Wesley PC>

Começa e termina alucinante, experimentalíssimo, requerendo que adiramos ao transe proposto, a partir da experiência pessoal do diretor, em reação à testosterona, como ele próprio menciona em debates. Estive num deles, ao seu lado, e foi uma honra enorme encontrar o artista pulsante, enquanto a musicalidade do filme ainda se manifestava em meus ouvidos, à guisa de eco. Amei a canção interrompida bruscamente, em seus gritos e arroubos, e curti a análise da toxicidade relacional, a partir do modo invasivo e até belicoso com que os personagens se tratavam, permissivamente. Porém, a mitologia da febre, do calor, da lua de sangue, não funcionaram tanto comigo, inclusive porque eu não havia lido a sinopse do filme, antes da sessão, e fui num percurso completamente distinto, em termos de projeção emocional e imersão dos sentidos. Pressinto que, em um novo contato, apreciarei melhor o que nos é ofertado enquanto convite neste curta-metragem. Delicioso, ressalto. Uau! (WPC>)

Conheci um dos diretores no FestCurtas BH, onde o filme foi premiado, e fiquei encantado perante a sua simpatia e carisma. Gosto muito da fotografia desta obra, de como os personagens vão surgindo, de como o projeto do filme aparece internamente, convertendo em autoficção de um lugar o que seria documentário. O cruzamento entre as imagens atuais do açude e os registros setentistas é ótimo, bem como ma utilização das canções de Jorge Mello na trilha musical. As entrevistas são muito boas, mas algo na seqüência central - a do sinuca, que meus amigos amam, magistralmente enquadrada - fez com que eu me distanciasse um tanto do que estava sentindo e, assim, senti que o filme foi muito mais interrompido que encerrado, no desfecho, o que pode ser uma intenção, um discurso, um espelhamento de algo que ocorre em Piriripiri. Seja como for, reitero a emoção: ele nos alcança. É bonito! (WPC>)

Uma caneta só não é suficiente para anotar tantas referências, tantas citações, tanta magistralidade nos diálogos e nas situações pervertidas que se acumulam... Amo o eterno recomeçar metalingüístico da obra, o filme dentro do filme dentro do filme dentro da vida dentro do gozo. Atuações corajosas, efeitos práticos de maquiagem sublimes. Anotei diversas frases, mas ainda foi pouco. Senti que testemunhava a minha própria vida, diante da tela, por vezes. Se eu já gostava do diretor, aqui senti que ele atingiu o seu auge. Magnífico: trabalho de gênese carnal, cuja protagonista pareceu-me uma encarnação imagética da Catherine Breillat. Obra-prima! (WPC>)

Como é possível que um petardo desses não seja obrigatoriamente repassado nas salas de aula, nas entradas dos Institutos de Identificação brasileiros, nos locais que entregam carteirinhas de homossexuais cinéfilos? Descobri este filme supremo, tesouro ex-perdido de nosso cinema, numa sessão antecipada pelas exclamações e elogios intensos do Lucas Parente. Filme magistral, com amor indisfarçado pelo Glauber Rocha, pela Leila Diniz, e por alguns eternizados de nossa cultura. Narração potente e repleta de citações fílmicas. Corajosa demonstração de intervenções diretas na película, lamentavelmente não reconhecidas pela família do artista. Filme de amor, que faz jus ao título, enquanto superação: de repente, o brilho emerge da escuridão, e as cores ficam, a velocidade daquelas letras aceleradas e apaixonadas, o experimentalismo em seu auge. Amei, amei, amei! (WPC>)

Ainda estou sob impacto de tudo o que vivi no FestCurtas BH e, infelizmente, tive a má sorte de assistir a este filmaço numa sessão em que um bebê chorava, atrapalhando a minha imersão. Se, por um lado, foi super incômodo que este choro rasgasse o silêncio reflexivo exigido pela obra, por outro, ele funcionava como atualização do sentimento de desterro que pulsa naquelas imagens fortes (mesmo quando estáticas) e nas cartas ainda impactantes, escritas no século XVI. Trabalho de montagem impecável e doloroso resgate da dor ancestral dos povos originários brasileiros, lidando com a expulsão colonizatória exógena, que traz consigo a destruição e o extermínio. Potente relato de sobrevivência e resiliência. Dor, mas também arte, em seu viés mais radical, como disse meu querido amigo Marcelo Ikeda! (WPC>)

Não revia este filmaço há mais de duas décadas e, por mais que eu soubesse e sentisse que se trata de uma obra-prima, lembrava deste trabalho oscarizado como conflituoso, acerca das influências distintas do produtor Selznick e das obsessões directivas do Hitchcock. Revisto o filme, está tudo lá - e o vai e vem funciona magistralmente. Começa como trama romântica, avança como melodrama, mergulha no terror psicológico, converte-se em trama investigativa e finaliza como um grande afresco sobre platonismo lésbico. Trabalho magistral, merecedor dos prêmios que recebeu, mas que, definitivamente, não pode ser julgado por eles: é maior, bem maior que isso. O uso da câmera enquanto personagem é sublime. Idem em relação à trilha musical de Frank Waxman. Não gosto da composição estereotipada de Laurence Olivier, mas faz sentido no filme. Judith Anderson é uma monstra da interpretação, soberba. Joan Fontaine está perfeita em suas variações (alguém lembra o nome da personagem dela? É intencional! - risos). Obra-prima, que cresce ainda mais na revisão! (WPC>)

Começo com um clichê: como é maravilhoso ouvir o nosso sotaque nordestino nas telas. Amava toda vez que alguém soltava um "ôxe" em instantes de exasperação (risos). Para quem fia-se às notícias genéricas, é surpreendente, de fato, que este seja o primeiro longa-metragem como diretor do jovem Ulisses Arthur, mas sua vasta carreira como curta-metragista já configurava a experiência e segurança maneirista que ele demonstra aqui: fotografia e desenho de som são absolutamente deslumbrantes, com destaque para inúmeros momentos almodovarianos, como o beijo no vidro da porta, a discussão num carro abafado, etc. A coadjuvação de Luciano Pedro Jr. é assaz potente, mas algo na entrega actancial de Pedro Lobo incomodou-me. Não por estar insuficiente em si, mas por eu não conseguir acreditar em seu personagem, como se algo em Ciro estivesse subdesenvolvido, para além de suas dúvidas e frustrações cotidianas. Por isso, o filme funciona muito melhor quando imerge no universo dançante (a coreografia no ônibus, uau!) que quando se esforça para contar uma estória válida, sobre resistência periférica, com enfoque na união entre amigos. Gosto das seqüências de enfrentamento à reitoria e amei a movimentação de câmera na cena do refeitório, mas, no geral, é como se estivéssemos testemunhando àqueles personagens em constante estado de vigília. O que não depõe contra o filme: os amigos que estavam comigo na sessão adoraram-no, e estão ansiosos para (re)conferi-lo em sala de cinema. Achei o desfecho previsivelmente anticlimático (ao contrário do que pretende), mas a chama musical ficou acesa em mim. Queria ainda mais safadeza, talvez (risos). Mas é um belíssimo exemplar cinematográfico alagoano. Palmas dançantes para este gênio pulsante! (WPC>)

Quando li o anúncio deste filme, no Festival de Brasília, fiquei fascinado por sinopse e imagens. Conferindo-o, reafirmo o fascínio imagético e adorei como as técnicas de animação combinadas servem como demonstrativo de que, definitivamente, forma e conteúdo não se separam numa obra de arte, visto que a trama sobre auto-descoberta tem tudo a ver com o modo como os objetos de fundo surgem nos cenários. Gosto das referências, da poesia que se sobressai nas metáforas, da ótima trilha musical de Metá Metá... Mas quando as personagens se conhecem e conversam, o filme decai consideravelmente: não dá para levar a sério aquele encontro canhestro, a subestimação da relevância na mãe no percurso na personagem titular, as falas cerradas (vide a discussão de Alice com Filipe ou o "eu sou bifurcação, sou encruzilhada"), a visita à antiga casa da avó (cinqüenta anos depois!), a forçação de barra existencial nas falas, a ausência de preocupações materiais ou vínculos empregatícios, etc.. Fica a impressão reiterada de que beleza identitarista não se sustenta quando adere ao emburguesamento reelacional/afetivo. É difícil suportar a progressão dos eventos e deambulações da protagonista - que, venhamos e convenhamos, é sub-desenvolvida, para além do intencional. Infelizmente, não funcionou comigo. Mas acho que pode render bons debates, após as sessões... (WPC>)

Ainda que este filme tenha sido, até agora, o que eu menos gostei do diretor, ele é ótimo naquilo que consegue empreender: uma ode às amizades imediatas, um desafio ao tempo do capitalismo, um petardo pró-ambientalismo e um projeto de crença na humanização dos pacientes que sofrem de doenças neurodegenerativas. Há diversos assuntos em discussão simultaneidade, em meio aos longos diálogos entre as protagonistas, e eu fiquei particularmente fascinado pela poderosa presença em cena da enfermeira sisuda vivida por Marie Bunel, que chega a ser convertida em alívio cômico, por vezes, sobretudo no desfecho teleológico, em que a recusa em vestir um uniforme possui função interna assaz especifica. O roteiro é descarado em seu didatismo, por vezes (vide o quadro sobre o capitalismo), o que não me soou problemático, mas desgostei de como o diretor faz com que o filme se confunda com o excesso de condescendência do qual a protagonista é acusada (vide a hiperestima interna na seqüência teatral). Adorei a defesa dos sentimentos melhor sentidos quando pronunciados em língua materna e amei as conversas em francês e japonês, simultaneamente. As protagonistas são ótimas e o ritmo do filme é fascinante, ainda que a longa duração seja sentida. De tudo o que vi do diretor, aliás, este é o seu filme mais convencional, inclusive na sujeição a alguns cacoetes tramáticos, de modo que ele possui a aparência de "A CULPA É DAS ESTRELAS de arte", em mais de um momento. Mas insistir nisso seria um reducionismo. Ou em qualquer outro aspecto sinóptico. A magia desta obra, como convém a um autor de tamanha magnitude, está na combinação, na expansão, na superação da narrativa, no brilhantismo da utilização de múltiplos recursos e aspectos cinematográficos. Não me deixou arrebatado, como a vários de meus amigos, presentes à sessão lotada em que estava, mas é um dos melhores filmes de 2026, indubitavelmente. Trabalho de mestre! (WPC>)

Desde o meu primeiro contato com a Nahiara, em tela, fiquei deslumbrado perante a sua beleza e entrega à poesia. Aqui, este fascínio comprova-se desde o título, e estende-se às motivações que justificaram a feitura deste curta-metragem. Mesmo que não se saiba quem é evocado pela personagem Nara, acoplada àquele belo compêndio de mulheres célebres, no bordado entregue ao mar, sentimos que ela é uma mulher forte, marcada por um amor intenso, que foi interrompido por um naufrágio Neste sentido, apesar da evocação de uma perda, há em evidência, aqui, um agradecimento por um encontro, de modo que o filme aparece como uma espécie de atualização feliz (e feminina) de LIMITE. O modo como os elementos claros e aquáticos invadem a fotografia em preto-e-branco confirma esta impressão, validada pelo desempenho marcante de Elze Valois e pela surpreendente interpretação de meu amigo Jonta (aqui, mui contido, "desaparecido" na personificação). Amei a utilização da canção "Maresia", de Íris da Selva (fiquei repetindo-a por muito tempo, após a sessão), e fui seduzido pela ênfase poética da narração, em tom de despedida, em tom de autodescoberta, em tom de reconhecimento identitário, em tom de consciência cinematográfica do dia a dia, em tom de conclusão de percurso, em tom pessoal, mas também vinculado a algumas ótimas referências do cinema experimental mundial (e eminentemente brasileiro). Gostei ainda mais do que eu cria que funcionaria comigo. Obrigado e parabéns aos envolvidos - sobretudo, à (des)envolvida! - WPC>

Apesar do sucesso popular (segue em evidência na plataforma produtora Netflix), sinto que este filme foi criticamente negligenciado ou até mesmo ignorado em conversas cotidianas. O vi após uma recomendação pessoal de uma aluna de reforço e gostei de imediato da apresentação dos personagens. Estranhei o excessivo realismo dos cenários e fundos, pois isso contradizia a mágica prometida no título brasileiro, mas curti a fofura do protagonista, o enfrentamento do medo através da curiosidade... Entretanto, o filme prefere ser muito mais focado na ação incessante que na descrição do contexto, o que desperdiçou, em minha opinião, a sua característica mais marcante e fascinante. Mas o filme segue digno de atenção mesmo assim: por mais que o desfecho seja precipitado e a mensagem demonstre-se automática (pensei muito mais os atroeplos do janonismo que na ecologia florestal em si), o filme agrada e encanta, em porções moderadas. Minha mãe achou a duração longa, mas gostou do que viu. Concordei com ela! (WPC>)

Eis o tipo de filme que merece ser visto, no mínimo, uma vez por ano: uma exposição jovial de pessoas idosas, que interagem efusivamente, e vivem, desafiando quaisquer proibições que se lhes imponham. Ótima a revolta perante o aviso pedindo que as idosas não reiterem a parte de cima dos biquínis, na seqüência de abertura, por exemplo. Ótimos depoimentos (amei a falta de langor de Joëlle, por ser viúva de quem a espancava), maravilhosos jogos ficcionais de montagem (as câmeras lentas, o aproveitamento da trilha musical), lindo coadjuvante canino e desfecho que nos devolve cancionalmente o afeto pela vida, o apelo à diversão em nosso dia a dia. Ótimo! (WPC>)

Que objeto singular, uma viagem cinematográfica na qual demorei para demarcar, mas em relação à qual, pressinto, jamais sairei... Corresponde, discursiva e imageticamente, para a geração atual de jovens ao que ROSAS SELVAGENS representou para a minha. Muito similar em abordagem e explosão sensível. Em verdade, o filme parece parece uma coligação de elementos de obras tão díspares como KIDS e ENTRE OS MUROS DA ESCOLA, mas, quando se dispõe a transladar VIAGEM À ITÁLIA para a conjuntura adolescente, a influência rosselliniana abre espaço para um novo tipo de genialidade, iridescente, feminina, perfeitamente acabada, mesmo num trabalho de estréia. Eu estava detestando o personagem Toni, mas isto é fundamental para o que ocorre e sentimos no desfecho. O que reitera a sapiência da direção, pois a diretora não quer que idolatremos seres unidimensionais, mas, muitíssimo pelo contrário, os compreendamos, projetemo-nos neles por causa e apesar de seus defeitos. Neste sentido, todo o magnetismo de James é secundarizado quando Suzanne entra em cena e requer também a sua quota de protagonismo, também entregue à afligida e magistral professora interpretada por Antonia Buresi, em estado de graça. As seqüências musicais são sublimes (e mui realistas) e o modo como a perspectiva fílmica varia de observador em observador (ou de falante em falante) beira a supremacia de estilo, surpreendente para alguém tão jovem a condução. Talvez porque a Marine Atlan fala sobre algo que viveu e experimentou. Brilhante, não obstante demorarmos a admitir isso: o filme requer paciência, imersão, cuidado, zelo e entrega, até que a ressignificação ocorra, no trecho derradeiro. Merece todo o auê que vem causando entre os críticos, uau! (WPC>)

A impressão que eu tive, vendo o filme, é que a própria diretora era uma adolescente, deixando-se levar pelos pantins (etariamente compreensíveis) da protagonista. Conhecendo a filmografia da realizadora, nota-se que ela foi coerente na escolha deste enredo, que temas que já apareciam em ANTES QUE O MUNDO ACABE e AOS OLHOS DE ERNESTO voltam aqui, de maneira simpática, divertida, e até mesmo reflexiva, de modo que o final anticlimático cumpre uma função, obrigando-nos a conversar mais com nossos pais ou filhos, a depender da conformação dos espectadores. Apreciei a tentativa de reconstituição noventista de época, mas alguns anacronismos comportamentais se instalam, pela ausência de conflitos de classe, pela falta de reclamações financeiras e pela forçação de barra metalingüística nos diálogos romântico-cinefílicos do personagem Gabriel. seja como for, afeiçoei-me a Lola, gostei moderadamente de sua jornada de autodescoberta. sem expectativas, o filme funciona - e é coerente com os trabalhos anteriores da diretora, insisto! (WPC>)

Esperava um filme político; deparei-me com um filme poético, o que é algo sumamente político. Não consegui entender adequadamente a letra da canção titular, mas adorei o jogo de palavras, as rimas silábicas. Muito boa a conjunção imagética dos feitos grevistas de Lula e a nudez protestante das pessoas que desfilam pela tela. Filme de ocupação de ambientes e espaços emocionais. Obrigado, Jomard. Tu és imortal - e viva Lula! (WPC>)

A despeito de algumas recomendações que ouvi, que reclamavam que a duração estendida deste filme o tornava arrítmico, gostei muito da progressão da obra, de modo que diverti-me e refleti bastante ao longo da projeção, sobretudo porque aproveitei o momento azado para conferi-lo, imediatamente após o resultado eleitoral de 2026. Por um lado, é traumatizante perceber que as situações xenofóbicas aqui detectadas seguem manifestando-se quatro anos depois; por outro, é um consolo que o lulismo siga resistindo às ameaças da simplificação político-partidária, como se a disputa entre os candidatos fosse uma competição futebolística. A montagem é eficaz e o laudo crítico advindo desta obra é assertivo. Adorei reconhecer pessoas conhecidas entre as breves interações gravadas neste cabedal de situações inusitadas. Muito bom! (WPC>)

Há dois projetos ficcionais combatendo internamente nesta obra: um, direto, cru, sobre a relação temerosa entre pai e filha, com o espectro do incesto se instaurando pelas beiradas, em que a sujidade dos banheiros num campo de refugiados aumenta a angústia sobrevivencial de uma órfã lidando com a sua menarca e com cólicas atrozes; outro, convencional e exagerado, denuncista porém clicheroso, em que acompanhamos os clichês mafiosos de quem se beneficia com as guerras e o sofrimento alheio. O primeiro é ótimo, o segundo nem tanto, mas é este último que, à medida que a trama avança, se sobrepõe, pois ressignificará a situação inicial, ao inserir um novo temor à equação, que é o do casamento mediante chantagem, além dos abusos de poder clandestino. As idéias são boas, mas as execuções das mesmas nem sempre - até mesmo pela extrema dificuldades atreladas às filmagens, em plena Faixa de Gaza. Impacta, obviamente. Dói. Gosto de com termina, direciona-nos uma indignação que só cresce... Como permitem um genocídio tão escancarado, não obstante ser bastante documentado? Os interesses por detrás (ou até mesmo à frente) são indisfarçados. E o roteiro expõe alguns! (WPC>)

É difícil assistir aos trabalhos antigos do Wim Wenders sem pensar nas suas declarações de péssimo tom sobre "a arte como antítese da política". Porém, a sua abordagem concomitantemente sociológica e existencial do desamparo infantil, neste enredo, é bastante perturbadora: sentimo-nos aflitos ao testemunhar o desamparo de Ute, mas não há muito o que fazer. É um filme dramaticamente difícil, mas recompensador. Interpretações muito boas! (WPC>)

A fotografia do filme é deslumbrante, o elenco é bonito (amei a Alexandra Rada!) e a cena das bocas que se aproximam em meio ao sono é ótima, mas achei o filme muito assemelhado a tantas outras produções congêneres, que víamos na década de 1990. Apesar de a duração ser muito curta, não sei se eu cochilei e não entendi direito a inserção do 'flashback' enlutado. Mas é uma trama graciosa de descoberta amorosa adolescente! (WPC>)

Uma idéia única, porém divertida e bem executada. Súbito em resolução (tal qual acontece com as adaptações cinematográficas de "A Guerra dos Mundos". do H. G. Wells), mas funcional, divertido e dirigido com esmero. Não tenho gatos, e o filme ajuda a entender um dos porquês (risos) - WPC>

Já tinha visto um extraordinário curta-metragem anterior deste diretor somali e presumi que ele manteria o seu alto padrão de qualidade, ao adentrar a seara eminentemente dramática. Dito e feito: a frontalidade jurídica da situação central fez com que eu pensasse em SAINT OMER, da Alice Diop, agora pelo ponto de vista masculino. Assaz contundente em sua ambigüidade romântica e devastador ao nos dotar de empatia quanto ao olhar de abandono do ótimo protagonista. A extensão das seqüências com música é providencial. Trabalho de mestre! (WPC>)

Tão logo este filme estréie comercialmente, eu estarei nas trincheiras, defendendo-o, promovendo-o, estimulando-o... Nem sempre eu concordo com a conformação das situações à tese titular - o que aprisiona um pouco as interpretações espectatoriais -, mas por se tratar de uma percepção mui pessoal (à la Petra Costa, às vezes), retroalimentada obsessivamente ao longo de anos, não tem como não aplaudir o excelente trabalho de pesquisa, de montagem e de estímulo à conscientização política. Ótimo que este filme surja no mesmo ano em que a extrema-direita tenta mais um golpe eleitoral, servindo-se de estratégias semelhantes às descritas na obra. Mui oportuno, também, que o janonismo seja a versão especular do modo como o bolsonarismo utiliza as redes sociais, o que precisamos nos atentar, em termos de necessidade procedimental, para além de sua efetividade. E se o problema maior estiver no palco em que jogamos/atuamos, em vez das armas que utilizamos? Tudo isso surge como proposta interrogativa, num filme assaz tergiversador, inteligente, corajoso e necessário. O grande terror nacional do ano, como alguém comentou por aí: sufoquei diversas vezes enquanto o via. Chega a doer. Mas é algo intencional, convertido em proposta de reflexão. Aplausos para o Miguel, que ele merece, de verdade! (WPC>)

Um documentário depoimental, com estrutura telejornalística, m que o co-diretor está sempre iluminado, diante de algum entrevistado cuja voz, silhueta e letra são digitalmente modificados, e estes falam, falam e falam, e tudo é aceito como verdade inquestionável, pois não apenas é chocante, como comprova a urgência denuncista da obra. Tinha como um projeto desses dar certo? Na gana por recebimento de prêmios, sim. Na contagem de aplausos de festivais, idem. Mas não apenas é cinematograficamente fraquíssimo, como chega a ser procedimentalmente anti-ético, na ausência de apuração dos fatos, e no sensacionalismo da imagem-choque do desfecho. Insisto que, naquilo que ele traz à tona, é forte, necessário, urgente, etc., mas a maneira como isso ocorre é assaz questionável, além de insuportável em todas as acepções possíveis para o adjetivo. Puro reflexo da conjuntura de crise política que nos atinge, urgh! (WPC>)

Fui com muita sede ao pote... e caí do cavalo disfarçado de estátua de São Sebastião. Sabia mais ou menos o que esperar de uma superprodução histórica conduzida por este ex-casal espanhol, que adere ao meu tipo de revisionismo anacrônico do Ryan Murphy, mas, mesmo assim, confiava em minha adesão emocional ao enredo, por gostar muitíssimo do Guitarricadelafuente e amar a estrutura de filmes-painel. O problema é que a trama dentro da trama ( o enredo de 1932) é fraco e que a estória de 2017 é protagonizada por um personagem insuportável, mal caracterizado e dramaticamente parco (vide o seu desinteresse inicial pela herança do avô, sendo ele historiador, ou as brigas caricatas com a mãe cocainômana). Parte considerável do interesse e agrado está na trama de 1937, mas mesmo esta possui alguns momentos "deslocados", que chamam a atenção pela exuberância, mas que não dizem muito internamente (vide toda a seqüência protagonizada por uma maravilhosa Penélope Cruz e as frases de efeito mais publicitárias que efetivamente existenciais - as quais anotei, confesso). Amo a canção-tema (amo, amo, amo!), mas o filme não sustenta as altíssimas pretensões: converter o García Lorca em mero dramaturgo 'gay' (conforme aparece no título do livro da personagem dispensável de Glenn Close, por exemplo) é uma bola fora, tanto quanto a encenação exagerada da situação titular, mesmo num cassino prestes a ser explodido. Senti vergonha, achei o filme moroso e enfadonho. Minha mãe, idem. Politicamente, então, é de um simplismo atroz. Indefensável, não obstante funcionar como bibelô identitarista contemporâneo. Uma pena! (WPC>)