Triângulo da Tristeza esbraveja e sorri para o estado do mundo ao longo de duas horas e meia, o que é um tempo de execução para uma comédia satírica. Mas nunca é chato. Em parte é porque o comentário político é tão astuto, e em parte é porque ele tem uma quantidade surpreendente de calor e nuances também. Östlund garante que, embora as situações possam ser absurdas, as pessoas nelas são tão humanas quanto qualquer um de nós.
É difícil falar bem ou mal do trabalho de Almodóvar; creio que eu porque ele tem o dom de trazer para o seu texto e para a sua camera o que há de mais recôndito da classe média idiotizada das cidades modernas e grandes pelo mundo afora. O tom de exagero, possivelmente é porque ele põe tudo junto e mistura, a mãe arrependida, a tia ingrata, o pai safado, a avô delinquente, o neto perturbado...e por aí vai...tente embaralhar os adjetivos com outras personagens e tudo se encaixa como num quebra cabeça aterrorizante...gosto de tudo dele e, desnecessário dizer, mas eu digo mesmo assim, recomendo tudo que é dele...ele incomoda e essa sensação é que o torna um gênio; enquanto na calada da noite estamos a tecer comentários sobre os outros o gênio põe na tela e escancara!
Uma incursão à Comunidade do Maciel, distrito de prostituição no Bairro do Pelourinho em Salvador, Bahia. nos anos de 1980. A rua, os bordéis, a arquitetura em ruínas e, em especial, as mulheres e suas cicatrizes compõem uma paisagem humana de tensão erótica e social, medo e revolta, solidão e descaso, num ciclo de esquecimento de pessoas invisíveis. O filme é o documento de uma experiência vivida da realidade brasileira e um exercício sobre o retrato, o corpo e a pose. A imagem em movimento dialoga com imagens fixas, ruídos e músicas construindo um espaço de aproximação e confronto com o lugar, no qual a dinâmica entre fotografia e cinema constitui a poética do artista e sua experiência na década de 1980.
Um cineasta desamparado pede a uma série de mulheres que posem nuas para sua câmera neste curta-metragem marcante do belga Olivier Smolders. Os encontros silenciosos atuam como contraponto a um monólogo interno contemplativo que medita sobre o amor, a perda e os sutis jogos de poder de aversão e desejo em andamento em uma atmosfera permeada por uma irresistível melancolia erótica. Filmados em um preto e branco brilhante, os temas explorados encontram seu complemento perfeito no olhar austero, fascinado e abrangente da câmera. Genial!
A revolução digital desencadeou a criatividade e o talento das pessoas de uma forma sem precedentes, possibilitando oportunidades criativas ilimitadas. Mas a cultura democratizada significa melhor arte, cinema, música e literatura ou o verdadeiro talento é inundado e afogado no vasto oceano digital da cultura de massa? É democracia cultural ou mediocridade? A discussão é interessante, mas eu não concordaria com a ideia de que a arte ficou democratizada ou que a possibilidade criativa dependeria de uma imensa aptidão que somente a poucos seria dado ter...de toda o filme ajuda a entender uma discussão subjacente que seria a própria definição de arte até o advento das possibilidades digitais; ainda é arte a produção deslocada da realidade que um quadro na parede pode proporcionar?
Um Documentário Sobre as Coisas Importantes que tenta detalhar os benefícios de viver um estilo de vida não materialista e acumulador. Dirigido por Matt D'Avella, o documentário acompanha várias pessoas em sua jornada para viver um estilo de vida mais minimalista. O objetivo é educar e difundir a conscientização sobre a quantidade excessiva de lixo, bem como simplesmente o excesso de "coisas" desnecessárias no mundo de hoje. O filme foi criado e produzido por Ryan Nicodemus e Joshua Fields Millburn, dois autores e criadores de podcasts que praticam o minimalismo há vários anos. Enquanto grande parte do filme se concentra nos dois homens, ele também se abre para outros. Artistas, arquitetos e até mesmo um ex-corretor de Wall Street são algumas das pessoas entrevistadas e seguidas para obter uma imagem melhor de uma vida na maioria das vezes vazia de coisas materiais. Eu me incomodo com esses discursos de minimalismo; sempre parece vir de sociedades cuja abundância material moldam sua capacidade de discernir; o filme não discute isto, efetivamente, mas sempre tenho restrições aos que sempre esbanjaram e, agora, de um momento para o outro, tenta interromper o acesso aos bens de pessoas que sempre e nunca nada tiveram...para uma flamejante cruzada do agora vocês não podem porque nós, no outrora, tudo podemos...não sei... fico incomodado!
Talvez você já tenha tido um fascínio pelas célebres sequências de títulos de filmes de Saul Bass, de qualquer forma, você pode completar sua compreensão da sensibilidade artística do homem assistindo Why Man Creates, o filme de animação de Bass e sua esposa / colaboradora Elaine, que ganhou o Oscar de 1968 para Documentário Short Subject. Uma meditação de oito partes sobre a natureza da criatividade, o filme mistura animação e ação ao vivo, usando o repertório avançado de técnicas ópticas de Bass, para olhar para as questões que envolvem como e por que os seres humanos, ao longo da história da civilização, continuaram fazendo coisas. Começa com os primeiros caçadores derrubando uma besta e fazendo uma pintura rupestre a partir dela. Dessa caverna ergue-se uma torre construída a partir de todas as principais fases da civilização humana: a roda perto da parte inferior, as pirâmides um pouco mais acima, a escuridão literal da Idade das Trevas à medida que a câmera sobe ainda mais alto, em última análise, coberta por um monte de aviões, trens e automóveis. Alguém se pergunta como Bass poderia, em uma atualização, ter empilhado sua representação da internet em cima de tudo isso, mas a data da sequência não lhe custa nada de seu virtuosismo. Alguns dos capítulos de Why Man Creates, em sua ousada "trippiness" do final dos anos sessenta, podem parecer mais datados do que virtuosísticos. Mas seria preciso um espectador endurecido para não abrir um sorriso na virada pitoresca de Bass quando uma mão desenhada abre os topos de uma série de cabeças de festeiros impensados, revelando o vazio interior. Em seus 29 minutos curtos, o filme também analisa a luta criativa em termos da grosseria das multidões avaliativas, a tendência de ideias radicais bem-sucedidas de se tornarem instituições auto perpetuantes e como as pessoas gostam mais das coisas quando têm bandeiras dos EUA nelas, nada proposital, for sure! Sua jornada termina em um cenário inesperado, em meio à labuta de cientistas agrícolas e médicos que podem perseguir uma ideia por anos apenas para descobrir que ela não tem aplicação. Essa nota de frustração leva a uma montagem de sol, fogo, estatuária, a Esfinge, telas e foguetes. Montado com a característica da complexidade visual sutil de Bass, ele nos leva da antiguidade à modernidade de uma maneira que só ele poderia fazer...muitíssimo interessante, estamos a falar dos anos de 1960/70.
O desvio e a liberdade se manifestam não apenas no que diz respeito às tradições da colônia, mas também à tradição dos contos de fadas. Chapeuzinho Vermelho e Os Três Porquinhos são livremente subvertidos, tornando-se nada mais do que referências ao contra protagonista fundamental da história, o lobo. Nós nunca o vemos, pois ele permanece sempre fora de casa, e o filme permanece claustrofobicamente dentro das paredes da casa...genial!
Vi muitas críticas estranhas ao filme; as vezes me parecem estereotipadas, as vezes ressentida porque os brancos sempre esperam que a história da luta dos pretos tenha um herói que, na falta de melhor concepção, sejam o alter ego deles, para, ao fim e ao cabo, alegarem, mas havia um branco bonzinho...é um bom filme!
O diretor Michael Roemer e o fotógrafo Robert M. Young passaram vários meses no sul segregado preparando o roteiro para um filme com o romance improvável e depreciado entre Duff, um trabalhador ferroviário e Josie, uma professora. A produção independente em pequena escala – em si uma raridade na época – acabaria por emergir como um clássico excepcional do cinema dos EUA. Evitando tanto o dogmatismo político quanto a referência direta ao movimento dos direitos civis, o poder do filme reside em sua simplicidade formal e sua evocação sincera e naturalista da vida cotidiana de um casal negro em Birmingham, Alabama, nos anos de 1960. Uma repreensão brilhantemente despretensiosa à Hollywood centrada no branco, Nothing But a Man ousou excluir atores brancos de papéis de protagonistas e apresentar atores negros em close-ups bem enquadrados através do dia-a-dia de suas existências social e economicamente circunscritas. A potência e a poesia do realismo documental são aumentadas pela atuação notável e não afetada de Abbey Lincoln e Julius Harris em seus primeiros papéis e um comedido Ivan Dixon, cujo Duff adquire um status mítico enquanto tenta calmamente manter sua dignidade e sua alma diante da condescendência, hostilidade e crueldade – muitas vezes insidiosas e indiretas – que se tornaram rotina. À medida que Duff viaja de emprego em emprego, através do namoro, casamento e de volta ao seu início conturbado, ele tenta de alguma forma quebrar o ciclo em que tanto o homem quanto sua sociedade desempenharam papéis agudamente arraigados. É um filme que precisa ser visto e reverenciado...
É um filme muito bom, encoberto pelo que pretende combater, em uma metalinguagem invejável desde 1964; de forma geral, tudo ainda parece ocorrer de mesmo jeito, ainda hoje, 2022; afinal, se eu trocar a colher que utilizo, o sabor da sopa ainda será o mesmo... indico verificar o modo como operação o juiz de direito; se autoproclama contra o racismo, mas age por meio dele...
Ao longo da história do cinema mundial, muitos cineastas negros ajudaram consideravelmente a elevar as vozes de sua própria comunidade, na tentativa, quase infrutífera, de nível o campo de jogo esmagadoramente branco de Hollywood. De nomes como Spike Lee, Barry Jenkins e Steve McQueen a Julie Dash, Ava DuVernaye Maya Angelou, cada um desses criativos deve sua existência no cinema aos esforços pioneiros de Oscar Micheaux, o primeiro cineasta negro que se tem notícia ou registro. Inicialmente reservado apenas para aqueles que podiam pagar os materiais de origem para fazer seus próprios filmes, o cinema permaneceu uma forma de arte exclusiva até o século 20, tornando-se um meio dominado por homens brancos (quase exclusivamente racistas). Micheaux foi o primeiro cineasta a fornecer tal diversidade em Hollywood, pelo menos enquanto possibilidade, lançando seu filme de estreia The Homesteader em 1919 como uma resposta direta ao infame filme supremacista branco de D. W. Griffith, Nascimento de uma nação; tomando o cinema pelo pescoço e fornecendo uma nova perspectiva negra sobre questões contemporâneas, Micheaux desafiou as normas culturais prejudiciais dos EUA, do início do século 20, lançando sua obra-prima Body and Soul seis anos após sua estreia, em 1925. Baseado em seu próprio romance, o filme segue um pregador malévolo que se aproveita de uma mulher de sua congregação apenas para que a mulher se apaixone pelo gêmeo idêntico do homem. Enquanto na superfície o clássico de meados dos anos vinte de Micheaux soa um pouco simples, sob a trama o diretor evoca um intrincado subtexto que gira em torno dos medos e ansiedades das mulheres negras nos EUA do início do século XX, e que, de certa forma, não parece ter mudado na "américa" contemporânea. Sentindo-se forçada a um relacionamento com o falso pregador (Paul Robeson), o destino da jovem negra chamada Isabelle (Julia Theresa Russell) parece praticamente decidido, embora Micheaux proteja a personagem e a capacite com escolha em vez de submissão. Dando uma plataforma sem precedentes para protagonistas femininas negras, o empoderamento das mulheres no século 20, criando um filme em que a agência da personagem principal se tornou uma característica fundamental de sua pura potência. Como tal, Micheaux visou os cinéfilos negros com um elenco e uma narrativa que falavam diretamente com a comunidade, ignorando Hollywood para criar um texto-chave do cinema negro inicial que educaria e despertaria a mudança. Criado como um "filme de corrida" fora do sistema de estúdio mainstream de Hollywood, Micheaux e os produtores do filme foram forçados a confiar na discrição dos proprietários de cinemas para que seus filmes fossem exibidos. Como resultado, o filme teve que parecer "livre de riscos" e abster-se de incitar qualquer mensagem política, eventualmente levando o filme aos cinemas após rigorosas reedições depois que a Comissão de Cinema de Nova York negou o filme devido à sua tendência "de incitar o crime", considerando-o "imoral" e "sacrílego". Portanto, é dessa perspectiva que me parece mais honesto analisá-lo. Forçando seu caminho para as telas das comunidades negras, Corpo e Alma, de fato, impulsionou a mudança com sua história engenhosamente matizada que disfarçou suas intenções por trás de uma história "alheia". Estrelado por um ator em ascensão da cena teatral do Harlem, Paul Robeson, que viria a construir uma carreira de sucesso como cantor e ativista político lutando pelos direitos civis, já que o filme de Oscar Micheaux se tornou a semente a partir da qual uma florescente indústria cinematográfica negra cresceria; obviamente dentro dos limites designados...Filmaço!
Um filme comovente. Esta é uma verdadeira representação do maravilhoso conto de Teru Minamoto "Doro no Kawa" e há uma ausência de nostalgia e sentimentalismo que acrescenta ao filme, esta não é uma representação "Disney" da infância. Um dos meus filmes favoritos de todos os tempos, lá em cima com "To Kill a Mockingbird" e "Cinema Paradiso" A atuação é quase perfeita e o retrato do pai é um daqueles momentos importantes de um ator pregando o papel de um homem...
Confesso que o que levou ao filme foi o tal "Com pena dos garotos inexperientes, o coronel responsável pelo batalhão no qual eles foram alistados resolve poupá-los e, ao invés de enviá-los para a linha de frente do confronto contra os estadunidenses, resolve colocá-los para defender a ponte que dá acesso a sua cidade natal." O trecho é uma idiotice tremenda e o filme é outra...
Estranha Forma de Vida
3.4 137 Assista AgoraAlmodóvar, é Assim...
Salomé
3.0 60Almodóvar, é Assim...
Triângulo da Tristeza
3.6 733 Assista AgoraTriângulo da Tristeza esbraveja e sorri para o estado do mundo ao longo de duas horas e meia, o que é um tempo de execução para uma comédia satírica. Mas nunca é chato. Em parte é porque o comentário político é tão astuto, e em parte é porque ele tem uma quantidade surpreendente de calor e nuances também. Östlund garante que, embora as situações possam ser absurdas, as pessoas nelas são tão humanas quanto qualquer um de nós.
Pepi, Luci, Bom
3.5 118 Assista AgoraAlmodóvar, é Assim...
O Que Eu Fiz Para Merecer Isto?
3.7 126 Assista AgoraÉ difícil falar bem ou mal do trabalho de Almodóvar; creio que eu porque ele tem o dom de trazer para o seu texto e para a sua camera o que há de mais recôndito da classe média idiotizada das cidades modernas e grandes pelo mundo afora. O tom de exagero, possivelmente é porque ele põe tudo junto e mistura, a mãe arrependida, a tia ingrata, o pai safado, a avô delinquente, o neto perturbado...e por aí vai...tente embaralhar os adjetivos com outras personagens e tudo se encaixa como num quebra cabeça aterrorizante...gosto de tudo dele e, desnecessário dizer, mas eu digo mesmo assim, recomendo tudo que é dele...ele incomoda e essa sensação é que o torna um gênio; enquanto na calada da noite estamos a tecer comentários sobre os outros o gênio põe na tela e escancara!
Espanglês
2.8 418 Assista AgoraO enredo é bem interessante e a proposta tb, mas o produto entregue é bem mediano!
Nada Levarei Quando Morrer, Aqueles que Me Devem Cobrarei no …
4.4 10Uma incursão à Comunidade do Maciel, distrito de prostituição no Bairro do Pelourinho em Salvador, Bahia. nos anos de 1980. A rua, os bordéis, a arquitetura em ruínas e, em especial, as mulheres e suas cicatrizes compõem uma paisagem humana de tensão erótica e social, medo e revolta, solidão e descaso, num ciclo de esquecimento de pessoas invisíveis. O filme é o documento de uma experiência vivida da realidade brasileira e um exercício sobre o retrato, o corpo e a pose. A imagem em movimento dialoga com imagens fixas, ruídos e músicas construindo um espaço de aproximação e confronto com o lugar, no qual a dinâmica entre fotografia e cinema constitui a poética do artista e sua experiência na década de 1980.
O Baterista da Cruz Vermelha
4.2 6muito triste, quase nem consegui terminar de ver...
L'amateur
4.4 2Um cineasta desamparado pede a uma série de mulheres que posem nuas para sua câmera neste curta-metragem marcante do belga Olivier Smolders. Os encontros silenciosos atuam como contraponto a um monólogo interno contemplativo que medita sobre o amor, a perda e os sutis jogos de poder de aversão e desejo em andamento em uma atmosfera permeada por uma irresistível melancolia erótica. Filmados em um preto e branco brilhante, os temas explorados encontram seu complemento perfeito no olhar austero, fascinado e abrangente da câmera. Genial!
Print the Legend
3.7 12 Assista AgoraMuito interessante!
PressPausePlay
4.3 5A revolução digital desencadeou a criatividade e o talento das pessoas de uma forma sem precedentes, possibilitando oportunidades criativas ilimitadas. Mas a cultura democratizada significa melhor arte, cinema, música e literatura ou o verdadeiro talento é inundado e afogado no vasto oceano digital da cultura de massa? É democracia cultural ou mediocridade? A discussão é interessante, mas eu não concordaria com a ideia de que a arte ficou democratizada ou que a possibilidade criativa dependeria de uma imensa aptidão que somente a poucos seria dado ter...de toda o filme ajuda a entender uma discussão subjacente que seria a própria definição de arte até o advento das possibilidades digitais; ainda é arte a produção deslocada da realidade que um quadro na parede pode proporcionar?
Minimalismo: Um Documentário Sobre Coisas Importantes
3.5 195Um Documentário Sobre as Coisas Importantes que tenta detalhar os benefícios de viver um estilo de vida não materialista e acumulador. Dirigido por Matt D'Avella, o documentário acompanha várias pessoas em sua jornada para viver um estilo de vida mais minimalista. O objetivo é educar e difundir a conscientização sobre a quantidade excessiva de lixo, bem como simplesmente o excesso de "coisas" desnecessárias no mundo de hoje. O filme foi criado e produzido por Ryan Nicodemus e Joshua Fields Millburn, dois autores e criadores de podcasts que praticam o minimalismo há vários anos. Enquanto grande parte do filme se concentra nos dois homens, ele também se abre para outros. Artistas, arquitetos e até mesmo um ex-corretor de Wall Street são algumas das pessoas entrevistadas e seguidas para obter uma imagem melhor de uma vida na maioria das vezes vazia de coisas materiais. Eu me incomodo com esses discursos de minimalismo; sempre parece vir de sociedades cuja abundância material moldam sua capacidade de discernir; o filme não discute isto, efetivamente, mas sempre tenho restrições aos que sempre esbanjaram e, agora, de um momento para o outro, tenta interromper o acesso aos bens de pessoas que sempre e nunca nada tiveram...para uma flamejante cruzada do agora vocês não podem porque nós, no outrora, tudo podemos...não sei... fico incomodado!
Sopyonje
4.5 1Uma visão quase idílica dos efeitos, um deles, da globalização! Belíssimo filme...
Why Man Creates
3.7 5Talvez você já tenha tido um fascínio pelas célebres sequências de títulos de filmes de Saul Bass, de qualquer forma, você pode completar sua compreensão da sensibilidade artística do homem assistindo Why Man Creates, o filme de animação de Bass e sua esposa / colaboradora Elaine, que ganhou o Oscar de 1968 para Documentário Short Subject. Uma meditação de oito partes sobre a natureza da criatividade, o filme mistura animação e ação ao vivo, usando o repertório avançado de técnicas ópticas de Bass, para olhar para as questões que envolvem como e por que os seres humanos, ao longo da história da civilização, continuaram fazendo coisas. Começa com os primeiros caçadores derrubando uma besta e fazendo uma pintura rupestre a partir dela. Dessa caverna ergue-se uma torre construída a partir de todas as principais fases da civilização humana: a roda perto da parte inferior, as pirâmides um pouco mais acima, a escuridão literal da Idade das Trevas à medida que a câmera sobe ainda mais alto, em última análise, coberta por um monte de aviões, trens e automóveis. Alguém se pergunta como Bass poderia, em uma atualização, ter empilhado sua representação da internet em cima de tudo isso, mas a data da sequência não lhe custa nada de seu virtuosismo. Alguns dos capítulos de Why Man Creates, em sua ousada "trippiness" do final dos anos sessenta, podem parecer mais datados do que virtuosísticos. Mas seria preciso um espectador endurecido para não abrir um sorriso na virada pitoresca de Bass quando uma mão desenhada abre os topos de uma série de cabeças de festeiros impensados, revelando o vazio interior. Em seus 29 minutos curtos, o filme também analisa a luta criativa em termos da grosseria das multidões avaliativas, a tendência de ideias radicais bem-sucedidas de se tornarem instituições auto perpetuantes e como as pessoas gostam mais das coisas quando têm bandeiras dos EUA nelas, nada proposital, for sure! Sua jornada termina em um cenário inesperado, em meio à labuta de cientistas agrícolas e médicos que podem perseguir uma ideia por anos apenas para descobrir que ela não tem aplicação. Essa nota de frustração leva a uma montagem de sol, fogo, estatuária, a Esfinge, telas e foguetes. Montado com a característica da complexidade visual sutil de Bass, ele nos leva da antiguidade à modernidade de uma maneira que só ele poderia fazer...muitíssimo interessante, estamos a falar dos anos de 1960/70.
A Casa Lobo
4.1 48O desvio e a liberdade se manifestam não apenas no que diz respeito às tradições da colônia, mas também à tradição dos contos de fadas. Chapeuzinho Vermelho e Os Três Porquinhos são livremente subvertidos, tornando-se nada mais do que referências ao contra protagonista fundamental da história, o lobo. Nós nunca o vemos, pois ele permanece sempre fora de casa, e o filme permanece claustrofobicamente dentro das paredes da casa...genial!
Arca Russa
4.0 184No início do filme foi bem chato, depois do meio para o final ficou mais chato ainda!
O Poder Negro
3.6 3Vi muitas críticas estranhas ao filme; as vezes me parecem estereotipadas, as vezes ressentida porque os brancos sempre esperam que a história da luta dos pretos tenha um herói que, na falta de melhor concepção, sejam o alter ego deles, para, ao fim e ao cabo, alegarem, mas havia um branco bonzinho...é um bom filme!
Nothing But a Man
4.2 2O diretor Michael Roemer e o fotógrafo Robert M. Young passaram vários meses no sul segregado preparando o roteiro para um filme com o romance improvável e depreciado entre Duff, um trabalhador ferroviário e Josie, uma professora. A produção independente em pequena escala – em si uma raridade na época – acabaria por emergir como um clássico excepcional do cinema dos EUA. Evitando tanto o dogmatismo político quanto a referência direta ao movimento dos direitos civis, o poder do filme reside em sua simplicidade formal e sua evocação sincera e naturalista da vida cotidiana de um casal negro em Birmingham, Alabama, nos anos de 1960. Uma repreensão brilhantemente despretensiosa à Hollywood centrada no branco, Nothing But a Man ousou excluir atores brancos de papéis de protagonistas e apresentar atores negros em close-ups bem enquadrados através do dia-a-dia de suas existências social e economicamente circunscritas. A potência e a poesia do realismo documental são aumentadas pela atuação notável e não afetada de Abbey Lincoln e Julius Harris em seus primeiros papéis e um comedido Ivan Dixon, cujo Duff adquire um status mítico enquanto tenta calmamente manter sua dignidade e sua alma diante da condescendência, hostilidade e crueldade – muitas vezes insidiosas e indiretas – que se tornaram rotina. À medida que Duff viaja de emprego em emprego, através do namoro, casamento e de volta ao seu início conturbado, ele tenta de alguma forma quebrar o ciclo em que tanto o homem quanto sua sociedade desempenharam papéis agudamente arraigados. É um filme que precisa ser visto e reverenciado...
O Processo de Julie Richards
3.2 1É um filme muito bom, encoberto pelo que pretende combater, em uma metalinguagem invejável desde 1964; de forma geral, tudo ainda parece ocorrer de mesmo jeito, ainda hoje, 2022; afinal, se eu trocar a colher que utilizo, o sabor da sopa ainda será o mesmo...
indico verificar o modo como operação o juiz de direito; se autoproclama contra o racismo, mas age por meio dele...
O Delator
3.9 27Xnovão sinistro...
Corpo e Alma
3.5 4Ao longo da história do cinema mundial, muitos cineastas negros ajudaram consideravelmente a elevar as vozes de sua própria comunidade, na tentativa, quase infrutífera, de nível o campo de jogo esmagadoramente branco de Hollywood. De nomes como Spike Lee, Barry Jenkins e Steve McQueen a Julie Dash, Ava DuVernaye Maya Angelou, cada um desses criativos deve sua existência no cinema aos esforços pioneiros de Oscar Micheaux, o primeiro cineasta negro que se tem notícia ou registro. Inicialmente reservado apenas para aqueles que podiam pagar os materiais de origem para fazer seus próprios filmes, o cinema permaneceu uma forma de arte exclusiva até o século 20, tornando-se um meio dominado por homens brancos (quase exclusivamente racistas). Micheaux foi o primeiro cineasta a fornecer tal diversidade em Hollywood, pelo menos enquanto possibilidade, lançando seu filme de estreia The Homesteader em 1919 como uma resposta direta ao infame filme supremacista branco de D. W. Griffith, Nascimento de uma nação; tomando o cinema pelo pescoço e fornecendo uma nova perspectiva negra sobre questões contemporâneas, Micheaux desafiou as normas culturais prejudiciais dos EUA, do início do século 20, lançando sua obra-prima Body and Soul seis anos após sua estreia, em 1925. Baseado em seu próprio romance, o filme segue um pregador malévolo que se aproveita de uma mulher de sua congregação apenas para que a mulher se apaixone pelo gêmeo idêntico do homem. Enquanto na superfície o clássico de meados dos anos vinte de Micheaux soa um pouco simples, sob a trama o diretor evoca um intrincado subtexto que gira em torno dos medos e ansiedades das mulheres negras nos EUA do início do século XX, e que, de certa forma, não parece ter mudado na "américa" contemporânea. Sentindo-se forçada a um relacionamento com o falso pregador (Paul Robeson), o destino da jovem negra chamada Isabelle (Julia Theresa Russell) parece praticamente decidido, embora Micheaux proteja a personagem e a capacite com escolha em vez de submissão. Dando uma plataforma sem precedentes para protagonistas femininas negras, o empoderamento das mulheres no século 20, criando um filme em que a agência da personagem principal se tornou uma característica fundamental de sua pura potência. Como tal, Micheaux visou os cinéfilos negros com um elenco e uma narrativa que falavam diretamente com a comunidade, ignorando Hollywood para criar um texto-chave do cinema negro inicial que educaria e despertaria a mudança. Criado como um "filme de corrida" fora do sistema de estúdio mainstream de Hollywood, Micheaux e os produtores do filme foram forçados a confiar na discrição dos proprietários de cinemas para que seus filmes fossem exibidos. Como resultado, o filme teve que parecer "livre de riscos" e abster-se de incitar qualquer mensagem política, eventualmente levando o filme aos cinemas após rigorosas reedições depois que a Comissão de Cinema de Nova York negou o filme devido à sua tendência "de incitar o crime", considerando-o "imoral" e "sacrílego". Portanto, é dessa perspectiva que me parece mais honesto analisá-lo.
Forçando seu caminho para as telas das comunidades negras, Corpo e Alma, de fato, impulsionou a mudança com sua história engenhosamente matizada que disfarçou suas intenções por trás de uma história "alheia". Estrelado por um ator em ascensão da cena teatral do Harlem, Paul Robeson, que viria a construir uma carreira de sucesso como cantor e ativista político lutando pelos direitos civis, já que o filme de Oscar Micheaux se tornou a semente a partir da qual uma florescente indústria cinematográfica negra cresceria; obviamente dentro dos limites designados...Filmaço!
Rio de Lama
4.2 9Um filme comovente. Esta é uma verdadeira representação do maravilhoso conto de Teru Minamoto "Doro no Kawa" e há uma ausência de nostalgia e sentimentalismo que acrescenta ao filme, esta não é uma representação "Disney" da infância. Um dos meus filmes favoritos de todos os tempos, lá em cima com "To Kill a Mockingbird" e "Cinema Paradiso" A atuação é quase perfeita e o retrato do pai é um daqueles momentos importantes de um ator pregando o papel de um homem...
Águia Solitária
3.6 13 Assista AgoraA mesma emoção que um repolho pode emitir, esperando ser cortado para o almoço de Páscoa...
A Ponte da Desilusão
4.2 17Confesso que o que levou ao filme foi o tal "Com pena dos garotos inexperientes, o coronel responsável pelo batalhão no qual eles foram alistados resolve poupá-los e, ao invés de enviá-los para a linha de frente do confronto contra os estadunidenses, resolve colocá-los para defender a ponte que dá acesso a sua cidade natal." O trecho é uma idiotice tremenda e o filme é outra...