Diego Ferreira

A eternidade é muito longa para ter arrependimentos.Se a vida é cheia de possibilidades, o mesmo pode ser dito da vida após a morte com os mortos que têm a escolha entre muitos mundos que eles não poderão deixar depois de tomar sua decisão.

Para Joan (Elizabeth Olsen), a escolha é ainda mais corneliana, porque ela deve escolher entre seus dois maridos... O realizador, David Freyne, portanto, não dá descanso aos mortos com dilemas, mesmo na outra vida. Ele nos apresenta um universo amplo sem nos fazer navegar, o que eu achei muito frustrante.

Há certamente o regulamento, mas que pena não visitar esses mundos loucos. Uma exploração que poderia ter acrescentado um pouco de loucura e humor a este romance muito artificial.
Joan certamente está perturbada e dividida, mas não há faíscas com Larry (Miles Teller) ou Luke (Callum Turner). Isso torna esse dilema diretamente menos envolvente. Quando você vê o que os dois coordenadores da pós-vida trazem, incluindo a personagem de Da'Vine Joy Randolph (Os Rejeitados 2023), é lamentável ter tudo apostado neste presumível romance.

Em suma, um conceito bom e original que é reduzido a um triângulo amoroso banal e previsível.

Super Mario Galaxy é um filme realmente ótimo que vai atrair tanto fãs de longa data quanto para recém-chegados.

Neste filme, encontramos muitas referências aos jogos antigos e ao primeiro, seja nos sets, na música, nos personagens ou em alguns dos vilões. Esses pequenos detalhes tornam a aventura ainda mais divertida e mostram que os criadores realmente pensaram nos fãs.

A maneira como Yoshi é mostrado neste filme é realmente ótimo. É bastante agradável, com animações muito fluidas e um design que faz você querer vê-lo na vida real, ou de pelúcia. Sentimos que os criadores colocaram muito cuidado para que Yoshi seja um personagem vivo e cativante na aventura.

Os efeitos visuais são impressionantes. Cada planeta que visitamos é um verdadeiro show com luzes, estrelas que brilham e animações que tornam a coisa toda muito viva. Realmente faz você querer imergir nesse universo.

A música é realmente ótima. Ela acompanha perfeitamente a aventura com cenas que fazem você querer ver mais, que tornam os momentos calmos ainda mais doces, e que tornam as cenas importantes ainda mais fortes. A trilha sonora é uma verdadeira vantagem que torna o filme imersivo.

A história em Super Mario Galaxy é simples, mas bem desenvolvida. É uma verdadeira aventura com personagens que amamos e momentos que nos prendem na ponta dos pés. Dá vontade de continuar.

Você não pode ver o tempo passando. Estamos tão envolvidos na história, na música e nas imagens que sentimos que voltamos à infância. É um verdadeiro momento de sonho e fuga onde você esquece todo o resto.

Pequena nota sobre o final que é simplesmente excepcional e bonito.

7 meses se passaram desde o retorno de Danny Boyle em junho de 2025 com Extermínio: A Evolução, sua sequência muito tardia (17 anos após a última parte da franquia) que teria merecido se chamar em sua versão original, "28 anos tarde demais", já que o último havia se mostrado decepcionante em alguns aspectos.

Esta segunda parte desta trilogia foi filmada na continuidade da anterior, desta vez, a diretora americana Nia DaCosta, nos controles. Encontramos os principais protagonistas da opus anterior (pelo menos, aqueles que ainda estavam vivos), nomeadamente Jimmy Crystal e a sua camarilha, Spike, Dr. Ian Kelson e Sansão (O zumbi macho Alfa).

No lado da narrativa, é um quebra-cabeça. Embora o anterior tenha sido terrivelmente longo para configurar, esta sequência (ainda tão longa) se permite abusar de cenas contemplativas e sub-intrigas que não levam muito adiante. Mas surpreendentemente, eu tenho que admitir: Gostei muito de todo o jogo com Jimmy Crystal (enquanto eu esperava o pior, descobrindo-o no clímax do filme anterior). Este caráter totalmente azimute, mitomânico e sádico prova ser suficientemente alegre para entrar em seu delírio. Ao contrário da parte entre o Dr. Ian Kelson e Sansão, entre o absurdo e intuição, estupidez e ignorância, fé e ciência. Para adicionar tanto a magnífica atuação dos atores eles que nos enojam, nos assustam ou nos tranquilizam. Uma suntuosa performance de Ralph Fiennes que nos eletrifica de seu carisma e energia, em destaque.

Em última análise, Extermínio - O Templo dos Ossos prova ser menos original (e limítrofe) do que o anterior (o que não é pior), mas consegue fazer melhor. Denunciar derivas sectárias foi uma ideia interessante, mas é à custa de zumbis (que quase não vemos mais) e concernente ao delírio com morfina, não apreendi muito o interesse (bem se, mas achei em vão).
Também nos reservará uma pequena surpresa que é a cereja do bolo e nos faz querer ver ainda mais esse hipotético terceiro episódio.

Fui assistir a "Devoradores de Estrelas" sem ter visto um único trailer, e recomendo que você faça o mesmo.
Diante das críticas iniciais muito positivas, fui ao meu cinema de costume com a simples esperança de ver um bom filme de ficção científica, um gênero do qual gosto bastante. E que prazer foi assistir a um blockbuster original, honesto e sincero.

Quanto à originalidade, trata-se de uma adaptação de um livro, então não há roteiro original, mas é original no sentido de que a experiência que oferece não pode ser considerada "já vi isso antes". Você verá referências a clássicos da ficção científica, mas o filme tem sua própria identidade e extrai todo o seu charme disso.

A dupla de diretores demonstra um talento inegável nesse gênero de ficção científica com uma direção fluida, elegante e envolvente. A cinematografia também é impressionante, particularmente durante as cenas espaciais, especialmente a cena ao redor do planeta, que oferece algumas vistas panorâmicas verdadeiramente fantásticas.
Ryan Gosling claramente se diverte, e esse personagem descontraído, que encara tudo com humor, combinando perfeitamente com ele.
Rapidamente nos apegamos a ele e entendemos que esse humor é uma espécie de escudo para protegê-lo de uma realidade que pode ser bastante dura.

Uma desvantagem talvez seja a falta de uma linha do tempo clara. Não sabemos quanto tempo o personagem passa tentando encontrar uma solução. Embora a história se torne cada vez mais intensa e envolvente, faltam eventos impactantes e memoráveis.

Me senti verdadeiramente cativado pela história e tocado por essa amizade improvável que transcendeu palavras e limites éticos. A trilha sonora consegue transmitir seriedade e momentos mais sombrios quando necessário. Além disso, o humor, representado pelo diálogo entre os dois heróis em sua nave espacial, está bem integrado ao filme.

Em última análise, é uma ótima aventura espacial. "Devoradores de Estrelas" é definitivamente o tipo de filme que se aprecia melhor no cinema. Adequado para um público amplo, as crianças também vão gostar. Não é particularmente memorável, mas recomendo este filme como uma opção de entretenimento legal e divertida.

Com A Noiva!, Maggie Gyllenhaal desconstrói o mito da Noiva de Frankenstein, transformando-o em uma fábula gótica, punk e resolutamente excessiva. A Noiva não é mais uma criatura criada para o amor: ela grita, se rebela e se recusa a ser uma fantasia.

O filme dialoga abertamente com Coringa: Loucura a Dois: a mesma figura de um herói solitário e marginalizado se apaixona por uma mulher perturbada com quem foge. Essa conexão é reforçada pelo fato de os dois filmes compartilharem o mesmo diretor de fotografia e compositor. Encontramos também ecos de Bonnie e Clyde, uma mistura de romance criminoso e fuga desenfreada. A dimensão noir se funde ocasionalmente com elementos de um filme de máfia ou um musical, com uma Criatura fascinada por esse gênero.

A escolha de ambientar a história em 1930 não é insignificante. Ela oferece uma referência histórica ao Frankenstein original de 1931 e à era de ouro dos musicais. Mas, acima de tudo, a história está enraizada em uma sociedade rígida e patriarcal, onde cada gesto da Noiva se torna um ato de rebeldia, conferindo ao filme uma dimensão explicitamente feminista.

As personagens femininas inicialmente parecem ofuscadas por seus pares masculinos: tanto a Noiva quanto o investigador parecem definidos por homens e relegados a papéis secundários. Mas o filme acompanha sua emancipação gradual: elas retomam o controle, afirmam sua vontade e impõem suas vozes à narrativa.

Jessie Buckley personifica essa energia com uma atuação física, explosiva e intensa, provando que o Oscar que ela ganhou por Hamnet não foi por acaso. Em contraste, Christian Bale oferece um contraponto mais melancólico e introspectivo. A parceria entre os dois funciona particularmente bem graças a um forte contraste, alimentando uma tensão constante entre atração e repulsa.

Visualmente, o filme impressiona por seu mundo barroco e mitológico. A recriação estilizada da América dos anos 1930 é impressionante, especialmente a vibrante Times Square. Os figurinos combinam autenticidade de época com exagero, acentuando a rebeldia e a identidade das personagens, enquanto a maquiagem e as transformações contribuem para a atmosfera gótica e operística.

No entanto, o roteiro revela suas limitações. A investigação carece de tensão e progressão crível, enquanto a subtrama da máfia permanece anedótica. O acúmulo de tramas e temas acaba por sobrecarregar uma narrativa que se beneficiaria de uma maior concisão. O comentário feminista e social por vezes carece de sutileza. A natureza desconexa e sobrecarregada do filme deve-se, sem dúvida, às refilmagens a que foi submetido: a obra transborda ideias e invenções visuais, mas tudo parece, por vezes, comprimido.

Apesar dessas ressalvas, A Noiva! permanece uma obra cinematográfica verdadeiramente generosa. Suas mudanças de tom podem ser perturbadoras, mas também contribuem para sua energia ilimitada. É um filme controverso, caótico, porém vibrante, que nos lembra o quão deslumbrante o cinema pode ser quando ousa fazer qualquer coisa.

É um verdadeiro prazer ver a Pixar retornar com um filme original, mesmo que o estúdio sempre tenha, até agora, privilegiado filmes originais ou sequências de alta qualidade. De qualquer forma, aqui o estúdio volta com um dos temas que mais nos intrigam: a ecologia.

Para impedir a construção de um desvio rodoviário que destruiria parte do ecossistema local, uma jovem ativista se transforma em um castor robô (o contexto seria longo para explicar, mas faz sentido). Ela então percebe que os animais vivem em uma sociedade organizada segundo regras muito específicas. Sim, sim, é muito parecido com "Avatar", inclusive o filme reconhece isso e brinca com a semelhança. O filme também pode lembrar "Robô Selvagem" em seus temas, mesmo que não seja exatamente o mesmo tipo de loucura.

O filme também tem alguns momentos bastante tocantes. Há uma verdadeira sensação de emoção que emana desta obra. É aqui que a Pixar, como de costume, conquista tanto crianças quanto adultos. "Cara de Um, Focinho de Outro" é rico em temas e mensagens simples, porém eficazes. Certamente aborda a ecologia, mas mais especificamente a ideia de ouvir a natureza, dedicar tempo a ela e saborear os silêncios. Por outro lado, embora eu tenha adorado o início de "Jumpers", devo dizer que há uma certa monotonia no meio. Há também alguns artifícios de roteiro convenientes, que, no fim das contas, acabam carecendo de surpresas e reviravoltas realmente inesperadas.

Em última análise, "Cara de Um, Focinho de Outro" é um filme da Pixar gratificante, criativo e dinâmico. É um deleite, e eu me diverti muito descobrindo-o. É um entretenimento familiar relaxante, imperdível para o terceiro mês de 2026.

No espírito fantasioso e ecologicamente consciente característico do Studio Ghibli, esta encantadora fábula bucólica, belissimamente animada, do primeiro filme Ghibli que não foi dirigido pelo mestre Hayao Miyazaki (embora ele tenha escrito o roteiro). O Mundo dos Pequeninos. Fará muitos sonharem. O tema íntimo da amizade entre um humano e uma personagem que eles não deveriam encontrar é tratado com certa poesia.
É sempre com um toque de encantamento que recebemos cada novo filme de animação do Studio Ghibli, o realizador revela uma história encantadora com um pano de fundo de ecologia e tolerância.

O Mundo dos Pequeninos é fascinante por criar um mundo em miniatura, que reflete sua heroína, de incrível riqueza, onde os sentidos da visão e da audição são deliciosamente estimulados. Arrietty, a jovem curiosa, entusiasmada, generosa e responsável, personifica a pura tradição das heroínas de Miyazaki. Seu relacionamento com Sho, um humano da mesma idade, é absolutamente encantador, equilibrando emoções e desafios. Os traços simples da animação e as cores variadas são um deleite para os olhos nesta era digital. A música com toques celtas completa o charme atemporal. Se você gosta de fábulas naturais e da pureza das relações humanas, O Mundo dos Pequeninos tem algo que lhe encantará.

Em última análise, o filme apresenta um mundo muito interessante, e a imersão na vida desses pequenos seres é, no geral, totalmente bem-sucedida. Além disso, embora a natureza do final seja louvável (nada de um final feliz típico), seu tom quase fatalista deixa uma sensação de incompletude, já que Arrietty, no fim das contas, correu poucos riscos. Em resumo, este é um filme do Ghibli que não é particularmente inesquecível, mas não necessariamente entediante. Contudo, sua atmosfera poética certamente encantará muitos.

Sidney Prescott reconstruiu sua vida longe de Woodsboro e tudo parece estar indo bem até o dia em que um novo Ghostface aparece e revive memórias terríveis. Sidney terá que confrontar os demônios do seu passado se quiser ter alguma chance de proteger sua filha…

Três anos após o decepcionante Pânico VI (2023), o famoso Ghostface está de volta com este sétimo filme, que nada mais é do que uma tentativa sutil de agradar os fãs originais. Isso explica o retorno de Neve Campbell, bem como de vários rostos familiares da franquia
O principal defeito do filme reside na falta de surpresas e suspense. A trama segue uma trajetória linear e previsível, o que enfraquece significativamente o impacto emocional e a tensão narrativa. Enquanto a franquia anteriormente conseguia brincar e subverter as convenções do gênero slasher, este episódio parece reciclar recursos narrativos já utilizados, sem qualquer ousadia ou inovação.

O retorno de atores icônicos, embora apreciado pelo apelo nostálgico, parece mais uma estratégia de marketing para satisfazer os fãs do que um elemento necessário para a trama. Essas participações, embora ocasionalmente interessantes, têm dificuldade em enriquecer a história e, por vezes, parecem desconectadas do desenvolvimento narrativo geral.

Quanto às cenas de assassinato, seu impacto visual e emocional é irregular. Uma sequência em particular se destaca pela originalidade e eficácia, mas, no geral, a direção carece de intensidade e criatividade, elementos fundamentais para a identidade visual e narrativa da saga. Além disso, certas inconsistências, principalmente uma cena crucial envolvendo o acesso a um código confidencial, enfraquecem a coerência interna da história e a credibilidade geral.

Em suma, Pânico 7 não consegue renovar a fórmula narrativa nem recapturar a tensão e o meta-intelectualismo que tornaram a franquia tão bem-sucedida e única. É uma oportunidade perdida para um episódio que tinha potencial para revitalizar a saga e reacender o interesse do público.

Acho que todos nós já pensamos em ficar presos em uma ilha deserta. Seja pensando em quais cinco álbuns/filmes/livros levaríamos, ou se conseguiríamos sobreviver com base em nossas habilidades/quanto aprendemos assistindo a Náufrago, Triangulo da Tristeza e Lost, mas duvido que algum de nós já tenha encarado uma ilha deserta como uma forma de vingança. Mas esse é exatamente o conceito de Socorro! , o novo filme de Sam Raimi.

Há um motivo para a publicidade usar " A Morte do Demônio" e "Arraste-me para o Inferno" como exemplos dos trabalhos anteriores de Raimi, em vez de filmes como "Homem-Aranha" ou "Doutor Estranho no Multiverso da Loucura" . Sua inclinação por injetar humor negro em seus filmes e encontrar maneiras de espalhar coisas em seus atores está totalmente presente aqui, o que torna o filme muito mais divertido.

No entanto, provavelmente seria tão divertido mesmo sem os toques de Raimi, graças às atuações dos protagonistas. O'Brien está brilhantemente afetado como Bradley, canalizando aquela energia de "cara descolado" tão bem, mas também demonstrando o que parece ser um remorso genuíno após aceitar a situação em que se encontram.

É claro que é McAdams quem domina este filme. Sua transformação de uma tímida funcionária de escritório em uma verdadeira Bear Grylls Jr. é hilária. Ela atinge em cheio aquela parte de nós que sempre quis se vingar de alguém que achamos que merece, mesmo que, pensando bem, talvez não mereça.

O principal objetivo de Socorro! é entreter, mas o filme sutilmente transmite a mensagem de que é possível mudar para melhor, por mais que a pessoa resista. Além disso, há muitos momentos grotescos e desagradáveis envolvendo diversos fluidos corporais, que me fizeram sentir um certo desconforto (no bom sentido). A equipe de maquiagem fez um ótimo trabalho com os dois protagonistas. A única grande crítica ao filme é a artificialidade dos efeitos visuais. A queda do avião e até mesmo partes da ilha parecem artificiais. Embora tenha havido um momento em que Linda estava caçando um animal na floresta que me fez agradecer pelos efeitos visuais toscos daquela cena, pois isso diminuiu a pena que eu sentia por sua presa.

Socorro! dá um novo toque a uma história já bastante conhecida, tornando-se o primeiro filme do ano que você pode realmente chamar de sensacional. Além disso, os mais atentos podem até notar a participação especial de Bruce Campbell (Pai de Bradley), amigo e colaborador de longa data de Raimi.

As reviravoltas narrativas em Socorro! não significam que seja uma experiência cinematográfica altamente assistível, feita para ser vivenciada por uma plateia capaz de estremecer. O'Brien e McAdams são dois atores que conseguem encontrar verdades emocionais em seus personagens, mesmo incorporando traços idiossincráticos que parecem totalmente originais. Socorro! não entrará para a história como uma das maiores conquistas de Raimi, mas demonstra que ele está de volta à sua zona de conforto.

Existe um tipo específico de eletricidade cinematográfica que surge apenas de vez em quando. É aquela que crepita sob a pele, acelera o coração e faz você se sentir como se estivesse assistindo a algo perigoso e vivo. Marty Supreme, habita esse espaço raro. É caótico, exaustivo, engraçado e inesperadamente sincero. Também é profundamente frustrante de maneiras que parecem intencionais, e não acidentais, o que, em parte, o torna tão fascinante de se refletir muito depois dos créditos finais.

No centro de tudo está Timothée Chalamet, que entrega uma das performances mais ferozes de sua carreira. Não é seu personagem mais simpático. Não é seu trabalho mais contido. Mas certamente um dos mais vibrantes. Há uma sensação de que ele não está apenas interpretando Marty Mauser, mas sim emanando dele. Marty é o tipo de personagem que já entra convencido de sua própria lenda futura, mesmo quando ninguém mais na sala faz ideia de quem ele seja. Ele é ridículo e magnético na mesma medida. Chalamet se entrega a essa contradição com total comprometimento, jamais se desculpando pelo ego, pela ambição ou pela determinação implacável de Marty.

A premissa em si soa quase absurda no papel. Um homem em busca da glória no mundo do tênis de mesa competitivo. No entanto, o realizador trata esse mundo com a mesma intensidade e seriedade que outros cineastas reservam para ringues de boxe ou campos de batalha. Os antros subterrâneos onde Marty aprimora sua técnica parecem perigosos, abafados e carregados de tensão. A iluminação oscila como um mau presságio. O ar parece denso de desespero. Quase se pode sentir o cheiro do carpete velho e do suor nervoso. É nesses espaços que o filme encontra seu pulso e sua personalidade.

O que faz de Marty Supreme algo mais do que um mero exercício de volume e velocidade é a forma como questiona a mitologia da ambição. Este não é um filme esportivo convencional sobre triunfo. É um filme sobre a ilusão como combustível. Sobre como o sonho americano pode ser tanto uma motivação quanto uma armadilha. Marty almeja a grandeza não porque ela lhe trará paz ou propósito, mas porque não consegue se imaginar sendo outra coisa. Há algo de trágico nisso, mesmo nos momentos mais cômicos do filme.

Há também momentos em que o filme parece longo demais, especialmente no meio, mas mesmo assim raramente perde sua força. Quando funciona, é como estar preso a um fio desencapado.

Em última análise, Marty Supreme é uma montanha-russa de emoções. Não se trata apenas de tênis de mesa ou competição. Trata-se da ideia aterradora e inebriante de construir toda a sua alma em torno da necessidade de ser visto. E questiona, silenciosamente, mas com firmeza, o que resta quando o barulho se dissipa. Você pode não amar. Pode até não gostar às vezes. Mas você sentirá. E, às vezes, isso é mais do que suficiente.

Com Hamnet, Chloé Zhao adapta o romance de Maggie O'Farrell, focando-se num evento aparentemente insignificante na história, mas imenso a nível humano: a morte de Hamnet, o único filho de William Shakespeare. O filme nunca tenta explicar ou teorizar sobre o dramaturgo. Despoja-o do seu estatuto monumental, reduzindo-o a uma condição profundamente humana: a de um pai confrontado com uma perda irreversível. Esta abordagem íntima permeia cada plano, cada silêncio, cada respiração da narrativa.

Ambientada no final do século XVI, a história acompanha um casal dividido entre o enraizamento e o distanciamento. Agnes, a figura central do filme, é filmada como uma força orgânica, quase primordial, diretamente ligada à natureza e aos ciclos da vida. Em contraste, William surge mais frágil, muitas vezes distante, incapaz de partilhar plenamente a mesma dor. Chloé Zhao evita o sentimentalismo barato, preferindo deixar o tempo desenrolar, permitindo ao espectador sentir em vez de compreender.

A adaptação cinematográfica distingue-se pela forma como transmite sentimentos íntimos sem recorrer a explicações. Paisagens, luz e texturas tornam-se veículos emocionais. O luto nunca é explicitamente declarado; ele é vivenciado. A suposta ligação entre a morte de Hamnet e a escrita de Hamlet é abordada apenas como uma hipótese poética, nunca como um fato histórico. O filme abraça plenamente essa liberdade, preferindo a verdade emocional a qualquer demonstração factual.

Um dos gestos mais poderosos de Hamnet reside na sua representação do teatro. A cena no Globe Theatre marca uma mudança fundamental: o luto deixa a esfera privada para se tornar uma experiência coletiva. O público, filmado como uma comunidade viva, recebe e compartilha a emoção. A arte, então, deixa de ser um refúgio individual e se torna um ato social, quase espiritual. O teatro surge como um lugar de transmutação, onde o amor e a morte coexistem sem contradição.

Sustentado por atuações notavelmente sutis, principalmente de Jessie Buckley e Paul Mescal, o filme encontra uma força rara em sua contenção. Chloé Zhao filma o vazio, a espera, o indizível, e consegue fazer o silêncio ressoar. Hamnet não é um filme sobre o nascimento de uma obra-prima, mas sobre a necessidade vital de criar para continuar vivendo. Uma obra profunda, humilde e comovente que nos lembra que a arte não apaga a dor, mas que às vezes nos permite respirar novamente.

A Sony está completamente fora de controle com este filme de Anaconda, que não é um reboot, nem uma sequência, nem nada além de uma brincadeira pura com uma franquia abandonada há anos.

Uma comédia totalmente metalinguística (o filme sabe que é um filme, sabe que é absurdo e faz referência a muitos elementos de nossas vidas reais), a fórmula funciona?
Para os críticos, senso de humor é a característica mais rara do mundo. Claro, existem algumas imperfeições, mas conheço poucos filmes que sejam completamente isentos delas.
Dito isso, é um filme divertido, com ótimas atuações, baseado em personagens quase caricaturais, mas que, mesmo assim, são cativantes, e esse grupo de fracassados, liderados por Jack Black e Paul Rudd formando uma dupla perfeita, tentando fazer um filme bastante carismático.
Os efeitos especiais certamente poderiam ser melhorados se você assistir ao filme com uma lupa, mas eu não me concentro muito nisso, e para mim, eles servem à história, e isso é o que importa.
Eu simplesmente me diverti assistindo a este filme e ri bastante com o humor situacional e a mesquinhez dos personagens, e era isso que eu queria compartilhar com vocês.

Agora, cabe a vocês julgarem. Mas você não perderá tempo nem dinheiro se for assistir a este filme um tanto exótico, engraçado e cativante.

Aparentemente, eu era uma das poucas pessoas que não tinha lido o livro e mal ter visto o trailer. Fui assistir ao filme porque o elenco me atraiu, e com razão: o trio principal é excelente.
Um gênero que talvez tenha um nome que eu desconheça, que eu chamaria, na falta de um termo melhor, de suspense psicológico doméstico, já que se passa em uma casa nada agradável, onde todos os clichês e estereótipos da família americana estão lá e uma jovem que vive uma vida precária tem um sonho bom demais para ser verdade.

Obviamente, desde o início, você fica na expectativa de descobrir o que vai dar errado, e admito que só percebi a reviravolta bem tarde. Por um instante, pensei que estava assistindo a uma espécie de Cinquenta Tons de Cinza e Desperate Housewives.
Além disso, o filme pega emprestado o desfecho de outro fiasco: o trauma de infância do homem inseguro que, na verdade, é um bom sujeito reprimido pela mãe.

No final, a mensagem feminista parece exagerada quanto a policial. Precisamos lembrar a todos que homens não são todos detestáveis, ao contrário da teoria absurda propagada pelo feminismo extremista. Perversão, loucura e maquiavelismo não são uma questão de gênero, mas de personalidade e psicologia. No entanto, embora não devamos generalizar e sem sermos sexistas, é verdade que, na realidade, a maioria dos agressores são maioria das vítimas de abuso são mulheres.

Em última análise, A Empregada não revoluciona, mas cumpre seu papel. Segundo especialistas na indústria cinematográfica, bastante fiel ao material original. A reviravolta no meio, que muda completamente o rumo da história e desencadeia uma série de surpresas até o final, torna tudo ainda menos divertido. Todos os personagens são tão caricatos, as situações tão implausíveis, o gore tão sangrento, que você acaba se perguntando se deve aceitar tudo ao pé da letra ou com uma pitada de ceticismo, se deve rir ou chorar.

Para o meu primeiro filme de 2026 esperava um thriller com ambições realmente assertivas, porém é uma obra que se torna explicativa demais para uma história que precisava impactar, perturbar, realmente prender o espectador nessa casa que mais parece uma prisão, pela qual ele apenas passa como um mero visitante. Assistível, mas você sai com a impressão persistente de uma oportunidade perdida.

Com Faça Ela Voltar, os irmãos Philippou de Fale Comigo (2023) entregam um filme de terror íntimo, visceral e profundamente humano. Longe de truques baratos ou sustos previsíveis, eles criam um drama opressivamente claustrofóbico onde o sobrenatural se infiltra nas fissuras do luto e dos laços familiares rompidos. Piper, uma adolescente com deficiência visual, e seu irmão mais velho, Andy, ficam sob os cuidados de Laura, uma psicóloga cujo comportamento se torna cada vez mais perturbador. Ao redor deles, um menino silencioso, uma casa isolada, fitas de vídeo misteriosas e uma piscina vazia formam as peças de um quebra-cabeça perturbador que lentamente toma forma e lentamente demais para emergir ileso.

O filme ultrapassa os limites da tensão sem jamais recorrer a violência gratuita. Pelo contrário, tudo é transmitido por meio de sugestões, olhares, silêncios e respirações ofegantes. O horror surge do cotidiano, da ausência, daquilo que não pode ser dito. Aqui, o monstro não é uma criatura à espreita nas sombras, mas uma dor avassaladora, a de um luto não resolvido. Laura, interpretada com uma intensidade perturbadora por Sally Hawkins, é uma mulher destruída, em busca de cura, disposta a tudo para recuperar uma ilusão de felicidade. Sua descida ao horror é tão humana que passamos a sentir uma empatia perturbadora por ela.

A grande força de Faça Ela Voltar reside precisamente nessa ambiguidade: nada é totalmente demoníaco nem totalmente inocente. Os efeitos especiais servem à narrativa, nunca gratuitos. Oliver, a criança possuída, torna-se a personificação de uma tristeza tão profunda que consome tudo. A música e o design de som mergulham o espectador em uma constante sensação de desconforto, enquanto a cinematografia de congela a casa em uma frieza quase clínica.

Liderado por um elenco estelar, notadamente a revelação Sora Wong e o carismático Billy Barratt, o filme, em sua maneira, transforma o sofrimento em uma promessa de conforto. Uma entidade aparentemente gentil que sussurra o que queremos ouvir: essa é a verdadeira face da possessão em Faça Ela Voltar. Um sucesso arrepiante e altamente sensorial, que prova que o horror mais poderoso é muitas vezes aquele que fala de amor corrompido.

Em Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out, o cineasta e roteirista norte-americano, Rian Johnson mergulha o requintado Benoit Blanc, mais uma vez interpretado por um Daniel Craig em ótima forma, em uma pequena cidade isolada sob a influência de um padre tirânico, mais um guru do que um verdadeiro homem de Deus. Um personagem arrepiante, brilhantemente interpretado pelo excelente Josh Brolin, que é genuinamente aterrorizante.

Não surpreendentemente, o assassinato desse indivíduo perturbador e detestável está no cerne da trama. E é aqui que este terceiro filme se distingue claramente de seus dois antecessores: a vítima é uma pessoa verdadeiramente desprezível, por quem o espectador não sente absolutamente nenhuma empatia.

Outro elemento diferenciador: Benoît Blanc só entra na história por volta dos quarenta minutos. Toda a primeira parte se concentra no personagem de Josh O'Connor, que nos apresenta à cidade, sua história, o assassinato e a galeria de potenciais suspeitos. Achei essa abordagem muito interessante, e ela permite que Daniel Craig faça uma entrada tardia, porém crucial, depois que todas as apostas já estão claramente estabelecidas.

Como de costume, o elenco é um verdadeiro deleite. Primeiro, ver Jeremy Renner de volta à sua melhor forma após o grave acidente (ele foi atropelado por um limpa-neve) é emocionante para qualquer fã dele. Daniel Craig, Josh Brolin, Josh O'Connor, mas também Glenn Close, Andrew Scott, Cailee Spaeny e Kerry Washington. Uma lista realmente impressionante.
No fim, acho que este terceiro filme é o que mais gostei. Seja pela sua atmosfera gótica, pela sua flertação descarada com filmes de terror em certos momentos, ou pela sua resolução tão improvável quanto inevitável, Wake Up Dead Man se destaca como um grande sucesso aos meus olhos.
É verdade que a sátira à superstição religiosa é equilibrada pela presença de um jovem padre muito simpático, mas ainda assim o filme é agradável. Esta obra nos leva um pouco além das convenções do gênero.
Pequenas imperfeições encantadoras que foram mantidas tornam este filme extremamente agradável.

Após o grande filme que foi o primeiro e sua excelente sequência, que revitalizou o mundo de Pandora e nos trouxe de volta à saga de James Cameron, Avatar 3 se destaca como o mais gigantesco dos três filmes.

Maior e mais épico, uma sequência mais impactante, mas que parece mais um epílogo de Avatar: O Caminho da Água do que uma história independente. Sabemos que Avatar 2 e 3 foram concebidos simultaneamente, como a Parte 1 e a Parte 2.
Só que, James está no auge de sua arte e talento, traçando as linhas entre o bem e o mal e criando um ápice do cinema de ação. É uma pena que, no fim das contas, o roteiro seja mais fraco desta vez, falhando em nos transportar para um território inexplorado (por que usar demais a situação de reféns para tentar criar novas tensões quando há tantas outras opções?).
Senti que a história não progrediu rápido o suficiente em comparação com o filme anterior, e encontramos os mesmos temas: a crítica ao invasor que destrói tudo, a importância de preservar o planeta e a solidariedade entre os povos. Mas, devo admitir, gostei da pequena reviravolta envolvendo o Spider! É provável que ele tenha um papel mais proeminente no próximo filme, o que eu adoraria.
Em resumo, é um modelo de espetáculo e blockbuster que entrega o melhor e nunca parece desconectado, mas serve como um epílogo, concluindo de uma forma um tanto estranha, deixando-nos na incerteza se o quarto e o quinto filmes serão produzidos.
Minha impressão geral é mista.
O filme cumpre seu papel e atende a todas as expectativas. James Cameron dedica tempo aos personagens e termina com uma batalha épica.
Mas eu teria preferido um roteiro mais original e refinado, em vez de uma cópia descarada que não deixa espaço para surpresas ou suspense.

Ainda assim, é muito superior à média dos filmes de Hollywood, e temos um filme coerente, emocionante e incrivelmente impressionante, mesmo que não seja revolucionário.

Este é o terceiro filme de Yorgos Lanthimos em menos de dois anos e, como sempre, ele não opta pelo caminho fácil ou superficial. Responsável por filmes tão singulares como O Lagosta, O Sacrifício do Cervo Sagrado e A Favorita, dispensa apresentações. Sua marca registrada: excentricidade e crueldade levadas ao absurdo, e, portanto, ironicamente divertidas.

Embora se afaste da loucura visual de Pobres Criaturas, Bugonia mantém muitas de suas técnicas características: planos abertos e em ângulo baixo para criar uma sensação de distanciamento dos personagens, observados como formigas em um formigueiro. Há também um toque sinistro na trilha sonora, violência e uma sátira dos problemas que afligem a humanidade hoje: neste caso, o distanciamento das elites e a alienação intelectual dos teóricos da conspiração radicais.

Para apreciar plenamente a mais recente criação de Lanthimos, é necessário um certo grau de imersão em seu universo. Os primeiros trinta minutos estabelecem a premissa; é aqui que você precisará prestar muita atenção. Mas, uma vez estabelecida a base, o filme melhora, revelando, em particular, um Jesse Plemons tão excelente quanto aterrorizante, e uma Emma Stone cujo cinismo é hipnotizante. O paralelo traçado entre uma CEO bilionária tentando se convencer de que é uma boa pessoa e teóricos da conspiração buscando escapar de sua realidade desesperadora também é muito pertinente.

Lanthimos não oferece reconciliação nem uma saída, mas uma cartografia das crises interligadas que estruturam o nosso presente. É nessa tensão que, a meu ver, reside a força e a limitação do filme: Bugonia não toma partido, ele expõe. Ele não encerra nenhuma questão, ele as multiplica.

Ao final dessas duas horas, e especialmente após os cinco minutos finais, tão alucinantes quanto brilhantes, uma coisa é certa: Bugonia é um filme muito bom, muito provavelmente um dos melhores dele, e um que você não se arrependerá de descobrir.

Com Eddington, Ari Aster continua sua evolução. Depois de subverter as convenções do terror psicológico (Hereditário), do terror folclórico (Midsommar) e do drama kafkiano (Beau Tem Medo), o cineasta americano abandona os motivos fantásticos para confrontar a ansiedade contemporânea de frente. Aqui, não há cultos pagãos nem espectros vingativos: o horror está em toda parte, infiltrando-se em máscaras cirúrgicas, canais de notícias 24 horas e famílias em colapso. Eddington é um filme sobre o medo. Medo do outro. Medo da verdade. Medo da realidade.

O filme não conta uma história propriamente dita. Ele expõe um colapso: o de uma democracia local minada por notícias falsas, desconfiança e violência estrutural. Os diálogos são afiados, as situações absurdas e a atmosfera constantemente tensa. Aster filma uma sociedade doente como filmou uma família em luto: com frieza, precisão e uma espécie de crueldade clínica.

Eddington não se limita a contextualizar a era pós-2020. Ele revela sua matriz: uma sociedade obcecada por suas armas, suas telas e seus fantasmas ideológicos. O filme evoca implicitamente os tumultos de 2020, a morte de George Floyd, os debates em torno da Segunda Emenda, as notícias falsas e a erosão da coesão social. Nada demonstrativo, porém: Aster permite que esses elementos se infundam em uma narrativa fragmentada, por vezes flutuante, mas sempre tensa.

Nessa paisagem devastada, Joe Cross é uma figura trágica. Incomodado com a tecnologia, atolado em suas próprias contradições, ele tenta apaziguar um mundo que não o quer mais. Fala pouco, muitas vezes falha, mas personifica uma espécie de humanidade desajeitada. Joaquin Phoenix, como frequentemente acontece, se destaca nesse papel de um homem destruído. O personagem poderia ser uma fonte de riso, o que muitas vezes ocorre, mas uma profunda tristeza sempre vem à tona. Seus relacionamentos com a esposa (uma arrepiante Emma Stone) e seus subordinados completam o retrato de um homem solitário, oprimido por uma era que não quer mais mediação, apenas confronto. Joe não está lutando contra monstros: está lutando contra a indiferença, o cinismo e a cegueira coletiva. E está perdendo.

Eddington é um filme desconfortável. Não transmite uma mensagem clara, não oferece uma saída e constantemente turva seu percurso. Alguns podem ver isso como uma falha, outros reconhecerão como a marca de grandes obras políticas. Porque Aster, mais do que nunca, questiona nossa capacidade de acreditar. De acreditar nos outros, no Estado, na verdade. O filme não busca denunciar, ele disseca. Observa os sintomas de um colapso sem oferecer um diagnóstico. A direção, discreta, porém precisa, evita qualquer indício de grandiloquência. O horror aqui vem do que permanece invisível, do cotidiano, do implícito. Ao mesmo tempo sátira política, comédia sombria e drama social, o filme consegue capturar o espírito da época sem jamais sucumbir ao oportunismo.

Ari Aster fez seu filme mais arriscado até agora, e talvez o mais bem-sucedido. Eddington é menos imediato, menos direto que seus trabalhos anteriores, mas mergulha mais fundo. Perturba, questiona e inquieta, refletindo a era que retrata. Um pesadelo político de precisão clínica, que nos apresenta um espelho sem retoques: o de uma sociedade onde o medo se tornou a linguagem comum.

"Eddington", portanto, claramente não é o melhor filme do diretor, que por vezes parece se perder naquilo que está tentando contar, mesmo que, no fim, uma coerência resida nesse caos.

Narrado em três partes, o filme nos apresenta, em 1977, ao enigmático Marcelo ( Wagner Moura ), confrontado por policiais em um posto de gasolina deserto durante uma busca injustificada. Ao chegar em Recife em pleno carnaval, ele conhece Dona Sebastiana, dona de um abrigo para refugiados. A narrativa do realizador brasileiro se concentra nos detalhes do ambiente, em vez da identidade misteriosa de Marcelo, deixando para nós a tarefa de montar o intrincado quebra-cabeça. Uma força policial liderada pelo chefe Euclides e sua equipe encontram uma perna na boca de um tubarão, e o filho de Marcelo, Fernando, que mora com os avós maternos, está obcecado em desenhar os cartazes do filme Tubarão (1975) enquanto aguarda o retorno do pai. Um paralelo cinematográfico e uma investigação em curso revelam a história do passado de Marcelo.
Descobrimos que Marcelo consegue um emprego no Instituto de Identificação, onde busca informações sobre a identidade de sua mãe, um tema que nos convida, a nós e aos personagens, a sentir essa constante angústia. Seja pelo cinema, por uma pessoa ou por um lugar, é a narrativa vibrante do cineasta que permite que Marcelo sinta essa angústia. A estrutura do filme nos transporta entre o passado e o presente, onde vemos a trama se desenrolar.
O roteiro abrangente de Kleber apresenta personagens de todos os tipos, expandindo os temas do thriller investigativo para um mundo mais completo e rico. Dar o tempo de tela necessário aos refugiados cria uma ressonância com os marginalizados, não apenas com Marcelo, revelando suas esperanças e sonhos. Ou Hans ( Udo Kier ), cuja ascendência judaica o levou a Recife após a Segunda Guerra Mundial, que se torna alvo de piadas da polícia por causa de seu passado traumático, mostrando como o passado sempre estará presente. A caracterização dos personagens em O Agente Secreto , através de seus detalhes, é um dos melhores aspectos da forma como o Cineasta retrata Marcelo, mas também Recife.
Com suas sutilezas, o filme reflete os sistemas e as histórias que moldaram o Brasil de 1977 pelo qual Marcelo transita. Isso inclui os legados da migração africana e europeia, o subfinanciamento crônico das instituições públicas de ensino e a falta de responsabilização daqueles que detêm o poder.
O filme questiona o que é arquivado e quais vozes se perdem ao longo do processo. Enquanto "O Agente Secreto" acompanha a busca de Marcelo por documentos relacionados à sua mãe, os eventos de 1977 são narrados por duas jovens mulheres nos dias atuais, que ouvem gravações de depoimentos de testemunhas oculares e reconstroem a história.
Essa narrativa dupla destaca a relação frágil entre memória e história. Mostra como o passado é constantemente reconstruído por meio da preservação.
"O Agente Secreto" deixa o público em dúvida sobre o que pensar, ou como se sentir. O som do português brasileiro pareceu sutilmente subversivo. Apesar de suas raízes brasileiras, a reflexão do filme sobre cujas vozes são lembradas e cujas são apagadas soa universal.

Antes de Zemeckis embarcar em seu "Convenção das Bruxas" em 2020, uma primeira adaptação, bastante discreta, do romance homônimo de Roald Dahl já havia sido lançada em 1990.
Uma adaptação do livro infantil de Roald Dahl, "As Bruxas". Um filme que revela um lado das bruxas nunca antes visto. É um filme para toda a família que agradará tanto a adultos quanto a crianças, mas talvez não muito infantil, já que a aparição da Bruxa Suprema pode assustar os mais jovens. A Bruxa Suprema é interpretada pela deslumbrante Anjelica Huston, aliás.

A introdução nos imerge imediatamente na história. Descobrimos o mito da bruxa, suas terríveis maldades e planos. Os personagens principais também são apresentados rapidamente nessa mesma introdução, permitindo que nos conectemos com eles desde o início. Quanto aos cenários, são agradáveis ​​e mágicos. Representam a Inglaterra em perfeita harmonia; na verdade, nos sentimos verdadeiramente transportados para lá.

É verdade que o filme envelheceu um pouco devido à sua idade, o que é compreensível. Os efeitos especiais ainda são decentes hoje em dia, apesar de serem minimalistas. As transformações são bem feitas e bastante simples. Quanto aos ratos, eles não são CGI, então podem parecer muito artificiais para os padrões atuais, mas evocam os bons tempos em que o CGI não era a única tecnologia usada, e isso, na verdade, adiciona um certo charme ao filme hoje em dia.
Resumindo, um clássico cult e excelente! Assista repetidas vezes, sozinho ou com a família.

O cinema de terror transborda ideias e inventividade, sendo sempre um dos maiores celeiros de conceitos fortes no cinema. Seja na era do found footage dos anos 2000 ou na era do terror sofisticado dos últimos anos, o cinema de gênero (ou filmes B, como alguns chamam) surpreende regularmente. Portanto, não é de se estranhar que a premissa única e notavelmente original de "Bom Menino" se encaixe perfeitamente nessa tendência. De fato, conceber um filme de fantasia com fantasmas ou espíritos vistos do ponto de vista de um cachorro é um grande desafio, além de uma ideia brilhante. No entanto, muitas vezes se tem a impressão de que este curta-metragem, em todos os sentidos (orçamento, duração, minimalismo, etc.), se assemelha a um portfólio do diretor, para quem este é seu primeiro longa-metragem. E também que tal conceito provavelmente se adequaria melhor ao formato de curta-metragem do que a um longa (curto) como este (com duração de uma hora e treze minutos...).

Em termos de direção, não há nada a criticar, já que Ben Leonberg consegue se libertar completamente das convenções usuais do gênero ao filmar tais histórias, adotando consistentemente o ponto de vista do cachorro. Estamos, portanto, sempre com ele. Vemos através de seus olhos ou por trás dele. O princípio é mantido e a intenção prometida é cumprida. Além disso, este cachorro, Indy, é um verdadeiro ator; sentimos suas ansiedades e medos. Há algumas sequências perturbadoras, sem dúvida, e "Good Boy" consegue criar uma atmosfera inquietante. O filme perturba o espectador, que não está acostumado a ser assustado visualmente dessa maneira.

Infelizmente, é verdade que os momentos que deveriam provocar arrepios ou nos fazer pular são extremamente raros. Não podemos dizer que "Good Boy" seja o tipo de filme de terror que nos faz tremer e imprime o medo permanentemente em nossas mentes. A maneira como o terror e a fantasia são trazidos para a tela pode ser considerada confusa e repetitiva. Apesar de sua curta duração, esta obra inclassificável tende a se arrastar. Embora a premissa seja intrigante e estimulante a princípio, e a execução técnica seja de alta qualidade, a narrativa é lenta e as manifestações sobrenaturais não são tão bem-sucedidas quanto o esperado.

Diria, portanto, que este filme é uma pequena joia aos meus olhos e que, se você ama animais ou também tem um cachorro, certamente se identificará mais com ele.

Há sempre algo fascinante em descobrir os filmes de alguém que se dedica inteiramente ao cinema, oferecendo-lhe uma paleta de ideias ampla, mas também próxima de sua vida "real". Pura Adrenalina, o primeiro filme de Wes Anderson que redescobri nesta madrugada, obviamente tende a estar ligado a essa reflexão.

Para me dedicar completamente a Bottle Rocket, que é, na minha opinião, uma primeira obra-prima, devo dizer que, se seu senso de comédia é tocante, é toda a ternura do olhar dado a seus personagens excêntricos e completamente inadequados à sociedade que os cerca que me comoveu. O humor está presente, mas em proporções relativamente pequenas.
Em um nível mais técnico, o mundo de Wes é um pouco mais cinza. Há muitas nuances de cor, amarelo e vermelho em particular. Sabemos o apego deste cineasta aos seus motivos e cores e já encontramos esboços sérios de seus futuros trabalhos. Gosto da mudança específica deste filme na filmografia do diretor. Valido seu enquadramento, sua música, suas outras escolhas.

Em suma, não é o melhor Wes Anderson, mas já podemos ver sua identidade, para um filme que parece bastante simples, mas já contém muita humanidade.

Uma obra bastante singular no gênero, "Rollerball", do lendário cineasta canadense, Norman Jewison, que retrata uma sociedade futurista na qual todos os males foram destruídos, incluindo a fome, as doenças, etc. Corporações substituíram os Estados e os tecnocratas governam. Além disso, os cidadãos dessa sociedade desfrutam de um conforto material incomparável. E, apesar de todo esse progresso, a população precisa expressar seus impulsos violentos. Foi assim que surgiu o Rollerball, um jogo incrivelmente violento. Um jogo bárbaro onde tudo vale.

O mais assustador é ver que todos os espectadores apreciam unanimemente esse espetáculo violento e desumano. Mas, claro, tudo isso é intencional e organizado com antecedência. Embora transmita uma mensagem mais relevante do que nunca, "Rollerball" não consegue empolgar, pois sua encenação é frequentemente amorfa e carece de ritmo.

Entre três ou quatro cenas de treino ou jogo, não acontece muita coisa, o que é uma pena, pois as sequências de jogo são realmente de tirar o fôlego.

E, esteticamente falando, o visual antigo é perceptível e muitos cenários são muito kitsch. Mas se há uma coisa que devemos lembrar, é que mesmo em um mundo que parece perfeito, a morte e, acima de tudo, a loucura do Homem nunca serão erradicadas.

Uma fábula distópica pessimista, mas interessante, que denuncia o totalitarismo, onde o esporte é usado por aqueles no poder para manter o controle sobre as massas.
É uma pena que a história seja um pouco vaga e pouco envolvente, apesar das espetaculares partidas de rollerball e da atuação convincente de James Caan.

Uma Batalha Após a Outra é uma verdadeira explosão cinematográfica, uma concentração de códigos e referências cinéfilas como há muito não víamos nas telonas.
Como fã de Paul Thomas Anderson, às vezes é difícil encontrar seu toque autoral e clínico nesta obra mais popular, talhada para eficiência e adrenalina. Mas, com um pouco de retrospectiva, podemos ver claramente sua precisão de ourives: cenários milimetricamente perfeitos, enquadramentos emblemáticos e uma direção de rigor implacável.
Sair de sua relativa confidencialidade para atingir um público mais amplo parece lhe cair muito bem.

O filme se apresenta como uma mistura de gêneros: ação, faroeste, sátira social, tudo em um cenário de revolução, sequestro e milícias racistas, com perseguições de carro, tiroteios, humor negro e um pano de fundo profundamente americano.
Esse aspecto abrangente pode ser preocupante, mas Anderson mantém o controle total: a história é rítmica, musical, fluida, nunca grotesca, apesar de seus tons cômicos e cartunescos.

E por trás da energia, o filme ecoa a América "trumpiana" contemporânea, atravessada por racismo, fraturas sociais e redes paralelas.
Uma América em que dois campos lutam entre si para atacar/defender o sistema repressivo vigente. Dois campos com visões políticas e sociais radicalmente opostas, mas usando métodos radicais que não estão necessariamente tão distantes um do outro.

Marcando sua primeira colaboração com Leonardo DiCaprio, Anderson parece ter largado as rédeas e nos entrega, com seu 10º longa-metragem, uma sátira minuciosa para destacar melhor as ideias, às vezes insanas e perigosas, que habitam seu próprio país, e como tentar resistir e lutar contra elas com as armas (literal e figurativamente) que temos à disposição.

O filme frequentemente beira a farsa política em seu tom adotado, mas, ainda assim, quase sempre consegue se sair bem no final (como a atuação obsessiva de Sean Penn, do início ao fim. Um papel notável, gostemos ou não).
Um viés em que o "campo do mal" é retratado como uma espécie de sociedade secreta, autoritária e racista, que puxa os cordelinhos para melhor manipulá-los como bem entende, mas onde o campo oposto também não é totalmente poupado, às vezes atrasado e em contradição com seus próprios ideais, preferindo entregar seus irmãos/irmãs em vez de apodrecer em uma cela.

Um tom deliberadamente caricato, que chega a nos oferecer várias sequências realmente engraçadas através de seus diálogos e situações, mesmo que às vezes tenha dificuldade em recuperar o atraso quando o filme se torna mais sério, mais calmo.

Uma obra que brilha particularmente pelo seu aspecto formal, com Anderson mais uma vez nos oferecendo uma produção finamente trabalhada, que dá ritmo ao filme.
Com uma estética muito refinada, o cineasta opta por adaptar seu estilo aos campos que retrata (produção mais clínica para o primeiro campo e câmera a bordo para o segundo) para destacar a óbvia lacuna (ideológica e íntima) que existe entre os dois, e nos presenteia com várias sequências carregadas de tensão.

Uma obra divertida, rítmica e eufórica, diante da qual não vi o tempo passar, mas que carecia de algo para fazê-la entrar para a grande liga.

Um novo Paul Thomas Anderson formalmente muito bem-sucedido que, em termos de impacto deixado, estaria mais próximo para mim da maestria de um "Embriagado de Amor" ou de uma "Licorice Pizza" do que da maestria de "Magnólia" e "Sangue Negro".
Para serem descobertos de qualquer forma na tela grande, filmes americanos dessa qualidade são realmente raros nos cinemas em 2025.