Rodrigo Noé de Souza

Todos sabem que Stephen King sempre foi um grande contador de histórias, seja de terror, suspense, drama ou ficção-científica. Seja ele mesmo escrevendo suas obras, ou sob seu alter-ego Richard Bachman. E se tem um filme que resume bem sua genialidade é Um Sonho de Liberdade, de 1994.

No filme, o banqueiro Andy Drufesne (Tim Robbins) é condenado à prisão perpétua, pelo assassinato de sua mulher e seu amante, na qual ele alega que é inocente. Daí, ele foi enviado à prisão de Shawnshank, onde saca que sua vida depende de sobrevivência.

Lá, ele conhece "Red" (Morgan Freeman), um contrabandista que consegue qualquer coisa para os presos. É aí que, quando Andy resolve "ajudar" um dos guardas da prisão, ele acaba conseguindo algo maior: ele acaba "lavando" dinheiro da corrupção do diretor da prisão.

Pode-se dizer que o filme é, ao mesmo tempo, uma reflexão sobre esperança e fé, em momentos mais difíceis. Em algumas cenas, pode ter alusões ao Cristianismo, o qual o diretor Frank Darabont nega.

Um Sonho de Liberdade foi orçado em US$25 milhões, e em sua primeira exibição foi um fracasso de bilheteria. Mesmo assim, em 1995, foi indicado à 7 Oscars, incluindo Melhor Filme e Diretor. Em outra exibição, arrecadou mais do que a primeira vez.

Anos depois, no auge das vídeo locadoras, o filme foi um dos mais alugados de 1995, suas exibições na televisão atingiram o máximo de audiência nos EUA.

E tem mais: o filme entrou na Biblioteca do Congresso, entrou na lista dos 100 melhores filmes americanos de todos os tempos e é o 1º lugar do IMDb.

Com certeza, o Pacífico que Andy Drufesne profetizou, foi tão azul quanto os sonhos.

Um recado às crianças: nem todos os contos de fada são, exclusivamente, para vocês. Sabe aquelas histórias que seus pais contam, antes de dormir? Pois é, NÃO ACREDITEM!

Depois do sucesso do Shrek 1 e 2, a The Weinstein Company (sabem quem são um dos donos!) resolveu investir numa animação stop-motion, com um toque cômico e sem-noção, pouco convencional às animações tradicionais.

E eis que surgiu Deu A Louca Na Chapéuzinho, com aquela baboseira que todo mundo conhece e tá de saco cheio. Poderia ser uma produção p0rn0gr4f1c4, com duplo sentido e fazendo apologia à z00f1f14.

Mas, como não podem agredir as crianças, criaram uma trama policial em cima do caso, envolvendo Chapéuzinho Vermelho, sua vovó, o lobo mau e o lenhador. E a polícia, toda formada por animais antropomórficos, tentam resolver esse caso.

Pelas cenas, parecem que beberam da fonte de filmes consagrados. Além, é claro, de piadas pesadas e nonsenses, para deleite dos adultos.

O filme custou US$ 8 milhões para ser feito, mas, arrecadou mais de US$ 110 milhões. E teve continuação, mas, foi um fracasso retumbante.

Numa época em que o século XXI se tornou uma terra sem lei, somente um ser, metade homem e metade máquina, pode ser a verdadeira salvação para uma cidade, Tomada pelo crime. E esse ser é ROBOCOP.

Para fazer esse filme, o diretor Paul Verhoeven, que recusou duas vezes até aceitar dirigir esse filme, usou toda sua técnica sarcástica e olhar psicótico ao dar corpo e alma ao ciborgue.

Em uma Detroit futurista, Tomada pela criminalidade, o policial Alex Murphy e sua parceira Lewis caçam a Gangue, liderada por Clarence Boddicker. Lá na usina abandonada, Clarence e seus capangas torturam Murphy até a morte.

A OCP, órgão contratado pela prefeitura para comandar a força e a segurança policial, usam o cadáver do Murphy e criam Robocop.

Pronto pra guerra, o ciborgue vira mania local. Porém, ele precisa lidar com traumas do seu passado, além de caçar os culpados pela sua morte.

O filme fala sobre humanidade, violência, corrupção corporativa e uma sátira ao governo Reagan.

Robocop foi sucesso de crítica e público, arrecadando US$ 53 milhões e faturou o Oscar de Efeitos Sonoros.

O filme teve duas continuações, série de TV, série animada, jogos de videogame, produtos licenciados e um remake de 2014, dirigido pelo brasileiro José Padilha (Tropa de Elite).

Está escrito no Livro de Revelações. No 6º mês, no 6º dia e na 6ª hora da manhã, nascerá o filho do Anticristo, dando início ao confronto entre as forças do bem e do mal, antecipando a chegada do fim dos tempos.

Foi com essa introdução bíblica que Richard Donner dirigiu um dos filmes mais assustadores de todos os tempos: A Profecia.

Em Roma, no dia 6 de junho, às 6 horas da manhã, o embaixador americano Robert Tohrn (Gregory Peck) fica sabendo que seu bebê morreu após a gestação. Para não deixar sua esposa desolada, ele acaba adotando um bebê, que recebe o nome de Damien.

Parecia ser um conto de fadas para essa família. Porém, à medida que a criança cresce, várias mortes acontecem com o passar do tempo.

Robert finge que seria uma coincidência, mas o mesmo não acontece com sua esposa. Daí, um padre chega para alertá-lo sobre o perigo que ocorre em seu redor.

Outro que também fica preocupado é o fotógrafo, que descobre alguns sinais coincidentes. Logo a seguir, tudo se encaixa sob uma única pessoa: o garoto Damien.

Durante as filmagens, ocorreram uma série de acidentes, na época em que o título original era The Antichrist to the Birthmark. O hotel onde o diretor estava hospedado sofreu um atentado com bombas do IRA. O avião do roteirista sofreu um acidente. O ator Gregory Peck cancelou na última hora o seu voo para Israel cujo avião sofreu um acidente e todos os que estavam dentro dele faleceram. Os principais atores sofreram um acidente automobilístico quando se dirigiam para rodar uma das cenas do filme.

Mesmo com toda essa trágica coincidência, o filme foi indicado ao Oscar, com as categorias de Atriz Coadjuvante (Billie Whitelaw) e Canção Original (Ave Satani). Jerry Goldsmith venceu com sua Trilha Sonora fantasmagórica. Também foi indicado ao Globo de Ouro com Ator Coadjuvante (Harvey Stephens). O Grammy também indicou o filme, na categoria de Trilha Sonora.

A Profecia teve continuações com A Profecia 2 (1978) e A Profecia 3 - O Conflito Final (1981). Teve um filme pra TV, A Profecia 4 - O Despertar. Teve uma refilmagem, em 2006. Foi exibida nos anos 80 pela TV Record.

O longa-metragem teve estreia em 6 de junho de 1976, na Inglaterra.

Na China ancestral, bem antes de surgir o seu primeiro imperador, a nação era dividida em sete reinos. Qin, o soberano da província do Norte, sofre constantes ameaças e tentativas de assassinato. A preocupação é com três assassinos de elite, contratados por seus adversários.

Um dos magistrados, conhecido como Sem Nome, entra no Palácio carregando armamentos dos matadores, que afirma ter derrotado os três, de uma só vez, após ter passado mais de uma década estudando a técnica da espada.

Isso talvez seja um filme antigo de Kurosawa, mas é a história de Herói, filme de 2002, estrelado por Jet Li, e distribuído pela Miramax.

Só foi conhecido pelo grande público, por causa de Quentin Tarantino, mesmo não ter envolvimento com a produção, mas, por ser entusiasta de filmes de artes Maciais, ele convenceu a Miramax de lançar em formato comercial, sob o subtítulo "apresentado por Quentin Tarantino".

O personagem do Rei foi oferecido à Jackie Chan, que o recusou. Jet Li teve seu cachê bastante reduzido pra participar das gravações. Todos os diálogos seguiram a gramática chinesa, mesmo com a pronúncia em mandarim.

Herói foi o filme mais caro já produzido pela China, até seu lançamento, com orçamento de US$ 30 milhões.

A Miramax comprou os direitos de exibição do Herói nos EUA, em 2002, após o sucesso na Ásia. Porém, só foi lançado em 2004. Durante o período de espera, ganhou fama de cult nos EUA, onde pôde ser exibido através de DVDs.

Em seu primeiro fim de semana de estreia nos EUA, Herói arrecadou cerca de US$ 18 milhões. Tornou-se o 2º filme com a maior estreia de um filme falado em língua não-inglesa nos EUA, atrás de A Paixão de Cristo (2004)

Foi exibido na mostra Panorama do Cinema Mundial, no Festival do Rio, em 2004.

Muito antes dos ícones de ação, como Clint Eastwood, Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Bruce Willis e Vin Diesel, nos anos 50, John Wayne era o percursor do que eu defino de macho-alfa.

Um dos filmes mais emblemáticos da sua carreira foi o Rio Grande (ou Rio Bravo), de 1950, dirigido por John Ford.

É o terceiro da Triilogia da Cavalaria, do mesmo diretor, junto com Fort Apache (1948) e Legião Invencível (1949), com o Wayne no papel de Capitão Kirby York, em Fort Apache, e Capitão Nathan Cutting Brittles, em Legião Invencível. Os filmes foram produzidos pela RKO Pictures.

Em Rio Grande, Wayne retomava o papel de York, dessa vez, como tenente-coronel. Com o fim da Guerra Civil, York segue para Rio Grande, onde devem enfrentar os Apaches. Seu filho, Jefferson, era um dos recrutas, e que o pai não o vê há 15 anos.

Os problemas aumentam wuando Kathleen, sua ex-mulher, surge para levar o filho de volta para casa e o confronto com os índios fica cada dia mais violento.

Rio Grande foi baseado no conto Missão não-oficial, de James Warner Bellah, que foi publicado no jornal The Saturday Evening Post em 27 de setembro de 1947. O roteiro foi escrito por James Kevin McGuinness.

Pode-se dizer que, qualquer um tenha uma paixão platônica, seja com mulher, homem, ou homoafetivo. Às vezes, a obsessão por essa pessoa possa ser prejudicial por quem está apaixonado.

Baseado no romance de Thomas Mann, Morte em Veneza foi dirigido por Luchino Visconti. A história conta a viagem do compositor Gustav von Aschrnbach (Dirk Bogarde) para Veneza, para se aprimorar no concerto. Em uma de suas andanças, ele desenvolve uma atração perturbadora por Tadzio (Björn Andrésen), um adolescente da nobreza poloneza, que fazia turismo com a família.

À medida que essa paixão aumentava, ele ficava mais perturbado. Se fosse hoje em dia, ele seria um Stalker, e, com certeza, seria preso. Mas, era o século XIX.

Segundo o Rotten Tomatoes, teve aprovação de 71%. Em 2018, foi selecionado para ser exibido na seção Clássicos de Veneza no 75º Festival Internacional de Cinema de Veneza.

Em 2021, a Juno Films lançou o documentário The Most BeautifulbBoy In The World, em que Björn Andrésen revela que sofreu 4bVs0 por meio do elenco, da equipe e dos fãs do filme, num retrato perturbador sobre p3d0f1l14.

Mesmo assim, o filme foi indicado por melhor figurino no Oscar 1972. No BAFTA, ganhou trilha sonora, cinematografia, figurino e design de produção. Em Cannes, ganhou o prêmio 25º Aniversário do festival.

Na Vida real, um acidente de carro pode acontecer com qualquer pessoa. Mas, e se, num mesmo acidente, pode ter, ao mesmo tempo, 3 pessoas diferentes?

Foi esse o conceito do filme Amores Brutos, dirigido por Alejandro G. Iñárritu, sendo o seu primeiro longa-metragem da sua carreira.

O filme é o primeiro da trilogia do Alejandro, cujo conceito são subnarrações relacionadas com o mesmo acontecimento. Os filmes seguintes foram 21 Gramas (2003) e Babel (2006).

Estrelado por Gael García Bernal, o longa entrelaça, em um acidente de carro, algumas histórias pessoais: Octávio, um dono de um cão de rinha, que sonha em fugir com a sua cunhada; a de Daniel, empresário que abandona a esposa para viver com a modelo, que tem sua imagem estampada no edifício; e a do Chivo,um catador e assassino de aluguel que busca mudar de vida e voltar à família.

São histórias que nos fazem ter sensações de raiva, remorso e, acima de tudo, redenção aos seus erros. O caso da modelo, após o acidente, ela se vê num sentimento de culpa, por sua obsessão pela beleza.

Inclusive, no filme inteiro, quem rouba a cena são os cachorros, tanto o do Octávio quanto os do Chivo, que acaba adotando o cão de rinha, ferido no acidente.

Amores Brutos foi sucessos de crítica, sendo premiado com 11 prêmios Ariel, entre eles o de melhor Filme, diretor e ator. Outros prêmios foram o BAFTA, de melhor filme, Prêmio da Crítica do Festival de Cannes, além de ser indicado ao Oscar de melhor Filme estrangeiro, em 2001.

O filme foi considerado pelo The New York Times como um dos 1000 melhores filmes do mundo.

Quando eu escrevi sobre Requiem Para Um Sonho, eu havia dito que filmes de drama são muito mais aterrorizantes e assustadores do que filmes de terror e suspense. Geralmente, quando o assunto é sobre Dr0g4s.

E se tem um filme que atribui à esse assunto é o Eu, Christiane F. - 13 Anos, Drogada e Prostituída, de 1981, baseado na biografia da própria Christiane, e também em fatos reais (e bota REAL nisso!).

Em Berlim, nos anos 70, Christiane era uma garota bonita e jovial, cheia de vida, que acaba frequentado um clube noturno, ao lado de seus amigos. Daí, ela se apaixona por um traficante de dr0g4s.

Em meio ao show de seu ídolo David Bowie, ela começa a entrar no submundo dos entorpecentes. Ela entra na c0c41n4, depois na m4c0nh4 e, em seguida, a pior de todas: a H3r01n4.

À medida que começa a se viciar, seu corpo e sua saúde começa a deteriorar. Até mesmo chegar a se pr0st1tu1r, em troca do seu vício letal.

Cenas em que seus amigos passam a ter overdoses, ficando paralisados, inclusive a própria Christiane tendo convulsões, são de arrepiar o osso da espinha.

Uma visão de que a juventude se vê perdida, para, a partir dos anos 80, quando um certo vírus se torna epidemia mundial.

Mais de 40 anos depois, o filme continua atual, e a realidade se torna mais assustadora do que nunca.

O ano de 2024 teve filmes importantes que foram lançados. E ao concorrerem ao Oscar, fica aquela expectativa de saber quem são os vencedores. Claro que, para nós, Brasileiros, Ainda Estou Aqui conseguiu o feito inédito.

Mas, teve um filme que muita gente ficou impressionada ao ser anunciada como a grande vencedora. Anora, de Sean Baker, venceu 5 estatuetas, incluindo Melhor Filme, Direção, Roteiro Original, Edição e Atriz, para Mikey Madison.

Mas, por que esse filme teve todo esse êxito ao vencer concorrentes fortes, como Ainda Estou Aqui e A Substância?

A história do filme fala sobre Ani (Mikey), uma prostituta de luxo,que se envolve em um relacionamento com Ivan, um herdeiro do Oligarca russo, que passa a ser o seu príncipe encantado para a donzela.

Claro que Ivan se mostrava egoísta e imaturo no começo, quando seguranças dos pais dele visitam à mansão e se deparam com o inocente casal. É aí que a vida da Ani se torna uma montanha-russa (com o perdão do trocadilho, pois o filme tem quase todo o idioma em russo!).

No filme, Ani se mostra uma fortaleza humana e determinada, além de ser sobrevivente de muitas injustiças pairando na sua mente. Não é à toa que Mikey Madidon apareceu, pela primeira vez, no filme Era Uma Vez... Em Hollywood, do Quentin Tarantino. E sua atuação foi tão marcante em todo o filme.

Outro ponto a ressaltar é a presença de Ivan (Yura Borisov), capanga da família russa. Ele, na primeira vista, parecia ser aterrorizante. Mas, com o passar do tempo, ele se mostrava afetuoso com a moça, mesmo ela o rejeitando.

Além do Oscar, Anora venceu a Palma de Ouro, no Festival de Cannes, em 2024, passando a ser o quarto filme da história a ganhar, tanto a Palma de Ouro quanto o Oscar de melhor Filme. Sean Baker fez história ao ganhar os prêmios da Academia em uma única cerimônia, se igualando à Walt Disney.

Qualquer pessoa no mundo sonha em participar em um programa de perguntas e respostas na televisão. Mesmo que você seja muito humilde, mas com uma inteligência acima do normal. Porém, apenas poucos programas utilizam regras, de forma correta e ética, sem, ao menos, enganar os telespectadores.

E isso tudo foi filmado em Quiz Show - A Verdade dos Bastidores, dirigido por Robert Redford, em 1994. Baseado em fatos reais, sendo o caso mais emblemático, o escândalo do programa Twenty-One, nos anos 50.

Um advogado enviado pelo Congresso Americano descobre uma possível fraude do programa, que tinha como principal competidor um rapaz judeu humilde. Até aí, os produtores resolvem convocar um professor jovem de família rica, que passa a ganhar do judeu. Esse professor passou a ser celebridade, da noite para o dia.

Foi aí que o investigador resolve juntar um grande quebra-cabeça pra saber se o programa foi combinado. O roteiro de Paul Attanasio foi baseado nas memórias do Richard N. Goodwin, o próprio advogado que investigou Twenty-One.

Com um elenco estelar de John Turturro, Ralph Fiennes, Mira Sorvino e a participação de Martin Scorsese, o filme teve o orçamento de US$ 31 milhões, com um lucro de US$ 52,2 milhões. Além de ser indicado aos Oscars de Melhor Filme, Direção, Ator Coadjuvante e Roteiro Adaptado. No mesmo ano que tivemos competidores acirrados, como Forest Gump, Pulp Fiction e Um Sonho de Liberdade.

O ano era 1995. E o cinema tem realizado importantes filmes, de todos os gêneros. Mas, apenas, UM filme foi realizado, e se tornado cult: Coisas Para Fazer em Denver Quando Você Está Morto.

Em Denver, o gangster Jimmy "O Santo" (Andy Garcia) tinha um programa para pessoas que tinham pouco tempo de vida, gravando vídeos póstumos. Mas, ele se encontra com problemas financeiros. Um grande chefão do crime (Christopher Walken) havia comprado promissórias, mas, estava disposto a esquecer tudo se o Jimmy fizer um "serviço": eliminar seu filho drogado.

Para isso, Jimmy convoca um grupo de assassinos, ele confiança, para fazer esse trabalho, e que também precisam de dinheiro. Porém, algo sai errado e eles tem prazo de 48 horas para deixar a cidade.

O título do filme vem de uma canção de Warren Zevon com o mesmo nome, gravada em 1991, no qual o mesmo permitiu sob a condição de que a música fosse tocada nos créditos finais. O nome do protagonista Jimmy O Santo vem da canção de Bruce Springsteen, Lost In The Flood, de 1973.

O filme foi exibido no Festival de Cannes, em 1995. E foi um fracasso de bilheteria e recebeu críticas negativas, com muitos comentando de que seria um "clone" de Pulp Fiction, do Quentin Tarantino. O filme teve um orçamento de US$ 8 milhões, com um lucro de (pasmem!) US$ 529 mil, na época.

A Miramax (na época, sob a gestão dos irmãos Weinstein) vendeu os direitos de distribuição para a japonesa Shochiku, junto com outras produções, como Grande Hotel e Robinson Crusoé, em um acordo de aquisição em massa.

Novamente, devo exaltar minha infância, quando eu ficava tardes inteiras jogando Super Mario Bros. Porém, eu nunca tive a oportunidade de jogar um Nintendo 64. Mas, eu já joguei Nintendo Wii, com o Mario Kart. E posso dizer que foi uma sensação memorável.

Depois de lucrar mais de 1 bilhão de dólares com o primeiro filme, novamente fizeram Super Mario Galaxy, baseado no mesmo jogo do Nintendo Wii. E, dessa vez, a aventura será no espaço.

A Princesa Rosalina foi sequestrada pelo Bowser Jr., que quer destruir o Universo. Mas, primeiro, ele quer resgatar seu pai, que foi aprisionado pela Princesa Peach, no Reino dos Cogumelos.

É lá que Mário e Luigi vivem, após derrotar o Bowser e salvar Brooklin. Durante sua jornada, eles encontram Yoshi, um pequeno dinossauro simpático e comilão.

Voltando ao tema, Peach fica sabendo do sequestro da Rosalina e parte, junto com Toad, para o resgate. Mario e Luigi também vão salvá-la. E é aí que entra mais um componente (e também cria da Nintendo): Star Fox.

O filme pretende resgatar a nostalgia do público, que cresceu com os jogos. Aliás, é exatamente a proposta do cinema, em fazer adaptações de games para o cinema. Como vêm fazendo com Street Fighter e Mortal Kombat, cujas produções estão em vias de estrear.

Assim como no primeiro filme, Super Mario Galaxy deixou um gosto a mais. Porém, é diversão garantida. E, ainda, tem duas cenas pós-créditos no final.

O Red Hot Chili Peppers é um dos grupos de rock mais bem sucedidos de todos os tempos, sempre com shows lotados e atrações principais em diversos festivais, além de ser vencedor do Grammy, milhões de discos vendidos e clipes com bilhões de visualizações no YouTube. MAS, o começo não foi fácil.

E isso tudo foi mostrado no documentário A Origem do Red Hot Chili Peppers: Nosso Irmão, Hillel, que está disponível na Netflix, desde 20 de março.

Flea e Anthony Kieds deram seus depoimentos sobre o começo da banda, além da sua relação com o antigo guitarrista e amigo Hillel Slovak. Seus passeios, as aventuras, as festas, o começo do gosto pelo rock foram fundamentais para a criação do RHCP.

Os primeiros discos tinham aquela pegada Funk com o Rock e Metal, tudo isso sob influência do George Clinton, que produziu o segundo disco deles.

Parecia que estava tudo bem. Porém, aquele inimigo traiçoeiro passaria a incomodar os planos: se chamava D-R-0-G-@-S! E a sua vítima era Slovak.

Além da dupla do Red Hot, o irmão e a ex-namorada do guitarrista falavam, de forma tocante, a agonia que ele passava, durante as turnês.

Infelizmente, em 1988, Slovak morreu, devido à uma overdose acidental. John Frusciante, que acompanhava a banda em shows, passou a ser o cara ideal para ficar no lugar do Hillel.

Se você não curte a fase Pop do Red Hot, sugiro que ouça os primeiros discos. Vale a pena!

Quentin Tarantino sempre quis exibir seus filmes, da maneira como ele queria. Porém, a indústria cinematográfica resolve estragar seus planos mirabolantes. Apenas para que o público não fique enjoado e perca milhões de dólares em bilheterias.

Um dos projetos do Mestre foi exibir, sem cortes e divisões, o seu 4º filme, Kill Bill, exibidos em dois volumes, entre 2003 e 2004, respectivamente.

Quem já viu (diversas vezes!), sabe da epopeia da Noiva, que se vinga do seu ex, o Bill, e do Esquadrão das Víboras Mortais, que massacraram as pessoas, num casamento, no Texas.

A Noiva fica em coma, durante 4 anos. Quando acorda, ela descobre que seu bebê não estava em seu ventre. Aí, ela se entope de fúria e mata todos, com sua espada de samurai. (Quem quiser saber detalhes, visita o blog e veja as resenhas dos dois volumes.)

Uma coisa que eu admiro no Tarantino é que ele sempre ousou a violência estilizada em suas obras-primas. Mas, na sua versão completa e longa, com o título The Whole Bloody Affair, que estreou nos cinemas, com duração de 4h30 (!), o Mestre colocou cenas excluídas, para deixar os fãs com água na boca.

Uma das cenas está no curta de anime, em que conta a história de O-Ren Ishi, feita pelo mesmo estúdio do clássico Ghost In The Shell, e do clipe Breaking The Habit, do Linkin' Park.

Claro que, como todo filme com duração longa, sempre tem o intervalo, apenas para dar um respiro ao espectador. Mas, cada minuto e cada hora passam voando.

Aguardemos o que o Mestre vai aprontar, quando anunciar seu 10º e derradeiro filme de sua filmografia.

Filmaço de macho-alfa, reunindo os saudosos Hulk Hogan, Carl Weathers (eterno Apollo Creed) e Trevor Goddard (o Kano do Mortal Kombat), Billy Drago e a deliciosa Shannon Tweed (atual sra. Gene Simmons, do KISS).

Típico filme pra ver num dia chuvoso, tomando cerveja e na companhia de sua gata ao lado!

Num momento em que o Brasil se encontra numa política polarizada em ambas as partes, o cinema brasileiro, novamente, nos enche de orgulho com o filme O Agente Secreto, de Kleber Mendonça Filho (Bacurau), cuja produção foi conjunta com Brasil, França, Holanda e Alemanha.

Em 1977, o engenheiro Marcelo (Wagner Moura) foge de São Paulo para se instalar em Recife, em busca de paz. Lá, conhece um albergue, comandado por Dona Sebastiana (Tânia Maria), além de alguns vizinhos, entre eles, um casal de angolanos fugitivos.

Por outro lado, em São Paulo, um industrial contrata dois assassinos para matar o Marcelo, que resolve se envolver com um delegado local, provavelmente um membro do regime militar da época.

Marcelo tem um filho, que mora com os avós maternos, sendo que o avô trabalha como projecionista no cinema local. É aí que o pobre homem se questiona sobre a situação em que se encontra. Mesmo estando longe de casa, ele corre contra o tempo para tentar encontrar a origem da sua mãe.

Nesse filme, podemos ver que temos imagens antigas de programas de televisão, filmes, desenhos, referências ao filme Tubarão (que o filho do Marcelo quer muito ver!), inclusive, tem também a perna humana, que foi dilacerada por um Tubarão, no começo do filme.

O filme se passa na época do Regime Militar, até mesmo o retrato do presidente Geisel se encontra. No elenco, temos gente do calibre de Maria Fernanda Cândido, Tomás Aquino e Udo Kier (em seu último papel da carreira, antes dele morrer), que também fez Bacurau, do mesmo Kleber Mendonça Filho.

A trilha sonora tem músicas diversas, entre elas a Guerra e Pace, Pollo e Brace, de Ennio Morricone. Sem falar que outro destaque eram os famosos orelhões públicos, que, recentemente, foram extintos em todo o Brasil.

O Agente Secreto estreou em 18 de maio de 2025, no Festival de Cannes, em que venceu a Palma de Ouro de Melhor diretor e Interpretação Masculina para Wagner Moura. O filme estreou no Brasil em 6 de Novembro do mesmo ano.

Esse ano, no Globo de Ouro, venceu Melhor Filme em língua não-inglesa e melhor ator (Wagner Moura). E, recentemente, foi indicado à 4 Oscars, de Melhor Filme do Ano, Filme Internacional, Ator (Wagner Moura) e Direção de Elenco.

Em uma época em que a TV resolve investir em reality shows, competições de alto risco, séries documentais, lá nos anos 80, principalmente em 1987, surgiu o filme O Sobrevivente, baseado no livro O Concorrente, de Richard Bachman. Se você nunca ouviu falar desse autor, saiba que ele é o alter-ego do Mestre do Horror sobrenatural Stephen King.

Entre 2017 e 2019, os EUA vivia em colapso, todas as formas culturais eram censuradas. A única diversão era o programa O Sobrevivente, em que fugitivos eram perseguidos por mercenários.

Ben Richards era um oficial que descumpriu ordens para exterminar uma multidão de manifestantes. Ao desobedecer, ele é traído e os soldados massacraram todos, botando a culpa em Ben.

Ao fugir da prisão, ele encontra com Amber Mendez, uma funcionária da TV, que acaba entregando ele às autoridades. Lá, se encontra com Damon Killigan, o sádico apresentador de O Sobrevivente.

É nessa hora que Ben arrisca para salvar sua pele e provar sua inocência, com a ajuda da Amber.

Nesse filme, estrelado por Arnold Schwarzenegger, temos no elenco Maria Conchita Alonso, Dweezel Zappa, Mick Fleetwood e Jesse Ventura. Cabe ressaltar que tanto Arnold quanto Ventura foram governadores: Arnold foi da Califórnia e Ventura de Minessota.

Steven E. de Souza escreveu o roteiro, Paula Abdul foi responsável pela coreografia das bailarinas, que, na verdade, são cheerleaders dos Los Angeles Lakers.

O Sobrevivente custou US$ 27 milhões e faturou US$ 38 milhões em bilheteria.

Com certeza, qualquer jovem dos anos 90 se debruçou ao ver esse filme de ação, O Especialista, de Luis Llosa, com Sylvester Stallone e Sharon Stone. Pelo jeito, qualquer um torcia para esses dois, do começo ao fim.

May Munro (Stone) quer se vingar dos assassinos dos seus pais, mas, para isso, contrata um perito em explodivos da CIA Ray Quick (Stallone), que havia abandonado seu serviço no passado, quando uma operação custou a vida de um inocente.

Nessa trama, está Ned Trent (James Woods), ex-parceiro de Ray, que não vale o pão que come, e acaba trabalhando para o chefe do tráfico, que é pai do Thomas (Eric Roberts), assassino dos pais da May. E esse mesmo cara se apaixona pela moça, sem saber que ela quer se vingar.

O filme tem a famosa cena do chuveiro, entre Stallone e Sharon. Mas, para quem achava que havia algo sensual, na verdade, a química entre os dois era muito forçada.

O Especialista teve o orçamento de US$ 45 milhões, e faturou US$ 170 milhões. Mesmo com esse sucesso todo, a crítica não perdoou. Sem falar que o filme faturou dois Framboesas de Ouro, para pior Atriz para Sharon, e para pior casal, com Sharon e Stallone.

A música Turn the Beat Around, da Glória Estefan, virou mania nas pistas de dança na época.

Em meio à táticas extremamente complexas do presidente Donald Trump, quanto à sua caçada (involuntária!) de imigrantes ilegais nos EUA, sem falar da cobrança (também involuntária!) de taxas de exportação, enfiando a faca nos países subdesenvolvidos, como o Brasil, o cinema também mostra sua crítica à sociedade em geral. E isso podemos ver em Uma Batalha Após a Outra, do diretor Paul Thomas Anderson.

Nele, o casal Bob e Perfídia fazem parte de uma organização chamada 75 Franceses, que promovem ataques contra a Imigração, para libertar estrangeiros ilegais. Porém, Perfídia foi capturada pelo Coronel Steven J. Lockjaw. Com isso, o plano todo foi por água abaixo. E Bob, temendo pelo futuro de sua filha recém-nascida, foge e vive numa comunidade alternativa, enquanto sua amada mulher foge do programa de proteção às testemunhas e desaparece.

Anos depois, Willa se torna uma adolescente e Bob, um viciado em drogas. O que ele não sabia era que o Lockjaw está atrás da Willa, por meio de uma conspiração que envolvia a supremacia (vocês sabem do que eu me refiro!) e a segurança nacional.

Então, o Coronel se junta com um exército de mercenários e caçam, implacavelmente, os fugitivos dos 75 Franceses. Mas, para isso, Bob precisa "acordar" e ver que a coisa era Séria, bem mais do que ele imagina.

O filme, por ser de ação, tem toques de comédia e humor negro. Sem falar que nos remetemos aos filmes de Tarantino, Hitchcock e os Irmãos Coen. Leonardo Di Caprio nos diverte com atuações histéricas, como de costume. Sean Penn sabe muito bem fazer papel de vilão. Benicio Del Toro não fica atrás. Agora, a revelação fica por conta da Chase Infiniti, no papel da Willa.

Uma Batalha... pode ser, com justiça, um forte candidato ao Oscar, no ano que vem. Quem sabe um desses atores citados possam ganhar mais uma estatueta nas suas prateleiras.

Hoje em dia, vemos as mulheres (e os homens) fazendo de tudo para se manterem jovens. Sejam influenciadores digitais, pessoas do mundo fitness, modelos, celebridades, atores, etc. Isso tudo é relatado no filme A Substância, escrito e dirigido por Coralie Fargeat.

Nesse filme, a musa fitness Elzabeth Sparkle (Demi Moore) foi demitida por seu produtor Harry (Dennis Quaid), por causa do etarismo dela. Prestes a entrar em depressão, ela recorre à uma experiência chamada A Substância, que conseguiu no mercado negro.

Ela, ao usar, acaba criando uma outra mulher, muito mais jovem e mais bonita, a Sue (Margareth Qualley), que vira estrela, da noite para o dia. Porém, essa obsessão acaba tendo efeitos devastadores.

Como podemos ver, isso sempre ocorre com as pessoas, que se submetem ao culto ao corpo e à obsessão extrema da beleza e da juventude eterna.

O filme têm algumas referências, como A Mosca, Videodrome, Requiem Para Um Sonho, com algo mais gore.

A Substância "ressucitou" a carreira de Demi Moore, que ganhou diversos prêmios, como o Globo de Ouro, e uma indicação ao Oscar. O filme foi aplaudido no Festival de Cannes, sendo que ganhou o de melhor roteiro. A Substância ganhou o Oscar de melhor Maquiagem.

Jenna Rink é uma adolescente de 13 anos, descontente com sua vida. No dia do seu aniversário, ela desejou ter 30 anos. Quando seu pedido foi realizado, se tornou uma mulher de verdade.

Mas, com o passar do tempo, ela percebe que, mesmo com sucesso na vida profissional e pessoal, ela se sentia infeliz, pois vai perceber que perdeu coisas importantes na sua vida, como o primeiro amor.

De Repente 30 pode ser um clássico da Sessão da Tarde, mas também nos dá uma lição de vida. Jennifer Garner deu um show de interpretação, sem contar com a trilha sonora repleta de clássicos dos anos 80.

Como havia dito, o filme fala sobre a reflexão de que, mesmo tendo feito coisas tardias, nos faz pensar que, perdemos parte importante de nossas vidas, sem ao menos aproveitar, enquanto éramos jovens.

Martin Vail (Richard Gere) é um ex-promotor público e um rico advogado, acostumado a holofotes midiáticos, passando a ser uma celebridade judicial. Porém, quando ocorre um misterioso assassinato de um arcebispo de Chicago, de forma cruel e brutal, Martin tira proveito do crime e se indica para ser o advogado para defender o principal suspeito, que é um coronha do coral da igreja, Aaron Stamper (Edward Norton).

Aaron é um jovem ingênuo e inseguro de si, que foi capturado com suas roupas cheias de sangue, que era da vítima. Apesar da timidez, ele se escondia na personalidade de um adolescente perturbado e sinistro.

Mesmo confiando na inocência do rapaz, Martin ignora todas as provas, que incriminam o réu. Até mesmo descartando a avaliação psicológica do suspeito, feita por uma perícia, que grava o rapaz se revelando um psicopata.

O que impressiona em As Duas Faces de Um Crime é que Edward Norton se entregou,de corpo e alma, nesse papel, de forma brilhante. Tanto é que ele ganhou o Globo de Ouro, na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, em 1997. Além de ser indicado ao Oscar dz mesma categoria.

O filme foi baseado no romance Primal Fear, de William Diehl. Sem falar que projetou a cantora portuguesa Dulce Pontes para King mundo, graças à música Canção do Mar (essa música também foi trilha de abertura da novela As Pupilas do Senhor Reitor, do SBT).

No Reino de Daomé, na África Ocidental, na década de 1820, a general Nanisca (Viola Davis) resgata mulheres que foram sequestradas pelos traficantes de escravos do Império de Oió. Em meio à uma guerra, a general treina várias mulheres novas para se juntar ao exército. Uma delas é Nawi (Thuso Mbedu), uma jovem determinada que foi oferecida pelo pai ao rei depois de se recusar a se casar com homens violentos.

O que, mais tarde, veio com a chegada de europeus para comprar escravos. Nawi conhece Malik (Jordan Bolger), parceiro de Santo Ferreira (Hero Fiennes Tiffin), chefe da delegação europeia. Mas, pouco depois de concluir o treinamento, a jovem descobre que os Oió estão planejando atacar o Daomé e relata à Nanisca.

A Mulher Rei, co-produzida por Davis mostra a história de luta dos africanos contra a supremacia Ocidental europeia. Inicialmente, além da Davis, o elenco teria Maria Bello e Lupita Nyong'o, como protagonistas. A trilha sonora foi composta por Terence Blanchard.

O filme teve orçamento de US$ 50 milhões. E faturou US$ 97,2 milhões. O filme teve sua première durante o Festival de Cinema de Toronto em 9 de setembro de 2022.

A crítica elogiou o filme, pelo desempenho da Viola Davis, além do desempenho da Thuso Mbadu. Embora a pouca expressão histórica não tenha sido bem recebida, com comentários do tipo: "filme pipoca, com consciência social".