Orson Welles

Orson Welles, foi um ator, diretor, escritor e produtor americano, é considerado um dos artistas mais versáteis do século XX no campo do teatro, do rádio e do cinema, em que obteve excelentes resultados.

Órfão aos quinze anos, após a morte do seu pai (sua mãe morreu quando ainda tinha 9 anos), George Orson Welles começou a estudar pintura em 1931, primeira arte em que se envolveu.

Adolescente, não via interesse nos estudos e em pouco tempo passou a atuar, tal paixão o levou a criar sua própria companhia de teatro em 1937.

Em 1938, Orson Welles produziu uma transmissão radiofônica intitulada A Guerra dos Mundos, adaptação da obra homônima de Herbert George Wells e que ficou famosa mundialmente por provocar pânico nos ouvintes, que imaginavam estar enfrentando uma invasão de extraterrestres, um Exército que ninguém via, mas que, de acordo com a dramatização radiofónica, em tom jornalístico, acabara de desembarcar no nosso planeta, o sucesso da transmissão foi tão grande que no dia seguinte todos queriam saber quem era o responsável pela tal "pegadinha", a fama do jovem Welles começava.

Foi casado com a atriz Rita Hayworth e tiveram a filha Rebecca, o casal divorciou-se em 1948.

Sua estreia no cinema, em filmes de longa metragem, ocorreu em 1941, com ''Cidadão Kane/Citizen Kane'', considerado pela crítica como um dos melhores filmes de todos os tempos e o mais importante dirigido por Welles.

Orson Welles morreu de ataque cardíaco em sua casa em Hollywood, Califórnia em 10 de outubro de 1985, aos 70 anos, e, segundo a lenda, teria feito o seguinte comentário sobre sua profissão antes de morrer: "conhecemos a famosa frase de Orson Welles ao visitar pela primeira vez os estúdios da RKO : "é realmente o trenzinho elétrico mais bonito com que uma criança pode sonhar."

Premiações:
Ganhou um Oscar Honorário em 1971, pelo seu enorme talento e versatilidade em fazer filmes.

Recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor por Cidadão Kane.

Recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator por Cidadão Kane.

Ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Original por Cidadão Kane.

Três momentos sublimes, de uma carreira sublime:

Em Cidadão Kane, Welles expõe, através da vida do magnata das mídias, Charles Forster Kane, que todas as formas de poder, na era moderna, se consolidam com os meios de comunicação de massa (hoje apoiados pelas chamadas mídias sociais, que apenas replicam mensagens dominantes).

Pode-se dizer que Cidadão Kane é, para o cinema, o que Kant é para a filosofia: ele pôs em questão, nesse filme, as infinitas possibilidades de se fazer um filme, de se fazer cinema.

Produzido dentro de Hollywood, o filme rompia com praticamente todas as convenções de dramaturgia e de estilo do “cinema clássico hollywoodiano”.

Começa rompendo a moldura causal e psicológica do realismo e do romanesco pseudoaristotélico, ao invés de uma narrativa linear, é como um quadro cubista, oferecendo múltiplas perspectivas para os fatos, criando vazios e incertezas.

Também rompeu com modos de fotografar e de montar os filmes. Kane é, em vários sentidos, um antifilme, um filme que se desconstrói, um filme-enigma.

A própria figura de C. F. Kane é ambígua, e se torna vítima de sua própria sede de poder – o que acontece em outros filmes wellesianos como Macbeth e A Marca da Maldade.

A figura do monomaníaco ambicioso e despótico habita a maior parte das obras de Welles, desde o seu Dracula radiofônico (1937) até o ambicioso projeto de um oratório multimídia chamado Moby Dick (1956) sobre o maníaco capitão Ahab.

Em seu projeto de adaptar Joseph Conrad (Coração das trevas, 1939-1940), Welles iria protagonizar (com uso de câmera subjetiva) tanto Marlow, o jovem aventureiro, quanto Kurtz, o déspota esclarecido na selva africana (o qual seria, depois, interpretado por Marlon Brando, no filme de Coppola, que parte do projeto de Welles).

Como grande leitor de Shakespeare, Welles sempre se preocupou com a questão do poder. Mais do que isso, com o modo como o poder deixa de ser um meio para se transformar num fim.

A sede de poder, a vontade de poder, é o motor do cinema wellesiano, vale lembrar que o jovem Orson, aos nove anos, pretendia escrever um ensaio sobre Nietzsche.

Por isso mesmo, os seus magnatas (Kane, Amberson, Arkadin) são figurações do poder da plutocracia americana, que ele conheceu de perto.

Nascido e criado no meio-oeste americano, filho de um industrial, Welles sabia que a engrenagem do poder, na modernidade, roda infinitamente com o óleo do dinheiro, enquanto vai moendo os menos favorecidos.

Por isso mesmo, sua obra, mesmo que reprimida e fraturada, mesmo que fragmentária, é como o fantasma do velho Hamlet: sempre retorna para dizer que há algo de podre no reino do capitalismo.

''A Marca da Maldade''

''A Marca da Maldade/Touch of Evil'', é um dos últimos exemplos de filme noir em época clássica do gênero (de início dos anos 1940 até a década de 1950).

Desde o seu lançamento, a reputação do filme cresceu em estatura, e agora é amplamente considerado como um dos melhores filmes de Welles.

Há duas histórias a respeito de como Welles acabou direcionando Touch of Evil. Charlton Heston lembrou que Welles foi originalmente contratado para atuar apenas no filme, não para dirigir ou escrever, a Universal fez questão de garantir Heston para a liderança, mas ele queria que o estúdio para confirmar o diretor antes de ele assinar, depois de saber que Welles estava no elenco, Heston expressou seu maior interesse em estrelar se Welles estivesse dirigindo.

A outra história é que Welles tinha recentemente trabalhado com o produtor Albert Zugsmith, conhecido como o "Rei dos filmes Bs", em um filme chamado Man in the Shadow e estava interessado em dirigir algo para ele, Zugsmith ofereceu-lhe uma pilha de roteiros, dos quais Welles pediu para o pior para provar que ele poderia fazer um grande filme a partir de um roteiro ruim, na época, o script foi chamado emblema do Mal, depois de um romance de Whit Masterson, no qual ele foi baseado, Welles fez uma reescrita e levou em produção, depois de uma década na Europa, durante o qual ele completou apenas alguns filmes, Welles estava ansioso para dirigir para Hollywood de novo, então ele concordou em levar apenas uma taxa de ator para o papel de Quinlan.

Uma série de atores notáveis ​​aparecem em pequenos e notáveis papéis, Dennis Weaver, interpreta um funcionário da noite em um motel, em uma performance verdadeiramente over-the-top, Heston gostou de Weaver e seu trabalho de ator de cinema. Zsa Zsa Gabor, que aparece brevemente como uma empresária de um clube de strip, era uma amiga do produtor, Joseph Calleia ,retrata o parceiro traído de Quinlan, muitos dos atores trabalhavam por salários mais baixos apenas para fazer um filme com Welles, Marlene Dietrich, foi uma surpresa para os produtores e eles levantou a taxa para que eles pudessem anunciar seu envolvimento, e Marlene considerou um dos seus grandes momentosa no cinema, ela era amiga de Welles.

Amigo de Welles e Mercury Theatre, o colega Joseph Cotten aparece creditado como um policial, Mercedes McCambridge, faz um bandido, Akim Tamiroff, Janet Leigh, Keenan Wynn entre outros dão seu show.

Artisticamente inovador e emocionalmente emocionante, noir clássico de Orson Welles é um deleite visual, bem como um escuro, suspense sinistro.

O filme abre com a sua sequência mais famosa, é uma audaciosa, incrível, de tirar o fôlego, de três minutos, ininterrupto Plano de Seguimento guindaste sob os créditos (que aparece sobreposto à esquerda da tela), todo o tiro de monitoramento abrange quatro blocos do início ao fim, em um close-up, mãos definir um dispositivo explosivo, cronometrado, as batidas de bongô e clangor de instrumentos de sopro são ouvidas (pontuação de Henry Mancini), acompanhado pelo tique-taque-taque do mecanismo numa soberba trilha sonora, filmado com câmeras de mão, caso raro na época.

O clímax emocionante do filme é conhecido por sua notável, camerawork elegante, edição e uso inventivo do som.

O futuro cineasta François Truffaut, louvor o filme na época.

Em 1993, Touch of Evil foi selecionado para a preservação nos Estados Unidos National Film Registry pela Biblioteca do Congresso como sendo "culturalmente, historicamente ou esteticamente significante".

Touch of Evil foi colocado # 64 no Instituto Americano de Filmes "100 Anos 100 Thrills," a lista em 2001.

A re-edição 1998, recebeu prêmios do New York Film Critics Círculo, os Los Angeles Film Critics Association e da Sociedade Nacional de Críticos de Cinema.

''Soberba/The Magnificent Ambersons''

Segundo Marlene Dietrich, o sr. Orson Welles colocou teto no cenário, com o que eletricistas deixaram de preocupar-nos, Welles deslocou então os projetores e fotografou a peça debaixo, movendo a câmara como ninguém havia se atrevido a fazer até então, para convencer-se de seu gênio é suficiente ver ''Soberba/The magnificente Ambersons, de 1942.

Ditas as palavras da diva, vamos, alguns fatos do filme.

O acompanhamento de Orson Welles para Cidadão Kane (1941), era totalmente diferente nesse filme, em estilo e textura, mas apenas como brilhante em sua própria maneira.

O escritor / diretor Welles não aparece na frente da câmera, mas sua narração soberbamente prepara o terreno para a ação do filme, que se desvanece em pura moda na Mansion dos Amberson, a habitação mais ostensiva em todos turn-of-século de Indianapolis.

As técnicas cinematográficas corajosas de Welles empregados em Cidadão Kane são colocados para um uso ainda mais sofisticados aqui. Welles evoca performances que seus atores raramente (ou nunca) compensadas em anos posteriores; a ponto da interpretação pequena, mais magistral de Agnes Moorehead, ter sido eleita pelo círculo de Críticos de Nova Iorque a Melhor Atriz daquele ano, e indicada ao Oscar.

Para mostrar as transformações no sistema sócio-econômico dos Estados Unidos no século XX, através da deterioração da orgulhosa porém moribunda família Amberson, Welles fez uso de impactantes técnicas cinematográficas—longas tomadas, composição em profundidade, diálogos sobrepostos, montagem elíptica e contrastes extremos de luz e sombra.

Em 1991, The Magnificent Ambersons, foi selecionado para a preservação nos Estados Unidos National Film Registry pela Biblioteca do Congresso como sendo "culturalmente, historicamente ou esteticamente significante", o filme foi incluído na Sight and Sound 's, em 1972, lista dos dez maiores filmes já feitos, e novamente na lista de 1982.

Cônjuge: Paola Mori (de 1955 a 1985), Rita Hayworth (de 1943 a 1947), Virginia Nicholson (de 1934 a 1940)
Filhas: Rebecca Welles, Beatrice Welles, Christopher Welles Feder