“O tênis é como um relacionamento.” Um trabalho pop e bastante dinâmico, traçando um paralelo constante e óbvio entre o tênis e as relações humanas, entre a competição e os sentimentos. Ou como um trio amoroso de sedução-repulsa tóxica (2 homens e 1 mulher, todos especialistas em bola amarela), inicialmente unidos, acabará se fragmentando e dando origem a duas vertentes frente a frente, dentro e fora da quadra de tênis, incluindo uma dupla de amigos inseparáveis que se tornaram adversários ao longo do tempo. Filmando corpos (entrelaçados e/ou em pleno esforço) e desejos (sexuais e esportivos), este drama romântico-esportivo funciona principalmente por dois motivos: seu trio principal (Zendaya, Mike Faist e Josh O'Connor), extremamente carismáticos e manipuladores e em alquimia total; sua produção virtuosa durante as partida, e esse final que pode ser simbolizado como a fusão do fogo e do gelo. A história acaba por permanecer bastante clássica nos temas que aborda, mas o fato de brincar com as diferentes temporalidades permite-nos explorar este quadro conhecido de uma forma um pouco diferente e tornar tudo um pouco mais envolvente de acompanhar, mesmo que pudéssemos, criticá-lo por ser artificialmente esticado para o que tem a nos dizer (o que achei durante sua 2ª hora um pouco mais redundante). Filme com uma encenação muito estilizada, à qual nos podemos apegar ou não (a escolha de colocar música techno muito barulhentas em certas cenas bastante íntimas diminui o impacto destes momentos, não é adequado). “Rivais” fala-nos de amizade, amor, ciúme, estratégia, superação e metas, e nos mostra, em suas últimas imagens, que o que importa em última análise não é vencer, mas jogar. Do ponto de vista do enredo, prefiro recomendar outro filme onde também experimentamos a raquete e os sentimentos: “Match Point” de Woody Allen, mais cruel e realizado aos meus olhos. Em última análise, “Rivais” acaba por ser uma pequena surpresa agradável aos meus olhos, especialmente tendo em conta o seu trailer, que realmente me embalou moderadamente.
É o grande dia da Ellie! A jovem provinciana criada no casulo protetor e atemporal de sua avó mudou-se para a capital Londres para perseguir seus sonhos de design de moda. Mas, mal chegando lá, o idealismo ingênuo da jovem já se choca com o olhar libidinoso de um taxista fixado nela, como um primeiro alerta dos pesadelos que podem se esconder atrás das luzes inebriantes da cidade. Depois, há as palavras cruéis dos seus concidadãos, o barulho, as festas intermináveis... Ellie opta por fugir em busca de um novo casulo onde possa encontrar refúgio nas fantasias de perfeição dos anos 60 que mantém graças aos cuidados da sua avó. registros. Com a tranquilidade gelada de um quarto de empregada alugado a uma senhora idosa, ela consegue satisfazer o seu desejo de fugir de um mundo urbano demasiado duro para ela... mas na medida em que nunca suspeitaria quando, todas as noites, cai na Londres dos anos 60, partilhando literalmente a existência de uma jovem da época, Sandie, que espera iniciar uma carreira como cantora... O diretor sempre fez questão de oferecer muitas experiências revigorantes ao seu público. A música desempenha um papel fundamental em Wright. Mais do que uma ferramenta, é ela quem dá o andamento da trama. Não foi à toa que o mundo de Scott Pilgrim quebrou as fronteiras estilísticas entre cinema, quadrinhos e música para entregar uma carta de amor à cultura geek. Quanto ao Baby Driver, é bem simples, ele não era o motorista excepcional sem sua playlist nos ouvidos, fusão perfeita entre imagens e trilha sonora. Em Noite Passada em Soho, Ellie (a heroína) se sente mais sintonizada com os padrões dos anos 60 do que com os de sua época. Como muitos de nós, em suma. As melodias são pontos de partida onde se enxertam histórias lendárias e aí a imaginação toma conta. A partir daí coexistem dois passados: o real e o idealizado. Como a maioria dos personagens de Wright, Ellie é uma estranha assombrada pela falta, uma desajustada cuja sanidade depende apenas de algumas notas. Então, quando ela se vê nos anos sessenta que tanto adora, temos o direito de fazer perguntas. A sequência não provará que estamos errados. Ainda mais do que no passado, o diretor joga com as percepções que fará evoluir. A primeira hora é uma onda de sequências verdadeiramente impressionantes, de velocidade notável combinada com a precisão de um ourives. Tal como Ellie (excelente Thomasin McKenzie), saímos de nós mesmos, balançamos, levitamos no meio de um festival de movimentos e cores. De volta ao passado? Sim e não. O filme avança, assim como a excitação criativa, só que a viagem nostálgica se torna motivo de preocupação. Edgar Wright não está aqui para glorificar as fantasias associadas a uma época passada, mas sim para discutir a sua chamada grandeza. O quebra-cabeça é colocado de volta no lugar, a imagem que dele obtemos causa arrepios na espinha. Rastejaremos pelos cantos mais desagradáveis, nos braços de espectros monstruosos vestidos com esmero. Noite Passada em Soho então se transforma em um trem fantasma que vagueia entre esperanças afogadas em sangue. Se a mensagem não foi clara o suficiente no final do primeiro tempo, o extravagante grande final deixou claro o ponto. A festa estava a todo vapor? A ressaca será severa. Nesse meio tempo, o longa-metragem recua um pouco. A construção torna-se repetitiva e desde que prestemos atenção aos pequenos detalhes, desarmaremos diversas reviravoltas muito antes da trama decidir resolvê-las. Entretanto, vários elementos ficam para trás (a mãe, a investigação). É irritante porque tudo isso poderia ter dado origem a uma atitude mais desconfiada quanto ao final da história. De fato, há uma resolução que ocorre, mas por mais comovente que seja, seu epílogo um tanto fácil ameniza o sucesso. Mas só um pouco, porque Wright nos dá bastante retorno para nossos investimentos, olhos e ouvidos. Não é o melhor filme de Edgar Wright, mas é verdade que ele nos dá um filme a que não falta audácia.
É um grande prazer olhar para trás e poder dizer, com toda a certeza: “Sei mais agora do que antes”. Para mim, praticamente não há obstáculos em meu desenvolvimento como cinéfilo que marquem mais claramente esse processo do que minha mudança de relacionamento com a extravagância de ficção científica de 1997, O Quinto Elemento. Em primeiro lugar, algo que me surpreendeu visto que o realizador francês foi muitas vezes criticado por ter modelado a sua atmosfera na de “Blade Runner”, o mundo do filme é alegre. Obviamente, um filme de ficção científica obriga o filme manter um aspecto pessimista sobre o futuro, mas este não é o centro do filme e Luc Besson não tenta transmitir uma mensagem ecológica ou marxista. Ele obviamente transmite uma moral bastante simplista, mas acerta o alvo e é bastante otimista. Definitivamente, você não deveria esperar um filme violento. Não há uma única piada no filme que não tenha pelo menos me feito sorrir. Do início ao fim do filme, os momentos malucos se sucederão em um ritmo frenético, sem nunca exagerar. O que se segue, de qualquer forma, é uma aventura de ação às vezes incoerente que serve como um passeio pelas fantásticas paisagens de ficção científica da imaginação adolescente de Besson: um amontoado de arranha-céus imponentes e carros voadores com quilômetros de altura que ainda tem a sensibilidade básica de design de nossa moderna cidade de Nova York; um luxuoso transatlântico viajando para o planeta resort Fhloston Paradise, com influências polinésias, indianas e italianas vivendo alegremente em harmonia; e as formas metálicas curvilíneas que a cultura pop da década de 1960 previu que seria o futuro espacial. Os protagonistas são muito importantes, é claro: Oldman (que odeia o filme muito amigavelmente, ao ouvi-lo falar sobre isso anos mais tarde), em particular, é um componente absolutamente crítico do todo, com seu sotaque americano e tendência a ficar nervoso com sua linguagem corporal e uma série de contrações faciais. Milla Jovovich, em sua primeira grande aparição no cinema, abraça o material da maneira mais destemida e confiante. Também me dei conta, em grande estilo, do maníaco Ruby Rhod, de Chris Tucker, facilmente minha parte menos favorita do filme quando o vi em 1997; o personagem me pareceu cheio de piadas estridentes e barulhentas, insuportavelmente caricatural, mas comecei a pensar que seu personagem como o legítimo coração do filme. Afinal, o objetivo de Ruby é ser uma força de vontade sempre ativa, um artista que nos dará 1000% de sua energia 1000% do tempo, mesmo no meio de um cenário de ação com risco de vida. Dito isto, ajuda que o filme se ancora em um protagonista tão sólido e quadrado. Esse é Bruce Willis como Korben Dallas, soldado das forças especiais que virou motorista de táxi, homem comum que mergulha no turbilhão das fantasias de Besson e então tenta superar tudo. Ele é o mesmo tipo de protagonista que um filme de James Cameron ou Michael Bay poderia ter, mas intensificado: o visual do filme, o senso de humor e o estilo geral de atuação são todos identificavelmente europeus, o que faz com que a presença marcante de Willis como Homem Americano Quintessencial se destaque em todos os aspectos. mais. O filme precisa de uma figura central tão descontraída para ser algo diferente de puro colírio para os olhos, e Willis era mais adequado do que qualquer outro artista que eu pudesse nomear para incorporar essa figura. Concluindo, como diria Steven Spielberg, “O Quinto Elemento” é um “filme pipoca com uma mensagem no fundo do balde” perfeito. É realmente um longa-metragem que coloca um sorriso no rosto quando rolam os créditos finais e te deixa de bom humor por vários dias. Claramente, no gênero de filme de ficção científica ultradivertido, O Quinto Elemento é uma joia. Quase tudo está lá para garantir um show de alto nível. A única pequena desvantagem para mim vem de uma certa falta de fluidez sobrecarregada pelo peso de uma mensagem pacifista muito caricaturada que pesa um pouco no final.
O tempo de um fim de semana é também o momento de observar o monumento que é Al Pacino num papel como a sua carreira, forte e sólido ao mesmo tempo. O talento deste (mesmo que não seja mais para provar) explode aqui neste interpretação fenomenal, onde seu visual toca a genialidade. Ele interpreta Frank Slade, tenente-coronel aposentado dos Estados Unidos, vivendo uma segunda vida, plana, cinza e acima de tudo "escura", sombria porque privado do uso da visão é. Paralelamente um aluno muito talentoso, mas cuja posição social infelizmente não é igual à dos demais. Obrigado a trabalhar à margem dos estudos, aceita, portanto, "por um fim de semana" a responsabilidade de cuidar de uma pessoa incomum durante o Dia de Ação de Graças. O que era para ser apenas uma visita domiciliar se transforma em uma viagem para Nova York embarcada com um homem rude, bom apreciador de Jack Daniel's, peculiar desde o início do intercâmbio. O aluno não consegue administrar a situação que se torna bastante difícil para ele. Frank "Pacino" Slade é um homem amargurado pela vida cujos únicos sonhos se tornaram o ponto final de sua existência. Mas ele continua cativante, exalando muito charme e possuindo muitos talentos, incluindo o de descobrir o primeiro nome de uma mulher simplesmente pelo nome. A fragrância do seu perfume. Perfume de Mulher também traz novos elementos que indicam as qualidades do homem, tanto sutis quanto instintivas. É assim que o espectador percebe desde muito cedo que sua raiva é repleta de dor, suas palavras de angústia e sua vida de fissuras. Suas falhas estão presentes em cada um de seus gestos e palavras, mas este homem também exala uma confiança em si mesmo que é surpreendentemente verdadeira diante do diretor da escola vingativo, que oprime Charles (porque ele comparece perante um conselho disciplinar por ter notado um delito) e exige. sua exclusão, "o coronel" expressa-lhe em um apelo colorido o verdadeiro valor da integridade ".uma cena magistral" Frank Slade é, em última análise, o presente mais lindo que "Charles Simms" recebeu em sua vida modesta.."um substituto pai" porque na verdade o medo do primeiro para com o mais velho acabará se metamorfoseando em amor paterno ao longo da trama. Martin Brest dirige um filme muito clássico, mas brilhantemente apresentado, e permite que Al Pacino obtenha seu (finalmente) primeiro Oscar. A trilha sonora original de Thomas Newman indicado 14 vezes ao Oscar de melhor trilha sonora, (primo de Randy Newman) tem um sopro que se impõe por meio de sua inteligência e assim serve de guia ao cineasta. Lendário Al Pacino, provando com esse papel que pode interpretar qualquer coisa e que é um Grande Ator. O carisma de Pacino atinge o espectador ao longo do filme. Um cenário bem elaborado sobre a dureza da vida e o veneno do arrependimento. Uma palavra: Grandioso.
Caindo na subcategoria de "horror popular", onde dominam ritos de sacrifício e práticas satânicas sangrentas, como A Bruxa de Blair ou o brilhante Midsommar, O Ritual prometeu ser tão previsível quanto eficaz. Quatro amigos de longa data decidem fazer caminhadas no bosque sueco, para homenagear a memória de um quinto, que morreu repentinamente. Num cenário de luto, esta lufada de ar fresco irá rapidamente reavivar a culpa do passado e as dúvidas de todos. Surpreendentemente, os diálogos me pareceram sensatos e bem escritos na preparação para o pânico, longe das falas clichês e clichês do gênero. O que mais me atraiu foi a revisitação da mitologia nórdica, localizada no coração de uma gigantesca floresta ancestral. Há uma mudança de cenário, um folclore que faz a diferença. Certas cenas, embora sugestivas, são muito assustadoras e alimentam uma tensão cada vez mais sufocante. As tomadas dentro deste labirinto de árvores contribuem agradavelmente para esta atmosfera indutora de ansiedade. Certamente, como espectador, gosto de receber respostas e um final real, mas aqui os intrigantes caminhos até aquele ponto perdem um pouco do sabor. A angústia e o tormento desaparecem para dar lugar às revelações e à sobrevivência. Mais equilíbrio teria sido bem-vindo. "O Ritual" beneficia de ótimos ingredientes, um bom cenário, um bom contexto e personagens interessantes, por isso é um bom entretenimento em geral. Mas falta aquela pequena faísca que tornaria o filme tão brilhante. Com uma história centrada em temas de redenção, culpa e medo do desconhecido, este filme investiga os medos mais íntimos dos personagens. Se a história não for original, a base da história é boa, pois traz uma dimensão psicológica bastante interessante e que também é bem aproveitada ao longo do filme. Como em qualquer “sobrevivência” do gênero, é preciso se apegar ao clima e ainda mais a essa virada que o filme dá no final, caso contrário você ficará entediado. O filme é bem feito, o cenário é bem aproveitado e o clima não é ruim, mas não podemos dizer que seja realmente angustiante. Isso é um pouco o que falta, porque de resto é intrigante, até porque o diretor mistura bem esse aspecto psicológico com o que está acontecendo que pode mudar a nossa percepção das coisas. No geral, foi uma surpresa agradável com a sua dose de emoções e uma atmosfera diretamente dos contos nórdicos e do frio polar escandinavo. Era absolutamente necessário não cometer erros na encenação e na produção; o realizador, sem revolucionar o gênero, consegue com inteligência constituir uma produção tingida de mistério e de serenidade mística e perturbadora. O filme começa de forma estranha: a morte de uma pessoa de uma roda de amigos durante um assalto que dá errado. Depois, rapidamente, a natureza, selvagem, crua com alguns pedaços de civilização aqui e ali para nos lembrar que esta história pode acontecer na nossa realidade, mas rapidamente, depois de uma hora de exibição, o filme dá uma guinada. Não necessariamente decepcionante, mas tão inútil quanto o domínio do sentimento de amizade, ao mesmo tempo que prolongava a perda de orientação do grupo, foi eficaz. O Ritual acaba por ser uma boa alternativa que não revoluciona um género sólido, mas que parece difícil de renovar.
Planeta dos Macacos é certamente uma das reinicializações mais arriscadas que já existiram. E, no entanto, este filme foi muito aguardado pelos fãs do grande clássico de 1968 e até mesmo pelos espectadores em geral. O projeto era difícil de acreditar: Ousar refazer uma história sobre temas tão vastos e complexos como o de Planeta dos Macacos foi algo ambicioso. E o projeto tinha tudo para dar certo! Um diretor genial, um elenco de qualidade, um orçamento muito grande e um compositor muito renomado que é Danny Elfman. E foi completamente assassinado por críticos e fãs, mas ainda assim foi um sucesso de bilheteria. Ok, e o que eu achei disso como fã do filme original? Bem, é muito misturado. Vemos que houve trabalho nisso e honestidade, mas infelizmente isso não é suficiente para fazer do filme algo bom. Tim Burton, portanto, nos dá um remake totalmente confuso, deixando de lado as palavras e pensamentos sobre o homem para uma ação simples com efeitos especiais de baixa qualidade. Mas não é só isso, o filme sofre de inconsistências e é cercado pelo ridículo mais cafona possível. Onde o original buscava a simplicidade, aqui busca fazer toneladas de lutas de dois rounds tão pesadas quanto inúteis. Sentimos que o filme foi rodado em estúdio o que tira qualquer imersão. Os macacos são bem-feitos, é verdade, mas o comportamento deles é simplesmente insuportável, sempre gritando e pulando em todas as direções, eles não deveriam ser evoluídos? A reação de Mark Mark Wahlberg aos macacos falantes é simplesmente bizarro em alto nível, o personagem diz para si mesmo "como é possível que eu esteja aqui", 5 minutos depois ele não se importa como se tivesse as respostas para todas as suas perguntas. Ele simplesmente não parece envolvido no filme. Humanos que falam? Não, mas aí era um dos pontos fortes do filme original, rebaixar o homem ao simples status de um animal selvagem que não sabe falar, mas aqui os humanos falam, exceto que não são capazes de deixar de ser humilhados pelos macacos ou de se comunicar com eles. As inconsistências aumentam em idiotice a cada momento chave do filme como exemplo: Como funciona essa tempestade magnética que não tem lógica no espaço-tempo?! Como pode Oberon ainda funcionar depois de passar 600 anos na poeira e na ferrugem?! E ainda há muitas outras inconsistências neste filme que não especifiquei porque são tantas! Vamos adicionar a armadura do Senhor dos Anéis aos macacos para dar um lado ainda mais insano. E claro, o final é totalmente incompreensível, rebuscado, e a ironia disso tudo é que não há explicação possível! Provavelmente um dos piores finais que já vi na minha vida para um filme de grande orçamento. Os personagens são em sua maioria planos, os temas são inexistentes e as revelações difusas. Em última análise, Planeta dos Macacos não é ruim, mas não é bom. O principal problema é que Tim Burton não era o diretor certo para um blockbuster como este. Para ver uma vez por curiosidade. Felizmente, a franquia renasceu graças a Planeta dos Macacos: A Origem, 10 anos depois.
Eu tinha grandes dúvidas sobre a qualidade do novo filme de Snyder, principalmente porque nem Gorges Lucas nem a Disney queriam produzi-lo, e ele acabou na Netflix. São os filmes ruins que nos mostram todo o talento e descobertas dos diretores para ter sucesso em uma obra, onde vemos imediatamente os erros, as falhas, as armadilhas dos filmes ruins. Ou dito de outra forma, num filme ruim, o espectador se faz perguntas que jamais faria diante de um bom filme. Por que a heroína está procurando um punhado de mercenários para ajudá-la a defender sua aldeia? Não deveria, em vez disso, procurar adquirir armas antiaéreas para destruir naves inimigas e artilharia para eliminar a infantaria inimiga? Onde está a lógica militar nisso? Nada faz sentido ou a menor seriedade. Por que os heróis sempre tendem a querer se envolver em combate corpo a corpo com armas brancas, sabendo que todos os soldados inimigos possuem rifles laser? Talvez o pior desta primeira parte vem da pobreza do universo. Nós sabemos, Zack Snyder é diretor, não roteirista. Sentimos que o universo é uma cópia desajeitada de Star Wars, O Quinto Elemento, Senhor dos Anéis, Game of Thrones, Guardiões das Galáxias, dos filmes de ficção científica de Neill Blomkamp e até do canal Nexus VI no YouTube? Por que os rebeldes neste filme parecem um cruzamento entre os humanos sobreviventes de Matrix e os antagonistas de Mad Max? O que podemos dizer além de que Snyder plagiou dezenas de filmes, sendo cada cena uma cópia tirada de outro filme. Se Sofia Boutella dá tudo de si e faz o possível para segurar o filme nos ombros, o resto do elenco não pode dizer o mesmo. O vilão é interpretado por Ed Skrein, que é um brincalhão de morte, e faz bagunça em cada uma de suas cenas, chegamos ao nível de gente pilantra do tipo Dungeons and Dragons. Como dizem todos os grandes diretores, todo filme tem uma mensagem. Este filme de Snyder não tem nenhum. A luta entre o Bem e o Mal não é uma mensagem, mas um arquétipo, uma estrutura de um filme, não o seu propósito. É isso que torna o filme tão vazio, tão anônimo, tão déjà vu, digno de um blockbuster padrão assinado por algum simulador. Um dos erros monumentais do filme é exagerar nos efeitos especiais. Pergunte a Spielberg ou James Cameron, o princípio de um efeito especial é que ele é invisível para o espectador. Snyder faz o oposto, ele destaca os efeitos especiais, fazendo muitos deles a cada vez. A maior parte das imagens geradas por computador são medíocres, dignas de filmes do final da década de 2010. As empresas FX ainda não conseguiram reproduzir o feito técnico do primeiro Avatar (2009). Um dos paradoxos do filme é que ele poderia se passar nos dias atuais na Terra, sem qualquer elemento de ficção científica. E ao contar uma história mais próxima de nós, inspirada em acontecimentos reais, o filme nos tocaria muito mais. No geral, Rebel Moon é uma aventura de ficção científica mediana que agradará os fãs do gênero, mas pode deixar outros querendo mais.
Maior orçamento do estúdio A24, esta história distópica de 50 milhões onde a América se encontra fraturada em uma nova Guerra Civil é frustrante no aspecto tímido de seu universo. Um aspecto político geralmente nebuloso que também é um ponto forte, porque cria um espaço mental onde qualquer escalada de violência contra qualquer partido pode ser projetada. Sabemos que os EUA estão mergulhados no conflito entre grupos organizados dentro do mesmo estado-nação. Que várias facções se opõem. Que o presidente no poder está no terceiro mandato e cometeu um grave deslize. Dificilmente saberemos mais sobre as causas da guerra. O suficiente para frustrar alguns, mas é também o que dá ao filme um certo alcance universal. Acompanharemos um grupo de jornalistas viajando entre Nova York e Washington, na tentativa de entrevistar o presidente. Esta aventura picaresca retratará o caos ambiental, não muito diferente do que a mídia ocidental mostraria de uma guerra civil na África. E Alex Garland vai direto ao ponto, ao tratar principalmente de dois assuntos: o papel dos correspondentes de guerra e o que gira em torno deles (passividade relativa, relação com a imagem, cinismo...); e as profundas divisões dentro dos EUA. Tudo salpicado de reflexões sobre o absurdo das guerras em geral. A coisa toda é desenvolvida de forma inteligente, não nos deixamos levar pelas explicações exageradas. Aos poucos vamos descobrindo essa confusão, e algumas passagens são extremamente irritantes sobre os EUA. Além de alguns dispositivos de enredo, a história é dinâmica. Na verdade, fiquei surpreso com as sequências de ação. Mais numerosos do que eu esperava e relativamente espetaculares para tal produção. No final, Garland quer acima de tudo realizar uma viagem pós-apocalíptica ao nível dos olhos, onde um quarteto de repórteres evolui de forma quase picaresca para captar imagens fotográficas remotas da queda dos EUA. Um viés relevante, questionando a imparcialidade das imagens e seu impacto no indivíduo, ao longo dos diversos encontros. A estrutura narrativa é, em última análise, bastante simples, mas é entre vários parênteses que o longa-metragem atinge uma universalidade na futilidade da guerra (atiradores que se avaliam sem saber qual lado está do outro, Jessie Plemons que usa o conflito para satisfazer seus ideais políticos, etc.), e um olhar pessimista sobre a natureza cíclica e autodestrutiva de qualquer guerra. O elenco é bom, enquanto o cerne do filme está na transferência entre os personagens de Kirsten Dunst e Cailee Spaeny (de uma imitação de Lee Miller tendo trabalhado até uma novata que deseja aprender a profissão de fotógrafo de guerra). Wagner Moura interpreta um jornalista viciado em furos, profissional, descolado, tagarela, que se sente um peixe na água, apesar das situações tensas e Stephen McKinley Henderson como um velho jornalista que tranquiliza com a sua presença. Não podemos evitar alguns erros (incluindo um clímax de guerrilha sem implicações dramatúrgicas reais, ou algumas reações estereotipadas de personagens que leram o roteiro), mas se o filme que agarra as entranhas, que não romantiza o horror do seu tema, que nos convida a pensar no futuro do nosso país e no salto para o desconhecido que é a guerra civil.
Nos filmes espaciais, estávamos habituados ao lirismo da conquista, ou às imagens abafadas de um foguete deslizando suavemente em direção a espaços infinitos. E Damien Chazelle nos fala do canivete suíço, mostrando-nos máquinas obsoletas, feitas de pedaços de barbante e pedaços de madeira, com um barulho ensurdecedor. Mostra-nos uma América que também se pergunta se não haveria outras prioridades em terra firme. Paralelamente a este discurso universal, está a família Armstrong, os seus sonhos e as suas tragédias. Graças ao filme, tocamos na incerteza absoluta dessas missões e a fragilidade destes heróis. A cinebiografia sobre Neil Armstrong é cheia de eficiência, principalmente na encenação, onde a câmera subjetiva ocupa um lugar importante, o que às vezes torna o longa-metragem bastante envolvente. Ryan Gosling sai do sapateado de “La La Land”, para dar o famoso passo na Lua, esse famoso grande passo para a Humanidade e Damien Chazelle deixa assim o mundo da dança e da música, para um espetáculo completamente diferente talvez ainda mais grandioso, tão onírico e lírico com esta chegada a esta deslumbrante estrela lunar. E, no entanto, se o filme evoca esta aventura seguida por toda a Terra em 1969, é aqui mais a história do homem enquanto tal, do que a desta façanha em si. É, portanto, um bom filme biográfico centrado no homem, que o cineasta criou, o retrato de um marido e de um pai atormentado pela morte, destruído a ponto de não ver mais quem o rodeia, incluindo a sua família. Ryan Gosling é aqui a antítese do que encarnou neste mundo de brilho e luz, escorregando na pele de Neil Armstrong, um personagem frio, silencioso, exigente e intransigente. Como se o seu trabalho, ou mais ainda a sua missão, fosse uma fuga, uma verdadeira saída para continuar a sobreviver. Damien Chazelle, ao centrar-se nesta personalidade bastante excepcional no seu funcionamento e na sua determinação implacável, conseguiu revelar todo o lado oculto da Lua, mas ainda mais aquele de quem nela pôs os pés pela primeira vez. Toda a psicologia da personagem é colocada ao microscópio assim como o quotidiano deste casal e cujos momentos magníficos nos tocam enormemente ao mesmo tempo que dá lugar de destaque a Claire Foy, muito justa e comovente. É especialmente através desta atriz, com sensibilidade e dom de observação incomparáveis, que este filme nos irá finalmente impulsionar para a sua história, e também pela força das circunstâncias e inevitavelmente para o espaço. Isto é tudo o que faltava em outras produções sobre o mesmo tema, como “Gravidade” de Alfonso Cuarón, magnífica em imagens mas muito pobre em termos de mensagem. Por causa da conquista do espaço, claro que também é uma questão e a este nível também estamos sempre bem servidos de realismo e seriedade. Passamos dos ajustes empíricos e instáveis do início dos anos 60, até esse famoso vôo à Lua, acompanhando passo a passo todos os avanços nesses quase 10 anos de pesquisas. Todas as questões, todos os problemas, todos os perigos e medos, são extremamente bem apresentados, levantando uma enxurrada de questões quer sejamos colocados atrás ou em frente do ecrã, como os mencionados noutros lugares e ligados a todo este enorme orçamento dedicado à "Corrida Espacial'. E, no entanto, de vez em quando, esta compreensão parece esticar-se e desaparecer, um pouco como o seu herói e as suas ausências. Um pequeno inconveniente que ocorre sem avisar, como uma pausa ou um suspiro nesta sede de superar-se, de superar os concorrentes para ser sempre o primeiro e o melhor.. Entretanto continua a ser esta belíssima aposta no palco, elegante, elegante sob todos os pontos de vista, que já combina com Damien Chazelle, e um ator decididamente engenhoso que Ryan Gosling aperfeiçoa até o fim, mesmo atrás do vidro de seu capacete de cosmonauta, como uma barreira que o protege daqueles que o rodeiam. Um filme sensível, extremamente realizado e emocionante, sobre a história de um homem extraordinário.
Koji Yakusho é a alma viva deste filme-tributo aos doces sonhadores da vida cotidiana, àqueles que gostam de olhar para os raios do sol que penetram lindamente através do farfalhar da folhagem, àqueles que aproveitam o tempo em vez de suportá-lo, aos aqueles que encontram um equilíbrio fora do modelo idealista de família com casa grande, filhos, um cachorro e belo carro. Este personagem não é, portanto, comum. É até extraordinário. Um homem simples prospera com base em hábitos e é cauteloso com o novo; ou ele prospera com o novo e é cauteloso com os hábitos. Mas deveríamos ver um modelo, uma moralidade, um estilo de vida, uma receita para a felicidade? Nada é menos certo. Esse personagem tem disposição para tudo isso. E o mesmo acontece com o espectador: ou ele prospera com o hábito (e desconfia do novo), ou é o contrário (e vice-versa): o espectador sendo de um ou outro mundo, ele está pronto para aplaudir o filme, ou não aplaudir (principalmente aquele que nasceu no hiperconsumo e com um smartphone nas mãos), aliás, neste último ponto, podemos afirmar que o filme contém uma clara ferocidade em relação ao mundo de hoje. Ao contrário do que afirmam alguns críticos, Dias Perfeitos não é realmente um elogio aos humildes. O cineasta alemão, Wim Wenders, mostra muito bem que seu protagonista é antes uma pessoa caída e favorecida ou que optou por recusar a vida "boa" (a razão é pouco mencionada). Mas se beneficia de uma vida modesta porque pode assumir um olhar intelectual, estético, filosófico, porque escolhe a sua situação que o leva em uma intensa aventura interior através da leitura, da contemplação da natureza, da fotografia, do jogo da velha, música, compaixão pelos humanos, tanto nos seus pequenos defeitos como nos seus lados bons... Nisso, este personagem é antes uma ilustração das respostas propostas por Schopenhauer à questão primordial: como escapar do egoísmo? Hirayama impõe a si mesmo uma vida ascética, um afastamento do mundo, não para fugir da realidade, mas para fugir dos impulsos egoístas, da realização individual oferecida no mundo moderno: sucesso social e profissional, lucro, autoestima, o prazer do corpo, competição do ethos através da fala... Esse afastamento do funcionamento do mundo e dos privilégios aos quais teve acesso não ocorre sem sofrimento, sem o recrudescimento do egoísmo reprimido, sem solidão, sem desconforto. Mas o personagem também deriva uma aura de martírio, herói de recusa impossível, figura quase cristã de auto-sacrifício pelos outros. Embora viva numa espécie de autossuficiência solística, nunca recusa o outro, dando-se à custa de si mesmo. São antes estes outros que, apanhados na sua corrida louca contra si mesmos, são completamente incapazes de enriquecer esta vida que suportam. Eles apenas sentem, ao conhecer Hirayama, essa profundidade de vida que buscam desesperada e desajeitadamente, nos códigos habituais de sucesso (dinheiro além da moralidade, imagem, conquistas românticas...). Eles param por um tempo, na virada de uma colisão em suas vidas (doença, fuga, dificuldade financeira) e ficam maravilhados com sua capacidade de elevar o absurdo de uma vida repetitiva de Sísifo a uma arte de viver. Depois deste encontro brilhante, seguirão este exemplo nadando contra a maré? Ou o homem sábio permanecerá sozinho e incompreendido, e o homem prisioneiro das suas paixões? E Hirayama não é um alienígena. Este filme é a história de um homem “assim”. Além disso, ele tem seus pontos fracos. E isso nos traz de volta à terra. Mas não é por acaso que o filme é rodado no Japão (embora uma língua diria que os banheiros lá brilham como novos e provavelmente não precisam ser limpos). Dias Perfeitos é uma curiosa mistura de drama social realista e conto filosófico humorístico sobre a arte de ser feliz apesar de tudo.
“A Profecia", começou quando Robert Thorn, substituiu o bebê morto de sua esposa pelo filho literal do diabo. Mas você já se perguntou como aquele bebê nasceu? Os produtores de “A Primeira Profecia” esperam que a resposta seja sim e que seus padrões não sejam elevados. Visualmente, A Primeira Profecia impressiona pela forma como capta a época e a atmosfera gótica. Não são apenas a iluminação suave e os tons sépios que evocam o cenário do início dos anos 70, mas os ricos detalhes da designer de produção e do figurino. É também a maneira como a realizadora embala a produção; esta visão de Roma pitoresca, viva e movimentada, como deveria ser. Tudo isso dá uma sensação de escala, deixando a dócil Margaret em uma cidade grande com poucos aliados. O roteiro tem muito cuidado ao lidar com suas ligações com o filme original. Existem retornos óbvios e detalhes relevantes da trama, desde o próprio convento até o padre Brennan. No entanto, o realizador encontra maneiras inspiradas de expandir além de quaisquer limitações impostas por A Profecia. Por exemplo, a trilha sonora penetrante, com seus vocais de coro assustadores e a inclusão de “Ave Satani". Mas a diretora garante que é ainda mais perturbador aqui na forma como a partitura se torna um som diegético, seus vocais assustadores interagindo e atormentando Margaret em algumas partes. Por outro lado, os filmes “A Profecia” nunca tiveram muito a dizer, exceto que o apocalipse provavelmente seria ruim e deveria ser evitado. Esses filmes historicamente usaram a religião e o fanatismo como pano de fundo para mortes chocantes, que se dane a profundidade temática. O filme de Stevenson investe muito mais em sangue do que em seus personagens e história, e quando o filme se torna grotesco, é, pelo menos, memorável. É fácil imaginar este filme encontrando um público cult, mesmo que apenas por suas imagens bizarras e violentas e uma cena em particular, onde Nell Tiger Free fica completamente perturbada emocional e fisicamente. Mas, apesar de algumas aberturas superficiais e reviravoltas desajeitadas, que são praticamente pré-ordenadas, dadas as poucas opções narrativas da prequela, ela tem pouco a oferecer além desse caos extremo, e mesmo isso é principalmente adiado no terceiro ato. Se você está procurando coisas sobre gravidez demoníaca de freira, parece ter muitas opções ultimamente. “A Primeira Profecia” é um deles. É uma entrada cansativa em uma franquia que está cansada há cerca de 40 anos, mas a jovem atriz, Nell Tiger Free faz bem seu trabalho peculiar e Arkasha Stevenson prova que pode transformar a brutalidade em arte e, com uma história mais interessante, provavelmente em arte fascinante. “A Primeira Profecia”, apesar de todas as suas muitas falhas, poderia acabar sendo um prelúdio eficaz para as carreiras de Free e Stevenson, mas é um prelúdio desanimador para “A Profecia”.
Uma reformulação habilidosa dos códigos do cinema noir clássico, "Ajuste Final" é considerado por muitos um dos melhores de Cohen, junto com Fargo e Onde os Fracos Não Têm Vez. Ocorrendo durante a Grande Depressão do final da década de 1920, o enredo é uma verdadeira lição de roteiro, todos os elementos da história são habilmente equilibrados para um clímax no final. O humor negro e a violência também estão presentes, e nos divertimos assistindo todos esses personagens tentando enganar uns aos outros. Talvez até hoje um dos sucessos mais convincentes dos dois irmãos, nos dá uma fascinante e brilhante galeria de personagens onde vale tudo. A história é bastante complexa mas segue sem muita dificuldade, o suspense se mantém do início ao fim e as reviravoltas costumam ser bem pensadas. A sua encenação é impecável e inventiva, tal como a atmosfera que dá a "Ajuste Final", um tom sombrio, por vezes cativante e burlesco, onde o fumo do cigarro, a proibição, as armas preferidas pelos gângsters, onde as femme fatales são uma legião e onde as contas regulatórias já não assustam muita gente. A reconstrução é bem feita, seja em termos de cenários ou fantasias, tecnicamente estão em boa forma e usam contrastes e cores de uma forma impecável. Em termos de interpretação, Gabriel Byrne entrega uma de suas melhores atuações até hoje, carismático e sabendo se impor na tela. Os demais atores são impecáveis e em especial John Turturro e Steve Buscemi, gostei do lado glamoroso da Marcia Gay Harden, bem como as participações especiais de Sam Raimi e Frances McDormand. Manipuladores, frios e incansavelmente calculistas, descobrimos personagens interessantes e em tudo isto um cenário brilhantemente construído e muito atinado. Saudemos uma edição dinâmica que embora demore a estabelecer os enredos e personagens, ainda consegue manter a clareza e manter a atenção do espectador através da sua mestria. A trilha sonora também faz muito sucesso. Mas mais uma vez o ponto mais marcante continua sendo os diálogos e o tom do filme que oscila entre momentos sérios e outros mais leves ou mesmo francamente excêntricos. Um incompreensível fracasso de bilheteria de sua época, Ajuste Final, no entanto, continua sendo uma das melhores joias da dupla famosa e um impressionante filme de gangster que não envelheceu nem um pouco.
Na maioria das vezes a plataforma com o N vermelho une forças com parceiros como a Sony ou estruturas menores para produzir uma animação. Ainda não ao nível da Pixar (especialmente da antiga Pixar) ou da Illumination, fomos presenteados com algumas joias como “A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas” ou “Pinóquio” de Guillermo del Toro. Aqui, para “Orion e o Escuro”, a Netflix está se unindo à Dreamworks. Um estúdio que tendemos a esquecer apesar de ter sido o concorrente mais sério da Pixar no início dos anos 2000 com sagas como “Shrek” ou “Como Treinar o Seu Dragão”. E, mais surpreendentemente, encontramos por trás da caneta deste filme de animação Charlie Kaufman o autor dos roteiros de “Quero Ser John Malkovich” e “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças”. Uma chuva de inventividade que desenha uma constelação maravilhosa e terrivelmente agradável de se olhar. Órion, 11 anos, tem pavor de tudo. Ele tem medo de abelhas, do oceano, do valentão da escola e principalmente do escuro. Isso é bom, porque "Escuro", a entidade suprema das trevas, fará de tudo para que todas as suas horríveis noites de ansiedade não passem de uma lembrança ruim. O estilo gráfico é inovador e cheio de contraste. Comparado com algumas produções de grande orçamento, é noite e dia, mesmo que a técnica não seja perfeita. Ideias inovadoras e super originais fazem deste filme uma explosão de cores e maravilhas a cada momento. É tudo uma questão de sutileza e a jornada de Orion pela noite nos transporta para esse mundo onírico com personagens cada vez mais malucos e únicos, com personalidades terrivelmente cativantes. O tipo de filme que os pais poderiam apresentar para tranquilizar seus filhos assustados na hora de dormir. Uma ode à noite que nos deixava nostálgicos todos os dias ao amanhecer.
Mais uma cinebiografia de John Lee Hancock (Walt nos Bastidores de Mary Poppins e Um Sonho Possível) que foca no homem responsável pela incrível expansão da marca McDonald's que se tornou um verdadeiro império. Ele acreditou neste conceito inovador e não abriu mão de nada para torná-lo um negócio muito lucrativo, o que não era o objetivo principal dos seus criadores, que queriam simplesmente fazer deste negócio familiar um restaurante barato e prático. Este retrato de Ray Kroc não é lisonjeiro a nível humano, porque o vemos como um homem pronto a fazer qualquer coisa por dinheiro, mesmo que isso signifique negar os seus princípios e esmagar aqueles que se encontram no seu caminho. Por outro lado, a nível profissional, isso é outra coisa, porque os defeitos mencionados tornam-se qualidades e fazem dele um empresário formidável que administrou seu negócio com perfeição, aproveitando as oportunidades certas e contando com as pessoas certas. De qualquer forma, o bom é que é informativo. Esta história é edificante e inteiramente sintomática do indivíduo ou de pessoas do mesmo tipo. Basta pensar bem em como proteger suas próprias ideias ou invenções, antes de vê-las tomadas por pessoas vorazes do mesmo tipo, dispostas a tudo para fazer fortuna a ponto de esmagar logo de início os pobres e entusiastas ardentes. O longa nos leva a refletir sobre o que significa ter sucesso no conceito "American Dream". Não é apenas uma simples ilustração de um dos maiores sucessos do empreendedorismo moderno, é também uma oportunidade de estudar o perfil psicológico que está na origem de tal façanha: desenvolver uma franquia em torno deste conceito único e estendê-lo primeiro para o regional, depois para o nacional e global. É difícil, pelo menos para mim, considerar Kroc como outra coisa senão um pilantra oportunista e sujo, mas como o cenário mantém a neutralidade perfeita, imagino que seja tão possível vê-lo como um líder eficaz, que sabe tomar a decisão certa, sem ressentimentos, para o bem maior da empresa. Fome de Poder pode ser considerado clássico com uma história linear, mas o conjunto é bastante agradável de acompanhar e especialmente interessante se você não conhece os fatos detalhadamente.
No início do século XX, uma tribo indígena do Kansas, transferida pelo governo americano para uma reserva em Oklahoma onde comprou as terras, tornou-se extremamente rica devido à descoberta do "ouro negro". O eminente representante da autoridade administrativa procura apoderar-se da sua fortuna e todos os meios, mesmo os mais sórdidos. Baseado em um acontecimento real ocorrido na década de 1920, “Assassinos da Lua das Flores" segue com grande interesse. A reflexão sobre o pouco caso dedicado à causa indígena nos EUA, sobre o poder por vezes deletério do dinheiro (a melhoria das condições de vida anda aqui de mãos dadas com a chegada de uma comitiva interessada, hipócrita e manipuladora), a reflexão de Scorcese é um grande sucesso formal (fotografia, enquadramento, direção de atores e interpretação). A mecânica de ascensão e queda ao “estilo Scorsese” parecerá bastante conhecida (Os Bons Companheiros, Cassino, O Lobo de Wall Street), com algumas notas de humor muito bem transmitidas, mas realçadas pelo contexto geral e pela história contada. Uma forma de classicismo narrativo e formal em que o veneno inoculado se espalha aos poucos por todos os cantos do filme, até parecer imparável. Em termos de produção é impecável e é um prazer imenso admirar um filme de época ampla com uma reconstrução real. A fotografia é soberba, com flashes reais como a descoberta da fonte na introdução, um tiro de fogo visto através de uma janela, e muitos outros. Cada tomada é como uma pintura e me senti atraído por cada cena como se fizesse parte dela. E apesar das 3h30, é impossível ficar entediado ou encontrar barrigas. Scorsese impõe um ritmo calmo e assombroso a todo o seu filme, e isto através de uma encenação ainda tão precisa como sempre. Uma obra anti-espetacular onde o que mais se destaca não é a violência visual, mas sim essas tradições nativas americanas, tão raramente apresentadas. E sobretudo estas discussões, estes encontros presenciais que mostram os nossos protagonistas em toda a sua ambiguidade, a sua monstruosidade, a sua verdade. Scorsese tem até a soberba ideia de um epílogo que também questiona a forma de contar histórias no início do século passado. O respeito de Scorsese pela tribo Osage me faz respeitar ainda mais o homem. É uma história que ele realmente queria contar, e você pode realmente sentir o quão dedicado ele é em transmitir mensagens e temas fortes e em contar essa história importante. Contudo, não partilho da opinião de muitos críticos mais entusiasmados, pelo seguinte motivo: Em geral, achei que os personagens não foram desenhadas com muita subtileza e sobretudo não evoluíram ao longo do filme, o que leva a longos períodos de estagnação narrativa. Ernest, por exemplo, interpretado por DiCaprio, é um simplório sob influência que comete as piores atrocidades sem nenhum escrúpulo aparente: admito que tive dificuldade em entrar no jogo dele, marcado por um beicinho um pouco demonstrativo demais para o meu gosto. Poderia multiplicar os exemplos relativos às outras personagens, mas é sobretudo a representação que o filme faz da comunidade indígena que mais me perturba: passiva, quase cúmplice do seu próprio desaparecimento (como a personagem sacrificada de Mollie que parece perdoar o marido por o assassinato de suas irmãs) e monolítico. Eu teria gostado de uma fibra emocional mais marcante. Mas não importa, se Assassinos da Lua das Flores não é uma obra-prima ou mesmo um dos maiores de Scorsese, continua a ser uma excelente obra. Cinema de verdade.
Sinto necessidade de mencionar que Onyx, o Fortuito e do Talismã das Almas definitivamente não será para todos. Uma das descrições oficiais é bastante precisa: “passeio selvagem de magia e diversão com a mistura certa de adoração satânica e amizade”. O que se segue é uma espécie de episódio de Scooby-Doo, se Scooby e sua gangue fossem ocultistas ativos em busca de aliança com Satanás. Você tem que achar engraçado o personagem “Onyx, o Fortuito”. Ou pelo menos divertido e possivelmente até cativante à sua maneira bizarra. A melhor maneira de descrever Onyx e seu padrão de fala específico é compará-lo como uma espécie de Jack Black cruzado com Napoleon Dynamite e Eugene de The Walking Dead. Possuindo uma aparência física que se destaca, mas é quando ele fala, que você realmente descobre suas peculiaridades. Onyx é mais insano (por falta de um termo melhor) e fala rápido e com enfâse em praticamente cada final de frase, o que pode irritar, em vez de entreter. Convidado a participar de um ritual na mansão do luminar satânico Bartok, o Grande. Um dos cinco em todo o mundo com tal convite. É literalmente a melhor coisa que já aconteceu com Marcus Trillbury. Ônix. Ônix, o Fortuito. Se todos pudessem chamá-lo de Onyx, o Afortunado. É muito divertido, mas sua diversão depende 100% de quanto tempo você consegue achar o personagem de Andrew Bowser engraçado. Se os primeiros minutos não lhe agradam, não assista mais. Na verdade, mesmo que você ria alto cedo e com frequência, provavelmente as piadas longas e sinuosas testarão sua paciência. Ainda assim,o filme mantem um ritmo peculiar no padrão de fala e uma lógica que às vezes sai dos trilhos. Ainda assim, Onyx não se desculpa em muitos aspectos, o que eu gostei. Você verá vários monstros neste filme, e fico feliz em informar que os efeitos práticos também prevalecem. É exatamente certo para uma comédia de terror onde o tosco e o estranho são usados em momentos sombrios e demoníacos. No geral, este filme é realmente uma celebração de bizarrices de todo e qualquer tipo. Você precisa gostar do humor peculiar e exagerado para aproveitar esse filme. Bem, na maior parte, pelo menos. Como fã desse tipo de produção, posso definitivamente apoiar.
Uma espécie de testemunho múltiplo de uma veracidade quase perturbadora. Cento e vinte e oito minutos de autenticidade e pureza, durante os quais se conta uma história que poderia ser a de todos nós. A história do destino. A história de uma vida que vira de cabeça para baixo, atrapalhando a vida de diversas outras pessoas. O cenário tem todos os ingredientes de uma tragédia grega. Na verdade, o filme fala sobre luto, culpa, perdão e resiliência, mas também, sobre vício. Assuntos pesados que “Uma Boa Pessoa” consegue tornar bonitos e comoventes sem serem muito emotivos ou pesados. Quase estaríamos num filme alegre se o cenário não fosse tão dramático, mas a mensagem de esperança e as boas novas estão muito presentes e significativas. Ficamos profundamente emocionados graças a várias sequências mas o toque final, sem cair num mau final feliz, é talvez o de maior sucesso. Se o assunto é difícil, nunca cai no pathos ou no choro excessivo e é isso que lhe confere toda a sua beleza e valor: a emoção surge naturalmente, mesmo que às vezes seja através de alguns momentos, passagens obrigatórias. Além disso, o filme ataca os laboratórios farmacêuticos e fala implicitamente sobre a crise de opioides da qual eles são culpados. O que torna este filme ainda mais relevante e divertido. A produção é simples, mas eficaz. Temos uma bela fotografia com um ambiente agradável. Mas uma das maiores qualidades do longa-metragem do realizador é, sem dúvida, sua atriz principal. Tem muito a ver com a imersão que ocorre para o espectador neste drama onde pairam a morte, a ausência e a falta. Ela personifica a difícil reconstrução de si mesmo após uma tragédia pela qual se sente extremamente culpada. Através de suas escolhas, surge uma atriz com um pedigree cada vez mais impressionante. A menor palavra que colocamos em sua boca e o menor gesto que pedimos que ela execute, ela se transforma em um momento de graça e nos hipnotiza. Ao lado dele, os papéis coadjuvantes são igualmente bem escritos e permitem-nos destacar, incluindo Morgan Freeman, que há muito tempo não víamos tão bem. O Sr. Freeman, que acompanho há anos, ainda é excelente, e certamente veremos a atriz Florence Pugh novamente em um grande filme com o seu nível de atuação em franca ascensão. De longe. “Uma Boa Pessoa” é certamente um melodrama puro, mas um melodrama com a maioria dos pontos fortes e qualidades essenciais que este tipo de filme pode conter. E, acima de tudo, é claramente uma bela obra que não te deixa indiferente.
Nicolas Cage regressa à vanguarda e não com mais uma série B assistível com acidez, mas sim numa produção A24, sinónimo de qualidade para muitos. O realizador nos leva a uma jornada fascinante e às vezes desconcertante com “O Homem dos Sonhos”, um filme que mistura sutilmente o realismo mágico com uma sátira comovente da sociedade midiática contemporânea. Com um elenco sólido que inclui Nicolas Cage, Julianne Nicholson e Michael Cera, o diretor nos mergulha no mundo de Paul Matthews, um professor comum cuja vida dá uma guinada extraordinária quando ele se torna protagonista dos sonhos de milhões de pessoas. Nicolas Cage desempenha brilhantemente o papel complexo de Paul Matthews, trazendo profundidade emocional a um personagem que passa de uma existência comum a uma celebridade sobrenatural. O espectador é convidado a explorar as nuances da psique de Paul enquanto ele faz malabarismos com as implicações de sua fama recente. O roteiro engenhoso brinca com os limites da realidade e da imaginação, oferecendo momentos ora cômicos, ora profundamente reflexivos. A narrativa explora habilmente as consequências da fama instantânea, ao mesmo tempo que levanta questões sobre a natureza da realidade e dos sonhos. O diretor consegue manter um delicado equilíbrio entre o absurdo e o comovente, oferecendo uma experiência cinematográfica rica em emoção. Apoiado por uma excelente Julianne Nicholson como parceira de Paul e Michael Cera em um papel enigmático adiciona camadas adicionais à trama. Suas performances ajudam a reforçar a credibilidade de uma narrativa que poderia facilmente se transformar em extravagante. A direção de arte e a fotografia criam um mundo visualmente cativante, oscilando entre a normalidade e o surrealismo. As cenas de sonho são particularmente impressionantes, transportando o público para um espaço onde a linha entre a realidade e a ilusão se torna confusa. No entanto, “O Homem dos Sonhos” às vezes pode deixar o espectador com mais perguntas do que respostas. A natureza enigmática do filme pode ser ambíguo, mas é também o que o torna memorável. A conclusão, embora surpreendente, pode não satisfazer todos os gostos, mas convida à reflexão muito depois de a tela escurecer. “O Homem dos Sonhos” é uma obra ousada e original que transcende os gêneros convencionais. Impulsionado por atuações convincentes, um enredo inteligente e uma direção artística impressionante, o filme oferece uma experiência cinematográfica única. Borgli consegue capturar a essência da fama e da realidade de maneiras inesperadas, convidando o público a questionar a própria natureza dos seus próprios sonhos. Uma obra intrigante que merece ser explorada pelos fãs de filmes ousados e provocativos.
Sem concessões, a quarta colaboração entre Leonardo Di Caprio e Martin Scorsese é um estudo meticuloso e impressionante da moral atrevida no mundo das finanças, desde a época em que todos os excessos eram permitidos aos poderosos comerciantes de Wall Street. A história, misturando ritmo e densidade, flutua em um oceano de dinheiro e nos mostra a vida dos altos traders de Nova York entre o afresco da bolsa e o humor negro. Quer você ame ou odeie Scorsese, seus filmes são sempre grande marcos e aqui o resultado surpreende pelo seu virtuosismo e insolência. Não é apenas um filme sobre Wall Street, nem é um filme sobre uma instituição financeira, é sobre a atitude das pessoas neste ambiente, sobre a natureza mais sombria da humanidade, sobre esta necessidade que temos de consumir e adquirir tanto quanto possível sem se preocupar com as pessoas ao redor. Como de costume, Scorsese não descuida de nenhum personagem durante as 3 horas de exibição. Com um personagem sem limites como Belfort, Dicaprio sempre magistral, transmite de forma brilhante essa decadência, através de uma gama fenomenal de emoções. Seu personagem totalmente insano é, até hoje, uma de suas performance mais surpreendente. Destacamos notavelmente um ótimo Jonah Hill como principal associado de Belfort, a excelente Margot Robbie no papel de sua esposa. Jonh Bernthal (Shane em “The Walking Dead”) no papel de Brad Bodnick, amigo de confiança do Jordan Belfort. O bom senso de Scorsese passar o papel de um banqueiro suíço para o premiado Jean Dujardin, um francês, e não um americano, o que proporciona algumas cenas bastante engraçadas que brincam com a "discrepância" e a barreira linguística. Ou mesmo o impressionante Matthew McConaughey que agracia o filme com uma aparição sensacional. Em suma, O Lobo de Wall Street é uma obra-prima como poucas, é sublime ver um diretor que se diverte e se vangloria das situações mais incríveis e que não hesita em apontar o lado trash do mundo Hollywood e Wall Street. Leonardo DiCaprio no auge de sua arte e inegavelmente extraordinário como um perfeito satírico de si mesmo, que multiplica as citações travessas e ações que são, no mínimo, burlescas. Se você valoriza a moralidade, siga seu caminho porque este filme é deliciosamente impuro e agradavelmente excessivo.
Última colocada no ranking da FIFA, e com o doloroso histórico de ter sofrido a pior derrota da história do futebol internacional (31 a 0 em 2001 contra a Austrália), a pequena seleção da Samoa Americana, recebeu reforço em 2011 do técnico Thomas Rongen (um ex-jogador holandês), caindo de pára-quedas nesta ilha após maus resultados nos Estados Unidos, mas também devido ao seu carácter rude, ranzinza e raivoso. Depois deste recorde mundial, relegada ao último lugar entre as seleções de futebol das nações e ainda à espera de marcar um gol nas competições internacionais, a equipe foi designada pela primeira vez a um treinador europeu, para voltar aos trilhos e, porque não, finalmente vencer uma partida. Essa história já foi tema de um documentário que inspirou o realizador neozelandês Taika Waititi para seu novo filme de ficção. Com o seu humor bem atípico, Quem Fizer Ganha não é apenas um longa-metragem desportivo, bastante bem filmada, mas um mergulho na cultura de um território do Pacífico, com uma filosofia de vida bastante distante da dos países ocidentais. O filme pretende ser entretenimento e consegue perfeitamente o seu objetivo, com alguns personagens bastante pitorescos formando esta equipe inusitada. Para além do bom humor geral, o filme mostra também, sem insistir, outros lados menos róseos da Samoa Americana, como a fuga constante da sua população mais jovem que não consegue encontrar oportunidades para o seu futuro. Desde o início, os personagens que compõem esta equipe de futebol totalmente desajeitada, bem como os locais que os rodeiam, surpreendem-nos com a sua originalidade, as suas boas vibrações e os seus costumes aloha. Eles são literalmente adoráveis. A maior parte do humor vem da lacuna cultural, até mesmo do choque, entre os habitantes desta ilha no fim do mundo e este treinador alcoólatra furioso e ferido pela vida. Um personagem interpretado por Michael Fassbender feliz por estar ali e por tocar uma trilha mais leve que o normal. Muitas das piadas funcionam e pelo menos nos fazem sorrir sem cair na zombaria mas, ao contrário, com muita empatia e um olhar profundamente respeitoso e amoroso. É um humor engraçado que nos faz sentir bem e que nos reserva alguns momentos muito cômicos. Um momento cinematográfico muito bom, comovente, pitoresco, divertido, refrescante e exótico, tudo embalado num pequeno cenário paradisíaco perdido no meio do Pacífico Sul, que não estraga nada visualmente, muito pelo contrário. “Quem Fizer Ganha é o filme perfeito para lembrar como Taika Waititi pode ser um craque ideal quando joga em casa, em seu campo preferido. Ele próprio de origem Maori, apresenta uma brilhante viagem à cultura polinésia e esta capacidade de combinar o absurdo com a emoção numa osmose permanente. Humor e bons sentimentos em abundância. Que bela aventura humana para ser ser conhecida pelo público. Mais do que o suficiente para ter um bom momento de distração.
Mistérios de assassinato geralmente são divertidos. Mesmo que o enredo pareça subdesenvolvido ou os personagens pareçam um pouco fracos, permanece o impulso para descobrir a verdade. Quando se revela que os assassinatos são obra de um serial killer, essa fome de conhecimento se torna ainda mais intensa. O filme simplesmente flutua letargicamente de um ponto da trama muito familiar para outro, com o realizador lutando para gerar arrepios com um material que já foi feito antes, e com muito mais sucesso. Os personagens também não são particularmente envolventes e têm pouca ou nenhuma história de fundo para nos ajudar a nos preocupar com eles ou com o que está acontecendo com eles. Malkovich está absolutamente fantástico como o papel de um serial killer que brinca com a polícia. Sua atuação é muito intensa e o personagem que ele transmite ao espectador é um dos destaques do filme. Com isso dito, eu não estava me sentindo Martin Lawrence e Melissa Roxburgh. Ambos apresentam performances decentes, mas seus personagens são dolorosamente genéricos e esquecíveis. Sinceramente, gostaria que alguém com um pouco de intensidade fosse escalado para um desses papéis para levar o filme um pouco mais longe do que foi. E embora o filme tente animar o processo com toques de magia negra, o que ele realmente precisava era de um enredo menos derivativo. Todo o projeto é feito de forma tão amadora que é difícil acreditar que tenha sido concluído. Claro, há alguma diversão aqui, mas não acho que seja exatamente da maneira que os cineastas pretendiam. A dependência de tantos tropos familiares não seria um grande problema se o filme fosse bom, mas o ritmo do filme é tão estranho que é difícil esquecer o fato de que você já viu e ouviu muito disso antes. Toda a intriga assustadora em torno da maneira como o assassino lida com suas vítimas se perde no fato de que o roteiro parece não conseguir descobrir quais informações são importantes para contar e quais não são. Em última análise, a maior queda do Gaiola Mental é que ele se esforça demais para fazer um filme sobre imitadores, copiando os grandes filmes que já percorreram esse terreno antes. Os mistérios geralmente são emocionantes, mas este decididamente não é.
Do título bem satírico, você tem o tom do filme. Corajoso, irônico e resiliente, somos apresentados à trágica história de um designer que ficou incapacitado após um acidente de carro devido ao alcoolismo. Longe de ser moralista, o personagem de Joaquin Phoenix (retirado da história real do referido cartunista) é um exemplo de luta para assumir o controle da própria vida apesar dos obstáculos muitas vezes terríveis espalhados por toda parte. O realizador permite um espaço para a trama existir e transmitir sua própria mensagem. John Callahan é um cartunista americano provocador e irreverente. Um artista sem limites com desenhos satíricos, engraçados e ácidos. Para homenagear este homem falecido em 2010, Gus Van Sant (Milk: A Voz da Igualdade e Gênio Indomável) fez um filme à sua imagem. Não se trata de uma cinebiografia que lamenta o destino do personagem que fica paralisado após um acidente de carro, mas sim uma sátira de humor negro que aborda diversos temas, incluindo deficiência e principalmente alcoolismo. Dois assuntos relacionados, porque se ele se encontra nessa situação é por causa do problema com o álcool, mesmo que não estivesse ao volante do carro. Este homem viveu uma vida muito rica, então há muita coisa acontecendo. O diretor pinta um retrato cheio de ternura e sensibilidade, mas não posso dizer que me emocionei em um único momento. O casting claramente salva tudo, pois caso contrário, é a trágica história de um alcoólatra que aos poucos recupera o gosto pela vida. Joaquin Phoenix representa plenamente suas habilidades, brilhando com credibilidade e imediatamente nos apegamos ao seu personagem, por mais mal-humorado que seja. Um retrato de John Callahan, construído aos poucos, com suas incessantes viagens ao passado, aparece primeiro como um rascunho antes de revelar sua verdadeira natureza, o esboço de uma redenção após uma longa jornada através de um inferno alcoólico. Rooney Mara é filmada de uma forma muito bonita, ela passa pelo filme como uma miragem, esse talvez seja o objetivo, por outro lado Jonah Hill naturalmente tem um perfil cômico, seu desempenho contra a corrente é ótimo. No início não foi fácil vê-lo como uma espécie de guru, mas no final acertou em cheio. Jack Black e também em seu perfil cômico combina maravilhosamente com o papel de festeiro que lhe é atribuído, mesmo que mais tarde ele acrescente sutileza à sua atuação. Em suma, o filme está longe de ser desagradável. A jornada que John encara nos convida a fazer dentro de nós mesmos. Que percebamos que O essencial está profundamente enterrado em nós e que devemos reservar um tempo para ouvi-lo. Mesmo que não produza nenhum som.
Folhas de Outono retrata a história de duas almas angustiadas, esmagadas pelo nosso mundo, pela solidão, pelo capitalismo e que de forma modesta, se unirão. Formalmente, é um filme magnífico, não pela sua história bastante clássica em si mas pela profundidade dos personagens que conseguem encontrar-se num silêncio magnífico e digno. Embora a ação ocorra nos dias atuais ou mesmo em um futuro próximo, parece que estamos voltando à década de 1950 porque o cenário está muito desatualizado. Excelentes cenas que lembram pinturas realistas da solidão na contemporaneidade e capturam perfeitamente a melancolia latente que habita os personagens. O enredo é simples, tendendo à pureza mesmo que haja passagens particularmente divertidas. A história de amor emergente é comovente apesar de uma certa frieza que corresponde a uma estética muito nórdica. Embora o filme permaneça talvez demasiado clássico na sua narração, com uma declaração bastante esperada sobre o alcoolismo, ainda assim permanece imbuído de uma poesia inegável. Kaurismaki é um cineasta finlandês e um autor de outra época que consegue falar do mundo contemporâneo filmando um passado fantasiado. Talvez seja um pouco educado demais e, finalmente, espera-se que convença totalmente, mas ainda assim permanece particularmente agradável. Em última análise, Folhas de Outono é um conto de extraordinária delicadeza. Se não é possível escapar para além das fronteiras de Helsinque, devemos admitir que o grande sucesso da obra reside na sua fuga simbólica e sensorial. Kaurismäki prova assim que é capaz de “oferecer um futuro à humanidade” com uma história de amor que só faz sentido quando se renuncia ao seu próprio isolamento. As cores são sempre muito bonitas e algumas cenas verdadeiramente comoventes nos ligam aos dois protagonistas. Para completar, a mensagem é útil e dá esperança apesar da aparente tristeza retratada. É de alto nível cinema, inenarrável em uma palavra.
Com o imenso sucesso das duas primeiras obras, os produtores acharam por bem reiterar as desventuras da delirante família Ubriacco. Mas os jovens atores mirins cresceram e por isso devem ser substituídos. Então, em vez de fazê-los voltar a falar mentalmente (uma marca registrada da saga), é a vez de seus novos animais de estimação pensarem e falarem como adultos. Tendo como pano de fundo a época do Natal, o filme infelizmente é o de menor sucesso: menos inventivo, desta vez com piadas mais lentas, por um lado, mas ainda temos Kristie Alley e John Travolta que estão cada vez mais atolados em seus personagens, mas cuja alquimia ainda funciona tão bem e depois nas vozes dos cachorros, temos Danny DeVitto e Diane Keaton com todo humor, ternura e suspense com o bônus adicional da simpática música do astro infantil francês da época, Jordy, onde canta It's Christmas, C'est Noel (escrita por seu pai) e é ele quem entra pela chaminé quando o Papai Noel não consegue passar pelos canos. O tipo de comédia feita para as comemorações de fim de ano, que pode conter atrativos tanto para os mais velhos quanto para o público jovem. Eu aprecio muito o filme porque contém os bons ingredientes de uma comédia romântica do final dos anos 80/meados dos anos 90, é leve, descontraído, nunca se leva a sério e faz muitas coisas que hoje seriam considerariados "envelhecidos". Olha Quem Está Falando Agora é cheio de cenas malucas e surpreendentes. Porém, mesmo com meu olhar adulto descubro que ainda reflete a classe média da América daquela época, sem muita caricatura, e traz um toque mais autêntico do que alguns outros sucessos do tempo. Não existem caricaturas psicológicas grosseiras, por exemplo nas personagens dos pais, ou nas relações que mantêm com os filhos, apenas para fazer rir o público-alvo e também dar origem a algumas situações bem cômicas. Em suma, uma comédia familiar agradável que completa uma bela trilogia homogênea
Rivais
4.0 93“O tênis é como um relacionamento.”
Um trabalho pop e bastante dinâmico, traçando um paralelo constante e óbvio entre o tênis e as relações humanas, entre a competição e os sentimentos.
Ou como um trio amoroso de sedução-repulsa tóxica (2 homens e 1 mulher, todos especialistas em bola amarela), inicialmente unidos, acabará se fragmentando e dando origem a duas vertentes frente a frente, dentro e fora da quadra de tênis, incluindo uma dupla de amigos inseparáveis que se tornaram adversários ao longo do tempo.
Filmando corpos (entrelaçados e/ou em pleno esforço) e desejos (sexuais e esportivos), este drama romântico-esportivo funciona principalmente por dois motivos: seu trio principal (Zendaya, Mike Faist e Josh O'Connor), extremamente carismáticos e manipuladores e em alquimia total; sua produção virtuosa durante as partida, e esse final que pode ser simbolizado como a fusão do fogo e do gelo.
A história acaba por permanecer bastante clássica nos temas que aborda, mas o fato de brincar com as diferentes temporalidades permite-nos explorar este quadro conhecido de uma forma um pouco diferente e tornar tudo um pouco mais envolvente de acompanhar, mesmo que pudéssemos, criticá-lo por ser artificialmente esticado para o que tem a nos dizer (o que achei durante sua 2ª hora um pouco mais redundante).
Filme com uma encenação muito estilizada, à qual nos podemos apegar ou não (a escolha de colocar música techno muito barulhentas em certas cenas bastante íntimas diminui o impacto destes momentos, não é adequado). “Rivais” fala-nos de amizade, amor, ciúme, estratégia, superação e metas, e nos mostra, em suas últimas imagens, que o que importa em última análise não é vencer, mas jogar. Do ponto de vista do enredo, prefiro recomendar outro filme onde também experimentamos a raquete e os sentimentos: “Match Point” de Woody Allen, mais cruel e realizado aos meus olhos.
Em última análise, “Rivais” acaba por ser uma pequena surpresa agradável aos meus olhos, especialmente tendo em conta o seu trailer, que realmente me embalou moderadamente.
Noite Passada em Soho
3.5 735 Assista AgoraÉ o grande dia da Ellie! A jovem provinciana criada no casulo protetor e atemporal de sua avó mudou-se para a capital Londres para perseguir seus sonhos de design de moda. Mas, mal chegando lá, o idealismo ingênuo da jovem já se choca com o olhar libidinoso de um taxista fixado nela, como um primeiro alerta dos pesadelos que podem se esconder atrás das luzes inebriantes da cidade. Depois, há as palavras cruéis dos seus concidadãos, o barulho, as festas intermináveis... Ellie opta por fugir em busca de um novo casulo onde possa encontrar refúgio nas fantasias de perfeição dos anos 60 que mantém graças aos cuidados da sua avó. registros. Com a tranquilidade gelada de um quarto de empregada alugado a uma senhora idosa, ela consegue satisfazer o seu desejo de fugir de um mundo urbano demasiado duro para ela... mas na medida em que nunca suspeitaria quando, todas as noites, cai na Londres dos anos 60, partilhando literalmente a existência de uma jovem da época, Sandie, que espera iniciar uma carreira como cantora...
O diretor sempre fez questão de oferecer muitas experiências revigorantes ao seu público.
A música desempenha um papel fundamental em Wright. Mais do que uma ferramenta, é ela quem dá o andamento da trama. Não foi à toa que o mundo de Scott Pilgrim quebrou as fronteiras estilísticas entre cinema, quadrinhos e música para entregar uma carta de amor à cultura geek. Quanto ao Baby Driver, é bem simples, ele não era o motorista excepcional sem sua playlist nos ouvidos, fusão perfeita entre imagens e trilha sonora. Em Noite Passada em Soho, Ellie (a heroína) se sente mais sintonizada com os padrões dos anos 60 do que com os de sua época. Como muitos de nós, em suma. As melodias são pontos de partida onde se enxertam histórias lendárias e aí a imaginação toma conta. A partir daí coexistem dois passados: o real e o idealizado. Como a maioria dos personagens de Wright, Ellie é uma estranha assombrada pela falta, uma desajustada cuja sanidade depende apenas de algumas notas. Então, quando ela se vê nos anos sessenta que tanto adora, temos o direito de fazer perguntas. A sequência não provará que estamos errados.
Ainda mais do que no passado, o diretor joga com as percepções que fará evoluir. A primeira hora é uma onda de sequências verdadeiramente impressionantes, de velocidade notável combinada com a precisão de um ourives. Tal como Ellie (excelente
Thomasin McKenzie), saímos de nós mesmos, balançamos, levitamos no meio de um festival de movimentos e cores. De volta ao passado? Sim e não. O filme avança, assim como a excitação criativa, só que a viagem nostálgica se torna motivo de preocupação.
Edgar Wright não está aqui para glorificar as fantasias associadas a uma época passada, mas sim para discutir a sua chamada grandeza. O quebra-cabeça é colocado de volta no lugar, a imagem que dele obtemos causa arrepios na espinha. Rastejaremos pelos cantos mais desagradáveis, nos braços de espectros monstruosos vestidos com esmero. Noite Passada em Soho então se transforma em um trem fantasma que vagueia entre esperanças afogadas em sangue. Se a mensagem não foi clara o suficiente no final do primeiro tempo, o extravagante grande final deixou claro o ponto.
A festa estava a todo vapor? A ressaca será severa.
Nesse meio tempo, o longa-metragem recua um pouco. A construção torna-se repetitiva e desde que prestemos atenção aos pequenos detalhes, desarmaremos diversas reviravoltas muito antes da trama decidir resolvê-las. Entretanto, vários elementos ficam para trás (a mãe, a investigação). É irritante porque tudo isso poderia ter dado origem a uma atitude mais desconfiada quanto ao final da história. De fato, há uma resolução que ocorre, mas por mais comovente que seja, seu epílogo um tanto fácil ameniza o sucesso. Mas só um pouco, porque Wright nos dá bastante retorno para nossos investimentos, olhos e ouvidos.
Não é o melhor filme de Edgar Wright, mas é verdade que ele nos dá um filme a que não falta audácia.
O Quinto Elemento
3.7 816É um grande prazer olhar para trás e poder dizer, com toda a certeza: “Sei mais agora do que antes”. Para mim, praticamente não há obstáculos em meu desenvolvimento como cinéfilo que marquem mais claramente esse processo do que minha mudança de relacionamento com a extravagância de ficção científica de 1997, O Quinto Elemento.
Em primeiro lugar, algo que me surpreendeu visto que o realizador francês foi muitas vezes criticado por ter modelado a sua atmosfera na de “Blade Runner”, o mundo do filme é alegre. Obviamente, um filme de ficção científica obriga o filme manter um aspecto pessimista sobre o futuro, mas este não é o centro do filme e Luc Besson não tenta transmitir uma mensagem ecológica ou marxista. Ele obviamente transmite uma moral bastante simplista, mas acerta o alvo e é bastante otimista. Definitivamente, você não deveria esperar um filme violento.
Não há uma única piada no filme que não tenha pelo menos me feito sorrir. Do início ao fim do filme, os momentos malucos se sucederão em um ritmo frenético, sem nunca exagerar.
O que se segue, de qualquer forma, é uma aventura de ação às vezes incoerente que serve como um passeio pelas fantásticas paisagens de ficção científica da imaginação adolescente de Besson: um amontoado de arranha-céus imponentes e carros voadores com quilômetros de altura que ainda tem a sensibilidade básica de design de nossa moderna cidade de Nova York; um luxuoso transatlântico viajando para o planeta resort Fhloston Paradise, com influências polinésias, indianas e italianas vivendo alegremente em harmonia; e as formas metálicas curvilíneas que a cultura pop da década de 1960 previu que seria o futuro espacial.
Os protagonistas são muito importantes, é claro: Oldman (que odeia o filme muito amigavelmente, ao ouvi-lo falar sobre isso anos mais tarde), em particular, é um componente absolutamente crítico do todo, com seu sotaque americano e tendência a ficar nervoso com sua linguagem corporal e uma série de contrações faciais. Milla Jovovich, em sua primeira grande aparição no cinema, abraça o material da maneira mais destemida e confiante. Também me dei conta, em grande estilo, do maníaco Ruby Rhod, de Chris Tucker, facilmente minha parte menos favorita do filme quando o vi em 1997; o personagem me pareceu cheio de piadas estridentes e barulhentas, insuportavelmente caricatural, mas comecei a pensar que seu personagem como o legítimo coração do filme. Afinal, o objetivo de Ruby é ser uma força de vontade sempre ativa, um artista que nos dará 1000% de sua energia 1000% do tempo, mesmo no meio de um cenário de ação com risco de vida.
Dito isto, ajuda que o filme se ancora em um protagonista tão sólido e quadrado. Esse é Bruce Willis como Korben Dallas, soldado das forças especiais que virou motorista de táxi, homem comum que mergulha no turbilhão das fantasias de Besson e então tenta superar tudo. Ele é o mesmo tipo de protagonista que um filme de James Cameron ou Michael Bay poderia ter, mas intensificado: o visual do filme, o senso de humor e o estilo geral de atuação são todos identificavelmente europeus, o que faz com que a presença marcante de Willis como Homem Americano Quintessencial se destaque em todos os aspectos. mais. O filme precisa de uma figura central tão descontraída para ser algo diferente de puro colírio para os olhos, e Willis era mais adequado do que qualquer outro artista que eu pudesse nomear para incorporar essa figura.
Concluindo, como diria Steven Spielberg, “O Quinto Elemento” é um “filme pipoca com uma mensagem no fundo do balde” perfeito. É realmente um longa-metragem que coloca um sorriso no rosto quando rolam os créditos finais e te deixa de bom humor por vários dias.
Claramente, no gênero de filme de ficção científica ultradivertido, O Quinto Elemento é uma joia. Quase tudo está lá para garantir um show de alto nível. A única pequena desvantagem para mim vem de uma certa falta de fluidez sobrecarregada pelo peso de uma mensagem pacifista muito caricaturada que pesa um pouco no final.
Perfume de Mulher
4.3 1,3K Assista AgoraO tempo de um fim de semana é também o momento de observar o monumento que é Al Pacino num papel como a sua carreira, forte e sólido ao mesmo tempo. O talento deste (mesmo que não seja mais para provar) explode aqui neste interpretação fenomenal, onde seu visual toca a genialidade. Ele interpreta Frank Slade, tenente-coronel aposentado dos Estados Unidos, vivendo uma segunda vida, plana, cinza e acima de tudo "escura", sombria porque privado do uso da visão é. Paralelamente um aluno muito talentoso, mas cuja posição social infelizmente não é igual à dos demais. Obrigado a trabalhar à margem dos estudos, aceita, portanto, "por um fim de semana" a responsabilidade de cuidar de uma pessoa incomum durante o Dia de Ação de Graças. O que era para ser apenas uma visita domiciliar se transforma em uma viagem para Nova York embarcada com um homem rude, bom apreciador de Jack Daniel's, peculiar desde o início do intercâmbio. O aluno não consegue administrar a situação que se torna bastante difícil para ele.
Frank "Pacino" Slade é um homem amargurado pela vida cujos únicos sonhos se tornaram o ponto final de sua existência. Mas ele continua cativante, exalando muito charme e possuindo muitos talentos, incluindo o de descobrir o primeiro nome de uma mulher simplesmente pelo nome. A fragrância do seu perfume.
Perfume de Mulher também traz novos elementos que indicam as qualidades do homem, tanto sutis quanto instintivas. É assim que o espectador percebe desde muito cedo que sua raiva é repleta de dor, suas palavras de angústia e sua vida de fissuras. Suas falhas estão presentes em cada um de seus gestos e palavras, mas este homem também exala uma confiança em si mesmo que é surpreendentemente verdadeira diante do diretor da escola vingativo, que oprime Charles (porque ele comparece perante um conselho disciplinar por ter notado um delito) e exige. sua exclusão, "o coronel" expressa-lhe em um apelo colorido o verdadeiro valor da integridade ".uma cena magistral" Frank Slade é, em última análise, o presente mais lindo que "Charles Simms" recebeu em sua vida modesta.."um substituto pai" porque na verdade o medo do primeiro para com o mais velho acabará se metamorfoseando em amor paterno ao longo da trama.
Martin Brest dirige um filme muito clássico, mas brilhantemente apresentado, e permite que Al Pacino obtenha seu (finalmente) primeiro Oscar. A trilha sonora original de Thomas Newman indicado 14 vezes ao Oscar de melhor trilha sonora, (primo de Randy Newman) tem um sopro que se impõe por meio de sua inteligência e assim serve de guia ao cineasta.
Lendário Al Pacino, provando com esse papel que pode interpretar qualquer coisa e que é um Grande Ator. O carisma de Pacino atinge o espectador ao longo do filme. Um cenário bem elaborado sobre a dureza da vida e o veneno do arrependimento. Uma palavra: Grandioso.
O Ritual
3.2 475 Assista AgoraCaindo na subcategoria de "horror popular", onde dominam ritos de sacrifício e práticas satânicas sangrentas, como A Bruxa de Blair ou o brilhante Midsommar, O Ritual prometeu ser tão previsível quanto eficaz. Quatro amigos de longa data decidem fazer caminhadas no bosque sueco, para homenagear a memória de um quinto, que morreu repentinamente. Num cenário de luto, esta lufada de ar fresco irá rapidamente reavivar a culpa do passado e as dúvidas de todos. Surpreendentemente, os diálogos me pareceram sensatos e bem escritos na preparação para o pânico, longe das falas clichês e clichês do gênero.
O que mais me atraiu foi a revisitação da mitologia nórdica, localizada no coração de uma gigantesca floresta ancestral. Há uma mudança de cenário, um folclore que faz a diferença. Certas cenas, embora sugestivas, são muito assustadoras e alimentam uma tensão cada vez mais sufocante. As tomadas dentro deste labirinto de árvores contribuem agradavelmente para esta atmosfera indutora de ansiedade.
Certamente, como espectador, gosto de receber respostas e um final real, mas aqui os intrigantes caminhos até aquele ponto perdem um pouco do sabor. A angústia e o tormento desaparecem para dar lugar às revelações e à sobrevivência. Mais equilíbrio teria sido bem-vindo. "O Ritual" beneficia de ótimos ingredientes, um bom cenário, um bom contexto e personagens interessantes, por isso é um bom entretenimento em geral. Mas falta aquela pequena faísca que tornaria o filme tão brilhante.
Com uma história centrada em temas de redenção, culpa e medo do desconhecido, este filme investiga os medos mais íntimos dos personagens. Se a história não for original, a base da história é boa, pois traz uma dimensão psicológica bastante interessante e que também é bem aproveitada ao longo do filme. Como em qualquer “sobrevivência” do gênero, é preciso se apegar ao clima e ainda mais a essa virada que o filme dá no final, caso contrário você ficará entediado.
O filme é bem feito, o cenário é bem aproveitado e o clima não é ruim, mas não podemos dizer que seja realmente angustiante. Isso é um pouco o que falta, porque de resto é intrigante, até porque o diretor mistura bem esse aspecto psicológico com o que está acontecendo que pode mudar a nossa percepção das coisas.
No geral, foi uma surpresa agradável com a sua dose de emoções e uma atmosfera diretamente dos contos nórdicos e do frio polar escandinavo. Era absolutamente necessário não cometer erros na encenação e na produção; o realizador, sem revolucionar o gênero, consegue com inteligência constituir uma produção tingida de mistério e de serenidade mística e perturbadora. O filme começa de forma estranha: a morte de uma pessoa de uma roda de amigos durante um assalto que dá errado. Depois, rapidamente, a natureza, selvagem, crua com alguns pedaços de civilização aqui e ali para nos lembrar que esta história pode acontecer na nossa realidade, mas rapidamente, depois de uma hora de exibição, o filme dá uma guinada.
Não necessariamente decepcionante, mas tão inútil quanto o domínio do sentimento de amizade, ao mesmo tempo que prolongava a perda de orientação do grupo, foi eficaz. O Ritual acaba por ser uma boa alternativa que não revoluciona um género sólido, mas que parece difícil de renovar.
Planeta dos Macacos
3.0 622 Assista AgoraPlaneta dos Macacos é certamente uma das reinicializações mais arriscadas que já existiram. E, no entanto, este filme foi muito aguardado pelos fãs do grande clássico de 1968 e até mesmo pelos espectadores em geral. O projeto era difícil de acreditar: Ousar refazer uma história sobre temas tão vastos e complexos como o de Planeta dos Macacos foi algo ambicioso. E o projeto tinha tudo para dar certo! Um diretor genial, um elenco de qualidade, um orçamento muito grande e um compositor muito renomado que é Danny Elfman.
E foi completamente assassinado por críticos e fãs, mas ainda assim foi um sucesso de bilheteria. Ok, e o que eu achei disso como fã do filme original? Bem, é muito misturado. Vemos que houve trabalho nisso e honestidade, mas infelizmente isso não é suficiente para fazer do filme algo bom.
Tim Burton, portanto, nos dá um remake totalmente confuso, deixando de lado as palavras e pensamentos sobre o homem para uma ação simples com efeitos especiais de baixa qualidade.
Mas não é só isso, o filme sofre de inconsistências e é cercado pelo ridículo mais cafona possível. Onde o original buscava a simplicidade, aqui busca fazer toneladas de lutas de dois rounds tão pesadas quanto inúteis. Sentimos que o filme foi rodado em estúdio o que tira qualquer imersão.
Os macacos são bem-feitos, é verdade, mas o comportamento deles é simplesmente insuportável, sempre gritando e pulando em todas as direções, eles não deveriam ser evoluídos?
A reação de Mark Mark Wahlberg aos macacos falantes é simplesmente bizarro em alto nível, o personagem diz para si mesmo "como é possível que eu esteja aqui", 5 minutos depois ele não se importa como se tivesse as respostas para todas as suas perguntas. Ele simplesmente não parece envolvido no filme.
Humanos que falam? Não, mas aí era um dos pontos fortes do filme original, rebaixar o homem ao simples status de um animal selvagem que não sabe falar, mas aqui os humanos falam, exceto que não são capazes de deixar de ser humilhados pelos macacos ou de se comunicar com eles. As inconsistências aumentam em idiotice a cada momento chave do filme como exemplo: Como funciona essa tempestade magnética que não tem lógica no espaço-tempo?! Como pode Oberon ainda funcionar depois de passar 600 anos na poeira e na ferrugem?!
E ainda há muitas outras inconsistências neste filme que não especifiquei porque são tantas! Vamos adicionar a armadura do Senhor dos Anéis aos macacos para dar um lado ainda mais insano. E claro, o final é totalmente incompreensível, rebuscado, e a ironia disso tudo é que não há explicação possível! Provavelmente um dos piores finais que já vi na minha vida para um filme de grande orçamento. Os personagens são em sua maioria planos, os temas são inexistentes e as revelações difusas.
Em última análise, Planeta dos Macacos não é ruim, mas não é bom. O principal problema é que Tim Burton não era o diretor certo para um blockbuster como este. Para ver uma vez por curiosidade. Felizmente, a franquia renasceu graças a Planeta dos Macacos: A Origem, 10 anos depois.
Rebel Moon - Parte 1: A Menina do Fogo
2.6 301 Assista AgoraEu tinha grandes dúvidas sobre a qualidade do novo filme de Snyder, principalmente porque nem Gorges Lucas nem a Disney queriam produzi-lo, e ele acabou na Netflix.
São os filmes ruins que nos mostram todo o talento e descobertas dos diretores para ter sucesso em uma obra, onde vemos imediatamente os erros, as falhas, as armadilhas dos filmes ruins. Ou dito de outra forma, num filme ruim, o espectador se faz perguntas que jamais faria diante de um bom filme.
Por que a heroína está procurando um punhado de mercenários para ajudá-la a defender sua aldeia? Não deveria, em vez disso, procurar adquirir armas antiaéreas para destruir naves inimigas e artilharia para eliminar a infantaria inimiga? Onde está a lógica militar nisso? Nada faz sentido ou a menor seriedade.
Por que os heróis sempre tendem a querer se envolver em combate corpo a corpo com armas brancas, sabendo que todos os soldados inimigos possuem rifles laser?
Talvez o pior desta primeira parte vem da pobreza do universo. Nós sabemos, Zack Snyder é diretor, não roteirista.
Sentimos que o universo é uma cópia desajeitada de Star Wars, O Quinto Elemento, Senhor dos Anéis, Game of Thrones, Guardiões das Galáxias, dos filmes de ficção científica de Neill Blomkamp e até do canal Nexus VI no YouTube? Por que os rebeldes neste filme parecem um cruzamento entre os humanos sobreviventes de Matrix e os antagonistas de Mad Max?
O que podemos dizer além de que Snyder plagiou dezenas de filmes, sendo cada cena uma cópia tirada de outro filme.
Se Sofia Boutella dá tudo de si e faz o possível para segurar o filme nos ombros, o resto do elenco não pode dizer o mesmo.
O vilão é interpretado por Ed Skrein, que é um brincalhão de morte, e faz bagunça em cada uma de suas cenas, chegamos ao nível de gente pilantra do tipo Dungeons and Dragons.
Como dizem todos os grandes diretores, todo filme tem uma mensagem. Este filme de Snyder não tem nenhum.
A luta entre o Bem e o Mal não é uma mensagem, mas um arquétipo, uma estrutura de um filme, não o seu propósito. É isso que torna o filme tão vazio, tão anônimo, tão déjà vu, digno de um blockbuster padrão assinado por algum simulador.
Um dos erros monumentais do filme é exagerar nos efeitos especiais. Pergunte a Spielberg ou James Cameron, o princípio de um efeito especial é que ele é invisível para o espectador.
Snyder faz o oposto, ele destaca os efeitos especiais, fazendo muitos deles a cada vez.
A maior parte das imagens geradas por computador são medíocres, dignas de filmes do final da década de 2010. As empresas FX ainda não conseguiram reproduzir o feito técnico do primeiro Avatar (2009).
Um dos paradoxos do filme é que ele poderia se passar nos dias atuais na Terra, sem qualquer elemento de ficção científica. E ao contar uma história mais próxima de nós, inspirada em acontecimentos reais, o filme nos tocaria muito mais.
No geral, Rebel Moon é uma aventura de ficção científica mediana que agradará os fãs do gênero, mas pode deixar outros querendo mais.
Guerra Civil
3.8 199Maior orçamento do estúdio A24, esta história distópica de 50 milhões onde a América se encontra fraturada em uma nova Guerra Civil é frustrante no aspecto tímido de seu universo. Um aspecto político geralmente nebuloso que também é um ponto forte, porque cria um espaço mental onde qualquer escalada de violência contra qualquer partido pode ser projetada. Sabemos que os EUA estão mergulhados no conflito entre grupos organizados dentro do mesmo estado-nação. Que várias facções se opõem. Que o presidente no poder está no terceiro mandato e cometeu um grave deslize. Dificilmente saberemos mais sobre as causas da guerra.
O suficiente para frustrar alguns, mas é também o que dá ao filme um certo alcance universal. Acompanharemos um grupo de jornalistas viajando entre Nova York e Washington, na tentativa de entrevistar o presidente. Esta aventura picaresca retratará o caos ambiental, não muito diferente do que a mídia ocidental mostraria de uma guerra civil na África.
E Alex Garland vai direto ao ponto, ao tratar principalmente de dois assuntos: o papel dos correspondentes de guerra e o que gira em torno deles (passividade relativa, relação com a imagem, cinismo...); e as profundas divisões dentro dos EUA. Tudo salpicado de reflexões sobre o absurdo das guerras em geral.
A coisa toda é desenvolvida de forma inteligente, não nos deixamos levar pelas explicações exageradas. Aos poucos vamos descobrindo essa confusão, e algumas passagens são extremamente irritantes sobre os EUA.
Além de alguns dispositivos de enredo, a história é dinâmica. Na verdade, fiquei surpreso com as sequências de ação. Mais numerosos do que eu esperava e relativamente espetaculares para tal produção.
No final, Garland quer acima de tudo realizar uma viagem pós-apocalíptica ao nível dos olhos, onde um quarteto de repórteres evolui de forma quase picaresca para captar imagens fotográficas remotas da queda dos EUA. Um viés relevante, questionando a imparcialidade das imagens e seu impacto no indivíduo, ao longo dos diversos encontros.
A estrutura narrativa é, em última análise, bastante simples, mas é entre vários parênteses que o longa-metragem atinge uma universalidade na futilidade da guerra (atiradores que se avaliam sem saber qual lado está do outro, Jessie Plemons que usa o conflito para satisfazer seus ideais políticos, etc.), e um olhar pessimista sobre a natureza cíclica e autodestrutiva de qualquer guerra.
O elenco é bom, enquanto o cerne do filme está na transferência entre os personagens de Kirsten Dunst e Cailee Spaeny (de uma imitação de Lee Miller tendo trabalhado até uma novata que deseja aprender a profissão de fotógrafo de guerra). Wagner Moura interpreta um jornalista viciado em furos, profissional, descolado, tagarela, que se sente um peixe na água, apesar das situações tensas e Stephen McKinley Henderson como um velho jornalista que tranquiliza com a sua presença.
Não podemos evitar alguns erros (incluindo um clímax de guerrilha sem implicações dramatúrgicas reais, ou algumas reações estereotipadas de personagens que leram o roteiro), mas se o filme que agarra as entranhas, que não romantiza o horror do seu tema, que nos convida a pensar no futuro do nosso país e no salto para o desconhecido que é a guerra civil.
O Primeiro Homem
3.6 649 Assista AgoraNos filmes espaciais, estávamos habituados ao lirismo da conquista, ou às imagens abafadas de um foguete deslizando suavemente em direção a espaços infinitos.
E Damien Chazelle nos fala do canivete suíço, mostrando-nos máquinas obsoletas, feitas de pedaços de barbante e pedaços de madeira, com um barulho ensurdecedor.
Mostra-nos uma América que também se pergunta se não haveria outras prioridades em terra firme.
Paralelamente a este discurso universal, está a família Armstrong, os seus sonhos e as suas tragédias. Graças ao filme, tocamos na incerteza absoluta dessas missões e a fragilidade destes heróis.
A cinebiografia sobre Neil Armstrong é cheia de eficiência, principalmente na encenação, onde a câmera subjetiva ocupa um lugar importante, o que às vezes torna o longa-metragem bastante envolvente.
Ryan Gosling sai do sapateado de “La La Land”, para dar o famoso passo na Lua, esse famoso grande passo para a Humanidade e Damien Chazelle deixa assim o mundo da dança e da música, para um espetáculo completamente diferente talvez ainda mais grandioso, tão onírico e lírico com esta chegada a esta deslumbrante estrela lunar.
E, no entanto, se o filme evoca esta aventura seguida por toda a Terra em 1969, é aqui mais a história do homem enquanto tal, do que a desta façanha em si.
É, portanto, um bom filme biográfico centrado no homem, que o cineasta criou, o retrato de um marido e de um pai atormentado pela morte, destruído a ponto de não ver mais quem o rodeia, incluindo a sua família. Ryan Gosling é aqui a antítese do que encarnou neste mundo de brilho e luz, escorregando na pele de Neil Armstrong, um personagem frio, silencioso, exigente e intransigente. Como se o seu trabalho, ou mais ainda a sua missão, fosse uma fuga, uma verdadeira saída para continuar a sobreviver.
Damien Chazelle, ao centrar-se nesta personalidade bastante excepcional no seu funcionamento e na sua determinação implacável, conseguiu revelar todo o lado oculto da Lua, mas ainda mais aquele de quem nela pôs os pés pela primeira vez.
Toda a psicologia da personagem é colocada ao microscópio assim como o quotidiano deste casal e cujos momentos magníficos nos tocam enormemente ao mesmo tempo que dá lugar de destaque a Claire Foy, muito justa e comovente. É especialmente através desta atriz, com sensibilidade e dom de observação incomparáveis, que este filme nos irá finalmente impulsionar para a sua história, e também pela força das circunstâncias e inevitavelmente para o espaço.
Isto é tudo o que faltava em outras produções sobre o mesmo tema, como “Gravidade” de Alfonso Cuarón, magnífica em imagens mas muito pobre em termos de mensagem.
Por causa da conquista do espaço, claro que também é uma questão e a este nível também estamos sempre bem servidos de realismo e seriedade.
Passamos dos ajustes empíricos e instáveis do início dos anos 60, até esse famoso vôo à Lua, acompanhando passo a passo todos os avanços nesses quase 10 anos de pesquisas.
Todas as questões, todos os problemas, todos os perigos e medos, são extremamente bem apresentados, levantando uma enxurrada de questões quer sejamos colocados atrás ou em frente do ecrã, como os mencionados noutros lugares e ligados a todo este enorme orçamento dedicado à "Corrida Espacial'.
E, no entanto, de vez em quando, esta compreensão parece esticar-se e desaparecer, um pouco como o seu herói e as suas ausências.
Um pequeno inconveniente que ocorre sem avisar, como uma pausa ou um suspiro nesta sede de superar-se, de superar os concorrentes para ser sempre o primeiro e o melhor..
Entretanto continua a ser esta belíssima aposta no palco, elegante, elegante sob todos os pontos de vista, que já combina com Damien Chazelle, e um ator decididamente engenhoso que Ryan Gosling aperfeiçoa até o fim, mesmo atrás do vidro de seu capacete de cosmonauta, como uma barreira que o protege daqueles que o rodeiam.
Um filme sensível, extremamente realizado e emocionante, sobre a história de um homem extraordinário.
Dias Perfeitos
4.2 254 Assista AgoraKoji Yakusho é a alma viva deste filme-tributo aos doces sonhadores da vida cotidiana, àqueles que gostam de olhar para os raios do sol que penetram lindamente através do farfalhar da folhagem, àqueles que aproveitam o tempo em vez de suportá-lo, aos aqueles que encontram um equilíbrio fora do modelo idealista de família com casa grande, filhos, um cachorro e belo carro.
Este personagem não é, portanto, comum. É até extraordinário. Um homem simples prospera com base em hábitos e é cauteloso com o novo; ou ele prospera com o novo e é cauteloso com os hábitos. Mas deveríamos ver um modelo, uma moralidade, um estilo de vida, uma receita para a felicidade?
Nada é menos certo. Esse personagem tem disposição para tudo isso. E o mesmo acontece com o espectador: ou ele prospera com o hábito (e desconfia do novo), ou é o contrário (e vice-versa): o espectador sendo de um ou outro mundo, ele está pronto para aplaudir o filme, ou não aplaudir (principalmente aquele que nasceu no hiperconsumo e com um smartphone nas mãos), aliás, neste último ponto, podemos afirmar que o filme contém uma clara ferocidade em relação ao mundo de hoje.
Ao contrário do que afirmam alguns críticos, Dias Perfeitos não é realmente um elogio aos humildes. O cineasta alemão, Wim Wenders, mostra muito bem que seu protagonista é antes uma pessoa caída e favorecida ou que optou por recusar a vida "boa" (a razão é pouco mencionada). Mas se beneficia de uma vida modesta porque pode assumir um olhar intelectual, estético, filosófico, porque escolhe a sua situação que o leva em uma intensa aventura interior através da leitura, da contemplação da natureza, da fotografia, do jogo da velha, música, compaixão pelos humanos, tanto nos seus pequenos defeitos como nos seus lados bons...
Nisso, este personagem é antes uma ilustração das respostas propostas por Schopenhauer à questão primordial: como escapar do egoísmo? Hirayama impõe a si mesmo uma vida ascética, um afastamento do mundo, não para fugir da realidade, mas para fugir dos impulsos egoístas, da realização individual oferecida no mundo moderno: sucesso social e profissional, lucro, autoestima, o prazer do corpo, competição do ethos através da fala... Esse afastamento do funcionamento do mundo e dos privilégios aos quais teve acesso não ocorre sem sofrimento, sem o recrudescimento do egoísmo reprimido, sem solidão, sem desconforto. Mas o personagem também deriva uma aura de martírio, herói de recusa impossível, figura quase cristã de auto-sacrifício pelos outros. Embora viva numa espécie de autossuficiência solística, nunca recusa o outro, dando-se à custa de si mesmo. São antes estes outros que, apanhados na sua corrida louca contra si mesmos, são completamente incapazes de enriquecer esta vida que suportam. Eles apenas sentem, ao conhecer Hirayama, essa profundidade de vida que buscam desesperada e desajeitadamente, nos códigos habituais de sucesso (dinheiro além da moralidade, imagem, conquistas românticas...). Eles param por um tempo, na virada de uma colisão em suas vidas (doença, fuga, dificuldade financeira) e ficam maravilhados com sua capacidade de elevar o absurdo de uma vida repetitiva de Sísifo a uma arte de viver. Depois deste encontro brilhante, seguirão este exemplo nadando contra a maré? Ou o homem sábio permanecerá sozinho e incompreendido, e o homem prisioneiro das suas paixões?
E Hirayama não é um alienígena. Este filme é a história de um homem “assim”. Além disso, ele tem seus pontos fracos. E isso nos traz de volta à terra. Mas não é por acaso que o filme é rodado no Japão (embora uma língua diria que os banheiros lá brilham como novos e provavelmente não precisam ser limpos).
Dias Perfeitos é uma curiosa mistura de drama social realista e conto filosófico humorístico sobre a arte de ser feliz apesar de tudo.
A Primeira Profecia
3.5 84“A Profecia", começou quando Robert Thorn, substituiu o bebê morto de sua esposa pelo filho literal do diabo. Mas você já se perguntou como aquele bebê nasceu? Os produtores de “A Primeira Profecia” esperam que a resposta seja sim e que seus padrões não sejam elevados.
Visualmente, A Primeira Profecia impressiona pela forma como capta a época e a atmosfera gótica. Não são apenas a iluminação suave e os tons sépios que evocam o cenário do início dos anos 70, mas os ricos detalhes da designer de produção e do figurino. É também a maneira como a realizadora embala a produção; esta visão de Roma pitoresca, viva e movimentada, como deveria ser. Tudo isso dá uma sensação de escala, deixando a dócil Margaret em uma cidade grande com poucos aliados.
O roteiro tem muito cuidado ao lidar com suas ligações com o filme original. Existem retornos óbvios e detalhes relevantes da trama, desde o próprio convento até o padre Brennan. No entanto, o realizador encontra maneiras inspiradas de expandir além de quaisquer limitações impostas por A Profecia. Por exemplo, a trilha sonora penetrante, com seus vocais de coro assustadores e a inclusão de “Ave Satani". Mas a diretora garante que é ainda mais perturbador aqui na forma como a partitura se torna um som diegético, seus vocais assustadores interagindo e atormentando Margaret em algumas partes.
Por outro lado, os filmes “A Profecia” nunca tiveram muito a dizer, exceto que o apocalipse provavelmente seria ruim e deveria ser evitado. Esses filmes historicamente usaram a religião e o fanatismo como pano de fundo para mortes chocantes, que se dane a profundidade temática. O filme de Stevenson investe muito mais em sangue do que em seus personagens e história, e quando o filme se torna grotesco, é, pelo menos, memorável.
É fácil imaginar este filme encontrando um público cult, mesmo que apenas por suas imagens bizarras e violentas e uma cena em particular, onde Nell Tiger Free fica completamente perturbada emocional e fisicamente. Mas, apesar de algumas aberturas superficiais e reviravoltas desajeitadas, que são praticamente pré-ordenadas, dadas as poucas opções narrativas da prequela, ela tem pouco a oferecer além desse caos extremo, e mesmo isso é principalmente adiado no terceiro ato.
Se você está procurando coisas sobre gravidez demoníaca de freira, parece ter muitas opções ultimamente. “A Primeira Profecia” é um deles. É uma entrada cansativa em uma franquia que está cansada há cerca de 40 anos, mas a jovem atriz, Nell Tiger Free faz bem seu trabalho peculiar e Arkasha Stevenson prova que pode transformar a brutalidade em arte e, com uma história mais interessante, provavelmente em arte fascinante.
“A Primeira Profecia”, apesar de todas as suas muitas falhas, poderia acabar sendo um prelúdio eficaz para as carreiras de Free e Stevenson, mas é um prelúdio desanimador para “A Profecia”.
Ajuste Final
3.9 116 Assista AgoraUma reformulação habilidosa dos códigos do cinema noir clássico, "Ajuste Final" é considerado por muitos um dos melhores de Cohen, junto com Fargo e Onde os Fracos Não Têm Vez. Ocorrendo durante a Grande Depressão do final da década de 1920, o enredo é uma verdadeira lição de roteiro, todos os elementos da história são habilmente equilibrados para um clímax no final. O humor negro e a violência também estão presentes, e nos divertimos assistindo todos esses personagens tentando enganar uns aos outros.
Talvez até hoje um dos sucessos mais convincentes dos dois irmãos, nos dá uma fascinante e brilhante galeria de personagens onde vale tudo. A história é bastante complexa mas segue sem muita dificuldade, o suspense se mantém do início ao fim e as reviravoltas costumam ser bem pensadas. A sua encenação é impecável e inventiva, tal como a atmosfera que dá a "Ajuste Final", um tom sombrio, por vezes cativante e burlesco, onde o fumo do cigarro, a proibição, as armas preferidas pelos gângsters, onde as femme fatales são uma legião e onde as contas regulatórias já não assustam muita gente. A reconstrução é bem feita, seja em termos de cenários ou fantasias, tecnicamente estão em boa forma e usam contrastes e cores de uma forma impecável. Em termos de interpretação, Gabriel Byrne entrega uma de suas melhores atuações até hoje, carismático e sabendo se impor na tela. Os demais atores são impecáveis e em especial John Turturro e Steve Buscemi, gostei do lado glamoroso da Marcia Gay Harden, bem como as participações especiais de Sam Raimi e Frances McDormand. Manipuladores, frios e incansavelmente calculistas, descobrimos personagens interessantes e em tudo isto um cenário brilhantemente construído e muito atinado.
Saudemos uma edição dinâmica que embora demore a estabelecer os enredos e personagens, ainda consegue manter a clareza e manter a atenção do espectador através da sua mestria. A trilha sonora também faz muito sucesso. Mas mais uma vez o ponto mais marcante continua sendo os diálogos e o tom do filme que oscila entre momentos sérios e outros mais leves ou mesmo francamente excêntricos.
Um incompreensível fracasso de bilheteria de sua época, Ajuste Final, no entanto, continua sendo uma das melhores joias da dupla famosa e um impressionante filme de gangster que não envelheceu nem um pouco.
Orion e o Escuro
3.3 71 Assista AgoraNa maioria das vezes a plataforma com o N vermelho une forças com parceiros como a Sony ou estruturas menores para produzir uma animação. Ainda não ao nível da Pixar (especialmente da antiga Pixar) ou da Illumination, fomos presenteados com algumas joias como “A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas” ou “Pinóquio” de Guillermo del Toro. Aqui, para “Orion e o Escuro”, a Netflix está se unindo à Dreamworks. Um estúdio que tendemos a esquecer apesar de ter sido o concorrente mais sério da Pixar no início dos anos 2000 com sagas como “Shrek” ou “Como Treinar o Seu Dragão”. E, mais surpreendentemente, encontramos por trás da caneta deste filme de animação Charlie Kaufman o autor dos roteiros de “Quero Ser John Malkovich” e “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças”.
Uma chuva de inventividade que desenha uma constelação maravilhosa e terrivelmente agradável de se olhar. Órion, 11 anos, tem pavor de tudo. Ele tem medo de abelhas, do oceano, do valentão da escola e principalmente do escuro.
Isso é bom, porque "Escuro", a entidade suprema das trevas, fará de tudo para que todas as suas horríveis noites de ansiedade não passem de uma lembrança ruim.
O estilo gráfico é inovador e cheio de contraste. Comparado com algumas produções de grande orçamento, é noite e dia, mesmo que a técnica não seja perfeita.
Ideias inovadoras e super originais fazem deste filme uma explosão de cores e maravilhas a cada momento. É tudo uma questão de sutileza e a jornada de Orion pela noite nos transporta para esse mundo onírico com personagens cada vez mais malucos e únicos, com personalidades terrivelmente cativantes.
O tipo de filme que os pais poderiam apresentar para tranquilizar seus filhos assustados na hora de dormir. Uma ode à noite que nos deixava nostálgicos todos os dias ao amanhecer.
Fome de Poder
3.6 830 Assista AgoraMais uma cinebiografia de John Lee Hancock (Walt nos Bastidores de Mary Poppins e Um Sonho Possível) que foca no homem responsável pela incrível expansão da marca McDonald's que se tornou um verdadeiro império. Ele acreditou neste conceito inovador e não abriu mão de nada para torná-lo um negócio muito lucrativo, o que não era o objetivo principal dos seus criadores, que queriam simplesmente fazer deste negócio familiar um restaurante barato e prático.
Este retrato de Ray Kroc não é lisonjeiro a nível humano, porque o vemos como um homem pronto a fazer qualquer coisa por dinheiro, mesmo que isso signifique negar os seus princípios e esmagar aqueles que se encontram no seu caminho. Por outro lado, a nível profissional, isso é outra coisa, porque os defeitos mencionados tornam-se qualidades e fazem dele um empresário formidável que administrou seu negócio com perfeição, aproveitando as oportunidades certas e contando com as pessoas certas.
De qualquer forma, o bom é que é informativo. Esta história é edificante e inteiramente sintomática do indivíduo ou de pessoas do mesmo tipo.
Basta pensar bem em como proteger suas próprias ideias ou invenções, antes de vê-las tomadas por pessoas vorazes do mesmo tipo, dispostas a tudo para fazer fortuna a ponto de esmagar logo de início os pobres e entusiastas ardentes. O longa nos leva a refletir sobre o que significa ter sucesso no conceito "American Dream". Não é apenas uma simples ilustração de um dos maiores sucessos do empreendedorismo moderno, é também uma oportunidade de estudar o perfil psicológico que está na origem de tal façanha: desenvolver uma franquia em torno deste conceito único e estendê-lo primeiro para o regional, depois para o nacional e global.
É difícil, pelo menos para mim, considerar Kroc como outra coisa senão um pilantra oportunista e sujo, mas como o cenário mantém a neutralidade perfeita, imagino que seja tão possível vê-lo como um líder eficaz, que sabe tomar a decisão certa, sem ressentimentos, para o bem maior da empresa.
Fome de Poder pode ser considerado clássico com uma história linear, mas o conjunto é bastante agradável de acompanhar e especialmente interessante se você não conhece os fatos detalhadamente.
Assassinos da Lua das Flores
4.1 608 Assista AgoraNo início do século XX, uma tribo indígena do Kansas, transferida pelo governo americano para uma reserva em Oklahoma onde comprou as terras, tornou-se extremamente rica devido à descoberta do "ouro negro".
O eminente representante da autoridade administrativa procura apoderar-se da sua fortuna e todos os meios, mesmo os mais sórdidos. Baseado em um acontecimento real ocorrido na década de 1920, “Assassinos da Lua das Flores" segue com grande interesse.
A reflexão sobre o pouco caso dedicado à causa indígena nos EUA, sobre o poder por vezes deletério do dinheiro (a melhoria das condições de vida anda aqui de mãos dadas com a chegada de uma comitiva interessada, hipócrita e manipuladora), a reflexão de Scorcese é um grande sucesso formal (fotografia, enquadramento, direção de atores e interpretação).
A mecânica de ascensão e queda ao “estilo Scorsese” parecerá bastante conhecida (Os Bons Companheiros, Cassino, O Lobo de Wall Street), com algumas notas de humor muito bem transmitidas, mas realçadas pelo contexto geral e pela história contada. Uma forma de classicismo narrativo e formal em que o veneno inoculado se espalha aos poucos por todos os cantos do filme, até parecer imparável.
Em termos de produção é impecável e é um prazer imenso admirar um filme de época ampla com uma reconstrução real. A fotografia é soberba, com flashes reais como a descoberta da fonte na introdução, um tiro de fogo visto através de uma janela, e muitos outros. Cada tomada é como uma pintura e me senti atraído por cada cena como se fizesse parte dela. E apesar das 3h30, é impossível ficar entediado ou encontrar barrigas.
Scorsese impõe um ritmo calmo e assombroso a todo o seu filme, e isto através de uma encenação ainda tão precisa como sempre. Uma obra anti-espetacular onde o que mais se destaca não é a violência visual, mas sim essas tradições nativas americanas, tão raramente apresentadas. E sobretudo estas discussões, estes encontros presenciais que mostram os nossos protagonistas em toda a sua ambiguidade, a sua monstruosidade, a sua verdade.
Scorsese tem até a soberba ideia de um epílogo que também questiona a forma de contar histórias no início do século passado. O respeito de Scorsese pela tribo Osage me faz respeitar ainda mais o homem. É uma história que ele realmente queria contar, e você pode realmente sentir o quão dedicado ele é em transmitir mensagens e temas fortes e em contar essa história importante.
Contudo, não partilho da opinião de muitos críticos mais entusiasmados, pelo seguinte motivo: Em geral, achei que os personagens não foram desenhadas com muita subtileza e sobretudo não evoluíram ao longo do filme, o que leva a longos períodos de estagnação narrativa. Ernest, por exemplo, interpretado por DiCaprio, é um simplório sob influência que comete as piores atrocidades sem nenhum escrúpulo aparente: admito que tive dificuldade em entrar no jogo dele, marcado por um beicinho um pouco demonstrativo demais para o meu gosto. Poderia multiplicar os exemplos relativos às outras personagens, mas é sobretudo a representação que o filme faz da comunidade indígena que mais me perturba: passiva, quase cúmplice do seu próprio desaparecimento (como a personagem sacrificada de Mollie que parece perdoar o marido por o assassinato de suas irmãs) e monolítico. Eu teria gostado de uma fibra emocional mais marcante.
Mas não importa, se Assassinos da Lua das Flores não é uma obra-prima ou mesmo um dos maiores de Scorsese, continua a ser uma excelente obra. Cinema de verdade.
Onyx the Fortuitous and the Talisman of Souls
2.2 1Sinto necessidade de mencionar que Onyx, o Fortuito e do Talismã das Almas definitivamente não será para todos. Uma das descrições oficiais é bastante precisa: “passeio selvagem de magia e diversão com a mistura certa de adoração satânica e amizade”. O que se segue é uma espécie de episódio de Scooby-Doo, se Scooby e sua gangue fossem ocultistas ativos em busca de aliança com Satanás. Você tem que achar engraçado o personagem “Onyx, o Fortuito”. Ou pelo menos divertido e possivelmente até cativante à sua maneira bizarra.
A melhor maneira de descrever Onyx e seu padrão de fala específico é compará-lo como uma espécie de Jack Black cruzado com Napoleon Dynamite e Eugene de The Walking Dead. Possuindo uma aparência física que se destaca, mas é quando ele fala, que você realmente descobre suas peculiaridades. Onyx é mais insano (por falta de um termo melhor) e fala rápido e com enfâse em praticamente cada final de frase, o que pode irritar, em vez de entreter. Convidado a participar de um ritual na mansão do luminar satânico Bartok, o Grande. Um dos cinco em todo o mundo com tal convite. É literalmente a melhor coisa que já aconteceu com Marcus Trillbury. Ônix. Ônix, o Fortuito. Se todos pudessem chamá-lo de Onyx, o Afortunado.
É muito divertido, mas sua diversão depende 100% de quanto tempo você consegue achar o personagem de Andrew Bowser engraçado. Se os primeiros minutos não lhe agradam, não assista mais. Na verdade, mesmo que você ria alto cedo e com frequência, provavelmente as piadas longas e sinuosas testarão sua paciência.
Ainda assim,o filme mantem um ritmo peculiar no padrão de fala e uma lógica que às vezes sai dos trilhos. Ainda assim, Onyx não se desculpa em muitos aspectos, o que eu gostei. Você verá vários monstros neste filme, e fico feliz em informar que os efeitos práticos também prevalecem. É exatamente certo para uma comédia de terror onde o tosco e o estranho são usados em momentos sombrios e demoníacos. No geral, este filme é realmente uma celebração de bizarrices de todo e qualquer tipo. Você precisa gostar do humor peculiar e exagerado para aproveitar esse filme. Bem, na maior parte, pelo menos. Como fã desse tipo de produção, posso definitivamente apoiar.
Uma Boa Pessoa
3.6 44Uma espécie de testemunho múltiplo de uma veracidade quase perturbadora. Cento e vinte e oito minutos de autenticidade e pureza, durante os quais se conta uma história que poderia ser a de todos nós. A história do destino. A história de uma vida que vira de cabeça para baixo, atrapalhando a vida de diversas outras pessoas.
O cenário tem todos os ingredientes de uma tragédia grega. Na verdade, o filme fala sobre luto, culpa, perdão e resiliência, mas também, sobre vício. Assuntos pesados que “Uma Boa Pessoa” consegue tornar bonitos e comoventes sem serem muito emotivos ou pesados. Quase estaríamos num filme alegre se o cenário não fosse tão dramático, mas a mensagem de esperança e as boas novas estão muito presentes e significativas.
Ficamos profundamente emocionados graças a várias sequências mas o toque final, sem cair num mau final feliz, é talvez o de maior sucesso. Se o assunto é difícil, nunca cai no pathos ou no choro excessivo e é isso que lhe confere toda a sua beleza e valor: a emoção surge naturalmente, mesmo que às vezes seja através de alguns momentos, passagens obrigatórias. Além disso, o filme ataca os laboratórios farmacêuticos e fala implicitamente sobre a crise de opioides da qual eles são culpados. O que torna este filme ainda mais relevante e divertido.
A produção é simples, mas eficaz. Temos uma bela fotografia com um ambiente agradável. Mas uma das maiores qualidades do longa-metragem do realizador é, sem dúvida, sua atriz principal. Tem muito a ver com a imersão que ocorre para o espectador neste drama onde pairam a morte, a ausência e a falta. Ela personifica a difícil reconstrução de si mesmo após uma tragédia pela qual se sente extremamente culpada. Através de suas escolhas, surge uma atriz com um pedigree cada vez mais impressionante. A menor palavra que colocamos em sua boca e o menor gesto que pedimos que ela execute, ela se transforma em um momento de graça e nos hipnotiza. Ao lado dele, os papéis coadjuvantes são igualmente bem escritos e permitem-nos destacar, incluindo Morgan Freeman, que há muito tempo não víamos tão bem. O Sr. Freeman, que acompanho há anos, ainda é excelente, e certamente veremos a atriz Florence Pugh novamente em um grande filme com o seu nível de atuação em franca ascensão.
De longe. “Uma Boa Pessoa” é certamente um melodrama puro, mas um melodrama com a maioria dos pontos fortes e qualidades essenciais que este tipo de filme pode conter. E, acima de tudo, é claramente uma bela obra que não te deixa indiferente.
O Homem dos Sonhos
3.5 133Nicolas Cage regressa à vanguarda e não com mais uma série B assistível com acidez, mas sim numa produção A24, sinónimo de qualidade para muitos. O realizador nos leva a uma jornada fascinante e às vezes desconcertante com “O Homem dos Sonhos”, um filme que mistura sutilmente o realismo mágico com uma sátira comovente da sociedade midiática contemporânea. Com um elenco sólido que inclui Nicolas Cage, Julianne Nicholson e Michael Cera, o diretor nos mergulha no mundo de Paul Matthews, um professor comum cuja vida dá uma guinada extraordinária quando ele se torna protagonista dos sonhos de milhões de pessoas.
Nicolas Cage desempenha brilhantemente o papel complexo de Paul Matthews, trazendo profundidade emocional a um personagem que passa de uma existência comum a uma celebridade sobrenatural. O espectador é convidado a explorar as nuances da psique de Paul enquanto ele faz malabarismos com as implicações de sua fama recente.
O roteiro engenhoso brinca com os limites da realidade e da imaginação, oferecendo momentos ora cômicos, ora profundamente reflexivos. A narrativa explora habilmente as consequências da fama instantânea, ao mesmo tempo que levanta questões sobre a natureza da realidade e dos sonhos. O diretor consegue manter um delicado equilíbrio entre o absurdo e o comovente, oferecendo uma experiência cinematográfica rica em emoção.
Apoiado por uma excelente Julianne Nicholson como parceira de Paul e Michael Cera em um papel enigmático adiciona camadas adicionais à trama. Suas performances ajudam a reforçar a credibilidade de uma narrativa que poderia facilmente se transformar em extravagante.
A direção de arte e a fotografia criam um mundo visualmente cativante, oscilando entre a normalidade e o surrealismo. As cenas de sonho são particularmente impressionantes, transportando o público para um espaço onde a linha entre a realidade e a ilusão se torna confusa.
No entanto, “O Homem dos Sonhos” às vezes pode deixar o espectador com mais perguntas do que respostas. A natureza enigmática do filme pode ser ambíguo, mas é também o que o torna memorável. A conclusão, embora surpreendente, pode não satisfazer todos os gostos, mas convida à reflexão muito depois de a tela escurecer.
“O Homem dos Sonhos” é uma obra ousada e original que transcende os gêneros convencionais. Impulsionado por atuações convincentes, um enredo inteligente e uma direção artística impressionante, o filme oferece uma experiência cinematográfica única. Borgli consegue capturar a essência da fama e da realidade de maneiras inesperadas, convidando o público a questionar a própria natureza dos seus próprios sonhos. Uma obra intrigante que merece ser explorada pelos fãs de filmes ousados e provocativos.
O Lobo de Wall Street
4.1 3,4K Assista AgoraSem concessões, a quarta colaboração entre Leonardo Di Caprio e Martin Scorsese é um estudo meticuloso e impressionante da moral atrevida no mundo das finanças, desde a época em que todos os excessos eram permitidos aos poderosos comerciantes de Wall Street.
A história, misturando ritmo e densidade, flutua em um oceano de dinheiro e nos mostra a vida dos altos traders de Nova York entre o afresco da bolsa e o humor negro. Quer você ame ou odeie Scorsese, seus filmes são sempre grande marcos e aqui o resultado surpreende pelo seu virtuosismo e insolência. Não é apenas um filme sobre Wall Street, nem é um filme sobre uma instituição financeira, é sobre a atitude das pessoas neste ambiente, sobre a natureza mais sombria da humanidade, sobre esta necessidade que temos de consumir e adquirir tanto quanto possível sem se preocupar com as pessoas ao redor.
Como de costume, Scorsese não descuida de nenhum personagem durante as 3 horas de exibição. Com um personagem sem limites como Belfort, Dicaprio sempre magistral, transmite de forma brilhante essa decadência, através de uma gama fenomenal de emoções. Seu personagem totalmente insano é, até hoje, uma de suas performance mais surpreendente. Destacamos notavelmente um ótimo Jonah Hill como principal associado de Belfort, a excelente Margot Robbie no papel de sua esposa. Jonh Bernthal (Shane em “The Walking Dead”) no papel de Brad Bodnick, amigo de confiança do Jordan Belfort. O bom senso de Scorsese passar o papel de um banqueiro suíço para o premiado Jean Dujardin, um francês, e não um americano, o que proporciona algumas cenas bastante engraçadas que brincam com a "discrepância" e a barreira linguística. Ou mesmo o impressionante Matthew McConaughey que agracia o filme com uma aparição sensacional.
Em suma, O Lobo de Wall Street é uma obra-prima como poucas, é sublime ver um diretor que se diverte e se vangloria das situações mais incríveis e que não hesita em apontar o lado trash do mundo Hollywood e Wall Street. Leonardo DiCaprio no auge de sua arte e inegavelmente extraordinário como um perfeito satírico de si mesmo, que multiplica as citações travessas e ações que são, no mínimo, burlescas. Se você valoriza a moralidade, siga seu caminho porque este filme é deliciosamente impuro e agradavelmente excessivo.
Quem Fizer Ganha
3.1 18 Assista AgoraÚltima colocada no ranking da FIFA, e com o doloroso histórico de ter sofrido a pior derrota da história do futebol internacional (31 a 0 em 2001 contra a Austrália), a pequena seleção da Samoa Americana, recebeu reforço em 2011 do técnico Thomas Rongen (um ex-jogador holandês), caindo de pára-quedas nesta ilha após maus resultados nos Estados Unidos, mas também devido ao seu carácter rude, ranzinza e raivoso.
Depois deste recorde mundial, relegada ao último lugar entre as seleções de futebol das nações e ainda à espera de marcar um gol nas competições internacionais, a equipe foi designada pela primeira vez a um treinador europeu, para voltar aos trilhos e, porque não, finalmente vencer uma partida. Essa história já foi tema de um documentário que inspirou o realizador neozelandês Taika Waititi para seu novo filme de ficção.
Com o seu humor bem atípico, Quem Fizer Ganha não é apenas um longa-metragem desportivo, bastante bem filmada, mas um mergulho na cultura de um território do Pacífico, com uma filosofia de vida bastante distante da dos países ocidentais. O filme pretende ser entretenimento e consegue perfeitamente o seu objetivo, com alguns personagens bastante pitorescos formando esta equipe inusitada. Para além do bom humor geral, o filme mostra também, sem insistir, outros lados menos róseos da Samoa Americana, como a fuga constante da sua população mais jovem que não consegue encontrar oportunidades para o seu futuro.
Desde o início, os personagens que compõem esta equipe de futebol totalmente desajeitada, bem como os locais que os rodeiam, surpreendem-nos com a sua originalidade, as suas boas vibrações e os seus costumes aloha. Eles são literalmente adoráveis. A maior parte do humor vem da lacuna cultural, até mesmo do choque, entre os habitantes desta ilha no fim do mundo e este treinador alcoólatra furioso e ferido pela vida. Um personagem interpretado por Michael Fassbender feliz por estar ali e por tocar uma trilha mais leve que o normal. Muitas das piadas funcionam e pelo menos nos fazem sorrir sem cair na zombaria mas, ao contrário, com muita empatia e um olhar profundamente respeitoso e amoroso. É um humor engraçado que nos faz sentir bem e que nos reserva alguns momentos muito cômicos.
Um momento cinematográfico muito bom, comovente, pitoresco, divertido, refrescante e exótico, tudo embalado num pequeno cenário paradisíaco perdido no meio do Pacífico Sul, que não estraga nada visualmente, muito pelo contrário. “Quem Fizer Ganha é o filme perfeito para lembrar como Taika Waititi pode ser um craque ideal quando joga em casa, em seu campo preferido. Ele próprio de origem Maori, apresenta uma brilhante viagem à cultura polinésia e esta capacidade de combinar o absurdo com a emoção numa osmose permanente. Humor e bons sentimentos em abundância. Que bela aventura humana para ser ser conhecida pelo público. Mais do que o suficiente para ter um bom momento de distração.
Gaiola Mental
2.2 118Mistérios de assassinato geralmente são divertidos. Mesmo que o enredo pareça subdesenvolvido ou os personagens pareçam um pouco fracos, permanece o impulso para descobrir a verdade. Quando se revela que os assassinatos são obra de um serial killer, essa fome de conhecimento se torna ainda mais intensa.
O filme simplesmente flutua letargicamente de um ponto da trama muito familiar para outro, com o realizador lutando para gerar arrepios com um material que já foi feito antes, e com muito mais sucesso. Os personagens também não são particularmente envolventes e têm pouca ou nenhuma história de fundo para nos ajudar a nos preocupar com eles ou com o que está acontecendo com eles. Malkovich está absolutamente fantástico como o papel de um serial killer que brinca com a polícia. Sua atuação é muito intensa e o personagem que ele transmite ao espectador é um dos destaques do filme. Com isso dito, eu não estava me sentindo Martin Lawrence e Melissa Roxburgh. Ambos apresentam performances decentes, mas seus personagens são dolorosamente genéricos e esquecíveis. Sinceramente, gostaria que alguém com um pouco de intensidade fosse escalado para um desses papéis para levar o filme um pouco mais longe do que foi.
E embora o filme tente animar o processo com toques de magia negra, o que ele realmente precisava era de um enredo menos derivativo. Todo o projeto é feito de forma tão amadora que é difícil acreditar que tenha sido concluído. Claro, há alguma diversão aqui, mas não acho que seja exatamente da maneira que os cineastas pretendiam.
A dependência de tantos tropos familiares não seria um grande problema se o filme fosse bom, mas o ritmo do filme é tão estranho que é difícil esquecer o fato de que você já viu e ouviu muito disso antes. Toda a intriga assustadora em torno da maneira como o assassino lida com suas vítimas se perde no fato de que o roteiro parece não conseguir descobrir quais informações são importantes para contar e quais não são.
Em última análise, a maior queda do Gaiola Mental é que ele se esforça demais para fazer um filme sobre imitadores, copiando os grandes filmes que já percorreram esse terreno antes. Os mistérios geralmente são emocionantes, mas este decididamente não é.
A Pé Ele Não Vai Longe
3.5 122 Assista AgoraDo título bem satírico, você tem o tom do filme. Corajoso, irônico e resiliente, somos apresentados à trágica história de um designer que ficou incapacitado após um acidente de carro devido ao alcoolismo. Longe de ser moralista, o personagem de Joaquin Phoenix (retirado da história real do referido cartunista) é um exemplo de luta para assumir o controle da própria vida apesar dos obstáculos muitas vezes terríveis espalhados por toda parte.
O realizador permite um espaço para a trama existir e transmitir sua própria mensagem. John Callahan é um cartunista americano provocador e irreverente. Um artista sem limites com desenhos satíricos, engraçados e ácidos. Para homenagear este homem falecido em 2010, Gus Van Sant (Milk: A Voz da Igualdade e Gênio Indomável) fez um filme à sua imagem. Não se trata de uma cinebiografia que lamenta o destino do personagem que fica paralisado após um acidente de carro, mas sim uma sátira de humor negro que aborda diversos temas, incluindo deficiência e principalmente alcoolismo. Dois assuntos relacionados, porque se ele se encontra nessa situação é por causa do problema com o álcool, mesmo que não estivesse ao volante do carro.
Este homem viveu uma vida muito rica, então há muita coisa acontecendo. O diretor pinta um retrato cheio de ternura e sensibilidade, mas não posso dizer que me emocionei em um único momento. O casting claramente salva tudo, pois caso contrário, é a trágica história de um alcoólatra que aos poucos recupera o gosto pela vida. Joaquin Phoenix representa plenamente suas habilidades, brilhando com credibilidade e imediatamente nos apegamos ao seu personagem, por mais mal-humorado que seja. Um retrato de John Callahan, construído aos poucos, com suas incessantes viagens ao passado, aparece primeiro como um rascunho antes de revelar sua verdadeira natureza, o esboço de uma redenção após uma longa jornada através de um inferno alcoólico. Rooney Mara é filmada de uma forma muito bonita, ela passa pelo filme como uma miragem, esse talvez seja o objetivo, por outro lado Jonah Hill naturalmente tem um perfil cômico, seu desempenho contra a corrente é ótimo. No início não foi fácil vê-lo como uma espécie de guru, mas no final acertou em cheio. Jack Black e também em seu perfil cômico combina maravilhosamente com o papel de festeiro que lhe é atribuído, mesmo que mais tarde ele acrescente sutileza à sua atuação.
Em suma, o filme está longe de ser desagradável. A jornada que John encara nos convida a fazer dentro de nós mesmos. Que percebamos que O essencial está profundamente enterrado em nós e que devemos reservar um tempo para ouvi-lo. Mesmo que não produza nenhum som.
Folhas de Outono
3.8 99Folhas de Outono retrata a história de duas almas angustiadas, esmagadas pelo nosso mundo, pela solidão, pelo capitalismo e que de forma modesta, se unirão.
Formalmente, é um filme magnífico, não pela sua história bastante clássica em si mas pela profundidade dos personagens que conseguem encontrar-se num silêncio magnífico e digno. Embora a ação ocorra nos dias atuais ou mesmo em um futuro próximo, parece que estamos voltando à década de 1950 porque o cenário está muito desatualizado. Excelentes cenas que lembram pinturas realistas da solidão na contemporaneidade e capturam perfeitamente a melancolia latente que habita os personagens.
O enredo é simples, tendendo à pureza mesmo que haja passagens particularmente divertidas. A história de amor emergente é comovente apesar de uma certa frieza que corresponde a uma estética muito nórdica. Embora o filme permaneça talvez demasiado clássico na sua narração, com uma declaração bastante esperada sobre o alcoolismo, ainda assim permanece imbuído de uma poesia inegável. Kaurismaki é um cineasta finlandês e um autor de outra época que consegue falar do mundo contemporâneo filmando um passado fantasiado. Talvez seja um pouco educado demais e, finalmente, espera-se que convença totalmente, mas ainda assim permanece particularmente agradável.
Em última análise, Folhas de Outono é um conto de extraordinária delicadeza. Se não é possível escapar para além das fronteiras de Helsinque, devemos admitir que o grande sucesso da obra reside na sua fuga simbólica e sensorial. Kaurismäki prova assim que é capaz de “oferecer um futuro à humanidade” com uma história de amor que só faz sentido quando se renuncia ao seu próprio isolamento. As cores são sempre muito bonitas e algumas cenas verdadeiramente comoventes nos ligam aos dois protagonistas. Para completar, a mensagem é útil e dá esperança apesar da aparente tristeza retratada.
É de alto nível cinema, inenarrável em uma palavra.
Olha Quem Está Falando Agora
2.7 161 Assista AgoraCom o imenso sucesso das duas primeiras obras, os produtores acharam por bem reiterar as desventuras da delirante família Ubriacco. Mas os jovens atores mirins cresceram e por isso devem ser substituídos. Então, em vez de fazê-los voltar a falar mentalmente (uma marca registrada da saga), é a vez de seus novos animais de estimação pensarem e falarem como adultos.
Tendo como pano de fundo a época do Natal, o filme infelizmente é o de menor sucesso: menos inventivo, desta vez com piadas mais lentas, por um lado, mas ainda temos Kristie Alley e John Travolta que estão cada vez mais atolados em seus personagens, mas cuja alquimia ainda funciona tão bem e depois nas vozes dos cachorros, temos Danny DeVitto e Diane Keaton com todo humor, ternura e suspense com o bônus adicional da simpática música do astro infantil francês da época, Jordy, onde canta It's Christmas, C'est Noel (escrita por seu pai) e é ele quem entra pela chaminé quando o Papai Noel não consegue passar pelos canos.
O tipo de comédia feita para as comemorações de fim de ano, que pode conter atrativos tanto para os mais velhos quanto para o público jovem. Eu aprecio muito o filme porque contém os bons ingredientes de uma comédia romântica do final dos anos 80/meados dos anos 90, é leve, descontraído, nunca se leva a sério e faz muitas coisas que hoje seriam considerariados "envelhecidos".
Olha Quem Está Falando Agora é cheio de cenas malucas e surpreendentes. Porém, mesmo com meu olhar adulto descubro que ainda reflete a classe média da América daquela época, sem muita caricatura, e traz um toque mais autêntico do que alguns outros sucessos do tempo.
Não existem caricaturas psicológicas grosseiras, por exemplo nas personagens dos pais, ou nas relações que mantêm com os filhos, apenas para fazer rir o público-alvo e também dar origem a algumas situações bem cômicas. Em suma, uma comédia familiar agradável que completa uma bela trilogia homogênea