Diego Ferreira

Eli Roth, mais conhecido por sua atuação em Bastardos Inglórios, claramente cresceu como fã de cinema, e suas influências permeiam toda a sua carreira. Seu estilo transborda uma energia cruel e típica de futuros clássicos cult, e isso fica mais evidente do que nunca em seu filme mais recente, uma abordagem fascinante do subgênero de "crianças assassinas", repleta de maldade e níveis criativos de violência. Infelizmente, a obra sofre com um roteiro carente de desenvolvimento de personagens e de confiança no próprio material.

A trama, agradavelmente simples, acaba perdendo um pouco o ritmo na metade do filme com uma exposição cômica excessiva, feita sob medida para conduzir a história em direção ao desfecho. Mas, mesmo nesse momento, os realizadores parecem estar totalmente cientes da brincadeira, e o roteiro se deleita com o ridículo, reservando uma grande parte da duração do filme para uma explosão caótica e exagerada de violência gráfica, ambientada na escola de ensino fundamental da cidade. A premissa já traz o absurdo em sua essência, e Roth resgata suas próprias referências, na forma como o humor distorcido se mistura a uma violência caricata, abraçando conscientemente os elementos que o público certamente vai adorar, em vez de tentar construir uma narrativa profunda.

Transformar crianças em lunáticos zumbificados, cobertos de granulado e calda, dá a O Sorveteiro uma vantagem sobre outros filmes de terror lançados em 2026. Sempre há espaço para um entretenimento que pede apenas para você desligar o cérebro (ou arrancá-lo com uma colher de sorvete) por uma hora e meia e curtir a experiência. A brutalidade excessiva certamente não é para todos, mas o filme pende mais para a comédia de terror do que para o terror puro, mesmo em meio a corpos destroçados e cabeças decepadas. Muitos personagens não passam de caricaturas, e seu protagonista não demonstra a esperteza necessária para se firmar como um arquétipo convincente de "final boy". O estilo de direção de Roth sempre encontra formas de elevar o material: seus planos demoram-se em uma casquinha de sorvete com um sorriso bizarro no topo do caminhão, e até mesmo no próprio Sorveteiro, à medida que ele se transforma em uma espécie de versão distorcida do Flautista de Hamelin. Uma decapitação na reta final resulta também em uma reviravolta surpreendentemente perfeita e bastante inspirada.

Ainda assim, sinto que O Sorveteiro tem potencial para ser o próximo grande filme cult de sessões da madrugada. Afinal, a maior parte da atenção recai sobre os efeitos de gore, que são excelentes. Tive a sensação de ter descoberto o filme em algum canal de madrugada quando eu era criança, aquele tipo de filme que não é necessariamente bom, mas que também não me fazia querer mudar de canal. O humor é grosseiro, mas às vezes bastante engraçado, e o vilão que dá título ao filme é assustador, silencioso e constantemente perturbador.

No fim das contas, gostar ou não de O Sorveteiro é uma questão de gosto pessoal. O filme de Roth não se preocupa com o chamado "terror elevado", com slashers metalinguísticos de mistério ou com suspenses cerebrais subversivos. Em vez disso, constrói uma história insana em torno de efeitos práticos, talvez criando um ícone do terror para a próxima geração. Roth criou um filme de madrugada razoável, mas que tinha potencial para ser um clássico absoluto.

O que aconteceria se, de um dia para o outro, o bairro inteiro onde você mora deixasse de existir enquanto você ainda dorme dentro dele? É dessa pergunta simples e aterrorizante que o realizador norte-americano, David Robert Mitchell, parte para construir O Fim da Rua, um blockbuster de dinossauros que esconde, por trás dos monstros e da poeira pré-histórica, uma reflexão afiada sobre família e sobre tudo aquilo que achamos garantido.

David Robert Mitchell está interessado em temas íntimos: o casal esgotado, os vícios, as crenças, o desejo de escapar e a fragilidade dos laços familiares. O subúrbio residencial, símbolo de segurança, sucesso social e comunidade, é brutalmente arrancado de seu ambiente para ser confrontado com um mundo antigo, selvagem e imprevisível, uma metáfora eficaz para o que construímos (casa, bairro, hábitos, certezas) e que pode desaparecer da noite para o dia. O filme também fala sobre o lugar de cada um dentro da família e da sociedade, sobretudo através de personagens que buscam se emancipar ou escapar de uma vida que se tornou estreita demais. O realizador prefere fazer perguntas a dar respostas, deixando ao espectador vários níveis de interpretação.

Anne Hathaway, no papel de Denise, carrega o filme com uma mistura de fragilidade e instinto de sobrevivência que dá substância emocional à mãe que tenta manter a família de pé, tanto contra os dinossauros quanto contra a própria crise do casamento. É um papel que exige fisicalidade assim que o modo sobrevivência é ativado, mas que nunca perde o lado humano da personagem. Ewan McGregor, como Greg, equilibra bem o peso de um pai dividido entre a ameaça externa e os próprios erros dentro de casa, sem cair no clichê do marido ausente redimido às pressas. Juntos, sustentam o drama familiar que dá liga ao espetáculo, segurando o filme nos momentos em que o roteiro flerta com o piegas.

Esse tema rico é, ao mesmo tempo, a força e o limite do filme. As muitas ideias abordadas tornam a análise empolgante, mas também deixam uma certa impressão de dispersão, e algumas passagens soam longas ou repetitivas demais. Ainda assim, O Fim da Rua segue sendo um trabalho original, por vezes confuso, por vezes brincalhão, que usa o fantástico para falar de assuntos muito humanos. Não é apenas um filme de dinossauros ou de ficção científica, mas um drama familiar tingido de aventura e de metáforas sobre o tempo e a sociedade. Quem busca puro entretenimento pode se frustrar diante de tantas camadas, mas quem se interessa por esse tipo de leitura, sobre o amadurecimento forçado dos personagens e a ameaça que ronda o bairro, tende a sair satisfeito.

Essa filiação a uma certa tradição do grande espetáculo fantástico americano fica ainda mais evidente com J. J. Abrams e a Bad Robot na produção. O Fim da Rua não descobre a roda: não revoluciona o cinema de desastre, o filme de dinossauros ou a narrativa familiar. Seu mérito é mais simples, e talvez seja o maior de todos: ele sabe exatamente o que quer ser. Um entretenimento familiar muito bom, generoso, lindamente fotografado e carregado por uma trilha sonora orquestral soberba, que recupera com felicidade aquele maravilhamento espetacular no estilo Spielberg dos grandes blockbusters dos anos 1980 e 1990.

Há algo de irônico em um filme sobre o retorno para casa que, ele mesmo, nunca parece encontrar o próprio rumo. "O Retorno" que retoma o capítulo final da Odisseia de Homero, o regresso de Odysseus a Ítaca, não como aventura mítica, mas como estudo de caso sobre um homem partido pela guerra. É uma proposta ambiciosa, e por vezes ela funciona; na maior parte do tempo, porém, o filme parece tão à deriva quanto seu protagonista antes de finalmente avistar terra firme.

As maiores fragilidades do filme aparecem no roteiro: os diálogos soam artificiais, o ritmo é desigual e a trama inteira parece sem impulso ou tensão, presa em silêncios que, na maioria das vezes, se estendem além da conta. E o elenco de apoio não ajuda a disfarçar isso, ainda que o problema não seja de atuação. Juliette Binoche é completamente subutilizada como Penélope, mas mesmo assim faz muito com muito pouco. Já Ángela Molina, como a velha ama Eurycleia, é uma das poucas a se destacar mesmo com pouco tempo de tela, entregando um dos momentos mais genuínos do elenco de apoio. Os jovens que interpretam os homens de Ítaca, por outro lado, parecem escalados pelos músculos, não pela capacidade de atuação, da qual, aliás, não têm nenhuma.

É na composição do protagonista, porém, que o filme acerta a mão. Ao retratar Odysseus sofrendo com o TEPT, o transtorno de estresse pós-traumático que deixa suas marcas em flashbacks, hipervigilância e na dificuldade de se reconectar com quem ficou em casa, e com a culpa do sobrevivente após seus anos de guerra em Troia, o roteiro constrói uma leitura moderna da lenda, de lesão moral, de realismo psicológico, que permanece fiel à profundidade emocional da obra original de Homero e ainda ressoa com um público familiarizado com os desafios enfrentados por veteranos de guerra. É essa ponte entre a lenda antiga e a realidade contemporânea que torna a jornada de Odysseus relacionável e pungente, evidenciando a natureza atemporal do impacto da guerra sobre a psique humana.

A fotografia não decepciona: captura a beleza estonteante da paisagem, reforçando seu poder simbólico. Por mais bonito que seja tudo na ilha, das árvores ao castelo de Odysseus, há algo frio, hostil, implacável ali.

No entanto, em seu coração, o filme tem um elemento que segura tudo sozinho: Ralph Fiennes. Um dos maiores atores de sua geração, ele entrega aqui uma performance contida e devastadora, incorporando o trauma subjacente de Odysseus com uma sutileza quase dolorosa de assistir. Dá pra ver o peso das experiências do personagem se curvando sobre seus ombros, a dor da culpa do sobrevivente entalhada em cada olhar, em cada silêncio. Fiennes transmite as lutas físicas e emocionais de Odysseus com um desabafo visceral, mas nem mesmo ele consegue disfarçar as rachaduras ao seu redor.

No fim, "O Retorno" é um filme sobre voltar para casa que parece esquecer o próprio caminho. Fica a sensação de um épico reduzido a retrato individual: a atuação de Fiennes é grande o bastante para comover, mas pequena demais para preencher a ilha inteira ao seu redor, e é exatamente essa desproporção entre o brilho do protagonista e o vazio ao seu redor que deixa o filme devendo.

Christopher Nolan conseguiu uma aposta que parecia quase impossível: adaptar um dos maiores textos da literatura sem trair sua essência. Onde muitos teriam transformado A Odisseia num simples blockbuster mitológico, Nolan a torna, acima de tudo, um trabalho profundamente humano, no qual a verdadeira jornada é tão interna quanto física.

A escolha do IMAX para adaptar essa obra atemporal assume todo o seu significado: Nolan consegue um verdadeiro tour de force no uso da tecnologia, tanto para sublimar e reinventar o épico das aventuras de Odisseu quanto para destacar as apostas emocionais de seus diferentes personagens.

O que é sempre interessante ao descobrir um novo filme de Nolan é a escolha do tratamento dado ao tema abordado. No caso da Odisseia, a escolha é ousada, reflexiva (nos dois sentidos da palavra) e, de fato, inquietante. O filme não está livre de falhas em relação à obra original, mas a experiência geral é de um poder visual e emocional impressionante, o que torna este novo trabalho simplesmente inesquecível.

Como de costume, Christopher Nolan constrói seu filme com uma narrativa fragmentada e não cronológica. Mas desta vez ele não faz isso apenas para surpreender o espectador: a estrutura se justifica pela própria história, já que as aventuras de Odisseu são narradas por ele mesmo a Calipso, à medida que recupera gradualmente suas memórias.

O elenco, particularmente rico e prestigioso, faz jus à grandeza da história: todos os atores estão excelentes e visivelmente investidos em dar vida a esses personagens icônicos.

Pode-se, no entanto, lamentar algumas escolhas de elenco que soam pouco relevantes ou destoantes do cenário grego original, mas são apenas alguns detalhes que não comprometem a qualidade geral do filme.

Em última análise, esta versão da Odisseia de Christopher Nolan é um filme satisfatório e um grande espetáculo à altura desta grande história de aventura, que inspirou e continua a inspirar tantas outras obras.

Alguns filmes precisam de grandes tragédias para prender a atenção. O Convite precisa apenas de uma mesa posta, quatro cadeiras e pessoas sinceras demais.

Remake de Sentimental (2020), uma comédia espanhola escrita e dirigida por Cesc Gay, baseada em sua própria peça, o novo filme de Olivia Wilde transforma uma premissa simples numa noite desconfortavelmente divertida. Joe (Seth Rogen) e Angela (Olivia Wilde) são um casal que aprendeu a funcionar, mas talvez tenha esquecido como viver. Ao receberem Hawk (Edward Norton) e Piña (Penélope Cruz), os vizinhos do andar de cima, o encontro rapidamente deixa de ser um jantar amistoso para se tornar uma sessão de terapia involuntária.

Sim, as situações são exageradas em nome da sátira, mas qualquer pessoa que tenha vivido um relacionamento duradouro reconhecerá algo de verdadeiro nos diálogos. Há uma autenticidade desconfortável nas pequenas crueldades trocadas pelo casal protagonista, como se cada frase carregasse o peso de anos de coisas não ditas.

O roteiro aposta em réplicas afiadas e numa mordacidade rara nas comédias contemporâneas. Penélope Cruz e Olivia Wilde dividem o posto de destaque do elenco, enquanto Edward Norton e Seth Rogen encontram o equilíbrio perfeito entre humor e melancolia.

Atrás e diante das câmeras, Olivia Wilde demonstra segurança. Sua direção preserva a humanidade dos personagens e utiliza o apartamento como um reflexo da vida emocional de Joe e Angela: confortável, familiar e discretamente desgastada. Em muitos momentos, o que não é dito pesa mais do que qualquer piada.

No fim, O Convite é menos sobre sexo do que sobre aquilo que sobra quando a novidade desaparece: amor, rotina e o medo silencioso de que a vida tenha se acomodado cedo demais. Como diz Piña: "Sexo não é uma coisa que você faz, é um lugar para onde você vai!"

Entre uma gargalhada e outra, Olivia Wilde nos obriga a encarar uma pergunta desconfortável: quantos de nós ainda estamos vivendo nossos relacionamentos, e quantos apenas nos acostumamos a eles?

E essa, mais do que qualquer piada, é a parte que continua ecoando depois dos créditos.

Se existe um cineasta contemporâneo instantaneamente reconhecível em meio a tantos outros, esse cineasta é Wes Anderson. Seu estilo visual, nisso todos concordam, é simplesmente inimitável. Com O Esquema Fenício, Anderson dá continuidade ao seu universo particular, feito de quadros milimétricos, cores pastel e diálogos esotéricos. Seus últimos filmes lembravam quase partituras orquestrais, com uma polifonia de personagens dividindo a cena de forma por vezes impressionante; aqui, porém, o cineasta coloca essa estética a serviço de um roteiro mais direto, mais concreto.

Continuo seduzido pela sua capacidade de reinventar a própria linguagem visual, revelando facetas novas dela a cada filme. Não é tarefa simples traduzir em palavras a variação que Anderson propõe desta vez. Algo se transforma na maneira como os atores ocupam o espaço e, por consequência, na maneira como os personagens se relacionam entre si.

A cena inicial entre pai e filha ilustra bem esse ponto: é um momento particularmente bem-sucedido, e a sequência inteira permanece inventiva do começo ao fim. Acompanhamos, ao longo do filme, uma trama cativante, na qual pai e filha, ainda reconstruindo os laços entre si, precisam convencer uma série de pessoas a investir financeiramente em seu projeto.
As negociações se complicam tanto pela fragilidade dessa relação recém-retomada quanto pela presença de assassinos decididos a eliminar o patriarca. O resultado é uma sucessão de cenas peculiares, absurdas e bem cadenciadas, que jamais deixam o espectador entediado.

O tom é leve, e o humor sombrio funciona com eficiência, arrancando risos e sorrisos do início ao fim sem nunca beirar o hilariante. Um elenco extravagante sustenta esse equilíbrio com naturalidade: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Tom Hanks, Bryan Cranston, Riz Ahmed, Mathieu Amalric, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch e Bill Murray formam uma galeria de personagens cujas interações ganham vida através de diálogos artificialmente naturais. No plano formal, a realização do cineasta beira a perfeição.

Sua encenação obsessiva recompensa o espectador, como sempre, com travellings, closes precisos e movimentos de câmera calculados ao milímetro. Sua mania por simetria e composição faz de cada plano, impecavelmente enquadrado, uma pequena cena animada, sem qualquer sombra fora do lugar.
A fotografia é deslumbrante, valorizada por cenários suntuosos, adereços dispostos com evidente cuidado e uma paleta cromática vibrante. A esse conjunto somam-se sequências em preto e branco, sonhos estranhos que parecem se desenrolar na vida após a morte, no Paraíso: momentos surpreendentes e inéditos na filmografia de Anderson, prova de que o cineasta ainda guarda algo capaz de nos surpreender.

Esse universo visual esplêndido é acompanhado por uma trilha sonora original, cujas composições melodiosas se integram bem à atmosfera do filme, sem se tornarem particularmente marcantes. O desfecho é satisfatório e encerra com justiça O Esquema Fenício: um longa-metragem que passa o tempo com prazer e uma obra que merece, sem dúvida, ser apreciada.

Tal como nas partes anteriores da saga, o filme retoma o medo do abandono e do esquecimento, dos brinquedos deixados de lado em favor dos recém-chegados. Dessa vez, esse medo ganha um contorno mais atual: Bonnie, uma garota de timidez acentuada, recebe dos pais um tablet conectado para ajudá-la a se integrar socialmente e fazer amigos.

É aí que o filme constrói sua crítica ao uso intensivo de telas digitais: essas "babás virtuais" isolam as crianças e alteram sua imaginação, chegando a embotar o próprio raciocínio. A perda de criatividade não é o único custo; as relações humanas e as trocas reais também saem prejudicadas.

Além disso, a ficção não hesita em abordar a pressão social uniforme, o vício digital e o cyberbullying, este último um dos grandes perigos das redes on-line, que muitas vezes deixam feridas morais profundas. A reflexão sobre a necessidade de vínculo social e amizade lembra que o apego emocional pode trazer tanta felicidade quanto sofrimento.

O filme também carrega uma mensagem feminista de girl-power: o antigo herói Woody, cowboy já envelhecido, cede espaço a Jessie, a cowgirl enérgica e destemida. Essa passagem de bastão reforça o tom de renovação que atravessa toda a trama.

A denúncia do consumismo excessivo é igualmente bem-vinda: o ciclo de consumo empurra sempre para a compra do brinquedo mais recente da moda, abandonando todos os outros. Essas práticas deixam as crianças eternamente insatisfeitas, presas na busca por prazeres efêmeros dos quais se cansam rapidamente.

Em suma, a mensagem central é clara: a tecnologia moderna é inevitável e deve ser usada com sabedoria para preservar a saúde mental. Não adianta condenar o progresso digital; o caminho é aprender a fazer bom uso dele, de forma consciente, moderada e controlada.

Fugindo da própria lenda, Supergirl se propõe como um filme híbrido: bebe do western de vingança, mas se concentra sobretudo na introspecção de uma anti-heroína em busca de sua humanidade. Seu cão se torna a metáfora central de feridas passadas, do espírito da mãe e da própria identidade. É nessa ausência de lar e de estabilidade que emerge uma maturidade silenciosa e reprimida, que distingue Kara de um Super-Homem mais suave, ainda capaz de enxergar o mundo com inocência. Se um representa a esperança e carrega um ideal, a outra encara a verdade de forma concreta e pragmática, a de uma benevolência mais acessível e realista.

O verdadeiro problema do filme está no ritmo e na encenação. Craig Gillespie, conhecido por dirigir A Garota Ideal, Eu, Tonya e os dois Cruella, parece um tanto perdido nesse universo de super-heróis cósmicos. As cenas de ação são corretas, mas faltam insanidade e apostas palpáveis. As viagens intergalácticas viram uma sucessão de planetas genéricos, sustentados por efeitos especiais competentes, mas que nunca impressionam. O vilão é subexplorado, quase transparente, e a dupla com Ruthye nunca decola de fato, apesar das boas intenções. Já Lobo tem presença agradável, porém apenas anedótica.

O filme também hesita demais entre um tom divertido e sarcástico e um drama pesado sobre o luto, e o resultado é uma falta de consistência perceptível: algumas falas arrancam sorrisos, outras caem completamente ao lado. No fim, tem-se a sensação de assistir a um blockbuster mediano, que não corre riscos suficientes apesar de reunir todos os ingredientes para ser mais ousado. A conexão com o Superman de David Corenswet funciona bem, mas não basta para salvar o conjunto.

Vale notar ainda as inconsistências no roteiro, que enfraquecem as apostas dramáticas: o caso de Krypto, cuja cura pelo sol nem sequer é considerada, revela uma falta de lógica interna quanto à kryptonita, e os ferrões envenenados do vilão Krem, com seu antídoto único, acabam funcionando como arma definitiva contra os kryptonianos sem justificativa clara. O mesmo vale para Argo City, envenenada e à espera de uma cura cujo destino nunca é confirmado, mesmo com Kara navegando pelo universo sem cogitar voltar (provável gancho para filmes futuros). Sem contar que a Terra não é o único destino possível para sobreviventes kryptonianos, a menos que o roteiro queira mesmo transformá-los em divindades.

Em suma, não é um filme ruim, mas está longe do que se esperava. Milly Alcock salva parte da produção e sugere bom potencial para o futuro, mas esta primeira aventura permanece desigual demais para causar grande impressão. Fãs da DC, ou curiosos pelo universo, podem assistir tranquilamente em streaming; nos cinemas, porém, não chega a ser recomendação. Que o DCU acerte melhor a mão em seus próximos projetos.

Com ”Dia D”, Steven Spielberg retorna ao gênero que moldou parte de sua lenda: a ficção científica. O cineasta mais uma vez explora a questão do contato extraterrestre em um thriller ambicioso combinando conspiração de organização corporativa secreta, busca pela verdade e emoção humana.

A história segue Daniel Kellner, um especialista em segurança cibernética que descobre a existência de um enorme segredo escondido por décadas: a prova de que a humanidade não está sozinha no universo. Caçado por uma organização determinada a manter o silêncio, ele cruza com Margaret Fairchild, uma meteorologista cuja vida muda após um estranho fenômeno inexplicável. Juntos, eles se encontrarão no coração de um evento capaz de mudar o destino da humanidade.

Desde os primeiros minutos, Spielberg demonstra que ele não perdeu nada de seu domínio absoluto do suspense visual. As sequências de busca, os fenômenos celestes e as revelações progressivas recordam as grandes horas de seu Cinema. Mas por trás da dimensão espetacular está acima de tudo uma reflexão sobre a nossa capacidade de aceitar o desconhecido e sobre as consequências de uma verdade demasiado longa escondida.

Emily Blunt apresenta uma das performances mais notáveis do filme. Seu caráter, dividido entre fascínio e medo, rapidamente se torna o coração emocional da história. À sua frente, Josh O'Connor traz uma vulnerabilidade convincente enquanto Colin Firth compõe um antagonista elegante e perturbador, representando um sistema pronto para fazer qualquer coisa para preservar seus segredos.

Visualmente, ”Dia D” impressiona. A fotografia sublima tanto as paisagens terrestres quanto as manifestações alienígenas. O conjunto com amplitude e nostalgia, reforçando as ligações óbvias com as grandes obras de ficção científica do diretor.

Enquanto alguns críticos analisaram o filme por algumas estruturas do roteiro e uma trama às vezes carregada demais, muitos saúdam sua ambição e sua respiração. O longa-metragem conseguiu misturar o Spielberg do blockbuster e o das histórias profundamente humanistas.

Em última análise, Steven Spielberg assina um retorno espetacular à ficção científica. Entre o thriller paranoico, a aventura cósmica e a reflexão sobre o nosso lugar no universo, o filme oferece uma experiência imersiva levada por um elenco notável e uma encenação de alto nível. Sem alcançar plenamente o poder emocional de suas obras-primas passadas, ele lembra por que Spielberg continua sendo um dos maiores contadores de histórias do cinema contemporâneo.

A humanidade sempre se perguntou o que está por trás do real. Mas uma pergunta, ainda mais perturbadora, acompanha esta questão: o que acontece com aqueles que afirmam ter visto o que está do outro lado? Os visionários de ontem às vezes se tornam os tolos de hoje; os tolos de hoje às vezes se tornam os visionários do amanhã. É neste espaço de incerteza que Backrooms, o primeiro longa-metragem de Kane Parsons, faz parte.

O filme parece partir de uma ideia simples: a existência de mundos ocultos, escondidos atrás da realidade comum. No entanto, muito rapidamente, torna-se difícil saber o que você está realmente olhando. Universo paralelo? Projeção mental? Delírio? Pesadelo? Kane Parsons voluntariamente mantém essa ambiguidade e é justamente nessa hesitação que nasce a estranheza do filme.

Em várias ocasiões, Backrooms evoca algumas grandes obras de ficção científica metafísica. Às vezes pensamos em Interestelar dessa maneira de sugerir que a realidade visível pode ser apenas uma camada entre outras, mas também no The Truman Show, da qual ele compartilha, de uma forma mais perturbadora, essa questão fundamental: o que acontece quando um indivíduo descobre que o mundo que ele acreditava conhecer pode não ser o mundo real? Mas onde essas obras ainda buscam, cada uma à sua maneira, organizar essa revelação, Kane Parsons prefere deixar o espectador em uma zona de suspensão permanente, onde toda certeza parece provisória e onde o absurdo gradualmente adquire sua própria coerência.

O filme desenvolve então uma mecânica narrativa particularmente eficaz: a de uma forma de validação progressiva do improvável. À medida que a narrativa avança, o círculo de testemunhas se amplia. O que poderia passar por uma percepção isolada ou delírio individual gradualmente se torna uma hipótese cada vez mais difícil de descartar. Esta discreta progressão permite ao filme manter a dúvida, fortalecendo continuamente a credibilidade do seu universo.

Essa lógica também se reflete na atmosfera do filme. Os espaços dos Backrooms não se assemelham às decorações espetaculares geralmente associadas a mundos paralelos. Pelo contrário, a fotografia favorece uma luz amarelada, quase doméstica, evocando certos apartamentos, escritórios ou corredores das décadas de 1980 e 1990. Essa aparente banalidade está gradualmente se tornando perturbadora. Quanto mais familiares os lugares parecem, mais difícil sua estranheza se torna suportar.

Mas talvez a verdadeira força do filme esteja em outro lugar. Essas salas infinitas, esses corredores sem função aparente e espaços que parecem ser repetidos até o infinito acabam evocando menos um lugar físico do que um estado de consciência. O espectador às vezes tem a impressão de testemunhar uma materialização da própria psique, como se os sonhos, ansiedades e as áreas escuras da mente humana tivessem encontrado uma forma arquitetônica. Há algo profundamente psiquiátrico sobre essa experiência, no melhor sentido da palavra: o filme questiona constantemente a frágil fronteira entre percepção e delírio.

A encenação, o trabalho sonoro e a música acompanham essa abordagem admiravelmente. A ansiedade não vem apenas do que aparece na tela, mas do que poderia existir atrás de cada parede, atrás de cada porta, atrás de cada nível de realidade. O filme entende que o mistério muitas vezes permanece mais poderoso do que sua revelação.

Talvez seja aí que os Backrooms são bem sucedidos. Por trás de sua aparente estranheza, o filme toca em uma questão universal: e se o real não fosse a totalidade do real? Ao se recusar a fornecer respostas definitivas, Kane Parsons transforma um fenômeno nascido na Internet em uma experiência quase filosófica, onde o fantástico às vezes se junta à metafísica.

Como alguns sonhos particularmente persistentes, Backrooms permanece difícil de dizer quando terminou. O filme deixa para trás menos respostas do que impressões, menos certezas do que intuições. Talvez porque algumas experiências naturalmente resistem à linguagem. Afinal, é difícil descrever com precisão o que você viu para alguém que nunca viu isso sozinho. E talvez seja nessa lacuna entre a experiência e sua narrativa que o filme encontra sua força mais singular.

No meio da noite em uma cabine telefônica, um homem que depois de um encontro perdido com a mulher de sua vida, recebe em uma cabine telefônica o chamado desesperado de um jovem soldado em pânico que tenta chegar a seu pai para ensiná-lo que mísseis nucleares cairão em Los Angeles em uma hora e dez minutos.
Este cenário é particularmente cativante para ver ao longo de sua duração de pouco menos de uma hora e meia extremamente intensa. Ao longo deste tempo, estamos testemunhando uma trama altamente cativante mostrando o pânico resultante deste suposto fim do mundo através de um iminente holocausto nuclear. Todo o sal do filme é baseado em saber se os protagonistas vão ou não acreditar neste evento devastador e ver se eles terão sucesso em encontrar uma solução muito rápida para fugir dessa ameaça potencial do céu. A questão que provoca ansiedade é de vital importância e dá origem a cenas fundamentalmente de partes interessadas. Especialmente porque cada minuto conta, já que tudo isso está acontecendo em tempo real. O filme consegue muito bem combinar seus gêneros cinematográficos tratando perfeitamente o medo de armas atômicas através desta possível tragédia, e integra dentro de si um romance muito bonito. A atmosfera é altamente encantadora e cheia de ansiedade.

Um cenário inteligente e suficientemente bem para nos manter em suspense. Imagine por um momento, você descobre que mal tem 1h antes de ogivas nucleares caírem sobre você, o que você faria? E se tudo isto for só uma farsa? Nós então literalmente nos encontramos em uma atmosfera pré-apocalíptica contra o pano de fundo de uma Guerra Fria.

A encenação de qualidade oferece uma boa dose de suspense, a história se mantém em suspense desde o início até uma sequência final muito comovente e a música eletrônica que devemos ao grupo alemão Tangerine Dream que traz uma atmosfera estranha para este filme crepuscular que merece ser descoberto por um público amplo, mesmo que possamos lamentar a presença de uma fotografia que envelheceu mal e sets que fazem um pouco de kitsch hoje.
Mas a realização é correta e a recusa do final feliz aterrorizante. Basicamente, há bom e pelo menos bom, mas o fato de ser desconhecido é um filme para descobrir, porque ao contrário de outros, não merece ser desconhecido como é.

O Mandaloriano e Grogu na versão cinematográfica continua a ser uma aventura muito divertida, fiel ao espírito da série. Temos um verdadeiro prazer em encontrar Mando e Grogu, cuja cumplicidade sempre funciona também. O longa-metragem é muito semelhante a um episódio de duas horas, com o mesmo ritmo, estrutura e encenação que no Disney+.
É bom, mas também faz parecer que você não está participando de um filme de “evento” que realmente evoluiria o universo de Star Wars. Esta é provavelmente a principal desvantagem: a história permanece contida, sem muita ambição galáctica.
Por outro lado, a descoberta de novos personagens e uma trama inédita traz um frescor bem-vindo.
No final, é uma aventura agradável, divertida e consistente, que vai encantar os fãs mesmo que não chateie nada.

Para seu primeiro longa-metragem, Curry Barker convoca inúmeras referências e extrai a medula material para inventar uma narrativa poderosa e formalmente inovadora. Com uma varinha mágica de um jovem cineasta prodígio, ele veste seu assunto, um drama particularmente pesado e desconfortável. Uma obra que fascina tanto quanto deixa um gosto de inacabado.
Devemos primeiro saudar o domínio formal do cineasta: o meio da história é um modelo de tensão atmosférica, carregado por uma interpretação de Inde Navarrette, absolutamente marcante. Sua mudança para a alienação torna a ameaça quase palpável.

No entanto, este belo edifício narrativo é baseado em uma base frágil que merece ser analisada a partir de um ângulo psicológico preciso. O cenário tira sua tensão da falta de comunicação e da reserva de Bear e das mentiras ou não contadas por seus amigos. Aqui, é crucial entender que Bear não é um homem tóxico em essência. Ele é um ser profundamente inibido que, por medo de rejeição ou incapacidade de expressar seus sentimentos, comete o erro de recorrer a um voto de forçar o destino.

O verdadeiro desconforto do filme reside nesta transferência: não é ele que está obcecado, é ela que se torna, apesar de si mesma, por causa de seu desejo para ele. Bear se torna um predador apesar de si mesmo, preso por um equipamento que ele não domina mais e que ele até parece querer cancelar quando percebe o horror da situação. O filme não conta a caça a um monstro, mas a deriva de um homem que, simplesmente querendo ser amado (enquanto ele é) sem ousar dizê-lo, acaba quebrando a vontade do outro.

Essa hesitação se cristaliza em uma final que favorece o impacto frontal em detrimento de uma conclusão mais reflexiva. Lamento que o filme não tenha explorado nem a culpa de Bear diante dessa obsessão que ele mesmo criou, e que o filme não se atreveu a ousar uma conclusão sobre o despertar de um pesadelo que poderia ter sido simbolizado por seu gato animado despertando-o, teria permitido que o protagonista entendesse que possuir o outro inevitavelmente equivale a destruí-lo ou destruir a si mesmo.

Uma coisa é certa: quando você terminar de assistir, você vai pensar duas vezes antes de fazer um desejo, por mais inocente que seja.

O filme "O Jogo do Predador", disponível na Netflix, é revelado como uma produção muito clássica em sua abordagem, apesar de algumas qualidades. O filme realmente não revoluciona o gênero, mesmo que os cenários australianos tragam uma mudança real de cenário e mudem os playgrounds habituais de thrillers de sobrevivência.

O ritmo é bastante bem controlado, com um pouco de ação, tensão e até mesmo um leve lado macabro para manter a atenção. No entanto, nada é realmente impressionante ou surpreendente no geral. A perseguição entre a vítima e o serial killer segue um mecânico extremamente previsível e é baseada no clichê do assassino psicopata já visto e revisado.

O filme está principalmente olhando para o seu elenco carregado por Charlize Theron e Taron Egerton, mas claramente não tem originalidade para realmente causar uma impressão duradoura.
Podemos lembrar, vendo a última cena da ascensão, porque obviamente o filme terminará sobre isso, que será uma reminiscência da introdução "Missão Impossível 2", que Charlize Theron provavelmente seria um excelente companheiro de equipe ou adversário para Ethan Hunt.

Grande entretenimento dos anos 80. Quero Ser Grande é a história de Josh baskin um garoto de 13 anos que um dia promete crescer. Seus desejos se tornam realidade e ele acorda no dia seguinte no corpo de um adulto de quase 30 anos. Ele tem o corpo de um adulto de 30 anos, mas psicologicamente ele ainda é uma criança. Ele então se encontrará confrontando o mundo dos adultos, apesar de si mesmo.

Uma comédia familiar muito boa. O filme é carregado por um Tom Hanks no topo de sua forma. Seu desempenho é tão bom que acreditamos que é profundamente. Parece que o astro é uma criança presa em um corpo adulto. Ele é magistral em seu papel. Ele está apenas neste momento apenas no início de sua carreira e ele já entrega uma excelente performance de atuação.
Mesmo que às vezes haja improbabilidades, mas não nos importamos porque é tão divertido ver hilário às vezes. Mas o que tem um trabalho maravilhoso e muito bom é que nunca perdemos a ótica de que ele é uma criança de 12 anos: com suas escolhas, seus desejos, suas reações, sua maneira de falar ... E isso, mesmo até o dilema final que mostra que ele evoluiu, mas quem continua sendo o que é: uma criança. E depois, todas as situações engraçadas, os jovens delirantes e francamente bons, os tremores secundários que voam que segue um ritmo louco e é essa felicidade. Um adulto com a mente e reações de uma criança mergulhando no mundo adulto trará para uma sucessão de situações engraçadas e delirantes (a cena do piano gigante na loja de brinquedos). Sem esquecer algumas linhas hilárias.

O filme também é terno e se move em particular no final. Um filme que nos faz entender que o dele é inútil para crescer rápido demais e que devemos aproveitar ao máximo sua infância com seus lados bons e ruins e que uma vez adulto você tem que manter um pouco de sua alma de infância. Ótimo entretenimento para toda a família.

A continuação do fenômeno que foi o primeiro filme em 2006. Não tendo um apego particular à obra, e não vendo concretamente a necessidade de uma sequência, eu acolhei bastante timidamente esta nova parte. E por mais que digamos, minha visualização confirmou um pouco esses medos, o resultado sendo tipicamente alinhado com os retornos de licença conhecidos que temos recentemente.

Desde o início, sentimos que todos tinham apenas uma ideia em mente: encontrar o espírito do primeiro. No plano introdutório, na aproximação do cenário ou na caracterização dos personagens, tudo é feito para trazer o espectador de volta ao que ele sabe. No entanto, o tempo passou e nossos personagens evoluíram logicamente desde então. Mas, apesar disso, o filme é um prazer inteligente colocá-los de volta exatamente no mesmo lugar de antes. Em outras palavras, esses primeiros minutos parecem nos mostrar que nenhum esforço será feito para trazer algo novo. Por isso fiquei um pouco decepcionado, mas não evitei meu prazer, porque gosto muito desse pequeno bando de personagens e atores. Necessariamente, ver Ana Hathaway, Emily Blunt ou Stanley Succi me encheu, mas é especialmente Meryl Streep que continua a cavar a tela. A figura de sua personagem é sempre tão especial e ela domina seu papel com perfeição. Então, mesmo que eu sentisse que estava voltando ao território conhecido, aceitei a ideia e estava pronto para me deixar levar pelo todo. No entanto, contra todas as probabilidades, a coisa toda finalmente escolheu me surpreender, para melhor ou para pior. Positivamente, para começar, porque o longa-metragem realmente queria evoluir a abordagem de seu assunto, através de uma visão mais atual deste ambiente. Estamos falando da digitalização do trabalho de jornalista, fast fashion, o destaque de comportamentos tóxicos no trabalho, etc...bastante cativante e novo.

Infelizmente, o problema com essa contribuição é que ele se vê, muito mínimo em relação à sua promessa. No geral, o roteiro desta sequência é tão leve quanto o primeiro, e, portanto, todos os assuntos que citei serão muito sobrevoados. O melhor exemplo é o tema do fast fashion, que é suposto ser o ponto de partida de toda esta nova história, mas que nunca será realmente explicado. É falado sobre isso, mas é simplesmente parte da cena, nenhum desenvolvimento sobre esta questão virá. E eu realmente tive o mesmo sentimento por todo o resto, o que é realmente uma pena. E, finalmente, por causa dessa mudança de direção na abordagem da história, eu acho que o filme perde um pouco de seu estado de espírito original.

O que foi interessante no primeiro foi esse ritmo frenético e o humor muito seco trazido por Miranda, que foi claramente exagerado. Mas aqui, já temos um conjunto muito menos envolvente na execução, o filme claramente tendo comprimentos. Mas também, um humor que às vezes perde a espontaneidade, com uma Miranda menos sádica do que o esperado. No papel, é interessante evoluir o personagem, mas pode ser forçado demais para acreditar. Eu entendo o desejo de ser mais atual, mas o espectador não é estúpido, ele sabia que Miranda era uma caricatura, então não precisamos de outros personagens para desarmar essas observações, dizendo-lhe que ela não pode dizer isso.
Em última análise, esta obra realmente tenta agradar seus fãs, enquanto traz muitas novidades, o que tem a consequência de distorcer um pouco o próprio espírito da licença.
Não estou dizendo que o filme decepciona, mas para mim, não vai longe o suficiente.

Mortal Kombat II é provavelmente um dos maiores paradoxos que já vi no cinema de entretenimento recente: Um seguimento direto de uma primeira obra de 2021 que lançou as bases sem ainda abraçar totalmente a mitologia. Mortal Kombat II chega no comando de uma dívida e de uma sincera esperança: não que o filme seja grande e revolucionário, mas que finalmente sabe o que quer ser.

A coisa mais decepcionante neste filme é a total falta de exploração do universo. O filme fala constantemente sobre diferentes reinos, dimensões e povos, mas no final descobrimos quase nada. Tudo dá a impressão de ser ligado a um fundo verde, sem uma identidade visual real ou uma sensação de viagem. O único lugar ligeiramente desenvolvido é a aldeia de Tarkatan, e novamente, o palco é muito curto para realmente instalar uma atmosfera ou aprofundar sua cultura. Para uma licença tão rica quanto Mortal Kombat, é frustrante.

As lutas, que devem ser o coração do filme, também carecem de criatividade e estratégia. Algumas cenas são impressionantes visualmente, mas muitos confrontos parecem apenas uma sucessão de golpes sem tensão real ou encenação memorável. Muitas vezes fiquei com a sensação que poderia ser algo mais engenhoso, especialmente quando sabemos o potencial dos personagens e as rivalidades icônicas da saga.

O ritmo também é um problema: o filme vai muito rápido. Vamos de um evento para outro sem dar os personagens ou as apostas para respirar. Como resultado, algumas cenas que supostamente são importantes perdem seu impacto emocional. Com uma duração um pouco maior, o filme poderia ter desenvolvido ainda mais seus reinos, personagens secundários e relacionamentos.

Outro ponto infeliz: vários personagens não têm profundidade. Alguns são introduzidos como figuras importantes, mas quase não têm desenvolvimento ou são apenas usados para lançar uma cena de combate. Teria sido interessante explorar mais de suas motivações, medos ou história para tornar a coisa toda mais marcante.

Visualmente, o filme depende muito de efeitos especiais, mas às vezes à custa do realismo e da imersão. Alguns conjuntos parecem artificiais e dão a impressão de um universo vazio, enquanto *Mortal Kombat* deve ser brutal, vivo e misterioso.

No entanto, o filme ainda tem qualidades: alguns personagens são fiéis ao jogo, algumas fatalidades são divertidas e a atmosfera continua agradável. Mas com um universo tão rico, havia claramente algo a ver com algo mais ambicioso, mais imersivo e acima de tudo mais memorável.
É claramente o tipo de filme em que você coloca seu cérebro por duas horas para aproveitar o momento e, honestamente, funciona bem.
Um filme acima de tudo para os fãs do jogo e da cultura pop em que a operação de nostalgia funciona.

Preso em uma situação precária da qual ele não espera mais qualquer fuga, Arj entra um dia em contato com o anjo subordinado Gabriel (especializado no resgate de pessoas rebitadas em seus telefones ao volante) que, para provar a si mesmo para seus pares, vai procurar colocá-lo de volta no caminho de uma vida melhor...

Primeiro longa-metragem escrito, dirigido e interpretado por Aziz Ansari, colocando de volta em cena o tipo de comédias norte-americanas caprichadas que parecia ter desertado os cinemas desde o fim da era de Judd Apatow.
Depois de ter passado com sucesso no formato da série como autor e diretor ("Master of None"), o humorista comediante de fato se esforça na tela grande com uma fábula existencial, bastante maligna no que ela tem a dizer sobre a queda da estagnação social em que os "invisíveis" que estão morrendo lentamente acorrentando os empregos ímpares na indiferença geral, e, claro, alegremente absurdo por seu conceito.

Certamente, não nos lembraremos de "Quando o Céu se Engana" pela qualidade de sua encenação. O roteiro não é de uma originalidade insana, mas o filme é bem feito, pontuado e as mordaças caem no momento certo. Os diálogos são engraçados, bem escritos, e atinge o público.
Acima de tudo, onde a maioria das comédias teria suspeitado da simples ideia de fazer Arj provar as alegrias de uma vida de sonho como uma rápida cena cômica para retornar rapidamente às unhas de um desdobramento mais acordado (e muito rapidamente moralista), Ansari vai empurrá-la muito inteligentemente para seu paroxismo, liderando todos os seus personagens no delírio muito jubiloso criado por seu protagonista.

Portanto, "Quando o Céu se Engana" cumprirá francamente seu contrato cômico em termos de situações improváveis, constantemente carregado pelo talento de seu trio de atores: o próprio Ansari em mente, é claro, perfeito neste papel escrito por seu cuidado, mas ele também é brilhantemente apoiado por Seth Rogen que sabe como se beneficiar neste tipo de papel e Keanu Reeves que se diverte com sua imagem pública.

Esperando que as asas do diretor continuem a crescer atrás das costas, em preparação para uma segunda comédia desse tipo, certamente estaremos lá para acompanhar novamente.

Como fazer com que as pessoas que andem em linha reta e no mesmo ritmo por quase 2 horas sejam interessantes? Claramente, a tarefa não foi fácil, mas deve-se dizer que essa produção colocou todas as chances ao seu favor para ter sucesso em seu movimento.
O filme mostra-nos claramente que, perante este desejo de resistir à violência do poder, não podemos lutar, mais cedo ou mais tarde nos tornaremos o produto disso. E eu sei que algumas pessoas vão ter dificuldade com essa ideia, mas acho que é realmente ótimo. Certamente, ela é muito cruel e não deixa espaço para esperança, mas isso não me incomoda. Pelo contrário, conta muito mais coisas dessa maneira, e acho que esse fim fará muito mais pensamento do que se a vingança tivesse sido evitada. Especialmente porque é bom ver um filme para o público em geral tomando esses tipos de decisões muito ousadas.

E essa ideia funciona, principalmente porque entendemos a luta de nossos heróis. Durante as 2 horas, eu estava muito perto de todos esses personagens, cada um tendo sua particularidade. Estes podem ser caricaturas para alguns, mas isso os torna muito rapidamente identificáveis e confiáveis. Temos uma infinidade de personagens, tendo reações muito diferentes aos acontecimentos, e foi isso que criou a imprevisibilidade da história, apesar de sua aparição banal.
Isso nos permite sempre criar novidade em situações, mesmo que as esperemos. Por isso, alguns vão culpar a falta de violência física e gore, mas acho que não é entender o filme que dizer algo assim. Pelo contrário, é até um pouco irônico pedir gore em um projeto que denuncia a violência do nosso mundo. Aqui, a violência é muito mais psicológica do que física, e é isso que torna tão forte de se olhar. Eu não precisava de litros de sangue para entender a violência deste universo, um simples personagem ferido e exausto tentando continuar a seguir em frente, apesar de tudo claramente me bastar. Dotar que esta impressão está claramente a surgir graças à boa gestão das relações entre os nossos personagens.

Sobre este ponto, só posso parabenizar o elenco. Achei as conversas sinceras, bem escritas e acima de tudo muito bem jogadas. Falamos de muitas coisas neste filme, e os diálogos conseguem transmitir tudo isso. Simplificando, porque as trocas estão vivas, elas dizem algo e respondem, como esperamos de pessoas reais. E quando se trata de Francis Lawrence, acostumado a filmes distópicos para adolescentes (ele dirigido por menos de 5 Jogos Vorazes), mesmo que ele não revolucione sua encenação neste filme, tenho a sensação de que ele entendeu o que era necessário fazer para dar vida a tudo isso. Por estar constantemente no caminho certo para sua câmera, e por recusar as cenas fixas (cada cena do filme estar em movimento), ele nos inscreve na mesma caminhada que nossos heróis. Sentimo-nos perto deles, em seu contato e isso fortalece nossas emoções quando o infortúnio cai sobre eles.

Não sei mais o que acrescentar, por isso serei breve. Eu posso entender que não gostamos deste filme, mas pessoalmente, eu realmente gostei. Fica zangado como quiseres. Da próxima vez que eu for dar uma volta e quero parar depois de 7/8km farei um esforço extra...

Recém-formada em Jornalismo, Andrea Sachs chega a Nova York e consegue o emprego dos sonhos como assistente da editora tirânica de uma revista de moda.

David Frankel (Marley & Eu) adapta o romance de Lauren Weisberger. O roteiro foi escrito por Aline Brosh McKenna (Compramos um Zoológico). O filme foi indicado a dois Oscars em 2007, Melhor Atriz (Meryl Streep) e Melhor Figurino.

Como você terá entendido, o tema da moda não vai ser invasivo. Na realidade, isso servirá como um fundo para apoiar a história. Isso poderia ter acontecido em qualquer outra área de trabalho, mesmo que seja verdade que esse ambiente é conhecido por suas derivas.

O ritmo será sustentado na história deste jovem assistente. Em nenhum momento fiquei entediado. Fui facilmente apanhado pela história.

Representará a face cruel do mundo do trabalho. Tive pena da Andrea. Vamos suportar com ela todas as misérias que sua chefe a faz viver.

Este filme se transformará, portanto, em um belo simbolismo de sacrifício pelo serviço. Vale a pena? Até onde podemos ultrapassar o limite? A vida não deve ser limitada a uma vida monótona e rotineira, focada principalmente no trabalho. Querer alcançar os sonhos é muito nobre, mas você não pode aceitar tudo e sacrificar o relacionamento com seus entes queridos. Por fim, mesmo que às vezes eu risse, estamos mais diante de um drama do que de uma comédia na minha opinião. Há um significado profundo.

Quero saudar as sublimes atuações das atrizes. A grande Meryl Streep mostra a extensão de sua graça. O charme desajeitado de Anne Hathaway é bastante irresistível, ela tem um espírito tocante. O elenco secundário é igualmente qualitativo com Emily Blunt e Stanley Tucci.
É um filme que pode ser visto várias vezes com o mesmo prazer.
Mais do que esperar que o 2 respeite este universo e que encontremos o mesmo espírito que o 1.

O dispositivo narrativo de Good Luck, Have Fun, Don't Die é mais sutil do que parece. O filme não joga na repetição dos loops de tempo para criar uma vertigem no dia que nunca acaba, nem procura pesar a contagem regressiva desta 117º tentativa e possível tentativa final. A urgência é levantada, afirmada, mas raramente sentida. Esta escolha estrutural, para permanecer ancorado neste presente da última chance sem realmente fazê-lo sentir o peso, é tanto um limite e uma intenção. O que importa menos aqui é o cronômetro que deixamos encaixar antes de começar a girar.

Para contar a história dessa transição para o apocalipse, o realizador opta por uma série de flashbacks que gradualmente revelam a discreta deriva de uma sociedade ocidental baseada inteiramente em digital e hiperconexão. Essas sequências funcionam como mini-episódios no Black Mirror, cada um decorticando uma faceta de nossa dependência tecnológica, inclusive nos momentos mais íntimos, como o luto. É aqui que o filme é mais preciso, porque não mostra apenas as pessoas agindo de forma estúpida: mostra como a tecnologia caiu em falhas emocionais, quase por solicitude, antes de agarrá-las mais profundamente. O problema é que esses parênteses regularmente quebram o ritmo de uma trama superalimentada para dobrar em si mesmos, diluindo a tensão no momento em que o filme deve se acumular e amplificar.

A inteligência artificial antagonística não é a frieza de cálculo de um HAL 9000. É um reflexo distorcido da humanidade em vez de um carrasco de outro lugar, e é aqui que a referência a Romero e A Noite dos Mortos-Vivos assume seu pleno significado: o perigo vem de dentro, ele carrega nossa face. O apocalipse não é, portanto, uma invasão, é uma capitulação progressiva e consentida, que começa desde cedo.

É aqui que a Boa Sorte, Divirta-se, Não Morra, esteja em seus próprios limites. O filme corre o risco de parecer um cinema boomer que repreende a geração Z e seu uso indevido de telefones celulares. Um olhar um pouco saliente que aponta os usuários sem questionar o sistema que os fez, que carrega as vítimas sem realmente designar as corporações com fome de lucro que inventaram essa dependência. Ele é meio-feito, graças a uma auto-depreciação suficiente para não ser reduzido a uma lição de moral.

O fato é o realizador consegue propor uma aventura divertida no nosso presente que nos escapa mais rápido do que pensamos. O tempo passa e é frequentemente desperdiçado, começando com esse consentimento silencioso para a desconexão emocional em um mundo hiperconectado. Em nossa maneira de rolar sem parar, podemos finalmente ver o loop em tempo real do filme. Não aquele que Sam Rockwell procura desesperadamente quebrar, mas aquele em que nos trancamos, sem ser forçado a dar as mãos.
No final, é um trabalho intrigante, ousado, mas muito desordenado para marcar de forma sustentável. Uma curiosidade que merece ser descoberta.

Dada a infinidade de filmes biográficos musicais (bem sucedidos como perdidos) que o cinema nos serviu nos últimos anos, era bastante lógico que o Rei do Pop também acabasse tendo seu próprio filme.

A história consegue equilibrar gênio público e rachaduras privadas, tornando a jornada do personagem tão fascinante quanto crível.
A profundidade psicológica de Michael é bem transcrita: o filme explora finamente suas dualidades e feridas de infância, o que dá uma humanidade pungente ao seu personagem. É bom porque o filme mostra que cantar é para ele uma maneira de dar o amor que ele nem sempre recebeu. Esta busca pelo reconhecimento é bem tratada e explica por que ele se tornou uma Lenda mundial.

Sua relação com o Jackson Five é muito fidedigno: o filme retrata realisticamente a dinâmica fraterna, misturando a unidade do grupo e as tensões internas, tornando seu sucesso mais autêntico.
Suas canções trazem um poder narrativo essencial: não são meros interlúdios, mas refletem seus humores e pontuam sua evolução como um vinho.
Seus sacrifícios são bem executados: o filme mostra com precisão o preço da fama e a renúncia a uma vida normal, o que torna sua ascensão tanto heróica quanto trágica.
Suas escolhas se beneficiam de um aprimoramento notável, ilustrando a determinação do personagem e ancorando suas ações no coração das questões da história.

A relação com Bubbles (Seu Chimpanzé de estimação) é encenada como um refúgio emocional: ilustra com precisão a necessidade de inocência de Michael, tornando o macaco um verdadeiro confidente no meio de um mundo de pressão.
Seus anos solo se beneficiam de poderoso processamento narrativo, destacando o surgimento de seu gênio criativo e a ascensão de um ícone planetário.

A sequência onde ele percebe que a gravidade de suas queimaduras atua como uma verdadeira mudança psicológica: altera radicalmente sua percepção de si mesmo e marca um ponto de virada irreversível em seu relacionamento com sua imagem.
Há uma verdadeira determinação carismática em sua jornada. Michael não quer apenas cantar, ele impõe sua visão com confiança, o que fortalece sua credibilidade.
Joseph Jackson é retratado como um personagem frio e distante. Isso lhe dá alívio ao seu caráter. O filme atinge a complexidade de seu relacionamento, permanecendo demais na superfície sobre as tensões e a influência real que Joseph teve em sua vida. Isso reduz o impacto emocional do filme, pois não se entende completamente a origem de suas feridas ou o que forjou sua persona.

Esta cinebiografia presta uma digna homenagem vibrante a esta Lenda, como os grandes filmes sobre Bruce Lee, capturando a própria essência de seu gênio e seu impacto no mundo.
A cinebiografia nos faz entender que o sucesso de Michael é inseparável de sua perseverança. Não é um presente gratuito, é uma luta de cada momento. Este tratamento realista mostra que por trás de cada passo de dança perfeita, há mil quedas e determinação inabalável.

Jaafar Jackson interpreta o artista tão bem e ele se parece tanto com seu tio, os efeitos do vitiligo são bem tratados, o que traz profundidade. Isso tem um impacto na sua imagem e carreira. Também uma menção para Juliano Valdi, que interpreta Michael durante o período “Jackson 5”, também super convincente. Gosto da iluminação, da cor e dos trajes extremamente fiéis à realidade. As coreografias, é claro, e o fato de ter visto o filme em uma sala com um bom som, é realmente ótimo para a música e as cenas de apresentações lendárias que me transportaram. É uma experiência jubilosa e comovente.

Em 2022, Hans Niemann, streamer estadunidense e Grande Mestre de Xadrez (Título vitalício, criado em 1950, concedido pela Federação Internacional de Xadrez aos enxadristas profissionais) Chocou o mundo dos enxadristas após a vitória contra o número 1 do mundo, o norueguês, Magnus Carlsen. Onde as alegações de trapaça sacudiram com a mídia global e a internet foram desencadeadas pelas teorias da conspirações, que se seguiram a Hans até sua conta ser banida do Chess.com.
No auge da Copa, Niemann terminou o dia com uma entrevista indiferente, dizendo a todos que “o xadrez fala por si”. No entanto, algo não ficou bem com Carlsen após a derrota.

O documentário se concentra na edição original e, em seguida, nas próprias opiniões de Niemann em torno da suposta conspiração de Carlsen com o chess.com e outros integrantes principais do mundo do xadrez. É uma história interessante, e também extremamente insana porque as alegações e acusações parecem que estão fora de um tópico do Reddit. Há muitas discussões políticas no filme que serão muito interessantes, especialmente quando outros figurões de xadrez se juntarem à conversa. É uma discussão bizarra, sem dúvida.

O drama é abundante no filme, e eu acho que os criadores fazem isso de propósito para torná-lo mais do que provavelmente era. Prospera no puro absurdo e na escala do drama. A rivalidade entre os dois homens em mãos também é bastante agradável de assistir ao jogo na tela.

No entanto, isso é quase tanto quanto o documentário traz para a mesa porque não apresenta nada de novo ou mesmo concreto na nossa frente, contando com perspectivas conflitantes e as próprias interpretações dos espectadores sobre eles.
A complexidade real, incluindo a psicologia, os dados e detalhes omitidos cruciais, são deixados de lado. Em um jogo definido por profundidade e precisão, essa produção parece uma oportunidade perdida e que soma a uma versão de eventos que parecem incompletos.

Parte disso decorre do fato de que a história em si é excepcionalmente emocionante e inconclusiva. A verdadeira percepção é o quão rápido o mundo decide quem você é e o mundo do xadrez escolheu um vilão, destruiu-o, depois, aos 45 do segundo tempo, admitiram silenciosamente que estavam errados.

O realizador norueguês, Kristoffer Borgli, constrói com O Drama um dispositivo de eficiência formidável: um casal preenchido, uma semana antes de seu casamento, vê seu equilíbrio vacilar após um evento inesperado. Tudo parece então reunido para um drama sentimental clássico. E, no entanto, muito rapidamente, o filme escolhe uma direção mais arriscada.

Porque a história se abre com uma leitura frontal, quase perturbadora no contexto atual: a de uma mulher apresentada como a fonte do desequilíbrio do casal. O filme não esconde essa orientação, ele assume. E isso é precisamente o que é analisado. O espectador é colocado em uma posição desconfortável, como se ele aderisse a uma interpretação que ele conhece, de certa forma, problemática. Este desconforto não é um acidente; está no coração desta obra.

A partir daí, o filme coloca em prática um mecanismo de grande finesse. Esta primeira leitura, que parece impor-se, torna-se gradualmente instável. Sem nunca contradizê-lo frontalmente, a narrativa funciona, a rachadura da relação, move-o. O que parecia óbvio deixa de ser, não pelo efeito da revelação brutal, mas por uma mudança contínua que reconfigura a relação entre os personagens.

Neste movimento, o desempenho de Robert Pattinson em mais uma atuação notável. Aqui ele encarna uma figura de homem desconstruída, recuada, quase flutuante, mas cuja presença é ainda mais perturbadora. Seu jogo é baseado em uma economia de meios que dá ao personagem uma densidade inesperada. De Crepúsculo a The Batman, Pattinson tem constantemente movido sua imagem; ele encontra aqui uma forma mais frágil, mas igualmente poderosa.

O que torna o drama particularmente interessante é a maneira como ele brinca com nossos próprios olhos. Ao nos fazer aderir a uma leitura inicial, e depois gradualmente revelar os limites, o filme constrói uma experiência que decorre tanto da análise quanto da narrativa. Não é mais apenas uma questão de seguir uma história, mas de experimentar a fragilidade do que pensamos que entendemos.

O resultado é um trabalho particularmente controlado, cuja progressão é baseada em um deslocamento contínuo do ponto de vista. O roteiro preciso, uma encenação contida e um jogo de atuação de grande precisão dão ao filme uma rara coerência.

O Drama estabelece-se assim como um filme que, sob a aparente simplicidade de um drama apaixonado, coloca em crise a nossa obviedade transformando uma leitura perturbadora em um verdadeiro motor narrativo.