Diego Ferreira

“O tênis é como um relacionamento.”
Um trabalho pop e bastante dinâmico, traçando um paralelo constante e óbvio entre o tênis e as relações humanas, entre a competição e os sentimentos.
Ou como um trio amoroso de sedução-repulsa tóxica (2 homens e 1 mulher, todos especialistas em bola amarela), inicialmente unidos, acabará se fragmentando e dando origem a duas vertentes frente a frente, dentro e fora da quadra de tênis, incluindo uma dupla de amigos inseparáveis ​​que se tornaram adversários ao longo do tempo.
Filmando corpos (entrelaçados e/ou em pleno esforço) e desejos (sexuais e esportivos), este drama romântico-esportivo funciona principalmente por dois motivos: seu trio principal (Zendaya, Mike Faist e Josh O'Connor), extremamente carismáticos e manipuladores e em alquimia total; sua produção virtuosa durante as partida, e esse final que pode ser simbolizado como a fusão do fogo e do gelo.
A história acaba por permanecer bastante clássica nos temas que aborda, mas o fato de brincar com as diferentes temporalidades permite-nos explorar este quadro conhecido de uma forma um pouco diferente e tornar tudo um pouco mais envolvente de acompanhar, mesmo que pudéssemos, criticá-lo por ser artificialmente esticado para o que tem a nos dizer (o que achei durante sua 2ª hora um pouco mais redundante).
Filme com uma encenação muito estilizada, à qual nos podemos apegar ou não (a escolha de colocar música techno muito barulhentas em certas cenas bastante íntimas diminui o impacto destes momentos, não é adequado). “Rivais” fala-nos de amizade, amor, ciúme, estratégia, superação e metas, e nos mostra, em suas últimas imagens, que o que importa em última análise não é vencer, mas jogar. Do ponto de vista do enredo, prefiro recomendar outro filme onde também experimentamos a raquete e os sentimentos: “Match Point” de Woody Allen, mais cruel e realizado aos meus olhos.
Em última análise, “Rivais” acaba por ser uma pequena surpresa agradável aos meus olhos, especialmente tendo em conta o seu trailer, que realmente me embalou moderadamente.

É o grande dia da Ellie! A jovem provinciana criada no casulo protetor e atemporal de sua avó mudou-se para a capital Londres para perseguir seus sonhos de design de moda. Mas, mal chegando lá, o idealismo ingênuo da jovem já se choca com o olhar libidinoso de um taxista fixado nela, como um primeiro alerta dos pesadelos que podem se esconder atrás das luzes inebriantes da cidade. Depois, há as palavras cruéis dos seus concidadãos, o barulho, as festas intermináveis... Ellie opta por fugir em busca de um novo casulo onde possa encontrar refúgio nas fantasias de perfeição dos anos 60 que mantém graças aos cuidados da sua avó. registros. Com a tranquilidade gelada de um quarto de empregada alugado a uma senhora idosa, ela consegue satisfazer o seu desejo de fugir de um mundo urbano demasiado duro para ela... mas na medida em que nunca suspeitaria quando, todas as noites, cai na Londres dos anos 60, partilhando literalmente a existência de uma jovem da época, Sandie, que espera iniciar uma carreira como cantora...
O diretor sempre fez questão de oferecer muitas experiências revigorantes ao seu público.
A música desempenha um papel fundamental em Wright. Mais do que uma ferramenta, é ela quem dá o andamento da trama. Não foi à toa que o mundo de Scott Pilgrim quebrou as fronteiras estilísticas entre cinema, quadrinhos e música para entregar uma carta de amor à cultura geek. Quanto ao Baby Driver, é bem simples, ele não era o motorista excepcional sem sua playlist nos ouvidos, fusão perfeita entre imagens e trilha sonora. Em Noite Passada em Soho, Ellie (a heroína) se sente mais sintonizada com os padrões dos anos 60 do que com os de sua época. Como muitos de nós, em suma. As melodias são pontos de partida onde se enxertam histórias lendárias e aí a imaginação toma conta. A partir daí coexistem dois passados: o real e o idealizado. Como a maioria dos personagens de Wright, Ellie é uma estranha assombrada pela falta, uma desajustada cuja sanidade depende apenas de algumas notas. Então, quando ela se vê nos anos sessenta que tanto adora, temos o direito de fazer perguntas. A sequência não provará que estamos errados.
Ainda mais do que no passado, o diretor joga com as percepções que fará evoluir. A primeira hora é uma onda de sequências verdadeiramente impressionantes, de velocidade notável combinada com a precisão de um ourives. Tal como Ellie (excelente
Thomasin McKenzie), saímos de nós mesmos, balançamos, levitamos no meio de um festival de movimentos e cores. De volta ao passado? Sim e não. O filme avança, assim como a excitação criativa, só que a viagem nostálgica se torna motivo de preocupação.
Edgar Wright não está aqui para glorificar as fantasias associadas a uma época passada, mas sim para discutir a sua chamada grandeza. O quebra-cabeça é colocado de volta no lugar, a imagem que dele obtemos causa arrepios na espinha. Rastejaremos pelos cantos mais desagradáveis, nos braços de espectros monstruosos vestidos com esmero. Noite Passada em Soho então se transforma em um trem fantasma que vagueia entre esperanças afogadas em sangue. Se a mensagem não foi clara o suficiente no final do primeiro tempo, o extravagante grande final deixou claro o ponto.
A festa estava a todo vapor? A ressaca será severa.
Nesse meio tempo, o longa-metragem recua um pouco. A construção torna-se repetitiva e desde que prestemos atenção aos pequenos detalhes, desarmaremos diversas reviravoltas muito antes da trama decidir resolvê-las. Entretanto, vários elementos ficam para trás (a mãe, a investigação). É irritante porque tudo isso poderia ter dado origem a uma atitude mais desconfiada quanto ao final da história. De fato, há uma resolução que ocorre, mas por mais comovente que seja, seu epílogo um tanto fácil ameniza o sucesso. Mas só um pouco, porque Wright nos dá bastante retorno para nossos investimentos, olhos e ouvidos.
Não é o melhor filme de Edgar Wright, mas é verdade que ele nos dá um filme a que não falta audácia.

É um grande prazer olhar para trás e poder dizer, com toda a certeza: “Sei mais agora do que antes”. Para mim, praticamente não há obstáculos em meu desenvolvimento como cinéfilo que marquem mais claramente esse processo do que minha mudança de relacionamento com a extravagância de ficção científica de 1997, O Quinto Elemento.
Em primeiro lugar, algo que me surpreendeu visto que o realizador francês foi muitas vezes criticado por ter modelado a sua atmosfera na de “Blade Runner”, o mundo do filme é alegre. Obviamente, um filme de ficção científica obriga o filme manter um aspecto pessimista sobre o futuro, mas este não é o centro do filme e Luc Besson não tenta transmitir uma mensagem ecológica ou marxista. Ele obviamente transmite uma moral bastante simplista, mas acerta o alvo e é bastante otimista. Definitivamente, você não deveria esperar um filme violento.
Não há uma única piada no filme que não tenha pelo menos me feito sorrir. Do início ao fim do filme, os momentos malucos se sucederão em um ritmo frenético, sem nunca exagerar.
O que se segue, de qualquer forma, é uma aventura de ação às vezes incoerente que serve como um passeio pelas fantásticas paisagens de ficção científica da imaginação adolescente de Besson: um amontoado de arranha-céus imponentes e carros voadores com quilômetros de altura que ainda tem a sensibilidade básica de design de nossa moderna cidade de Nova York; um luxuoso transatlântico viajando para o planeta resort Fhloston Paradise, com influências polinésias, indianas e italianas vivendo alegremente em harmonia; e as formas metálicas curvilíneas que a cultura pop da década de 1960 previu que seria o futuro espacial.
Os protagonistas são muito importantes, é claro: Oldman (que odeia o filme muito amigavelmente, ao ouvi-lo falar sobre isso anos mais tarde), em particular, é um componente absolutamente crítico do todo, com seu sotaque americano e tendência a ficar nervoso com sua linguagem corporal e uma série de contrações faciais. Milla Jovovich, em sua primeira grande aparição no cinema, abraça o material da maneira mais destemida e confiante. Também me dei conta, em grande estilo, do maníaco Ruby Rhod, de Chris Tucker, facilmente minha parte menos favorita do filme quando o vi em 1997; o personagem me pareceu cheio de piadas estridentes e barulhentas, insuportavelmente caricatural, mas comecei a pensar que seu personagem como o legítimo coração do filme. Afinal, o objetivo de Ruby é ser uma força de vontade sempre ativa, um artista que nos dará 1000% de sua energia 1000% do tempo, mesmo no meio de um cenário de ação com risco de vida.
Dito isto, ajuda que o filme se ancora em um protagonista tão sólido e quadrado. Esse é Bruce Willis como Korben Dallas, soldado das forças especiais que virou motorista de táxi, homem comum que mergulha no turbilhão das fantasias de Besson e então tenta superar tudo. Ele é o mesmo tipo de protagonista que um filme de James Cameron ou Michael Bay poderia ter, mas intensificado: o visual do filme, o senso de humor e o estilo geral de atuação são todos identificavelmente europeus, o que faz com que a presença marcante de Willis como Homem Americano Quintessencial se destaque em todos os aspectos. mais. O filme precisa de uma figura central tão descontraída para ser algo diferente de puro colírio para os olhos, e Willis era mais adequado do que qualquer outro artista que eu pudesse nomear para incorporar essa figura.
Concluindo, como diria Steven Spielberg, “O Quinto Elemento” é um “filme pipoca com uma mensagem no fundo do balde” perfeito. É realmente um longa-metragem que coloca um sorriso no rosto quando rolam os créditos finais e te deixa de bom humor por vários dias.
Claramente, no gênero de filme de ficção científica ultradivertido, O Quinto Elemento é uma joia. Quase tudo está lá para garantir um show de alto nível. A única pequena desvantagem para mim vem de uma certa falta de fluidez sobrecarregada pelo peso de uma mensagem pacifista muito caricaturada que pesa um pouco no final.