Diego Ferreira

Mortal Kombat II é provavelmente um dos maiores paradoxos que já vi no cinema de entretenimento recente: Um seguimento direto de uma primeira obra de 2021 que lançou as bases sem ainda abraçar totalmente a mitologia. Mortal Kombat II chega no comando de uma dívida e de uma sincera esperança: não que o filme seja grande e revolucionário, mas que finalmente sabe o que quer ser.

A coisa mais decepcionante neste filme é a total falta de exploração do universo. O filme fala constantemente sobre diferentes reinos, dimensões e povos, mas no final descobrimos quase nada. Tudo dá a impressão de ser ligado a um fundo verde, sem uma identidade visual real ou uma sensação de viagem. O único lugar ligeiramente desenvolvido é a aldeia de Tarkatan, e novamente, o palco é muito curto para realmente instalar uma atmosfera ou aprofundar sua cultura. Para uma licença tão rica quanto Mortal Kombat, é frustrante.

As lutas, que devem ser o coração do filme, também carecem de criatividade e estratégia. Algumas cenas são impressionantes visualmente, mas muitos confrontos parecem apenas uma sucessão de golpes sem tensão real ou encenação memorável. Muitas vezes fiquei com a sensação que poderia ser algo mais engenhoso, especialmente quando sabemos o potencial dos personagens e as rivalidades icônicas da saga.

O ritmo também é um problema: o filme vai muito rápido. Vamos de um evento para outro sem dar os personagens ou as apostas para respirar. Como resultado, algumas cenas que supostamente são importantes perdem seu impacto emocional. Com uma duração um pouco maior, o filme poderia ter desenvolvido ainda mais seus reinos, personagens secundários e relacionamentos.

Outro ponto infeliz: vários personagens não têm profundidade. Alguns são introduzidos como figuras importantes, mas quase não têm desenvolvimento ou são apenas usados para lançar uma cena de combate. Teria sido interessante explorar mais de suas motivações, medos ou história para tornar a coisa toda mais marcante.

Visualmente, o filme depende muito de efeitos especiais, mas às vezes à custa do realismo e da imersão. Alguns conjuntos parecem artificiais e dão a impressão de um universo vazio, enquanto *Mortal Kombat* deve ser brutal, vivo e misterioso.

No entanto, o filme ainda tem qualidades: alguns personagens são fiéis ao jogo, algumas fatalidades são divertidas e a atmosfera continua agradável. Mas com um universo tão rico, havia claramente algo a ver com algo mais ambicioso, mais imersivo e acima de tudo mais memorável.
É claramente o tipo de filme em que você coloca seu cérebro por duas horas para aproveitar o momento e, honestamente, funciona bem.
Um filme acima de tudo para os fãs do jogo e da cultura pop em que a operação de nostalgia funciona.

Preso em uma situação precária da qual ele não espera mais qualquer fuga, Arj entra um dia em contato com o anjo subordinado Gabriel (especializado no resgate de pessoas rebitadas em seus telefones ao volante) que, para provar a si mesmo para seus pares, vai procurar colocá-lo de volta no caminho de uma vida melhor...

Primeiro longa-metragem escrito, dirigido e interpretado por Aziz Ansari, colocando de volta em cena o tipo de comédias norte-americanas caprichadas que parecia ter desertado os cinemas desde o fim da era de Judd Apatow.
Depois de ter passado com sucesso no formato da série como autor e diretor ("Master of None"), o humorista comediante de fato se esforça na tela grande com uma fábula existencial, bastante maligna no que ela tem a dizer sobre a queda da estagnação social em que os "invisíveis" que estão morrendo lentamente acorrentando os empregos ímpares na indiferença geral, e, claro, alegremente absurdo por seu conceito.

Certamente, não nos lembraremos de "Quando o Céu se Engana" pela qualidade de sua encenação. O roteiro não é de uma originalidade insana, mas o filme é bem feito, pontuado e as mordaças caem no momento certo. Os diálogos são engraçados, bem escritos, e atinge o público.
Acima de tudo, onde a maioria das comédias teria suspeitado da simples ideia de fazer Arj provar as alegrias de uma vida de sonho como uma rápida cena cômica para retornar rapidamente às unhas de um desdobramento mais acordado (e muito rapidamente moralista), Ansari vai empurrá-la muito inteligentemente para seu paroxismo, liderando todos os seus personagens no delírio muito jubiloso criado por seu protagonista.

Portanto, "Quando o Céu se Engana" cumprirá francamente seu contrato cômico em termos de situações improváveis, constantemente carregado pelo talento de seu trio de atores: o próprio Ansari em mente, é claro, perfeito neste papel escrito por seu cuidado, mas ele também é brilhantemente apoiado por Seth Rogen que sabe como se beneficiar neste tipo de papel e Keanu Reeves que se diverte com sua imagem pública.

Esperando que as asas do diretor continuem a crescer atrás das costas, em preparação para uma segunda comédia desse tipo, certamente estaremos lá para acompanhar novamente.

Como fazer com que as pessoas que andem em linha reta e no mesmo ritmo por quase 2 horas sejam interessantes? Claramente, a tarefa não foi fácil, mas deve-se dizer que essa produção colocou todas as chances ao seu favor para ter sucesso em seu movimento.
O filme mostra-nos claramente que, perante este desejo de resistir à violência do poder, não podemos lutar, mais cedo ou mais tarde nos tornaremos o produto disso. E eu sei que algumas pessoas vão ter dificuldade com essa ideia, mas acho que é realmente ótimo. Certamente, ela é muito cruel e não deixa espaço para esperança, mas isso não me incomoda. Pelo contrário, conta muito mais coisas dessa maneira, e acho que esse fim fará muito mais pensamento do que se a vingança tivesse sido evitada. Especialmente porque é bom ver um filme para o público em geral tomando esses tipos de decisões muito ousadas.

E essa ideia funciona, principalmente porque entendemos a luta de nossos heróis. Durante as 2 horas, eu estava muito perto de todos esses personagens, cada um tendo sua particularidade. Estes podem ser caricaturas para alguns, mas isso os torna muito rapidamente identificáveis e confiáveis. Temos uma infinidade de personagens, tendo reações muito diferentes aos acontecimentos, e foi isso que criou a imprevisibilidade da história, apesar de sua aparição banal.
Isso nos permite sempre criar novidade em situações, mesmo que as esperemos. Por isso, alguns vão culpar a falta de violência física e gore, mas acho que não é entender o filme que dizer algo assim. Pelo contrário, é até um pouco irônico pedir gore em um projeto que denuncia a violência do nosso mundo. Aqui, a violência é muito mais psicológica do que física, e é isso que torna tão forte de se olhar. Eu não precisava de litros de sangue para entender a violência deste universo, um simples personagem ferido e exausto tentando continuar a seguir em frente, apesar de tudo claramente me bastar. Dotar que esta impressão está claramente a surgir graças à boa gestão das relações entre os nossos personagens.

Sobre este ponto, só posso parabenizar o elenco. Achei as conversas sinceras, bem escritas e acima de tudo muito bem jogadas. Falamos de muitas coisas neste filme, e os diálogos conseguem transmitir tudo isso. Simplificando, porque as trocas estão vivas, elas dizem algo e respondem, como esperamos de pessoas reais. E quando se trata de Francis Lawrence, acostumado a filmes distópicos para adolescentes (ele dirigido por menos de 5 Jogos Vorazes), mesmo que ele não revolucione sua encenação neste filme, tenho a sensação de que ele entendeu o que era necessário fazer para dar vida a tudo isso. Por estar constantemente no caminho certo para sua câmera, e por recusar as cenas fixas (cada cena do filme estar em movimento), ele nos inscreve na mesma caminhada que nossos heróis. Sentimo-nos perto deles, em seu contato e isso fortalece nossas emoções quando o infortúnio cai sobre eles.

Não sei mais o que acrescentar, por isso serei breve. Eu posso entender que não gostamos deste filme, mas pessoalmente, eu realmente gostei. Fica zangado como quiseres. Da próxima vez que eu for dar uma volta e quero parar depois de 7/8km farei um esforço extra...

Recém-formada em Jornalismo, Andrea Sachs chega a Nova York e consegue o emprego dos sonhos como assistente da editora tirânica de uma revista de moda.

David Frankel (Marley & Eu) adapta o romance de Lauren Weisberger. O roteiro foi escrito por Aline Brosh McKenna (Compramos um Zoológico). O filme foi indicado a dois Oscars em 2007, Melhor Atriz (Meryl Streep) e Melhor Figurino.

Como você terá entendido, o tema da moda não vai ser invasivo. Na realidade, isso servirá como um fundo para apoiar a história. Isso poderia ter acontecido em qualquer outra área de trabalho, mesmo que seja verdade que esse ambiente é conhecido por suas derivas.

O ritmo será sustentado na história deste jovem assistente. Em nenhum momento fiquei entediado. Fui facilmente apanhado pela história.

Representará a face cruel do mundo do trabalho. Tive pena da Andrea. Vamos suportar com ela todas as misérias que sua chefe a faz viver.

Este filme se transformará, portanto, em um belo simbolismo de sacrifício pelo serviço. Vale a pena? Até onde podemos ultrapassar o limite? A vida não deve ser limitada a uma vida monótona e rotineira, focada principalmente no trabalho. Querer alcançar os sonhos é muito nobre, mas você não pode aceitar tudo e sacrificar o relacionamento com seus entes queridos. Por fim, mesmo que às vezes eu risse, estamos mais diante de um drama do que de uma comédia na minha opinião. Há um significado profundo.

Quero saudar as sublimes atuações das atrizes. A grande Meryl Streep mostra a extensão de sua graça. O charme desajeitado de Anne Hathaway é bastante irresistível, ela tem um espírito tocante. O elenco secundário é igualmente qualitativo com Emily Blunt e Stanley Tucci.
É um filme que pode ser visto várias vezes com o mesmo prazer.
Mais do que esperar que o 2 respeite este universo e que encontremos o mesmo espírito que o 1.

O dispositivo narrativo de Good Luck, Have Fun, Don't Die é mais sutil do que parece. O filme não joga na repetição dos loops de tempo para criar uma vertigem no dia que nunca acaba, nem procura pesar a contagem regressiva desta 117º tentativa e possível tentativa final. A urgência é levantada, afirmada, mas raramente sentida. Esta escolha estrutural, para permanecer ancorado neste presente da última chance sem realmente fazê-lo sentir o peso, é tanto um limite e uma intenção. O que importa menos aqui é o cronômetro que deixamos encaixar antes de começar a girar.

Para contar a história dessa transição para o apocalipse, o realizador opta por uma série de flashbacks que gradualmente revelam a discreta deriva de uma sociedade ocidental baseada inteiramente em digital e hiperconexão. Essas sequências funcionam como mini-episódios no Black Mirror, cada um decorticando uma faceta de nossa dependência tecnológica, inclusive nos momentos mais íntimos, como o luto. É aqui que o filme é mais preciso, porque não mostra apenas as pessoas agindo de forma estúpida: mostra como a tecnologia caiu em falhas emocionais, quase por solicitude, antes de agarrá-las mais profundamente. O problema é que esses parênteses regularmente quebram o ritmo de uma trama superalimentada para dobrar em si mesmos, diluindo a tensão no momento em que o filme deve se acumular e amplificar.

A inteligência artificial antagonística não é a frieza de cálculo de um HAL 9000. É um reflexo distorcido da humanidade em vez de um carrasco de outro lugar, e é aqui que a referência a Romero e A Noite dos Mortos-Vivos assume seu pleno significado: o perigo vem de dentro, ele carrega nossa face. O apocalipse não é, portanto, uma invasão, é uma capitulação progressiva e consentida, que começa desde cedo.

É aqui que a Boa Sorte, Divirta-se, Não Morra, esteja em seus próprios limites. O filme corre o risco de parecer um cinema boomer que repreende a geração Z e seu uso indevido de telefones celulares. Um olhar um pouco saliente que aponta os usuários sem questionar o sistema que os fez, que carrega as vítimas sem realmente designar as corporações com fome de lucro que inventaram essa dependência. Ele é meio-feito, graças a uma auto-depreciação suficiente para não ser reduzido a uma lição de moral.

O fato é o realizador consegue propor uma aventura divertida no nosso presente que nos escapa mais rápido do que pensamos. O tempo passa e é frequentemente desperdiçado, começando com esse consentimento silencioso para a desconexão emocional em um mundo hiperconectado. Em nossa maneira de rolar sem parar, podemos finalmente ver o loop em tempo real do filme. Não aquele que Sam Rockwell procura desesperadamente quebrar, mas aquele em que nos trancamos, sem ser forçado a dar as mãos.
No final, é um trabalho intrigante, ousado, mas muito desordenado para marcar de forma sustentável. Uma curiosidade que merece ser descoberta.

Dada a infinidade de filmes biográficos musicais (bem sucedidos como perdidos) que o cinema nos serviu nos últimos anos, era bastante lógico que o Rei do Pop também acabasse tendo seu próprio filme.

A história consegue equilibrar gênio público e rachaduras privadas, tornando a jornada do personagem tão fascinante quanto crível.
A profundidade psicológica de Michael é bem transcrita: o filme explora finamente suas dualidades e feridas de infância, o que dá uma humanidade pungente ao seu personagem. É bom porque o filme mostra que cantar é para ele uma maneira de dar o amor que ele nem sempre recebeu. Esta busca pelo reconhecimento é bem tratada e explica por que ele se tornou uma Lenda mundial.

Sua relação com o Jackson Five é muito fidedigno: o filme retrata realisticamente a dinâmica fraterna, misturando a unidade do grupo e as tensões internas, tornando seu sucesso mais autêntico.
Suas canções trazem um poder narrativo essencial: não são meros interlúdios, mas refletem seus humores e pontuam sua evolução como um vinho.
Seus sacrifícios são bem executados: o filme mostra com precisão o preço da fama e a renúncia a uma vida normal, o que torna sua ascensão tanto heróica quanto trágica.
Suas escolhas se beneficiam de um aprimoramento notável, ilustrando a determinação do personagem e ancorando suas ações no coração das questões da história.

A relação com Bubbles (Seu Chimpanzé de estimação) é encenada como um refúgio emocional: ilustra com precisão a necessidade de inocência de Michael, tornando o macaco um verdadeiro confidente no meio de um mundo de pressão.
Seus anos solo se beneficiam de poderoso processamento narrativo, destacando o surgimento de seu gênio criativo e a ascensão de um ícone planetário.

A sequência onde ele percebe que a gravidade de suas queimaduras atua como uma verdadeira mudança psicológica: altera radicalmente sua percepção de si mesmo e marca um ponto de virada irreversível em seu relacionamento com sua imagem.
Há uma verdadeira determinação carismática em sua jornada. Michael não quer apenas cantar, ele impõe sua visão com confiança, o que fortalece sua credibilidade.
Joseph Jackson é retratado como um personagem frio e distante. Isso lhe dá alívio ao seu caráter. O filme atinge a complexidade de seu relacionamento, permanecendo demais na superfície sobre as tensões e a influência real que Joseph teve em sua vida. Isso reduz o impacto emocional do filme, pois não se entende completamente a origem de suas feridas ou o que forjou sua persona.

Esta cinebiografia presta uma digna homenagem vibrante a esta Lenda, como os grandes filmes sobre Bruce Lee, capturando a própria essência de seu gênio e seu impacto no mundo.
A cinebiografia nos faz entender que o sucesso de Michael é inseparável de sua perseverança. Não é um presente gratuito, é uma luta de cada momento. Este tratamento realista mostra que por trás de cada passo de dança perfeita, há mil quedas e determinação inabalável.

Jaafar Jackson interpreta o artista tão bem e ele se parece tanto com seu tio, os efeitos do vitiligo são bem tratados, o que traz profundidade. Isso tem um impacto na sua imagem e carreira. Também uma menção para Juliano Valdi, que interpreta Michael durante o período “Jackson 5”, também super convincente. Gosto da iluminação, da cor e dos trajes extremamente fiéis à realidade. As coreografias, é claro, e o fato de ter visto o filme em uma sala com um bom som, é realmente ótimo para a música e as cenas de apresentações lendárias que me transportaram. É uma experiência jubilosa e comovente.

Em 2022, Hans Niemann, streamer estadunidense e Grande Mestre de Xadrez (Título vitalício, criado em 1950, concedido pela Federação Internacional de Xadrez aos enxadristas profissionais) Chocou o mundo dos enxadristas após a vitória contra o número 1 do mundo, o norueguês, Magnus Carlsen. Onde as alegações de trapaça sacudiram com a mídia global e a internet foram desencadeadas pelas teorias da conspirações, que se seguiram a Hans até sua conta ser banida do Chess.com.
No auge da Copa, Niemann terminou o dia com uma entrevista indiferente, dizendo a todos que “o xadrez fala por si”. No entanto, algo não ficou bem com Carlsen após a derrota.

O documentário se concentra na edição original e, em seguida, nas próprias opiniões de Niemann em torno da suposta conspiração de Carlsen com o chess.com e outros integrantes principais do mundo do xadrez. É uma história interessante, e também extremamente insana porque as alegações e acusações parecem que estão fora de um tópico do Reddit. Há muitas discussões políticas no filme que serão muito interessantes, especialmente quando outros figurões de xadrez se juntarem à conversa. É uma discussão bizarra, sem dúvida.

O drama é abundante no filme, e eu acho que os criadores fazem isso de propósito para torná-lo mais do que provavelmente era. Prospera no puro absurdo e na escala do drama. A rivalidade entre os dois homens em mãos também é bastante agradável de assistir ao jogo na tela.

No entanto, isso é quase tanto quanto o documentário traz para a mesa porque não apresenta nada de novo ou mesmo concreto na nossa frente, contando com perspectivas conflitantes e as próprias interpretações dos espectadores sobre eles.
A complexidade real, incluindo a psicologia, os dados e detalhes omitidos cruciais, são deixados de lado. Em um jogo definido por profundidade e precisão, essa produção parece uma oportunidade perdida e que soma a uma versão de eventos que parecem incompletos.

Parte disso decorre do fato de que a história em si é excepcionalmente emocionante e inconclusiva. A verdadeira percepção é o quão rápido o mundo decide quem você é e o mundo do xadrez escolheu um vilão, destruiu-o, depois, aos 45 do segundo tempo, admitiram silenciosamente que estavam errados.

O realizador norueguês, Kristoffer Borgli, constrói com O Drama um dispositivo de eficiência formidável: um casal preenchido, uma semana antes de seu casamento, vê seu equilíbrio vacilar após um evento inesperado. Tudo parece então reunido para um drama sentimental clássico. E, no entanto, muito rapidamente, o filme escolhe uma direção mais arriscada.

Porque a história se abre com uma leitura frontal, quase perturbadora no contexto atual: a de uma mulher apresentada como a fonte do desequilíbrio do casal. O filme não esconde essa orientação, ele assume. E isso é precisamente o que é analisado. O espectador é colocado em uma posição desconfortável, como se ele aderisse a uma interpretação que ele conhece, de certa forma, problemática. Este desconforto não é um acidente; está no coração desta obra.

A partir daí, o filme coloca em prática um mecanismo de grande finesse. Esta primeira leitura, que parece impor-se, torna-se gradualmente instável. Sem nunca contradizê-lo frontalmente, a narrativa funciona, a rachadura da relação, move-o. O que parecia óbvio deixa de ser, não pelo efeito da revelação brutal, mas por uma mudança contínua que reconfigura a relação entre os personagens.

Neste movimento, o desempenho de Robert Pattinson em mais uma atuação notável. Aqui ele encarna uma figura de homem desconstruída, recuada, quase flutuante, mas cuja presença é ainda mais perturbadora. Seu jogo é baseado em uma economia de meios que dá ao personagem uma densidade inesperada. De Crepúsculo a The Batman, Pattinson tem constantemente movido sua imagem; ele encontra aqui uma forma mais frágil, mas igualmente poderosa.

O que torna o drama particularmente interessante é a maneira como ele brinca com nossos próprios olhos. Ao nos fazer aderir a uma leitura inicial, e depois gradualmente revelar os limites, o filme constrói uma experiência que decorre tanto da análise quanto da narrativa. Não é mais apenas uma questão de seguir uma história, mas de experimentar a fragilidade do que pensamos que entendemos.

O resultado é um trabalho particularmente controlado, cuja progressão é baseada em um deslocamento contínuo do ponto de vista. O roteiro preciso, uma encenação contida e um jogo de atuação de grande precisão dão ao filme uma rara coerência.

O Drama estabelece-se assim como um filme que, sob a aparente simplicidade de um drama apaixonado, coloca em crise a nossa obviedade transformando uma leitura perturbadora em um verdadeiro motor narrativo.

A eternidade é muito longa para ter arrependimentos.Se a vida é cheia de possibilidades, o mesmo pode ser dito da vida após a morte com os mortos que têm a escolha entre muitos mundos que eles não poderão deixar depois de tomar sua decisão.

Para Joan (Elizabeth Olsen), a escolha é ainda mais corneliana, porque ela deve escolher entre seus dois maridos... O realizador, David Freyne, portanto, não dá descanso aos mortos com dilemas, mesmo na outra vida. Ele nos apresenta um universo amplo sem nos fazer navegar, o que eu achei muito frustrante.

Há certamente o regulamento, mas que pena não visitar esses mundos loucos. Uma exploração que poderia ter acrescentado um pouco de loucura e humor a este romance muito artificial.
Joan certamente está perturbada e dividida, mas não há faíscas com Larry (Miles Teller) ou Luke (Callum Turner). Isso torna esse dilema diretamente menos envolvente. Quando você vê o que os dois coordenadores da pós-vida trazem, incluindo a personagem de Da'Vine Joy Randolph (Os Rejeitados 2023), é lamentável ter tudo apostado neste presumível romance.

Em suma, um conceito bom e original que é reduzido a um triângulo amoroso banal e previsível.

Super Mario Galaxy é um filme realmente ótimo que vai atrair tanto fãs de longa data quanto para recém-chegados.

Neste filme, encontramos muitas referências aos jogos antigos e ao primeiro, seja nos sets, na música, nos personagens ou em alguns dos vilões. Esses pequenos detalhes tornam a aventura ainda mais divertida e mostram que os criadores realmente pensaram nos fãs.

A maneira como Yoshi é mostrado neste filme é realmente ótimo. É bastante agradável, com animações muito fluidas e um design que faz você querer vê-lo na vida real, ou de pelúcia. Sentimos que os criadores colocaram muito cuidado para que Yoshi seja um personagem vivo e cativante na aventura.

Os efeitos visuais são impressionantes. Cada planeta que visitamos é um verdadeiro show com luzes, estrelas que brilham e animações que tornam a coisa toda muito viva. Realmente faz você querer imergir nesse universo.

A música é realmente ótima. Ela acompanha perfeitamente a aventura com cenas que fazem você querer ver mais, que tornam os momentos calmos ainda mais doces, e que tornam as cenas importantes ainda mais fortes. A trilha sonora é uma verdadeira vantagem que torna o filme imersivo.

A história em Super Mario Galaxy é simples, mas bem desenvolvida. É uma verdadeira aventura com personagens que amamos e momentos que nos prendem na ponta dos pés. Dá vontade de continuar.

Você não pode ver o tempo passando. Estamos tão envolvidos na história, na música e nas imagens que sentimos que voltamos à infância. É um verdadeiro momento de sonho e fuga onde você esquece todo o resto.

Pequena nota sobre o final que é simplesmente excepcional e bonito.

7 meses se passaram desde o retorno de Danny Boyle em junho de 2025 com Extermínio: A Evolução, sua sequência muito tardia (17 anos após a última parte da franquia) que teria merecido se chamar em sua versão original, "28 anos tarde demais", já que o último havia se mostrado decepcionante em alguns aspectos.

Esta segunda parte desta trilogia foi filmada na continuidade da anterior, desta vez, a diretora americana Nia DaCosta, nos controles. Encontramos os principais protagonistas da opus anterior (pelo menos, aqueles que ainda estavam vivos), nomeadamente Jimmy Crystal e a sua camarilha, Spike, Dr. Ian Kelson e Sansão (O zumbi macho Alfa).

No lado da narrativa, é um quebra-cabeça. Embora o anterior tenha sido terrivelmente longo para configurar, esta sequência (ainda tão longa) se permite abusar de cenas contemplativas e sub-intrigas que não levam muito adiante. Mas surpreendentemente, eu tenho que admitir: Gostei muito de todo o jogo com Jimmy Crystal (enquanto eu esperava o pior, descobrindo-o no clímax do filme anterior). Este caráter totalmente azimute, mitomânico e sádico prova ser suficientemente alegre para entrar em seu delírio. Ao contrário da parte entre o Dr. Ian Kelson e Sansão, entre o absurdo e intuição, estupidez e ignorância, fé e ciência. Para adicionar tanto a magnífica atuação dos atores eles que nos enojam, nos assustam ou nos tranquilizam. Uma suntuosa performance de Ralph Fiennes que nos eletrifica de seu carisma e energia, em destaque.

Em última análise, Extermínio - O Templo dos Ossos prova ser menos original (e limítrofe) do que o anterior (o que não é pior), mas consegue fazer melhor. Denunciar derivas sectárias foi uma ideia interessante, mas é à custa de zumbis (que quase não vemos mais) e concernente ao delírio com morfina, não apreendi muito o interesse (bem se, mas achei em vão).
Também nos reservará uma pequena surpresa que é a cereja do bolo e nos faz querer ver ainda mais esse hipotético terceiro episódio.

Fui assistir a "Devoradores de Estrelas" sem ter visto um único trailer, e recomendo que você faça o mesmo.
Diante das críticas iniciais muito positivas, fui ao meu cinema de costume com a simples esperança de ver um bom filme de ficção científica, um gênero do qual gosto bastante. E que prazer foi assistir a um blockbuster original, honesto e sincero.

Quanto à originalidade, trata-se de uma adaptação de um livro, então não há roteiro original, mas é original no sentido de que a experiência que oferece não pode ser considerada "já vi isso antes". Você verá referências a clássicos da ficção científica, mas o filme tem sua própria identidade e extrai todo o seu charme disso.

A dupla de diretores demonstra um talento inegável nesse gênero de ficção científica com uma direção fluida, elegante e envolvente. A cinematografia também é impressionante, particularmente durante as cenas espaciais, especialmente a cena ao redor do planeta, que oferece algumas vistas panorâmicas verdadeiramente fantásticas.
Ryan Gosling claramente se diverte, e esse personagem descontraído, que encara tudo com humor, combinando perfeitamente com ele.
Rapidamente nos apegamos a ele e entendemos que esse humor é uma espécie de escudo para protegê-lo de uma realidade que pode ser bastante dura.

Uma desvantagem talvez seja a falta de uma linha do tempo clara. Não sabemos quanto tempo o personagem passa tentando encontrar uma solução. Embora a história se torne cada vez mais intensa e envolvente, faltam eventos impactantes e memoráveis.

Me senti verdadeiramente cativado pela história e tocado por essa amizade improvável que transcendeu palavras e limites éticos. A trilha sonora consegue transmitir seriedade e momentos mais sombrios quando necessário. Além disso, o humor, representado pelo diálogo entre os dois heróis em sua nave espacial, está bem integrado ao filme.

Em última análise, é uma ótima aventura espacial. "Devoradores de Estrelas" é definitivamente o tipo de filme que se aprecia melhor no cinema. Adequado para um público amplo, as crianças também vão gostar. Não é particularmente memorável, mas recomendo este filme como uma opção de entretenimento legal e divertida.

Com A Noiva!, Maggie Gyllenhaal desconstrói o mito da Noiva de Frankenstein, transformando-o em uma fábula gótica, punk e resolutamente excessiva. A Noiva não é mais uma criatura criada para o amor: ela grita, se rebela e se recusa a ser uma fantasia.

O filme dialoga abertamente com Coringa: Loucura a Dois: a mesma figura de um herói solitário e marginalizado se apaixona por uma mulher perturbada com quem foge. Essa conexão é reforçada pelo fato de os dois filmes compartilharem o mesmo diretor de fotografia e compositor. Encontramos também ecos de Bonnie e Clyde, uma mistura de romance criminoso e fuga desenfreada. A dimensão noir se funde ocasionalmente com elementos de um filme de máfia ou um musical, com uma Criatura fascinada por esse gênero.

A escolha de ambientar a história em 1930 não é insignificante. Ela oferece uma referência histórica ao Frankenstein original de 1931 e à era de ouro dos musicais. Mas, acima de tudo, a história está enraizada em uma sociedade rígida e patriarcal, onde cada gesto da Noiva se torna um ato de rebeldia, conferindo ao filme uma dimensão explicitamente feminista.

As personagens femininas inicialmente parecem ofuscadas por seus pares masculinos: tanto a Noiva quanto o investigador parecem definidos por homens e relegados a papéis secundários. Mas o filme acompanha sua emancipação gradual: elas retomam o controle, afirmam sua vontade e impõem suas vozes à narrativa.

Jessie Buckley personifica essa energia com uma atuação física, explosiva e intensa, provando que o Oscar que ela ganhou por Hamnet não foi por acaso. Em contraste, Christian Bale oferece um contraponto mais melancólico e introspectivo. A parceria entre os dois funciona particularmente bem graças a um forte contraste, alimentando uma tensão constante entre atração e repulsa.

Visualmente, o filme impressiona por seu mundo barroco e mitológico. A recriação estilizada da América dos anos 1930 é impressionante, especialmente a vibrante Times Square. Os figurinos combinam autenticidade de época com exagero, acentuando a rebeldia e a identidade das personagens, enquanto a maquiagem e as transformações contribuem para a atmosfera gótica e operística.

No entanto, o roteiro revela suas limitações. A investigação carece de tensão e progressão crível, enquanto a subtrama da máfia permanece anedótica. O acúmulo de tramas e temas acaba por sobrecarregar uma narrativa que se beneficiaria de uma maior concisão. O comentário feminista e social por vezes carece de sutileza. A natureza desconexa e sobrecarregada do filme deve-se, sem dúvida, às refilmagens a que foi submetido: a obra transborda ideias e invenções visuais, mas tudo parece, por vezes, comprimido.

Apesar dessas ressalvas, A Noiva! permanece uma obra cinematográfica verdadeiramente generosa. Suas mudanças de tom podem ser perturbadoras, mas também contribuem para sua energia ilimitada. É um filme controverso, caótico, porém vibrante, que nos lembra o quão deslumbrante o cinema pode ser quando ousa fazer qualquer coisa.

É um verdadeiro prazer ver a Pixar retornar com um filme original, mesmo que o estúdio sempre tenha, até agora, privilegiado filmes originais ou sequências de alta qualidade. De qualquer forma, aqui o estúdio volta com um dos temas que mais nos intrigam: a ecologia.

Para impedir a construção de um desvio rodoviário que destruiria parte do ecossistema local, uma jovem ativista se transforma em um castor robô (o contexto seria longo para explicar, mas faz sentido). Ela então percebe que os animais vivem em uma sociedade organizada segundo regras muito específicas. Sim, sim, é muito parecido com "Avatar", inclusive o filme reconhece isso e brinca com a semelhança. O filme também pode lembrar "Robô Selvagem" em seus temas, mesmo que não seja exatamente o mesmo tipo de loucura.

O filme também tem alguns momentos bastante tocantes. Há uma verdadeira sensação de emoção que emana desta obra. É aqui que a Pixar, como de costume, conquista tanto crianças quanto adultos. "Cara de Um, Focinho de Outro" é rico em temas e mensagens simples, porém eficazes. Certamente aborda a ecologia, mas mais especificamente a ideia de ouvir a natureza, dedicar tempo a ela e saborear os silêncios. Por outro lado, embora eu tenha adorado o início de "Jumpers", devo dizer que há uma certa monotonia no meio. Há também alguns artifícios de roteiro convenientes, que, no fim das contas, acabam carecendo de surpresas e reviravoltas realmente inesperadas.

Em última análise, "Cara de Um, Focinho de Outro" é um filme da Pixar gratificante, criativo e dinâmico. É um deleite, e eu me diverti muito descobrindo-o. É um entretenimento familiar relaxante, imperdível para o terceiro mês de 2026.

No espírito fantasioso e ecologicamente consciente característico do Studio Ghibli, esta encantadora fábula bucólica, belissimamente animada, do primeiro filme Ghibli que não foi dirigido pelo mestre Hayao Miyazaki (embora ele tenha escrito o roteiro). O Mundo dos Pequeninos. Fará muitos sonharem. O tema íntimo da amizade entre um humano e uma personagem que eles não deveriam encontrar é tratado com certa poesia.
É sempre com um toque de encantamento que recebemos cada novo filme de animação do Studio Ghibli, o realizador revela uma história encantadora com um pano de fundo de ecologia e tolerância.

O Mundo dos Pequeninos é fascinante por criar um mundo em miniatura, que reflete sua heroína, de incrível riqueza, onde os sentidos da visão e da audição são deliciosamente estimulados. Arrietty, a jovem curiosa, entusiasmada, generosa e responsável, personifica a pura tradição das heroínas de Miyazaki. Seu relacionamento com Sho, um humano da mesma idade, é absolutamente encantador, equilibrando emoções e desafios. Os traços simples da animação e as cores variadas são um deleite para os olhos nesta era digital. A música com toques celtas completa o charme atemporal. Se você gosta de fábulas naturais e da pureza das relações humanas, O Mundo dos Pequeninos tem algo que lhe encantará.

Em última análise, o filme apresenta um mundo muito interessante, e a imersão na vida desses pequenos seres é, no geral, totalmente bem-sucedida. Além disso, embora a natureza do final seja louvável (nada de um final feliz típico), seu tom quase fatalista deixa uma sensação de incompletude, já que Arrietty, no fim das contas, correu poucos riscos. Em resumo, este é um filme do Ghibli que não é particularmente inesquecível, mas não necessariamente entediante. Contudo, sua atmosfera poética certamente encantará muitos.

Sidney Prescott reconstruiu sua vida longe de Woodsboro e tudo parece estar indo bem até o dia em que um novo Ghostface aparece e revive memórias terríveis. Sidney terá que confrontar os demônios do seu passado se quiser ter alguma chance de proteger sua filha…

Três anos após o decepcionante Pânico VI (2023), o famoso Ghostface está de volta com este sétimo filme, que nada mais é do que uma tentativa sutil de agradar os fãs originais. Isso explica o retorno de Neve Campbell, bem como de vários rostos familiares da franquia
O principal defeito do filme reside na falta de surpresas e suspense. A trama segue uma trajetória linear e previsível, o que enfraquece significativamente o impacto emocional e a tensão narrativa. Enquanto a franquia anteriormente conseguia brincar e subverter as convenções do gênero slasher, este episódio parece reciclar recursos narrativos já utilizados, sem qualquer ousadia ou inovação.

O retorno de atores icônicos, embora apreciado pelo apelo nostálgico, parece mais uma estratégia de marketing para satisfazer os fãs do que um elemento necessário para a trama. Essas participações, embora ocasionalmente interessantes, têm dificuldade em enriquecer a história e, por vezes, parecem desconectadas do desenvolvimento narrativo geral.

Quanto às cenas de assassinato, seu impacto visual e emocional é irregular. Uma sequência em particular se destaca pela originalidade e eficácia, mas, no geral, a direção carece de intensidade e criatividade, elementos fundamentais para a identidade visual e narrativa da saga. Além disso, certas inconsistências, principalmente uma cena crucial envolvendo o acesso a um código confidencial, enfraquecem a coerência interna da história e a credibilidade geral.

Em suma, Pânico 7 não consegue renovar a fórmula narrativa nem recapturar a tensão e o meta-intelectualismo que tornaram a franquia tão bem-sucedida e única. É uma oportunidade perdida para um episódio que tinha potencial para revitalizar a saga e reacender o interesse do público.

Acho que todos nós já pensamos em ficar presos em uma ilha deserta. Seja pensando em quais cinco álbuns/filmes/livros levaríamos, ou se conseguiríamos sobreviver com base em nossas habilidades/quanto aprendemos assistindo a Náufrago, Triangulo da Tristeza e Lost, mas duvido que algum de nós já tenha encarado uma ilha deserta como uma forma de vingança. Mas esse é exatamente o conceito de Socorro! , o novo filme de Sam Raimi.

Há um motivo para a publicidade usar " A Morte do Demônio" e "Arraste-me para o Inferno" como exemplos dos trabalhos anteriores de Raimi, em vez de filmes como "Homem-Aranha" ou "Doutor Estranho no Multiverso da Loucura" . Sua inclinação por injetar humor negro em seus filmes e encontrar maneiras de espalhar coisas em seus atores está totalmente presente aqui, o que torna o filme muito mais divertido.

No entanto, provavelmente seria tão divertido mesmo sem os toques de Raimi, graças às atuações dos protagonistas. O'Brien está brilhantemente afetado como Bradley, canalizando aquela energia de "cara descolado" tão bem, mas também demonstrando o que parece ser um remorso genuíno após aceitar a situação em que se encontram.

É claro que é McAdams quem domina este filme. Sua transformação de uma tímida funcionária de escritório em uma verdadeira Bear Grylls Jr. é hilária. Ela atinge em cheio aquela parte de nós que sempre quis se vingar de alguém que achamos que merece, mesmo que, pensando bem, talvez não mereça.

O principal objetivo de Socorro! é entreter, mas o filme sutilmente transmite a mensagem de que é possível mudar para melhor, por mais que a pessoa resista. Além disso, há muitos momentos grotescos e desagradáveis envolvendo diversos fluidos corporais, que me fizeram sentir um certo desconforto (no bom sentido). A equipe de maquiagem fez um ótimo trabalho com os dois protagonistas. A única grande crítica ao filme é a artificialidade dos efeitos visuais. A queda do avião e até mesmo partes da ilha parecem artificiais. Embora tenha havido um momento em que Linda estava caçando um animal na floresta que me fez agradecer pelos efeitos visuais toscos daquela cena, pois isso diminuiu a pena que eu sentia por sua presa.

Socorro! dá um novo toque a uma história já bastante conhecida, tornando-se o primeiro filme do ano que você pode realmente chamar de sensacional. Além disso, os mais atentos podem até notar a participação especial de Bruce Campbell (Pai de Bradley), amigo e colaborador de longa data de Raimi.

As reviravoltas narrativas em Socorro! não significam que seja uma experiência cinematográfica altamente assistível, feita para ser vivenciada por uma plateia capaz de estremecer. O'Brien e McAdams são dois atores que conseguem encontrar verdades emocionais em seus personagens, mesmo incorporando traços idiossincráticos que parecem totalmente originais. Socorro! não entrará para a história como uma das maiores conquistas de Raimi, mas demonstra que ele está de volta à sua zona de conforto.

Existe um tipo específico de eletricidade cinematográfica que surge apenas de vez em quando. É aquela que crepita sob a pele, acelera o coração e faz você se sentir como se estivesse assistindo a algo perigoso e vivo. Marty Supreme, habita esse espaço raro. É caótico, exaustivo, engraçado e inesperadamente sincero. Também é profundamente frustrante de maneiras que parecem intencionais, e não acidentais, o que, em parte, o torna tão fascinante de se refletir muito depois dos créditos finais.

No centro de tudo está Timothée Chalamet, que entrega uma das performances mais ferozes de sua carreira. Não é seu personagem mais simpático. Não é seu trabalho mais contido. Mas certamente um dos mais vibrantes. Há uma sensação de que ele não está apenas interpretando Marty Mauser, mas sim emanando dele. Marty é o tipo de personagem que já entra convencido de sua própria lenda futura, mesmo quando ninguém mais na sala faz ideia de quem ele seja. Ele é ridículo e magnético na mesma medida. Chalamet se entrega a essa contradição com total comprometimento, jamais se desculpando pelo ego, pela ambição ou pela determinação implacável de Marty.

A premissa em si soa quase absurda no papel. Um homem em busca da glória no mundo do tênis de mesa competitivo. No entanto, o realizador trata esse mundo com a mesma intensidade e seriedade que outros cineastas reservam para ringues de boxe ou campos de batalha. Os antros subterrâneos onde Marty aprimora sua técnica parecem perigosos, abafados e carregados de tensão. A iluminação oscila como um mau presságio. O ar parece denso de desespero. Quase se pode sentir o cheiro do carpete velho e do suor nervoso. É nesses espaços que o filme encontra seu pulso e sua personalidade.

O que faz de Marty Supreme algo mais do que um mero exercício de volume e velocidade é a forma como questiona a mitologia da ambição. Este não é um filme esportivo convencional sobre triunfo. É um filme sobre a ilusão como combustível. Sobre como o sonho americano pode ser tanto uma motivação quanto uma armadilha. Marty almeja a grandeza não porque ela lhe trará paz ou propósito, mas porque não consegue se imaginar sendo outra coisa. Há algo de trágico nisso, mesmo nos momentos mais cômicos do filme.

Há também momentos em que o filme parece longo demais, especialmente no meio, mas mesmo assim raramente perde sua força. Quando funciona, é como estar preso a um fio desencapado.

Em última análise, Marty Supreme é uma montanha-russa de emoções. Não se trata apenas de tênis de mesa ou competição. Trata-se da ideia aterradora e inebriante de construir toda a sua alma em torno da necessidade de ser visto. E questiona, silenciosamente, mas com firmeza, o que resta quando o barulho se dissipa. Você pode não amar. Pode até não gostar às vezes. Mas você sentirá. E, às vezes, isso é mais do que suficiente.

Com Hamnet, Chloé Zhao adapta o romance de Maggie O'Farrell, focando-se num evento aparentemente insignificante na história, mas imenso a nível humano: a morte de Hamnet, o único filho de William Shakespeare. O filme nunca tenta explicar ou teorizar sobre o dramaturgo. Despoja-o do seu estatuto monumental, reduzindo-o a uma condição profundamente humana: a de um pai confrontado com uma perda irreversível. Esta abordagem íntima permeia cada plano, cada silêncio, cada respiração da narrativa.

Ambientada no final do século XVI, a história acompanha um casal dividido entre o enraizamento e o distanciamento. Agnes, a figura central do filme, é filmada como uma força orgânica, quase primordial, diretamente ligada à natureza e aos ciclos da vida. Em contraste, William surge mais frágil, muitas vezes distante, incapaz de partilhar plenamente a mesma dor. Chloé Zhao evita o sentimentalismo barato, preferindo deixar o tempo desenrolar, permitindo ao espectador sentir em vez de compreender.

A adaptação cinematográfica distingue-se pela forma como transmite sentimentos íntimos sem recorrer a explicações. Paisagens, luz e texturas tornam-se veículos emocionais. O luto nunca é explicitamente declarado; ele é vivenciado. A suposta ligação entre a morte de Hamnet e a escrita de Hamlet é abordada apenas como uma hipótese poética, nunca como um fato histórico. O filme abraça plenamente essa liberdade, preferindo a verdade emocional a qualquer demonstração factual.

Um dos gestos mais poderosos de Hamnet reside na sua representação do teatro. A cena no Globe Theatre marca uma mudança fundamental: o luto deixa a esfera privada para se tornar uma experiência coletiva. O público, filmado como uma comunidade viva, recebe e compartilha a emoção. A arte, então, deixa de ser um refúgio individual e se torna um ato social, quase espiritual. O teatro surge como um lugar de transmutação, onde o amor e a morte coexistem sem contradição.

Sustentado por atuações notavelmente sutis, principalmente de Jessie Buckley e Paul Mescal, o filme encontra uma força rara em sua contenção. Chloé Zhao filma o vazio, a espera, o indizível, e consegue fazer o silêncio ressoar. Hamnet não é um filme sobre o nascimento de uma obra-prima, mas sobre a necessidade vital de criar para continuar vivendo. Uma obra profunda, humilde e comovente que nos lembra que a arte não apaga a dor, mas que às vezes nos permite respirar novamente.

A Sony está completamente fora de controle com este filme de Anaconda, que não é um reboot, nem uma sequência, nem nada além de uma brincadeira pura com uma franquia abandonada há anos.

Uma comédia totalmente metalinguística (o filme sabe que é um filme, sabe que é absurdo e faz referência a muitos elementos de nossas vidas reais), a fórmula funciona?
Para os críticos, senso de humor é a característica mais rara do mundo. Claro, existem algumas imperfeições, mas conheço poucos filmes que sejam completamente isentos delas.
Dito isso, é um filme divertido, com ótimas atuações, baseado em personagens quase caricaturais, mas que, mesmo assim, são cativantes, e esse grupo de fracassados, liderados por Jack Black e Paul Rudd formando uma dupla perfeita, tentando fazer um filme bastante carismático.
Os efeitos especiais certamente poderiam ser melhorados se você assistir ao filme com uma lupa, mas eu não me concentro muito nisso, e para mim, eles servem à história, e isso é o que importa.
Eu simplesmente me diverti assistindo a este filme e ri bastante com o humor situacional e a mesquinhez dos personagens, e era isso que eu queria compartilhar com vocês.

Agora, cabe a vocês julgarem. Mas você não perderá tempo nem dinheiro se for assistir a este filme um tanto exótico, engraçado e cativante.

Aparentemente, eu era uma das poucas pessoas que não tinha lido o livro e mal ter visto o trailer. Fui assistir ao filme porque o elenco me atraiu, e com razão: o trio principal é excelente.
Um gênero que talvez tenha um nome que eu desconheça, que eu chamaria, na falta de um termo melhor, de suspense psicológico doméstico, já que se passa em uma casa nada agradável, onde todos os clichês e estereótipos da família americana estão lá e uma jovem que vive uma vida precária tem um sonho bom demais para ser verdade.

Obviamente, desde o início, você fica na expectativa de descobrir o que vai dar errado, e admito que só percebi a reviravolta bem tarde. Por um instante, pensei que estava assistindo a uma espécie de Cinquenta Tons de Cinza e Desperate Housewives.
Além disso, o filme pega emprestado o desfecho de outro fiasco: o trauma de infância do homem inseguro que, na verdade, é um bom sujeito reprimido pela mãe.

No final, a mensagem feminista parece exagerada quanto a policial. Precisamos lembrar a todos que homens não são todos detestáveis, ao contrário da teoria absurda propagada pelo feminismo extremista. Perversão, loucura e maquiavelismo não são uma questão de gênero, mas de personalidade e psicologia. No entanto, embora não devamos generalizar e sem sermos sexistas, é verdade que, na realidade, a maioria dos agressores são maioria das vítimas de abuso são mulheres.

Em última análise, A Empregada não revoluciona, mas cumpre seu papel. Segundo especialistas na indústria cinematográfica, bastante fiel ao material original. A reviravolta no meio, que muda completamente o rumo da história e desencadeia uma série de surpresas até o final, torna tudo ainda menos divertido. Todos os personagens são tão caricatos, as situações tão implausíveis, o gore tão sangrento, que você acaba se perguntando se deve aceitar tudo ao pé da letra ou com uma pitada de ceticismo, se deve rir ou chorar.

Para o meu primeiro filme de 2026 esperava um thriller com ambições realmente assertivas, porém é uma obra que se torna explicativa demais para uma história que precisava impactar, perturbar, realmente prender o espectador nessa casa que mais parece uma prisão, pela qual ele apenas passa como um mero visitante. Assistível, mas você sai com a impressão persistente de uma oportunidade perdida.

Com Faça Ela Voltar, os irmãos Philippou de Fale Comigo (2023) entregam um filme de terror íntimo, visceral e profundamente humano. Longe de truques baratos ou sustos previsíveis, eles criam um drama opressivamente claustrofóbico onde o sobrenatural se infiltra nas fissuras do luto e dos laços familiares rompidos. Piper, uma adolescente com deficiência visual, e seu irmão mais velho, Andy, ficam sob os cuidados de Laura, uma psicóloga cujo comportamento se torna cada vez mais perturbador. Ao redor deles, um menino silencioso, uma casa isolada, fitas de vídeo misteriosas e uma piscina vazia formam as peças de um quebra-cabeça perturbador que lentamente toma forma e lentamente demais para emergir ileso.

O filme ultrapassa os limites da tensão sem jamais recorrer a violência gratuita. Pelo contrário, tudo é transmitido por meio de sugestões, olhares, silêncios e respirações ofegantes. O horror surge do cotidiano, da ausência, daquilo que não pode ser dito. Aqui, o monstro não é uma criatura à espreita nas sombras, mas uma dor avassaladora, a de um luto não resolvido. Laura, interpretada com uma intensidade perturbadora por Sally Hawkins, é uma mulher destruída, em busca de cura, disposta a tudo para recuperar uma ilusão de felicidade. Sua descida ao horror é tão humana que passamos a sentir uma empatia perturbadora por ela.

A grande força de Faça Ela Voltar reside precisamente nessa ambiguidade: nada é totalmente demoníaco nem totalmente inocente. Os efeitos especiais servem à narrativa, nunca gratuitos. Oliver, a criança possuída, torna-se a personificação de uma tristeza tão profunda que consome tudo. A música e o design de som mergulham o espectador em uma constante sensação de desconforto, enquanto a cinematografia de congela a casa em uma frieza quase clínica.

Liderado por um elenco estelar, notadamente a revelação Sora Wong e o carismático Billy Barratt, o filme, em sua maneira, transforma o sofrimento em uma promessa de conforto. Uma entidade aparentemente gentil que sussurra o que queremos ouvir: essa é a verdadeira face da possessão em Faça Ela Voltar. Um sucesso arrepiante e altamente sensorial, que prova que o horror mais poderoso é muitas vezes aquele que fala de amor corrompido.

Em Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out, o cineasta e roteirista norte-americano, Rian Johnson mergulha o requintado Benoit Blanc, mais uma vez interpretado por um Daniel Craig em ótima forma, em uma pequena cidade isolada sob a influência de um padre tirânico, mais um guru do que um verdadeiro homem de Deus. Um personagem arrepiante, brilhantemente interpretado pelo excelente Josh Brolin, que é genuinamente aterrorizante.

Não surpreendentemente, o assassinato desse indivíduo perturbador e detestável está no cerne da trama. E é aqui que este terceiro filme se distingue claramente de seus dois antecessores: a vítima é uma pessoa verdadeiramente desprezível, por quem o espectador não sente absolutamente nenhuma empatia.

Outro elemento diferenciador: Benoît Blanc só entra na história por volta dos quarenta minutos. Toda a primeira parte se concentra no personagem de Josh O'Connor, que nos apresenta à cidade, sua história, o assassinato e a galeria de potenciais suspeitos. Achei essa abordagem muito interessante, e ela permite que Daniel Craig faça uma entrada tardia, porém crucial, depois que todas as apostas já estão claramente estabelecidas.

Como de costume, o elenco é um verdadeiro deleite. Primeiro, ver Jeremy Renner de volta à sua melhor forma após o grave acidente (ele foi atropelado por um limpa-neve) é emocionante para qualquer fã dele. Daniel Craig, Josh Brolin, Josh O'Connor, mas também Glenn Close, Andrew Scott, Cailee Spaeny e Kerry Washington. Uma lista realmente impressionante.
No fim, acho que este terceiro filme é o que mais gostei. Seja pela sua atmosfera gótica, pela sua flertação descarada com filmes de terror em certos momentos, ou pela sua resolução tão improvável quanto inevitável, Wake Up Dead Man se destaca como um grande sucesso aos meus olhos.
É verdade que a sátira à superstição religiosa é equilibrada pela presença de um jovem padre muito simpático, mas ainda assim o filme é agradável. Esta obra nos leva um pouco além das convenções do gênero.
Pequenas imperfeições encantadoras que foram mantidas tornam este filme extremamente agradável.

Após o grande filme que foi o primeiro e sua excelente sequência, que revitalizou o mundo de Pandora e nos trouxe de volta à saga de James Cameron, Avatar 3 se destaca como o mais gigantesco dos três filmes.

Maior e mais épico, uma sequência mais impactante, mas que parece mais um epílogo de Avatar: O Caminho da Água do que uma história independente. Sabemos que Avatar 2 e 3 foram concebidos simultaneamente, como a Parte 1 e a Parte 2.
Só que, James está no auge de sua arte e talento, traçando as linhas entre o bem e o mal e criando um ápice do cinema de ação. É uma pena que, no fim das contas, o roteiro seja mais fraco desta vez, falhando em nos transportar para um território inexplorado (por que usar demais a situação de reféns para tentar criar novas tensões quando há tantas outras opções?).
Senti que a história não progrediu rápido o suficiente em comparação com o filme anterior, e encontramos os mesmos temas: a crítica ao invasor que destrói tudo, a importância de preservar o planeta e a solidariedade entre os povos. Mas, devo admitir, gostei da pequena reviravolta envolvendo o Spider! É provável que ele tenha um papel mais proeminente no próximo filme, o que eu adoraria.
Em resumo, é um modelo de espetáculo e blockbuster que entrega o melhor e nunca parece desconectado, mas serve como um epílogo, concluindo de uma forma um tanto estranha, deixando-nos na incerteza se o quarto e o quinto filmes serão produzidos.
Minha impressão geral é mista.
O filme cumpre seu papel e atende a todas as expectativas. James Cameron dedica tempo aos personagens e termina com uma batalha épica.
Mas eu teria preferido um roteiro mais original e refinado, em vez de uma cópia descarada que não deixa espaço para surpresas ou suspense.

Ainda assim, é muito superior à média dos filmes de Hollywood, e temos um filme coerente, emocionante e incrivelmente impressionante, mesmo que não seja revolucionário.