Durante os últimos anos, fomos bombardeados com diversos documentários sobre Kurt Cobain; a maioria tentando "desvendar" o suicídio do lendário vocalista do Nirvana. Não é o caso aqui. Vemos Brett Morgen deixar Kurt falar, sem rodeios, e nos levar para viajar por dentro de sua cabeça, sua mente e sua alma. Após os 132 minutos, a última frase, aquilo que nenhum fã gostaria de ler: "No dia 5 de julho de 1994, Kurt Cobain pôs fim a sua vida". Notícia velha, muito velha, mas que volta a chocar após a profunda imersão na alma de Kurt.

Todos os filmes, fotos e vídeos inéditos presentes deixam claras as intenções de fazer um relato completo da vida de Cobain. Em ordem cronológica, vemos o vocalista desde os primeiros passos até seus últimos dias. A atmosfera criada por Morgen, com todos os relatos e sequências em animação, deixam o vocalista falar por si, talvez até ajudando a entender porque levava a vida como levava.

Como já era de se esperar, aqui temos trechos de entrevista, capas de revista e notícias em jornais, mas tudo isso faz parte de um "quadro" muito maior, ao lado de todos os poemas incompletos, as listas perturbadoras e todos os traços bizarros, até perturbadores, de seus desenhos. São os momentos em que temos o olhar mais aprofundado e inquietante da vida através dos olhos de Kurt.

Conforme o documentário vai se aproximando do fim, você vai se aprofundando na relação Cobain-Love, e vai sentindo o clima ficar mais denso, melancólico e pesado. Ver Kurt Cobain aos beijos com Courtney Love, com aquela aparência de quem teve toda a vitalidade sugada de si, seja pela fama ou até pela união é algo incrivelmente desconfortante. Aliás, adentrar a relação dos dois, seja nos momentos "íntimos" ou não, é desconfortante. É como se o que é chocante pra maioria das pessoas, como uma cena caseira de Love sob o efeito de drogas enquanto grávida, fosse algo normal para eles.

Mas, em quesito de choque, o principal choque de Montage of Heck é a entrada brusca e singular na vida de Kurt Cobain. Aqui, além do badboy que pouco se importava com criticas, opiniões e até público, se mostra, na verdade, um homem fragilizado, que não suporta ser invadido ou humilhado.

David Dobkin é um diretor conhecido por comédias como Penetras Bons de Bico e Bater ou Correr, então é uma surpresa que ele se arrisque em um drama como O Juiz. Surpresa maior, porém, é ver como ele se saí bem assim, com seu crossover de três dos gêneros mais consagrados do cinema: um filme de tribunal, um filme de volta pra casa e um filme de família. Essa, somada à uma mistura de charme e carisma dos Robert's (Downey Jr. e Duvall), cuja a alteração frequente de humores mantém a experiência positiva, apesar de o roteiro não ser uma caixinha de surpresas, é a fórmula mágica do filme.

A química entre os dois protagonistas resulta em momentos memoráveis, especialmente a cena do banheiro, conduzida com extrema sensibilidade da parte de Dobkin. São essas sequências que simbolizam o ponto mais alto do filme: o seu equilíbrio perfeito entre drama e humor. O humor, obviamente, vindo de Robert Downey Jr., com um personagem tão parecido, ao mesmo tempo que tão diferente, de Tony Stark, enquanto o drama vem da parte sofrida de Robert Duvall, com uma merecida indicação para Melhor Ator Coadjuvante.

É esse equilíbrio que trilha o caminho do filme, que volto à dizer, sem grandes surpresas em seu roteiro, seja em risadas ou lágrimas. É interessante notar como até na trilha sonora, David Dobkin escolhe Thomas Newman, um especialista na arte de provocar emoções, talvez aqui, calculada um pouco demais, deixando claro o intuito de fazer o espectador se sentir bem. Nessa parte, podemos destacar a versão de Willie Nelson de The Scientist, do Coldplay, tocada durante os créditos e provocando uma sensação mais profunda sobre o filme e os personagens em si

Depois de um arrebatamento com O Silêncio dos Inocentes, eis que vamos a Hannibal. Confesso que já sabia que esse não seria tão bom quanto o antecessor, só não esperava ver que desceriam tanto o nível de um para o outro.
A sensação de que algo estava errado começou quando Jonathan Deeme e Jodie Foster anunciaram que não participariam da sequência, substituídos por Ridley Scott e Julliane Moore.

Dez anos se passaram desde O Silêncios dos Inocentes. Após o fracasso desastroso em uma batida conjunta entre o FBI, DEA e a Polícia de Washington, a carreira de Clarice entra em decadência. Porém, ela é salva por Mason Verger, interpretado por um irreconhecível Gary Oldman, que a oferece informações preciosas sobre Hannibal, incluindo dica sobre seu paradeiro. Depois disso, somos levados à Florença. Nesse ponto vemos a competência de Ridley Scott como diretor, com uma iluminação excelente e uma fotografia de encher os olhos.

Infelizmente, a beleza do filme é perdida na esquina de alguma das ruas de Florença. À partir daqui, Hannibal mostra como não bate com o terror psicológico e suspense clássico de seu antecessor.
Mais incômodo é saber que Scott não podia fazer nada. Estava apenas seguindo o roteiro de David Mammet, que, olhando por esse lado, não fez feio na adaptação daquele que é considerado um dos piores livros da década de 90.

Indo além, o filme descaracteriza totalmente seus personagens. Se em O Silêncio dos Inocentes, dr. Lecter era um homem de bom gosto, discreto e elegante, aqui temos ele somente com seu bom gosto, que nem sequer é tratado como deveria. Também temos Julliane Moore, que aqui se encontra perdida. Não perdida como sua personagem deveria estar, mas perdida como atriz. Como se faltasse uma direção e até uma referência para ela seguir. Sinceramente, se não insistissem em falar "Clarice Starling" e "agente especial Starling" tantas vezes, dificilmente saberia que Moore equivale à Foster.

Por fim, chegamos aos atos que terminam o show de horrores iniciados em Florença, em uma das cenas mais perturbadoras do filme. Perturbadora não pelos acontecimentos em si, mas pelo fato de ir contra a discrição estabelecida no primeiro filme, e até contra o que foi estabelecido entre Hannibal e Clarice anteriormente.