Felipe

Faz tanto tempo que a arte insiste em repercutir certa ideia de que a relação entre amor e sofrimento é inexorável, que mesmo esta não sendo de fato uma regra para o bom funcionamento do mundo e seus habitantes ela já está demasiado marcada em nossos imaginários para ser desconsiderada. De todo modo, só o fato de insistir na constante exposição desses apreços e rejeições -e de quaisquer outros sentimentos que sejam- como forma de inspirar no receptor o desejo de perpetuar os seus próprios, o artista que busca em cada percalço de sua própria existência a matéria-prima da criatividade, é sábio e profeta mesmo dentro de eventual ignorância. Sendo assim, Xavier Dolan é um nome que incide diretamente sobre este tipo de leitura terapêutico-sentimentalista do fazer artístico. Talvez não tanto em Laurence Anyways ou Tom à la Ferme, mas claramente presente no resto de sua já robusta obra, a sensação de estar se encontrando com os devaneios mais turbulentos do personagem/autor/pessoa é bastante forte, e felizmente viajou do dispositivo confessional que tanto pontuava Eu Matei Minha Mãe e Amores Imaginários como experimentos estéticos falhos em sua fome por abarcar um mundo e uma sensação que jamais se disseram efetivamente palatáveis, para chegar até Mommy, onde vamos compreender o amor que circula entre Diane e Steve através de seus gestos, músicas, trocas de insultos, e janelas de exibição em metamorfose. Através de Dolan, enfim, e de seu cinema, que precisou ser boutique, boate, e consultório para finalmente conseguir se transformar em inegavelmente respeitável expressão artística.
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Sendo assim muito mais sobre experimentar do que sobre agir, as personagens vivem sob certa névoa de mistério quanto à verdadeira intenção em suas ações, que também é algo nova, se comparada, por exemplo, com a claridade nas questões sentimentais/familiares de Os Donos da Noite ou Amantes. Quase como numa commedia dell'arte -e o ambiente do vaudeville em muito remete à esse tipo de encenação- onde nenhum personagem é propriamente mau, a relação que se estabelece lentamente entre Phoenix, Renner e Cotillard, onde os dois primeiros amam da maneira que se veem capazes, mas não deixam de ser algozes em meio à verdade de seus sentimentos, é tão subjetiva quanto possível, já que tudo se vê filtrado pelas barreiras que a moça cria, especialmente por não conseguir se expressar perfeitamente na nova língua. Seu encontro com a família que tanto sonhava achar é um bom exemplo de como, mesmo tendo a chance de voltar a usar sua língua nativa, a comunicação, da maneira como ela conhecia, está sofrendo com os ruídos que este novo ambiente causa.

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A princípio parece bastante válido acentuar que The Rover não é acolhedor, em qualquer aspecto; especialmente para pessoas desacostumadas a experiências tão secas, a reação esperada é a completa repulsa. Mesmo sendo uma amálgama muito bem ajambrada de formatos conhecidos, como road-movie, drama pós-apocalíptico e, principalmente, faroeste, cada porção de filme parece ter sido bastante calculada de maneira à deixar o espectador alguns metros distante de qualquer verdadeira conexão com suas personagens. Guy Pearce surge na tela como um fantasma vindo de qualquer lugar tão extraterreno quanto extracampo e nada sabemos sobre ele, tem seu carro roubado por uma gangue cujos crimes nada compreendemos, e empreende atrás desses meliantes uma busca de métodos extremos, que nos infligem mais e mais dúvidas sobre dezenas de “quems” e “o quês” que podem estar em jogo; e cujas pequenas simbologias, que se amontoam mais e mais a cada sequência, acabam se provando algo primárias quando finalmente se compreendem os porquês.
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