rápido, um número de karaokê induzido por gás hélio e um flash mob coreografado. O único cenário que consegue ser mais criativo do que exaustivo é uma corrida de kart baseada no videogame "Mario Kart".
É difícil acreditar que a cinematografia desses filmes poderia piorar, mas acredite em mim, piorou. Provavelmente devido à pandemia ou a uma agenda apertada, uma série de closes de Elle, Lee e Noah claramente têm planos de fundo verdes, parecendo tão pouco naturais quanto muitas coisas na história.
'A Barraca do Beijo 3' parece se preocupar mais em entregar diversão do que uma boa história. Embora haja o suficiente para distrair os espectadores da história extremamente sutil, a ideia de diversão do filme torna-se tediosa rapidamente. O longa é uma ótima conclusão para a trilogia, continuando a diversão exagerada, embora superficial, dos filmes anteriores enquanto tenta levar a história de Elle adiante.
A Barraca do Beijo 2
3.0 387Esta comédia romântica para adolescentes tem tudo: traição, ciúme, garotas más, desculpas públicas, uma competição de dança de videogame, um colapso aquecido do Dia de Ação de Graças e montagens românticas e tristes. Mesmo assim, 'A Barraca do Beijo 2' é bastante vazio, previsível e completamente bobo.
É engraçado que a autora tenha dito que queria escrever "The Kissing Booth" porque os únicos livros de romance para jovens adultos que existiam eram da variedade sobrenatural / vampiro e ela queria algo real.
Porém 'A Barraca do Beijo 2' é pura fantasia. A alegria é forçada, as revelações são banais e os personagens são imemoráveis. Como o primeiro, este filme não existe em nenhum tipo de realidade: financeira, emocional ou física.
A sequência, dirigida e co-escrita novamente por Vince Marcello, não se afasta muito da fórmula da primeira, colocando os itens de cinema do ensino médio em embalagens caras e lustrosas.
Infelizmente 'A Barraca do Beijo 2' não é um bom filme, nem uma boa sequência. Com alguns momentos divertidos, especialmente para os fãs, mas em última análise, é uma sequela de filme adolescente exagerado, superestimada e prolongada.
Bela Vingança
3.8 1,3K Assista Agora'Bela Vingança' é o primeiro filme com Emerald Fennell na direção, o longa é uma fantasia de vingança feminina que segue alguns dos tropos do gênero, mas também tem uma alegria considerável em superar as expectativas do espectador. Estrelado por Carey Mulligan, o filme é um tanto irregular, mas sempre convincente de suspense, comédia negra e um monte de outras coisas que vai despertar muito debate.
'Bela Vingança' evita a fórmula familiar de vingança de estupro e injeta um olhar feminino subversivo, mas não cobre nenhum terreno novo que ainda não tenha sido tocado. Apesar de todas as complexidades do tópico, ele é abordado com uma simplicidade surpreendente.
Para mim uma das grandes falhas de 'Bela Vingança' é deixar a personagem Nina de fora. Ela é uma personagem essencial, mas o que aconteceu com ela não é mostrado, nem ela aparece durante o longa, sua morte ocorre antes do início do filme e toda sua identidade é consumida pelo evento que alterou irrevogavelmente a vida dela e de Cassie. A metáfora é clara, mas isso não a torna menos confusa.
O filme é um pouco confuso com sua mensagem. Cassie não é uma sobrevivente de agressão sexual, para ela, o trauma sexual de Nina atrofiou sua vida: forçou-a a abandonar a escola e perder o sonho de se tornar médica. Cassie assume o trauma de Nina é como uma mistura de feminismo branco e dilui o poder do que Fennell está realmente tentando alcançar com seu filme: o desmantelamento da tropa do “cara legal”. 'Bela Vingança' explora de forma ostensiva ideias complexas, cortando o caminho mais simples por meio delas.
A motivação da personagem Cassie é sincera, mas também desfocada. Carey Mulligan é uma das atrizes mais talentosas de nosso tempo, faz o que pode para dar vida a este filme. A atriz é muito talentosa e faz o seu melhor para fazer desta uma história sobre um ser humano sofrendo, ao invés de apenas um grande momento de ensino. Ela interpreta Cassie como uma mulher que foi roubada de alegria, deixando para trás uma pátina manchada de exaustão e desconfiança.
Os atores atuam principalmente para a câmera, como se não tivessem certeza de que sua ênfase de chumbo é pesada o suficiente. O tom de 'Bela Vingança' pretende ser sombriamente cômico, mas o elenco de apoio não é suficientemente hábil para sustentá-lo. Tudo fica mais complicado quando o enredo é narrado de maneira telegráfica em vez de dramática.
A trilha sonora apresenta um desfile de músicas pop deliberadamente enfadonhas de nomes como Paris Hilton e Spice Girls. No entanto, a trilha sonora original de Anthony Willis é intrigantemente convencional e séria. O designer de produção Michael Perry e o diretor de fotografia Benjamin Kracun trazem imagens com cores doces que combinam com sombras sinistras para dar à produção um visual distinto.
Assim que Cassie se aproxima do final, o filme muda para um terceiro ato que com certeza se polariza. Quando você acha que Cassie pode estar caminhando para um acabamento limpo e sem brilho, Fennell em vez disso, define um estopim para um ato final explosivo que vai inspirar peças de reflexão e dissecações nos anos que virão.
A Barraca do Beijo
2.9 928 Assista AgoraO filme é baseado em um livro de mesmo nome da autora Beth Reekles. Antes de ser publicada, a história foi originalmente postada online no Wattpad por Beth quando ela tinha apenas 15 anos. Não preciso falar mais nada né?!
A maior diferença do filme, vai além das situações divertidas durante a árdua conquista do atleta gatinho e garanhão, mas ele também é sobre amizade. E aí você pensa "nossa que legal!" só que não! Quando a trama sobre amizade surge no meio do filme, A Barraca do Beijo fica cabisbaixa e o seu tom fica arrastado. Da metade para frente o filme entra em queda livre para o desastre.
Se há algo digno de elogio no longa é a jovem atriz Joey King. Ela constrói uma protagonista espirituosa que apronta e usa a sexualidade. Reparando na lastimável masculinidade que cerca Elle, seria realmente difícil ela não se destacar. A jovem é uma ilha em meio a personagens babacas e interpretações limitadas de rapazes escolhidos pela profundidade dos suspiros que são capazes de provocar.
'A Barraca do Beijo' é aquele típico telefilme, irregular demais, porém a regra desse subgênero nunca foi impressionar. 'A Barraca do Beijo' é aquele tipo que você assiste na sessão da tarde quando está doente. Um filme ruim do qual você não dá importância nenhuma.
Médico e Amante
3.7 7O prestígio do filme também veio de sua fonte literária. Baseado no romance de 1925 de Sinclair Lewis, que ganhou o Prêmio Nobel de 1930 por ele, o filme foi roteirizado por Sidney Howard, vencedor do Prêmio Pulitzer de drama. Alguns de nós têm a chance e oportunidade de fazer o que quiserem com sua vida, enquanto muitos outros entre vocês simplesmente fazem o que devem. Encontrar esse equilíbrio é uma das ideias centrais de 'Médico e Amante'.
O clássico contém uma boa quantidade de discursos de “mensagens” sobre idealismo e integridade que são a base e a marca registrada de muitos filmes da era da Depressão. Ford enfatiza os valores de auto-sacrifício, dedicação à causa, nobreza de caráter e a importância de estar acima de pequenas disputas.
'Médico e Amante' também explora muito bem o romance e a paixão. O namoro do médico Arrowsmith com Leora é quase anti-séptico em muitos aspectos, com os dois nunca parecendo se conectar em um nível mais profundo do que a devoção. Sim, eles acreditam um no outro e têm fé, são bons companheiros, mas falta algo primordial. O casamento de Leora e Arrowsmith, realizado em um tribunal por um escrivão indiferente, é a epítome do romance de fundo do poço.
Esses sentimentos são contrastados não apenas pelo amor e devoção de Arrowsmith à ciência, mas por uma bela mulher que ele conhece nas profundezas da selva. É uma mulher de Nova York chamada Joyce que está presa em uma plantação infestada de peste nas Índias. Sua pele pálida está em um contraste gritante, e é evidente pelos olhares trocados que não é apenas a massa de morte que está colocando um peso em seus estômagos.
O diretor John Ford tem uma grande habilidade de usar os rostos dos atores de maneiras que não apenas expressam como eles se sentem, mas como não o fazem. Poucos diretores se sentem confortáveis permitindo que os personagens fiquem de frente para a tela por longos períodos, mas Ford constantemente quebra essa regra, simplesmente permitindo que a personalidade de um personagem domine a tela.
O longa traz algo surpreendente para época, um homem negro é tratado com um pingo de dignidade. Ultrajante! O retrato de Marchand aqui como um médico negro sem o impacto dos estereótipos raciais é considerado incrivelmente progressivo. Considerando o destino que ele recebe e sua relativa falta de caracterização, porém, é mais inofensivo do que progressivo.
Este filme é uma adaptação ambiciosa de um romance longo, há muito enredo aqui. Isso é confuso e talvez bagunçado, mas o filme se beneficia disso e torna-se um daqueles longas fascinantes que coloca questões na frente do público e nunca oferece soluções fáceis. 'Médico e Amante' é exagerado, cheio de observações irônicas e um desejo sincero de ajudar seu personagem-título a encontrar o caminho certo, seja ele qual for.
As Aventuras de Paddington 2
4.0 131Por mais cínica que você tente manter, 'Paddington 2' encontrará as fendas em sua armadura. Dublado com perfeita inocência por Ben Whishaw e maravilhosamente animado, este urso profundamente simpático constantemente acompanha a linha de máximo encanto sem escorregar.
O cenário, uma espécie de conto de fadas de Londres, onde tudo e todos são um pouco mais excêntricos, coloridos e amigáveis do que a realidade. O mundo de Paddington faz você se sentir melhor sobre o nosso e lhe dá esperança para uma geração crescendo com isso. 'Paddington 2' é uma aventura familiar emocionante, entregando emoção humana real através de um pequeno urso.
"Paddington 2" é lindo de se ver, inteligentemente escrito, e alegremente engraçado, ostentando um conjunto feroz de estimáveis artistas britânicos. Para quem procura especificamente por um excelente entretenimento familiar, é imperdível; mas até mesmo outros espectadores acharão esse filme valioso.
Skippy
3.6 5'Skippy' foi lançado em 1931 e é inspirado na história em quadrinhos de Percy Crosby, muitos filmes daquele ano não se sustentaram nas décadas que se seguiram, mas certamente não foi o caso aqui. O longa contava com uma história simples, mas sua simplicidade pode ser uma das razões pelas quais se sustentou tão bem.
Talvez esse filme seja um dos mais peculiares indicados para Melhor Filme no Oscar, pois não é apenas uma adaptação de história em quadrinhos, mas também um típico filme infantil do qual a Academia geralmente não gosta.
Embora voltado para crianças, a maioria dos adultos encontrará muitas coisas para se divertir em 'Skippy', começando com a performance comovente de Jackie Cooper. Embora ocasionalmente o trabalho do ator pareça um tanto calculado, na maioria das vezes é natural e sem esforço. Ele pode ser inocente e conivente, astuto e ingênuo e quando está feliz, a alegria irradia de dentro.
Skippy e Sooky são personagens cuja química é incrível. Cooper e Coogan atuam muito bem um com o outro, criando um relacionamento forte e natural na tela que fundamenta todo o filme e todas as transformações dramáticas que a história sofre. É fácil acreditar que Skippy está crescendo e aprendendo com seu tempo com Sooky, um garoto da parte pobre da cidade e ele está se tornando uma pessoa melhor por causa disso.
Grande parte do crédito por seu sucesso, é claro, deve ir para o diretor Norman Taurog, que lida com todo o filme com delicadeza e sensibilidade. Todas as oportunidades estavam aí para transformar essa obra em um grande melodrama, um verdadeiro arremessador de lágrimas, mas Taurog evita clichês e ao contrário, nos conta uma história muito cativante e sentimental, mas sem exageros.
Muitos dos diálogos de Joseph Mankiewicz ainda têm um impacto, mesmo que alguns deles agora pareçam um pouco piegas. Quase o mesmo pode ser dito sobre o enredo, especialmente porque os espectadores viram muitos de seus elementos em outros filmes ao longo dos anos.
'Skippy' é um filme infantil sólido, frequentemente cativante e memorável, que é um dos mais peculiares indicados ao Oscar de Melhor Filme, tendo em mente que é um filme familiar baseado em uma história em quadrinhos.
As Aventuras de Paddington
3.6 277 Assista AgoraPaddington é uma espécie de Turma da Mônica para os britânicos, um fenômeno em terras europeias, mas pouco conhecido no resto do mundo. Apesar de não compartilhar desse conhecimento do personagem e de seu fenômeno, o filme consegue criar empatia e cativar com sua trama, mesmo você não conhecendo o personagem do passado.
Os efeitos especiais usados na criação de ursinho Paddington são competentes e é a coisa que mais chama atenção neste filme. O balançar dos pelos e a interação com os atores flui bem, não apenas nas conversas como nas sequências onde alguma trapalhada acontece.
Paul King entrega um filme familiar. Com atuações que não são grande coisa e com as trapalhadas do urso tentando achar seu lugar no mundo, o filme anda sem correr riscos. O longa é para crianças, isso sem sombra de dúvidas, os pequenos vão se divertir muito. Não se assuste se algum adulto soltar uma risadinha, pois o filme também diverte os mais crescidos.
Com um roteiro e história que já estamos acostumados a ver, ‘Paddington’ diverte muito além de seu efeito especial convincente e com belas imagens. Um filme para a família assistir junto.
Uma Longa Queda
3.4 190 Assista AgoraO filme não sabe se quer ser uma comédia, uma peça de moral ou um conto de advertência sobre ter cuidado com o que deseja. Essa perda de tempo tola, esboçada por Jack Thorne e dirigida por Pascal Chaumeil, tem uma excentricidade britânica desanimadora e inexplicável.
Tendo explorado descaradamente o suicídio como um artifício da trama, o roteiro passa a dar a seus personagens razões para viver, oferecendo todos os tipos de oportunidades de vínculo implausíveis.
O personagem de Pierce Brosnan arruinou sua vida após um escândalo de pedofilia, Toni Collette se sente "desamparada", Imogen Poots provavelmente só quer atenção e Aaron Paul parece chateado porque 'Breaking Bad' acabou.
'Uma Longa Queda' é um caso clássico de direção excessiva. Arrastado em clichês estúpidos, os personagens riem demais, eles tiram férias juntos e em algum momento, esses personagens suicidas literalmente dançam 'I Will Survive'. A emoção do filme é vítima de uma péssima produção cinematográfica.
'Uma Longa Queda' é um filme que teme o seu tema: a depressão suicida. Não há um perigo real ou urgência na situação desses personagens para lutar contra seus demônios antes de matá-los, a falta de senso de que essas pessoas podem realmente acabar com suas vidas esgota o drama. O filme não liga para a dor. Não dá atenção a isso.
Com sua música animada e com uma produção que se contenta em ser bonitinha, alguns acharão o filme adorável; o resto ficará com vontade de cortar os pulsos. Não há momentos de ternura e falta emoção honesta no frustrante 'Uma Longa Queda', é preciso muito esforço do telespectador para comprar a ideia do filme.
O Campeão
3.9 23Desde suas primeiras incursões na narrativa de histórias, o cinema deixou uma coisa bastante clara: os homens têm que ser durões. Há pouco ou nenhum espaço para sensibilidade no mundo masculino. O cinema sempre tratou os melodramas com algo feminino e sempre ignorou a existência do vínculo terno e belo entre pai e filho que raramente é retratado no cinema até hoje.
Tonalmente falando, 'O Campeão' é uma bagunça, vacilando entre os gêneros não se firmando por completo. Cada momento que Jackie Cooper compartilha com Wallace Beery é adorável, mas Vidor tem um olho perfeito para o melodrama. É um filme que captura a sensação de tentar encontrar a felicidade mesmo nos momentos mais difíceis, mesmo que não encontre o equilíbrio tonal perfeito, o filme consegue mexer com seu coração.
Não há nada datado em 'O Campeão' e isso é fantástico, já que boa parte dos filmes da mesma época não se encaixam mais hoje em dia. O mundo ainda adora boxe, jogos de azar e corridas de cavalos. Ainda temos problemas de alcoolismo e pobreza. O que faz 'O Campeão' se destacar acima de todos os outros, é o seu foco na relação profunda entre um homem e seu filho.
Jackie Cooper, que havia mostrado muito talento em 'Skippy' um ano antes, desempenha o papel de garoto desagradável muito bem, sua atuação faz qualquer telespectador entender o porquê de sua postura. Seu Dink é alegre, amoroso e esperto de uma maneira que as crianças provavelmente nunca mais serão.
No entanto, não há como negar o quão absolutamente devastador é o final do filme. Com todos aqueles momentos em que você tem Jackie Cooper admirando seu pai, tudo é muito mais difícil considerando seu ponto de vista ingênuo. Mas como Vidor coloca isso no centro de 'O Campeão', é ainda mais poderoso para isso.
Enquanto muitos filmes vieram depois que exploraram o território emocional da relação parental e como a masculinidade tradicional pode realmente fraturar a identidade ou o senso de identidade de um homem em comparação com o que ele sente, 'O Campeão' é um dos primeiros filmes a identificar o valor dessas coisas. Essas são discussões complexas e na maioria das vezes ignoradas.
Palavras nas Paredes do Banheiro
3.9 117 Assista Agora'Palavras nas Paredes do Banheiro' tenta conscientizar sobre a saúde mental, o filme uma adaptação do romance popular de Julia Walton, é complicado e cheio de obstáculos típicos da maioridade com as realidades da esquizofrenia diagnosticada pelo herói, dando tratamento incomum e ansioso para as peças predefinidas do gênero ao longo do caminho.
Muito do filme é lamentavelmente dedicado a traçar previsivelmente a evolução do relacionamento de Maya e Adam, com os adolescentes precoces jorrando chavões de amor e devoção que parecem saídos de um romance de Nicholas Sparks. Os cineastas tentam dar a esse relacionamento um peso dramático adicional ao espelhar a relutância de Adam em compartilhar os detalhes de sua aflição com Maya com o desejo de Maya de esconder de Adam o fato de que ela é pobre, mas a correlação é desequilibrada demais para segurar muito peso.
O filme é bem atuado pelo menos. Enquanto a performance carismática de Plummer habilmente se expande e contrai com os estados de consciência e humor de seu personagem que mudam descontroladamente, Russell faz maravilhas elétricas com um personagem mais mal concebido. O tipo de boa garota de 16 anos que poderia facilmente se tornar uma fantasia irritante, ela deu um pouco de escuridão por trás dos olhos na interpretação brilhante, mas ferida de Russell. Se você pode ver desde o início para onde as coisas estão indo, pelo menos a conexão natural de Plummer e Russell dá sentido ao inevitável.
Teria sido muito fácil para 'Palavras nas Paredes do Banheiro' deslizar para uma narrativa que retrata o amor de Adam por Maya como sua "cura" para a esquizofrenia, ou que um relacionamento com ela era sua única motivação para "melhorar", mas ambas as narrativas teriam sido uma simplificação exagerada da doença mental. Em vez disso, o roteiro de Naveda e a direção de Freudenthal acertam em trabalhar o mais fundo possível no cérebro de Adam, permitindo que os espectadores experimentem como Adam vê o mundo.
As surpresas ocasionais em 'Palavras nas Paredes do Banheiro' emergem não do que acontece, mas como. Seus picos e vales emocionais nem sempre chegam como fomos guiados a esperar. Uma promessa é jogada não como um momento de alegria, mas como um anticlímax evasivo, enquanto um confessionário público sincero parece gerar uma explosão de aplausos que, ao que parece, nunca acontece.
As lentes de alto brilho de Michael Goi e a trilha sonora sempre presente de The Chainsmokers contribuem para uma realidade elevada em que todos são a versão mais vívida e articulada de si mesmos. Freudenthal e Naveda subvertem a lógica do mundo do cinema dessas e de outras maneiras, embora seu filme também não esteja totalmente localizado em nosso mundo.
O resultado de 'Palavras nas Paredes do Banheiro' é uma exploração cuidadosa da experiência de Adam com esquizofrenia, incluindo sua luta para encontrar medicamentos que ajudem e como sua maneira de lidar com sua doença coloca uma pressão em seus relacionamentos. O filme não consegue ir além do clichê com o seu relacionamento bobo de adolescente, mas entrega uma boa experiência na empatia pela doença da esquizofrenia.
O Retrato de Dorian Gray
3.9 88 Assista Agora'O Retrato de Dorian Gray', foi um fracasso de bilheteria na época em que foi lançado. A história pela qual se baseia escrita por Oscar Wilde, foi extremamente popular de início, mas a performance sem carisma de Hurd Hatfield, deixou o público distante do longa-metragem, mesmo com as suas indicações ao Oscar (Melhor Fotografia, Melhor Direção de Arte e Melhor Atriz).
O filme passa boa parte do tempo falando sobre as coisas sem realmente mostrá-las. Os diálogos são cheios de metáforas e de muita ressonância poética. Em termos de atmosfera, o filme é uma delícia com sua cinematografia nítida em preto e branco, enquanto a câmera vagueia por ruas de paralelepípedos envoltas em neblina e se esgueira por mansões ostensivas de classe alta. O longa-metragem ganhou merecidamente a indicação ao Oscar.
'O Retrato de Dorian Gray' é estiloso com seus cenários. O design de produção, em particular à luxuosa casa londrina de Dorian, é requintado, expansivo e magnífico. Enquanto as ruas úmidas dos bairros mais pobres de Londres são áreas sombrias e destituídas, áreas da cidade perfeitamente assustadoras para praticar atos malignos.
A fotografia de Harry Stradling, que trabalhou com Hitchcock apenas alguns anos antes, encontra um medo arrepiante por trás de cada luz bruxuleante e de cada abajur balançando. O uso da música por Herbert Stothard no filme é indicativo do período, cheio de cordas, metais e utilizando material temático de Chopin e Beethoven misturado com melodias originais.
Hurd Hatfield dá vida a um estranho Dorian Gray. O ator consegue reforçar a arrogância da alta classe, mas a sua falta de expressão facial entra em desacordo com seu amor pelo luxo, e não passa, para quem assiste, a turbulência interior do personagem que é muito importante para reforçar a trama do filme. O personagem Dorian aqui é mais assustador, se comportando como muitos dos monstros clássicos do cinema daquela época.
No final do filme há uma cena em que o filme muda de monocromático para tecnicolor, para realçar uma certa revelação do retrato de Dorian que eu achei muito legal, mas há quem acha a escolha brega. 'O Retrato de Dorian Gray' é fiel se tratando de uma adaptação. Tem seus problemas de ritmo, mas a trilha sonora é absolutamente notável e a cinematografia é surpreendente.
Super Mario Bros.
1.8 434Em 1993, os criadores de The Killing Fields e Chariots of Fire compraram os direitos de filmagem do maior videogame do mundo. O resultado foi um desastre comercial, apesar de tentarem colocar esse filme na prateleira dos cult, esse é um dos piores filmes que eu já vi.
'Super Mario Bros.' de 1993 se destaca como um excelente exemplo do que não fazer ao tentar construir uma narrativa de longa-metragem sobre um jogo de vídeo game. Matando efetivamente a carreira cinematográfica do casal de diretores Rocky Morton e Annabel Jankel, a abordagem da dupla de jogar tudo na tela e ver o que gruda resulta em uma bagunça inchada com pouco para envolver qualquer pessoa, até mesmo os fãs.
O filme ganha um tom cyberpunk, seus cenários são distópicos, épicos, cheio de efeitos gerados por computador e muito uso de animatrônicos. 'Super Mario Bros', foi sim, um longa-metragem inovador para época e permanece visualmente atraente até hoje. O problema é que o tom não tem nada a ver com Super Mario.
Pouca coisa faz sentido no filme. O seu roteiro é terrivelmente exposto e cheio de buracos abertos. Fãs nostálgicos obstinados do jogo podem se sentir compelidos a revisitar 'Super Mario Bros.' de 1993, mas para os não-jogadores, o filme fica dolorosamente aquém de receber uma 'vida extra' nessas duas décadas.
'Super Mario Bros.' é ótimo em sua construção de mundo e produção, o visual é a única coisa que funciona aqui, mas tentar transformá-lo em um cult por isso é demais. O filme se tornou uma lenda cinematográfica por todos os motivos errados. O filme não conversa com os fãs e nem com não é fã, um longa-metragem absurdo e sem sentido.
Guerra Mundial Z
3.5 3,2K Assista AgoraApesar de uma montagem de abertura de clipes de notícias que sugere fenômenos improváveis como golfinhos encalhando em massa, um surto de raiva e pessoas assistindo Piers Morgan, 'Guerra Mundial Z' não tem um significado social. É apenas um filme improvisado que pensa que “coisas pulando em você e fazendo barulho” é igual a horror e “ser humano perfeito imune a tudo” é igual a herói.
Por que Gerry Lane sabe mais sobre epidemiologia do que a Organização Mundial da Saúde? Por que ele é o único em Israel que sabe que barulhos altos os agitam? Por que ele consegue vencer zumbis mesmo quando está gravemente ferido? Porque ele é o Brad Pitt. Seria difícil achar um heri mais enfadonho do que esse. Aparentemente, nenhum dos quatro roteiristas creditados poderia inventar muito além de Brad Pitt indo aqui e acolá fugindo de zumbis.
'Guerra Mundial Z' chega atrasado, afinal zumbis se tornaram tão comuns que já nem tem tanta graça assim, mas o longa-metragem mostra zumbis completamente diferentes. Movendo-se em enxames frenéticos e até empilhando uns sobre os outros para escalar paredes, os mortos-vivos do diretor Marc Forster se comportam de maneira hostil.
Marc Forster oferece um filme com um ritmo estranho. Parece que a produção colocou todos os milhões nas primeiras cenas e de maneira independente filmou todo o resto. O filme começa frenético com muita ação e de repente para ficando bem chato. O diretor oferece violência, ocorre fora da câmera ou abaixo da linha do quadro, o filme não deixa de causar impacto momentâneo.
'Guerra Mundial Z' sabe ser tenso em alguns poucos momentos e é bem editado. Há algumas cenas terrivelmente assustadoras de zumbis individuais, eles também oferecem algumas cenas de ação interessantes assistir. O longa-metragem funciona de maneira recortada e não em seu conjunto. A ideia aqui foi oferecer um filme de zumbi gigantesco para pessoas que não gostam de filmes de zumbis.
Frankenstein de Mary Shelley
3.7 257 Assista Agora'Frankenstein de Mary Shelley' é desajeitadamente costurada a partir de uma série de elementos temáticos. À medida que este filme muda, de forma desigual, de aventura fanfarrona para um horror clássico, para um romance floreado, e depois para elementos gráficos sangrentos, não há como dizer o que você está assistindo.
Há algo excessivamente ansioso (até chato) sobre esse longa-metragem, como se o diretor britânico pensasse que poderia ganhar pontos por edição frenética, movimento de câmera inquieto, cenários excessivamente esquálidos, sangue e saltos de gênero.
Embora seja tradicional que a criatura se saia melhor nesses filmes, o personagem de Robert De Niro ganha nosso carinho especial por não gritar no volume máximo como todo mundo. O ator, sob a maquiagem de látex de espuma flexível criada por Daniel Parker, entrega uma criatura mais convincente e simpática, um cara legal incompreendido que prefere discussões filosóficas à violência física.
Infelizmente, o diretor Kenneth Branagh e os roteiristas Steph Lady e Frank Darabont criaram uma história tão mal feita quanto a criatura de Robert De Niro. Embora existam momentos intelectuais intrigantes, quando Frankenstein briga com os cientistas conhecidos da época e fala sobre criatividade onisciente, as histórias centrais são emocionalmente pouco envolventes.
A Guerra dos Mundos
3.5 114 Assista AgoraO filme oferece personagens com pouca personalidade. Através do uso de um homem de fé, um cientista curioso, um plebeu assustado e soldados treinados decididos a agir, várias perspectivas sobre como abordar seres alienígenas são sistematicamente abordadas. Suas reações díspares são moderadamente divertidas, embora estranhamente antipáticas.
O ritmo geral do filme vacila um pouco. O primeiro ato é um pouco lento conforme o mistério aumenta, o ritmo acelera. O terceiro ato é o melhor, não é de surpreender que a situação toda se torna desesperadora. A rapidez com que tanques, jipes e outras máquinas poderosas são convocadas para travar uma guerra contra a espaçonave desconhecida é certamente o ponto alto desse longa-metragem.
A cinematografia e a edição são pontos fortes adicionais do filme. Algumas das sequências e cenas são surpreendentemente impactantes. As imagens da biblioteca também são bem usadas durante as cenas que mostram outros locais e tecnologia militar. A edição nessas sequências é suave em termos de criação de continuidade.
O filme faz um trabalho notável utilizando transmissões de rádio e atualizações militares para mostrar o impacto global e a escala da invasão, mantendo seu foco em nível micro de uma pequena cidade fora de Los Angeles.
"A Guerra dos Mundos" tem um bom design de produção. Os efeitos do raio de calor e da vaporização são bons. Em algumas cenas, os raios aparecem como faíscas, enquanto em outras parecem mais feixes desenhados à mão. O design do cenário, principalmente as estruturas que são destruídas, é impressionante. Lembrando que o filme ganhou o Oscar de Melhores Efeitos Especiais.
A direção de Byron Haskin é boa. A sensação de desesperança que Haskin transmite, aliada ao uso de intersticiais, atuações e cenas memoráveis, mostra a natureza completa de sua direção. Partindo do princípio de que o diretor trabalhou com um roteiro apertado de Barre Lyndon, ele ainda foi capaz de evocar suspense, e ocasionalmente, oferecer um horripilante filme de ficção científica.
Teria sido bom se o ritmo pudesse ter acelerado mais cedo no filme, especialmente porque o filme tem um tempo de execução relativamente curto, mas "A Guerra dos Mundos" quebra o paradigma estereotipado da ficção científica. Se você gosta de ficção científica no estilo dos anos 1950 ou se está procurando um filme alienígena clássico, esse longa-metragem é para você.
Orgulho e Preconceito e Zumbis
2.7 684 Assista AgoraO filme é essencialmente o conto clássico de Jane Austen sobre costumes sociais da Inglaterra do século 19 incluindo: personagens, cenários, trama e diálogos, apenas com a incômoda inclusão de mortos-vivos aparecendo aqui e ali para complicar as coisas.
O que diferencia 'Orgulho e Preconceito e Zumbis' de seu material de origem literária são suas grandes sequências de ação, mas elas são encenadas, iluminadas, filmadas e editadas de maneira tão confusa que muitas vezes é difícil dizer o que está acontecendo.
No começo, é divertido tentar prever como os monstros comedores de cérebro serão inseridos na história, mas não há contexto visual para os ataques e nenhuma maneira de determinar sua origem ou tamanho, o que esgota a tensão dessas cenas.
A mistura funciona bem nos momentos mais calmos e silenciosos, quando os personagens se sentam em uma sala de estar limpando suas armas ou se superando enquanto comparam seus conhecimentos nas artes mortais. A comédia também é interpretada de maneira peculiarmente direta, apenas Matt Smith parece estar se divertindo, como um pároco parcimonioso que se apaixona por Elizabeth.
Eu amo zumbis e o livro é um dos meus favoritos, então essa ideia é simplesmente genial para mim. Os pequenos e inexpressivos momentos do filme de Burr Steers têm mais impacto do que as peças massivas e barulhentas. 'Orgulho e Preconceito e Zumbis' tem suas falhas e funciona de maneira estranha, mas não é totalmente sem charme.
Pedro Coelho 2: O Fugitivo
3.2 30'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' é um caso curiosamente superficial, uma comédia sem graça baseada nos animais queridos de Beatrix Potter de dezenas de livrinhos delicados criados quando o mundo era menos cínico.
O filme ainda traz muita fofura com seus animais em CGI. O crescimento da tecnologia cinematográfica é notável. As criaturas são foto realistas e os cineastas fazem a escolha sábia de não antropomorfizar muito. Há texturas variadas de pele, há um trabalho incrível com sombra e a luz, a umidade nos olhos, a equipe de animação e efeitos visuais superaram mais uma vez.
Os momentos dedicados aos humanos, entretanto, deixam um gosto amargo. Byrne não tem muito com o que trabalhar desta vez, infelizmente, na maior parte do filme, o Thomas de Gleeson em vez de ser um trapalhão inseguro de quem simpatizamos, Thomas aparece como um chorão estridente e ciumento.
O roteiro do diretor Will Gluck e Patrick Burleigh se diverte um pouco com clichês de filmes de assalto e consegue as maiores risadas do filme com um visual ultrajante de cenários, mas o filme oscila principalmente entre piadas internas para os pais e humor físico para os espectadores mais jovens.
Trazendo um favorito das crianças para a vida com visuais vividamente realistas e design de produção atraente, 'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' simplesmente prova que quando um filme falta o coração e o charme que tornou sua fonte de material querida para os leitores por mais de um século, ele se torna algo superficial.
'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' traz a fofura para os adultos e o pastelão para as crianças. A aposta dos cineastas de que o público vai perdoar as modernizações e esquecer o original, é reforçada pelo fato de que, o primeiro filme arrecadou cerca de sete vezes o orçamento relatado.
Intolerância
4.0 108 Assista AgoraEssencialmente um produto da era vitoriana, D.W. Griffith foi o primeiro grande diretor da América, e 'O Nascimento de uma Nação' (1915) e 'Intolerância' (1916) representaram um salto para a nova arte do século XX. Valendo-se de todas as técnicas à sua disposição, o diretor trouxe um novo escopo e escala ao cinema.
A abordagem temática da era vitoriana não funciona mais, isso pode afastar muitos dos cinéfilos de hoje, mas a poesia visual é avassaladora, especialmente nas cenas de multidão. O uso excelente do cross-cutting pode deixar muitos cineastas atuais com inveja. O uso da ação para gerar suspense, cria um clímax que poucos filmes hoje não conseguem obter.
Quatro das histórias contadas em 'Intolerância' são: uma citação de Walt Whitman ('Fora do berço, balançando sem parar'). 'O Nazareno' é estrelado por Bessie Love, 'A História Medieval' envolve o massacre dos huguenotes no dia de São Bartolomeu em 1572, 'A Queda da Babilônia' apresenta Constance Talmadge, Elmo Lincoln, Seena Owen, Tully Marshall e cenários impressionantes, e 'A Mãe e a Lei' é uma emocionante história contemporânea estrelada por Mae Marsh e Robert Harron.
Enquanto alguns contos são menos substanciais e servem quase exclusivamente a propósitos alegóricos, 'A Queda da Babilônia' narrando padres rejeitados e o drama de um homem tentando evitar a forca, são totalmente emocionantes. Os cenários incríveis e os valores de produção luxuosos falam muito.
'Intolerância' mostra a coragem da antiga Hollywood. No conto que passa na Babilônia de 539 a.C., o erotismo é desenfreado, o período é retratado impressionantemente de maneira espetacular, com um cenário absurdamente gigantesco e exuberante. O longa-metragem também mostra o que Hollywood perdeu quando mais tarde se curvou à censura do Código Hays.
D.W. Griffith projeta os quatro contos para mostrar que a intolerância, em várias formas, existiu em todas as épocas. Três das exemplificações são baseadas em fatos históricos, a quarta, 'A Mãe e a Lei', é um melodrama de golpe poderoso que ainda pode causar um efeito até hoje.
A opinião crítica sobre o valor desse clássico foi dividida por quase um século, com Griffith sendo aclamado como um visionário. Quaisquer que sejam suas glórias e falhas, 'Intolerância' continua sendo um marco na arte e entretenimento cinematográficos. Pode parecer falho de várias maneiras para algumas pessoas, mas este é um cinema monumental e essencial para os verdadeiros entusiastas do cinema.
Pedro Coelho
3.4 146 Assista AgoraPeter Rabbit teve sua aventura contada pela primeira vez em 1902 pela autora Beatrix Potter em uma série de 23 pequenos volumes de fábulas infantis sobre a vida secreta dos habitantes da floresta. “The Tale of Peter Rabbit” continua a ser um material de leitura popular na hora de dormir, principalmente porque nosso herói teimoso sofre as consequências de seu mau comportamento e tudo retratado em aquarela delicadamente matizados de seus personagens.
Beatrix Potter ficaria lisonjeada em saber que um dia, mais de um século depois de publicar "The Tale of Peter Rabbit", seu personagem mais amado seria reinterpretado na tela, mas talvez ela não ficaria tão feliz de ver seus personagens em CGI ao invés de desenho tradicional.
'Pedro Coelho' é impressionante do ponto de vista dos efeitos visuais, não apenas casacos de pele virtuais, mas o grau em que as criaturas CGI interagem com seus ambientes é incrível, tapando a grama e levantando cascalho ou até mesmo quando conseguimos ver a pele do coelho oscilar de forma convincente nas suaves brisas do campo, o filme é perfeito em questões de efeitos visuais.
O diretor Will Gluck, que escreveu o roteiro junto com Rob Lieber, rapidamente estabelece o tom abertamente pastelão da produção desde o início, enquanto um quarteto de pássaros cantando em volta do logo Columbia Pictures termina com final trágico e cômico.
Não há uma história legal para contar aqui, nem há muitos personagens para alimentá-la. Peter não tem personalidade além de um verniz cansativo de sarcasmo. Sem personalidade, não pode haver arco emocional, nem crescimento do personagem, nem lições de vida aprendidas.
O que torna 'Pedro Coelho' assistível é a química óbvia entre Byrne e Gleeson e a animação CGI honestamente excelente de Peter e companhia. Para qualquer pessoa familiarizada com o “Peter Rabbit” original, é um pouco deprimente ver seu charme de contos de fadas reduzido a pastelão infantil.
Sem Novidade no Front
4.3 140 Assista AgoraPoucos filmes, até hoje, atingiram uma mensagem anti-guerra tão poderosa quanto a extraordinária evocação de Lewis Milestone da trágica loucura da guerra. Indiscutivelmente, ainda o maior filme da Primeira Guerra Mundial, seu terno retrato da inocente juventude alemã é justaposto ao angustiante imediatismo da guerra de trincheiras, filmado com uma verossimilhança reveladora que muitos cineastas modernos, com todas as suas ferramentas, não conseguiram igualar.
O Lewis Milestone não deixou nada de fora. Três ou quatro mortes à vista do público; duas cenas de hospital; sugeriu amputações de pernas tão sugestivamente forçadas que você quase pode vê-las cortadas; mortes por aquela carnificina de guerra no campo e uma morte por esfaqueamento nas trincheiras, incluindo a visão medonha de um par de mãos nuas apenas, por apenas um flash, pendurado em uma cerca de arame farpado.
É uma produção expansiva com vistas que nunca parecem ser limitadas. Quando os projéteis demolem os aposentos subterrâneos, os gritos de medo, juntamente com o som das metralhadoras, dos morteiros e dos projéteis, 'Sem Novidade no Front' sabe contar a história dos terror de uma guerra.
O terror sangrento da guerra retratado aqui, é uma inovação, talvez pareça loucura escrever isso, mas estamos nós em 1930, o filme é extremamente original quando você parar para pensar na sua forte linguagem dentro de seu contexto histórico e época.
A história é contada inteiramente através das experiências dos jovens recrutas alemães e destaca a tragédia da guerra através dos olhos dos indivíduos, levando o telespectador uma profunda imersão na trama. Enquanto os meninos testemunham a morte e a mutilação ao seu redor, qualquer preconceito sobre "o inimigo" e os "erros e acertos" do conflito desaparece..
É difícil lançar a comédia na maior tragédia que o mundo já conheceu, mas aqui, eles conseguem, principalmente por meio de Slim Summerville como um veterano fervoroso ou quando três soldados alemães nadam nus, através do rio até a costa francesa, carregando pão e salsichas para três garotas francesas do outro lado.
O diálogo pode parecer arqueado e teatral para os padrões de hoje, os discursos prolixos sobre camaradas caídos dificilmente são realistas, mas são reveladores e nenhuma concessão é feita às noções morais do bem contra o mal.
'Sem Novidade no Front' lançado em 1930 é considerado um dos filmes anti-guerra mais eficazes já feitos. Ganhou grandes elogios nos Estados Unidos, mas foi proibido em vários outros países, incluindo a Alemanha, por causa de sua mensagem pacifista. O filme é baseado em um romance de Erich Maria Remarque e reinventa a narrativa sobre a guerra com um olhar corajoso e verdadeiro.
Melodia da Broadway
2.9 48Vencedor do Oscar de Melhor Filme em 1930, 'Melodia da Broadway' entra na lista daqueles filmes que ganharam o prêmio, mas que não mereciam. Eu não vou escrever aqui que tudo nesse longa-metragem musical é ruim. O tom de humor, uma vez ou outra, arranca algum riso. Duas canções do filme realmente valem a pena, a romântica 'You Were Meant For Me' e a graciosa e bem executada 'Truthful Parson Brown'.
Dirigido por Harry Beaumont, o filme marcou época, foi um grande sucesso de bilheteria (o filme custou 379 mil dólares e arrecadou pouco mais de 2,8 milhões, só nos Estados Unidos) e ainda gerou três sequências, 'Melodia da Broadway' de 1936, 'Melodia da Broadway' de 1938 e 'Melodia da Broadway' de 1940.
Se olharmos para a história do cinema, é possível encontrar explicações históricas e artísticas para a boa recepção e legado do filme. É importante termos em mente que 'Melodia da Broadway' é um musical e este gênero era uma grande novidade na época. Até aquele momento, apenas cinco musicais haviam sido lançados, sendo os mais famosos 'O Cantor de Jazz' de 1927, também conhecido por ter sido o primeiro “filme sonoro” da história do cinema, e 'A Última Canção' de 1928, ambos protagonizados por Al Jolson e produzidos pela Warner Bros.
Aqui há uma história muito simples projetada para reunir apresentações de canto e dança. O principal problema é que os números musicais parecem prolongar demais essa curta história, o que meu deu a sensação de que as músicas estão sendo usadas para prolongar o tempo de execução.
A relação dos personagens mostram egos conflitantes e artistas nervosos, demonstrando a atmosfera turbulenta das celebridades de Nova York, embora mesmo no final dos anos 20 o tema pareça cansado. Um enredo muito simples, mas muito melodramático o que me fez achar 'Melodia da Broadway' muito chato.
Do trio de atores principais, apenas Charles King sabia cantar, mas infelizmente a sua atuação não é uma das melhores de assistir. Anita Page começou sua carreira no cinema mudo, mas rapidamente fez a transição para o cinema falado. Em 1929, a loira estava no auge de sua popularidade. Bessie Love teve a corrida mais longa e constante de qualquer um dos três. Sua primeira aparição na tela foi em 1915 e a última em 1983. Nesse meio tempo, ela fez mais de 100 filmes e nunca passou mais de cinco anos sem um papel.
É impossível negar o valor histórico, talvez um pouco técnico também, de 'Melodia da Broadway'. Foi difícil para mim não sofrer impacto dos seus tediosos cem minutos de duração. O longa-metragem vale a pena se o espectador quiser completar a lista de filmes vencedores do Oscar ou de obras com valor notável para o desenvolvimento da arte cinematográfica, mas para quem procura um bom filme, eu sinto em lhe informar, 'Melodia da Broadway' não é bem o que você está precisando.
Ghostbusters: Mais Além
3.5 408 Assista Agora'Ghostbusters: Mais Além' é um exercício profundamente nostálgico. Isso está claro desde o início, como costuma ser o caso de filmes que combinam sequências de décadas depois com reinicializações famintas de franquia.
'Os Caça-Fantasmas' se tornaram um clássico ao mesclar absurdos loucos e fantásticos com uma frouxidão cômica vagamente contra cultural. 'Ghostbusters: Mais Além', dirigido e co-escrito por Jason Reitman, traz uma aventura infantil, que possui algumas piadas boas e em outros momentos a comédia oferece piadas ruins sobre piadas ruins.
O filme faz uma tentativa desanimada de formar um novo quarteto de heróis briguentos e brincalhões, com os irmãos se juntando ao novo amigo de Phoebe, Podcast (Logan Kim) e a paixão instantânea de Trevor, Lucky (Celeste O'Connor). A falta de tempo de tela real que os quatro passam juntos como um grupo é uma dica de que a mistura de crianças mais jovens e mais velhas é um ato de posicionamento demográfico mais do que qualquer outra coisa.
Durante a primeira hora, 'Ghostbusters: Mais Além' solidamente segue a linha entre o antigo e o novo, enquanto Jason Reitman oferece ótimos momentos, no entanto, o filme muda de brincar com a mitologia do passado para imitar completamente.
Aspectos técnicos lindamente construídos a partir do original. A partitura do compositor Rob Simonsen é uma homenagem aos temas clássicos e inesquecíveis de Elmer Bernstein, ao mesmo tempo em que estabelece sua própria paisagem sonora única com instrumentação semelhante à de sopros, cordas e metais pesados.
A cinematografia do colaborador frequente Eric Steelberg é sutilmente influenciada pela abordagem de László Kovács, aumentando simultaneamente os tons narrativos com seu próprio toque humanístico e fundamentado. O design de produção de François Audouy e os figurinos de Danny Glicker dão interpretações inteligentes a momentos icônicos do filme de 1984.
Jason Reitman aperta o botão de reinicialização mais uma vez, desta vez carregando um legado cinematográfico familiar. Com toda a nostalgia acumulada na imagem, sua própria identidade remodelada fica levemente comprometida, funcionando como um mimeógrafo do que veio antes dela.
Caça-Fantasmas
3.2 1,3K Assista Agora'Os Caça-Fantasmas' foi um grande sucesso e foi uma boa ideia refazer o filme com um elenco só com mulheres. Quando você tem mulheres tão engraçadas como Kristen Wiig, Kate McKinnon, Leslie Jones e Melissa McCarthy fazendo filmes, é inteligente encontrar maneiras de juntá-las, mas esse remake parece desperdiçar todas as oportunidades.
'Caça-Fantasmas' começa bem, com Zach Woods como guia turístico em uma casa mal-assombrada. Em seguida, a ação muda para Kristen Wiig, como Erin, uma professora de física a poucos dias de sua revisão de mandato. O roteiro é nítido com algumas linhas inteligentes, mas nada parece funcionar aqui.
Todo o caos sobrenatural do primeiro filme foi apoiado pelo ótimo relacionamento entre quatro personagens principais, distintamente desenhados. 'Caça-Fantasmas' não traz uma relação convincente entre essas personagens o que deixa o longa fora de órbita dentro de seu próprio universo.
Chris Hemsworth rouba bastante a cena como um secretário pouco inteligente. Kristen Wiig sabe que a comédia é basicamente drama, mas atua com senso de humor e Melissa McCarthy é sempre um prazer assisti-la na comédia. O que dá errado é que Wiig e McCarthy são apenas duas pessoas e 'Caça-Fantasmas' é sobre um quarteto.
Kate McKinnon, em particular, está chocantemente deslocada e ela ajuda a arrastar o filme para baixo com expressões faciais e gestos selvagens, reações fora de contexto e vozes estranhas sem motivo específico. Temos Leslie Jones, cujo papel como trabalhadora do metrô transformado em caça-fantasmas é completamente plano.
A ladainha do fanservice também não ajuda 'Caça-Fantasmas'. Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, o busto de Harold Ramis, Ernie Hudson, Annie Potts, Slimer e mais, todos mostram seus rostos em cenas que parecem criadas para a seção de aplausos enlatados de uma comédia quando o amado personagem finalmente aparece. E suas aparições sempre paralisam qualquer impulso que existe enquanto ele se deleita em suas aparições nostálgicas, mas sem sentido.
'Caça-Fantasmas' segue o modelo do original de Dan Aykroyd e Harold Ramis, o roteiro fraco de Feig e sua co-roteirista Katie Dippold não dá caldo para um boa história. Com pouco humor e tensão, os encontros assustadores são colisões rotineiras com espectros vaporosos de CGI que se transformam em um cataclismo sobrenatural sem envolvimento desencadeado na Times Square de Nova York.
'Os Caça-Fantasmas' pode ter nos feito sentir bem em 1984, mas essa atualização pouco imaginativa cruza seus fluxos convencionais muitas vezes para seu próprio bem. É uma pena que esta atualização quase sem graça e sem inspiração só irá alimentar os raivosos fãs do clássico. É tudo ocupado e barulhento com zero emoção e pouca comédia sustentável.