O filme é a continuação de Gillo Pontecorvo para "A Batalha de Argel" (uma visão sobre a guerra de independência da Argélia - no final dos anos de 1950), é mais falado do que realmente assistido. Ao contrário de "Portal do Paraíso", Queimada – é um filme legitimamente ótimo, mas, como Heaven's Gate, sua distribuição foi fracassada. Em primeiro lugar, existem duas versões. Há a versão truncada, 102 minutos em inglês, a única amplamente disponível, e a versão completa tem cerca de 130 minutos. Pouco antes de morrer, Pontecorvo restaurou todas as cenas que faltavam, mas, como ele havia perdido o áudio original, ele o re-dublou em italiano, essencialmente destruindo o desempenho de sua estrela Marlon Brando. O culpado em todo o fiasco foi ninguém menos que o Generalíssimo Francisco Franco. Alguns anos antes, a distribuidora de Pontecorvo, Columbia, havia lançado um filme sobre a Guerra Civil Espanhola chamado Behold A Pale Horse. Isso enfureceu tanto o ditador espanhol que ele decidiu bloquear todo o catálogo da Columbia. Respondendo à pressão, Pontecorvo reescreveu o roteiro para tornar os vilões portugueses e não mais espanhóis. Portugal é um mercado muito menor. Ele também cortou todas as cenas potencialmente ofensivas do lançamento original nos cinemas em 1969. Se Charles De Gualle segurou a Batalha de Argel por 5 anos, Francisco Franco conseguiu massacrar Queimada antes que ela fosse feita. Para obter o efeito completo do Burn, você provavelmente precisa ver as duas versões. Dito isto, enquanto o lançamento italiano completo não está disponível, ainda acho que vale a pena assistir a versão em inglês, atualmente no Youtube. Embora tenha lacunas na trama que podem deixar você coçando a cabeça, você também terá o efeito completo da performance de Marlon Brando em inglês. Não só Burn é um comentário indispensável sobre A Batalha de Argel, mas nenhuma quantidade de edição incompetente pode tirar seu impacto visual, ou de sua política descaradamente revolucionária. Se A Batalha de Argel é uma obra-prima totalmente realizada, então seus últimos cinco minutos às vezes podem ser confusos. Por que o filme dramatiza uma vitória tática e militar do imperialismo francês e, no entanto, termina com uma nota triunfal, a vitória estratégica do nacionalismo revolucionário argelino? Burn nos diz o porquê. A vitória da Frente Argelina de Libertação Nacional dependia de o povo francês ter um limite, de não estar disposto a cruzar a linha do genocídio, da ideia de que eles poderiam olhar para si mesmos, perceber que, ao abraçar a tortura, eles se tornaram os nazistas e sentiriam mais vergonha. Mas o que acontece quando os imperialistas não têm fundo, quando são incapazes de vergonha? O que acontece quando eles não são uma nação, mas uma corporação? Burn nos dá a resposta. Burn se abre a bordo de um navio que entra em uma ilha nas Pequenas Antilhas - Queimada - um composto entre Guadalupe e Haiti (com talvez um pouco de Vietnã jogado para uma boa medida). William Walker, um revolucionário profissional, agente provocador e agente do almirantado britânico, está de pé no convés com o capitão do navio, que está lhe dando uma breve lição de história. 300 anos antes, os portugueses encontraram uma resistência tão dura da população indígena que recorreram ao genocídio e à destruição ambiental, queimando toda a vegetação da ilha, extinguindo os nativos e importando escravos negros da África. As rochas brancas nuas visíveis enquanto navegam para o porto brilham ao sol porque ainda são compostas pelos ossos queimados dos mortos, dando à ilha o seu nome, "Queimada", ou "Queimadura". Eventualmente, Queimada se recuperou, tornando-se um exportador de açúcar tão lucrativo e baseado em escravos que o governo britânico agora quer um pedaço dele. O trabalho de William Walker é fomentar uma rebelião contra os portugueses entre os escravos e organizar os brancos e mulatos, os plantadores e latifundiários, em uma república disposta a dar concessões comerciais à Grã-Bretanha e à Royal Sugar Company. Ele consegue, ensinando um ex-escravo e carregador de bagagem chamado José Delores, interpretado pelo não-ator Evaristo Márquez, a ser um general revolucionário e campeão popular, um personagem muito claramente destinado a evocar Toussaint Louverture e a Revolução Haitiana. Ele também convence os crioulos da ilha, a elite branca, de que uma economia de trabalho assalariado é melhor do que uma economia escrava. É melhor pagar por uma prostituta por hora do que sustentar uma esposa. Ele escolhe um líder nacionalista, Teddy Sanchez, um fantoche elegante que, como Barack Obama, se enfurece em generalidades brilhantes sem substância, e o empurra para assassinar o governador colonial português – literalmente segurando a arma em sua mão e apontando-a para ele – o sinal para uma insurreição geral no Capitólio, e o coloca como o primeiro presidente da República independente de Queimada. Dez anos depois de uma missão malsucedida na Indochina – "um lugar de que nenhum de vocês ouviu falar" – Walker retorna a Queimada, desta vez não como um agente do governo britânico, mas como um agente da Royal Sugar Company, e desta vez não para provocar uma rebelião, mas para reprimi-la. Enquanto Teddy Sanchez ainda é presidente e ainda é um fantoche complacente, José Delores revelou-se um revolucionário genuíno, um tribuno incorruptível do povo que não pode ser comprado nem intimidado a cometer o mesmo erro duas vezes. Walker já o havia convencido a desmobilizar seu exército. Delores organizou um exército de guerrilha na alta serra, vivendo entre aldeões empobrecidos que, de acordo com Walker, são revolucionários naturais porque não têm nada a perder. Ele é, em suma, uma ameaça não apenas para o governo crioulo e fantoche, mas para os resultados da Royal Sugar Company. Acho que nunca fiquei mais feliz em ver alguém levar uma faca no intestino do que eu estava depois de ver William Walker receber suas sobremesas. Mas há esperança no final de Queimada, ou o filme é incessantemente sombrio? José Delores mostra-se genuinamente incorruptível, indo calmamente para a morte em vez de escapar e denunciar a revolução. "O fogo não destrói tudo", diz ele a um de seus guardas. "Uma folha de grama, de esperança, sempre permanecerá. Algum dia o homem branco morrerá em seu próprio fogo." Talvez sim. Mas será que ele vai levar o resto do mundo com ele? A nossa resposta ao aquecimento global não tem sido encorajadora.
Mas qual deve ser, exatamente, a atitude a ser tomada frente a uma realidade que não se pode evitar? parece loucura, mas como reagir a tudo isso? não há resposta pessoal, e idiossincrática, que dê conta de abarcar o todo, julgo eu...é um filme meio interessante e meio tolo; algo como parece ser a vida, ao final das contas!
Estamos em 1923, e na ilha fictícia de Inisherin e há os sons da guerra civil irlandesa ("a bad do") que podem ser ouvidos do outro lado da água, proporcionando ruído de fundo adequado para as lutas internas que estão por vir. Todos os dias, às 14h, o produtor de leite Pádraic (Colin Farrell) chama seu melhor amigo, Colm (Brendan Gleeson), e os dois vão ao pub. Eles são um par de giz e queijo: o primeiro uma alma simples que pode falar por horas sobre cocô de cavalo; este último "um pensador" que escreve música, toca violino e é vítima de surtos de desespero existencial. As circunstâncias os tornaram inseparáveis. Hoje, no entanto, é diferente. Quando Pádraic vê Colm simplesmente se sentar em sua cadeira, fumando. "Por que ele não me atenderia a porta?" Pádraic pergunta a sua irmã mais inteligente Siobhán (Kerry Condon), com quem ele compartilha a casa de onde ela constantemente tem que ejetar seu amado burro ("os animais são para fora!"). "Talvez ele simplesmente não goste mais de você", responde Siobhán – uma piada que logo se revela horrivelmente verdadeira. As amizades, até as tais verdadeiras, terminam!
Quando sua amada avó morre, Nelly (Joséphine Sanz), de oito anos, se preocupa que ela não tenha se despedido adequadamente, não percebendo que o fim estava tão próximo. Na casa, sempre um pouco misteriosa à beira da floresta onde a vovó morava, começa a tarefa de limpar o passado. Enquanto sua mãe (Nina Meurisse) e seu pai (Stéphane Varupenne) arrumam memórias e enfrentam seus próprios demônios pessoais ("Tenho a sensação de que todos estão se fazendo perguntas"), Nelly se aventura entre as árvores de outono, assobiando ao vento onde sua mãe uma vez vagou quando criança. Aqui, ela encontra uma menina, Marion, interpretada pela gêmea da vida real de Josephine, Gabrielle Sanz. Marion compartilha o nome da mãe de Nelly e vive em uma casa que estranhamente espelha a de sua avó. De fato, a vida de Marion coincide tanto com contos que Nelly contou sobre a infância de sua mãe que ela chega a uma conclusão ousada, dizendo a sua nova amiga: "Eu venho do caminho atrás de você ..." Sinceramente, não me lembro da última vez que sorri tão amplamente em um filme. Como a sublime animação stop-motion de Sciamma, My Life as a Courgette (2016), Petite Maman é curta e doce, mas destemidamente profunda. Uma mistura de conto de fadas, história de fantasmas e jornada de ritos de passagem, esta é, no fundo, uma parábola cinematográfica sobre a cura de feridas intergeracionais, sobre a quebra das barreiras que inevitavelmente crescem entre pais e filhos. É também uma história brilhantemente atrevida de "e se?", um resumo discreto sobre a pirotecnia de viagem no tempo de "De Volta para o Futuro". O que é surpreendente é a maneira como Sciamma usa seu conceito central para permitir que as personagens falem uns com os outros por meio de grandes divisões – para que as crianças vejam os sonhos que seus pais uma vez nutriram e tenham a certeza de que "você não inventou minha tristeza". Ah, poder ter essas conversas, em um ambiente tão maravilhosamente comum! Que voo fantástico de fantasia poderia ser mais emocionante, mais enriquecedor, mais curativo? Quem precisa de um DeLorean ou um capacitor de fluxo quando você tem isso?
A crônica de uma família chinesa, pós milagre econômico, sobre a qual a gente sabe pouco e imagina muito; de toda forma muito interessante ir tendo contado com uma cultura que será hegemônica na terra; ainda que eu não vá alcançá-la!
"Hitler está morto, mas nós estamos vivos!" E isso é tudo o que importa, o sobrevivente do campo de concentração David Bermann (Moritz Bleibtreu) quer deixar claro para seus seis parceiros de negócios judeus, que ele recruta em um campo de DP em Frankfurt em 1946. Bermann, que já administrou uma loja de departamentos de lingerie em Frankfurt com sua família, quer estabelecer um comércio de roupas de baixo muito femininas e finas. Mas ele precisa de parceiros porque o governo militar dos EUA lhe nega uma licença comercial. A fim de obter o capital inicial para a emigração, os sobreviventes do campo de concentração com deficiência mental e física se envolvem em sua ideia de negócio. Graças a fraudes criativas, sua limpeza porta-a-porta é rapidamente bem-sucedida com as donas de casa alemãs. Gostei; longe, muito longe de ser um filmão, mas é interessante!
Que coisa, não? desconfio que o brilho do alemão tem contribuição grande do cinzento brasileiro; e olhe que nos anos de 1970, os trabalhadores da WW, no Brasil, eram considerados aristocracia operária!
A mim me parece que a Alemanha nunca aceitou o fato de ser responsável por grande parte da tristeza existente nesse mundo; então, aqui, saí a procura do culpados, dado que nesse caso, não o pode aniquilar...ruim de mais!
O filme talvez não tenha nascido especificamente com o desejo de refletir sobre a ascensão da extra direita no Brasil e o que se passou no Brasil dos últimos quatro ano, desde 2018 - é anterior -, mas o diálogo com o País profundo está na tela, e de forma cristalina. É duro e contundente e, por isso mesmo, bastante rico...
O filme se passa na deslumbrante e histórica cidade de Shiraz, no Irã. Um pintor de sinais e calígrafo, Rahim está de licença de dois dias da prisão dos devedores quando lhe é oferecida uma oportunidade antiética de mudar seu destino. Ele afasta a tentação e, em vez disso, comete um ato altruísta. Mas sua boa ação se torna viral e, com mais visibilidade, suas intenções estão sob intenso escrutínio público. Uma parábola cheia de suspense, intrincadamente tramada, o filme mostra o dom de Farhadi de encontrar relevância moral universal nas particularidades da sociedade iraniana – e aqui dramatiza os perigos inerentes das mídias sociais. É o que eu chamaria de obra prima sobre a condição humana!
O curta é um filme de Natal. Triste. Não tem estrelinhas ou repicar de sinos, nem milagres que transformem o frio em calor ou a solidão em multidão. Realista? Também não! É uma ficção sobre a condição humana, essa condição para a qual procuramos uma definição há milénios e que continua irredutível às análises da ciência, como já se revelara indecifrável para a filosofia. O que faz um homem deixar os seus para ir para uma terra estranha, correndo perigos desconhecidos? A necessidade? A aventura? Um desafio consigo mesmo? Uma prova de amor? Esse “Clandestino”, calado, no calado frio de um navio, não nos diz qual destas motivações o faz mover-se do rincão português para a terra prometida de um outro continente. Nos riscos da areia de que é feita esta narrativa ficam todas estas possibilidades e algumas outras que outro espectador nela saiba ver. É que este conto de José Rodrigues Miguéis, que inspirou Abi Feijó é, realmente, um conto de Natal. Até lá estão, no final, os votos: “Merry Christmas!”, gritados em grossa voz ao “Clandestino”. Até lá está o milagre de uma salvação oportuna, vinda de uma mão que pensávamos ser de algoz e que afinal é a da fraternidade. Por que, então, esse desconforto perante sinais aparentemente tão evidentes da mensagem feliz de um conto de Natal? É difícil de explicar, até porque o autor não se alongou muito nesse aspecto. Fica a impressão de que ele quer interpelar a má consciência do espectador, o seu egoísmo consumista, aquele que se tranquiliza dando aos pobres o que está destinado ao lixo. Mas, como o autor não quer cair no moralismo, fica apenas um olhar. Nenhuma das duas figuras principais do filme — o clandestino e o agente da autoridade — nos toca por aí além. Não lhes conhecemos o nome, não entramos na sua intimidade afetiva. São protagonistas de uma ação, é tudo. O próprio suporte que sustenta a narrativa é fugaz — um banco de areia. Um alisamento com a mão e pronto, desaparecem as rugas de um olhar angustiado e o que se torna realidade são os grãos de areia. Uma forma grosseira de pó. As imagens não se explicam por si. É necessário que uma voz nos explique o que vemos. Tudo aquilo passou-se, mas chega-nos em segunda mão, por alguém que tem o dom de fixar a memória em palavras e imagens. A interpelação à consciência individual do espectador sobre a sua condição humana esbate-se assim num discurso de “ouvir dizer”. É esta uma diferença entre este e um anterior filme de Abi Feijó, “Salteadores”. Neste também a narrativa principia por um “ouvir dizer”, mas que acorda no motorista o testemunho irrecusável de quem viu e ficou para contar, mesmo se essa recordação o deixa ainda e sempre alagado em suores frios. Em todo o caso, esses dois filmes são discursos sobre a condição humana. São partes de um estudo a que Abi Feijó há muito se dedica e espera-se que possa ser continuado com a adaptação de um conto de Miguel Torga, anunciado desde 1994 como uma média-metragem. Deve ter ficado presa algures, mas, como é próprio da condição humana, deseja-se que possa agora começar a ser trabalhada para que tome forma — e realidade. Lindo, é de dar orgulho de ser descendentes de portugueses!
É uma das ironias da vida que os fortes (aqueles que sabem quem são e o que querem) sejam muitas vezes a presa dos fracos (aqueles que não conseguem ficar sozinhos). Igualmente deprimente é o processo pelo qual o paternalismo benevolente pode se voltar contra aqueles que estão tentando ajudar os menos afortunados. Ambos os temas são trazidos à vida de uma forma convincente em Sisters ou The Balance of Happiness. O estudo de Margarethe von Trotta sobre três mulheres e suas diferentes necessidades é psicologicamente envolvente. Ilumina a linha tênue entre o amor e a manipulação. Apesar dos ataques ao seu senso de identidade, uma delas milagrosamente sobrevive e na última cena do filme está pronta para retrabalhar sua personalidade com uma equação mais equilibrada entre trabalho e romance. Intrigante!
Como geralmente é o caso, há mais do que aparenta nesse filme, e Hong faz um trabalho consumado de equilibrar a fachada solitária de Jina com uma percepção desvendada de que ela não pode funcionar sem os outros. Sua inversão de mentalidade é revelada de forma inteligente e, quando Jina vê o errado em seus caminhos, culminando em uma interação sincera e aberta com seu ex-colega de trabalho por telefone, isso a afeta perfeita e perigosamente. Ela é uma pseudovítima em tudo isso, uma mulher atormentada pela conveniência sem esforço de ser capaz de se retirar da sociedade e fingir ocupação para escapar da interação. É um ponto enfatizado por um telefonema inicialmente cômico que afirma ter inventado uma máquina do tempo para voltar aos dias da Copa do Mundo de 2002, explicando por sua vez que as pessoas estão "ocupadas demais agora" e que ele espera reviver uma época em que estranhos se abraçaram compartilhando e vivendo o momento juntos. Muito doido, mas me tocou fortemente!
Por uma variedade de razões - a sedução do exótico, uma defesa do imperialismo, uma afirmação da superioridade da civilização ocidental - tem havido inúmeros romances, peças de teatro, filmes e livros de viagens ao longo dos últimos dois séculos retratando o continente africano como um lugar perigoso, sedutor e misterioso povoado por nativos simples, mas muitas vezes gentis e devotados (dedicados aos europeus, isto é) liderados por chefes selvagens, cruéis e imprevisíveis. Talvez haja uma parcela de verdade nisso tudo, mas falta nós conhecermos o outro lado disso; falta ler os escritores, historiadores, antropólogos e sociólogos africanos, para que a coisa deixe de ficar numa vala comum e vermos o outro lado. Essa tradição atingiu um pico de algum tipo em Black Mischief, de Evelyn Waugh, em 1932, uma obra-prima cômica duvidosa sobre o megalomaníaco Imperador da Azânia e seus cabides brancos. O romance de Giles Foden, O Último Rei da Escócia, habilmente adaptado para o cinema por Peter Morgan e Jeremy Brock, é, como vários romances de William Boyd, uma extensão desse fluxo de escrita sobre a África e uma crítica aos valores paternalistas que estão por baixo. No centro de O Último Rei da Escócia está a relação entre uma personagem inventada por Foden - um jovem médico escocês, Nicholas Garrigan, muito um produto da permissiva década de 1960, interpretado persuasivamente por James McAvoy - e o ditador ugandense, o general Idi Amin (uma performance imponente de Forest Whitaker), um monstro muito real, maior do que a vida, que poderia muito bem ter sido inventado por Waugh. De fato, em 1974, o cineasta francês Barbet Schroeder enganou o vaidoso Amin para aparecer em um documentário completo, com o subtítulo "um autorretrato", que o apresentava como um brutal e vaidoso e foi aclamado como a coisa mais engraçada a sair da África desde Black Mischief. Para que isso, cara pálida? Desde então, uma variedade de atores se passou por Amin. Houve três versões do célebre incidente em Entebe de 1976, no qual comandos israelenses resgataram os passageiros de um avião sequestrado levado para Uganda pelos terroristas e recebido por Amin. Durante a produção de Victory at Entebbe, de Marvin J Chomsky, Godfrey Cambridge, o ator que interpreta Amin, morreu no set; de acordo com o general, isso resultou de uma maldição colocada sobre ele. Houve também Amin: A Ascensão e Queda, dirigido pelo cineasta queniano Sharad Patel, um caso tosco e sedento de sangue, no qual Amin foi mostrado como um cruzamento entre Hermann Goering (o poderoso general alemão fundador da Gestapo) e um King Kong menos benevolente. Esse filme está em uma classe bem diferente e vê o diretor Kevin Macdonald passar feliz dos documentários para a ficção sem perder qualquer senso de urgência. Sua apresentação de diálogos íntimos é tão confiante quanto sua maneira de lidar com partidos, comícios e coletivas de imprensa. Como a maioria dos filmes ocidentais em grande escala sobre a África (Cry Freedom, por exemplo, ou The Constant Gardener), os eventos são vistos do ponto de vista de um europeu. A narrativa segue uma estratégia familiar de alguém observando uma pessoa que ele inicialmente admira se corromper pela ambição e pelo poder. Em Cidadão Kane, Jed Leland fica desiludido com a conduta de seu amigo mais próximo. Em Todos os Homens do Rei, o jornalista liberal Jack Burden vê Willie Stark/Huey Long traírem seus princípios declarados. Em Downfall, os últimos dias de Hitler são vistos através dos olhos de seu dedicado secretário, Traudl Junge, embora não tenha sido até bem depois de sua morte que a desilusão se instalou. O filme se passa muito firmemente entre o golpe contra o governo corrupto de Milton Obote que levou Amin ao poder em 1971 e o ataque de 1976 a Entebe que finalmente o tornou um pária internacional. Desde o início, as personagens do médico e Amin estão bem gravadas. Nicholas é mostrado mergulhando bêbado em um lago com colegas graduados em medicina, rejeitando a perspectiva de se juntar à clínica geral de seu pai e fechar os olhos e esfaquear um globo giratório para descobrir um lugar de fuga. Ele troca o pai bom e verdadeiro, um homem sólido de probidade, pelo mau pai substituto, um demagogo carismático e agitador das massas temerosas. O filme alude aos contextos históricos e tribais maiores que ajudaram a criar Amin, sem entrar em muitos detalhes. Mas a amizade conturbada de Nicolau e do general ilumina a complexa relação entre as antigas potências imperiais e suas ex-colônias. Ele apresenta um desempenho verdadeiramente grande de Whitaker. Ele capta aquela sensação do cruel e desonesto Iago habitando o corpo do blefe e carismático Otelo que fez de Amin o objeto de um fascínio tão peculiar e horrorizado. Belo filme, apesar das cascas de banana!
Baseado no romance The Painted Veil, de W. Somerset Maugham, que começa com a citação que inspirou seu título. A citação é tirada de um soneto do poeta inglês Percy Bysshe Shelley (1792-1822), marido da famosa escritora Mary Shelley (autora de Frankenstein). O poema começa com as seguintes palavras: "Não levanteis o véu pintado que os que vivem. Chame a vida". Em diferentes culturas, um véu é um símbolo da separação entre vida e morte. Shelley nos adverte a não levantar o véu porque não há nada por trás dele. Ele também quer dizer que cada pessoa molda sua própria vida (o véu) de acordo com suas próprias crenças (suas cores ociosas). Para Shelley, os seres humanos são véus pintados sob os quais escondem seu verdadeiro eu. Um filme intrigante e belo...
Talvez eu não esteja, e suponho que jamais estarei, pronto para admirar democratas ou amantes da liberdade criados nos EUA; o filme me parece uma caracterização rúptil de um conto de fogo-fátuo...
Pamela Mendoza interpreta Georgina, uma mulher indígena peruana que está grávida e um dia ouve um anúncio de rádio para uma suposta "clínica de caridade" que oferece serviços gratuitos de maternidade. Ao entrar em trabalho de parto, ela agradecida vai a este lugar, com seus médicos de aparência plausível em jalecos brancos que amparam seu bebê, explicando que ele tem que ser levado ao hospital para "exames" e que ela deve ir para casa. Quando Georgina retorna no dia seguinte, a "clínica" é um lugar vazio, limpo, e o bebê vendido para adoção em papéis falsos para compradores ricos do exterior. A horrorizada e desesperada Georgina, cujo status indígena a torna quase menos do que nada, é praticamente ignorada pelas autoridades que não tão secretamente acreditam que os bebês estão em melhor situação com os novos pais (brancos). Então, Georgina entra em contato com um jornalista, Pedro (Tommy Párraga), um homem gay tímido cujo editor está muito feliz em colocá-lo nesse recurso seguro de "interesse humano" e longe da investigação politicamente mais difícil em que ele estava trabalhando. Lágrimas e muito sofrimento...não sei se pela história em si. mas o enredo é tocante...
Queimada!
3.9 41 Assista AgoraO filme é a continuação de Gillo Pontecorvo para "A Batalha de Argel" (uma visão sobre a guerra de independência da Argélia - no final dos anos de 1950), é mais falado do que realmente assistido. Ao contrário de "Portal do Paraíso", Queimada – é um filme legitimamente ótimo, mas, como Heaven's Gate, sua distribuição foi fracassada. Em primeiro lugar, existem duas versões. Há a versão truncada, 102 minutos em inglês, a única amplamente disponível, e a versão completa tem cerca de 130 minutos. Pouco antes de morrer, Pontecorvo restaurou todas as cenas que faltavam, mas, como ele havia perdido o áudio original, ele o re-dublou em italiano, essencialmente destruindo o desempenho de sua estrela Marlon Brando. O culpado em todo o fiasco foi ninguém menos que o Generalíssimo Francisco Franco. Alguns anos antes, a distribuidora de Pontecorvo, Columbia, havia lançado um filme sobre a Guerra Civil Espanhola chamado Behold A Pale Horse. Isso enfureceu tanto o ditador espanhol que ele decidiu bloquear todo o catálogo da Columbia. Respondendo à pressão, Pontecorvo reescreveu o roteiro para tornar os vilões portugueses e não mais espanhóis. Portugal é um mercado muito menor. Ele também cortou todas as cenas potencialmente ofensivas do lançamento original nos cinemas em 1969. Se Charles De Gualle segurou a Batalha de Argel por 5 anos, Francisco Franco conseguiu massacrar Queimada antes que ela fosse feita. Para obter o efeito completo do Burn, você provavelmente precisa ver as duas versões. Dito isto, enquanto o lançamento italiano completo não está disponível, ainda acho que vale a pena assistir a versão em inglês, atualmente no Youtube. Embora tenha lacunas na trama que podem deixar você coçando a cabeça, você também terá o efeito completo da performance de Marlon Brando em inglês. Não só Burn é um comentário indispensável sobre A Batalha de Argel, mas nenhuma quantidade de edição incompetente pode tirar seu impacto visual, ou de sua política descaradamente revolucionária. Se A Batalha de Argel é uma obra-prima totalmente realizada, então seus últimos cinco minutos às vezes podem ser confusos. Por que o filme dramatiza uma vitória tática e militar do imperialismo francês e, no entanto, termina com uma nota triunfal, a vitória estratégica do nacionalismo revolucionário argelino? Burn nos diz o porquê. A vitória da Frente Argelina de Libertação Nacional dependia de o povo francês ter um limite, de não estar disposto a cruzar a linha do genocídio, da ideia de que eles poderiam olhar para si mesmos, perceber que, ao abraçar a tortura, eles se tornaram os nazistas e sentiriam mais vergonha. Mas o que acontece quando os imperialistas não têm fundo, quando são incapazes de vergonha? O que acontece quando eles não são uma nação, mas uma corporação? Burn nos dá a resposta. Burn se abre a bordo de um navio que entra em uma ilha nas Pequenas Antilhas - Queimada - um composto entre Guadalupe e Haiti (com talvez um pouco de Vietnã jogado para uma boa medida). William Walker, um revolucionário profissional, agente provocador e agente do almirantado britânico, está de pé no convés com o capitão do navio, que está lhe dando uma breve lição de história. 300 anos antes, os portugueses encontraram uma resistência tão dura da população indígena que recorreram ao genocídio e à destruição ambiental, queimando toda a vegetação da ilha, extinguindo os nativos e importando escravos negros da África. As rochas brancas nuas visíveis enquanto navegam para o porto brilham ao sol porque ainda são compostas pelos ossos queimados dos mortos, dando à ilha o seu nome, "Queimada", ou "Queimadura". Eventualmente, Queimada se recuperou, tornando-se um exportador de açúcar tão lucrativo e baseado em escravos que o governo britânico agora quer um pedaço dele. O trabalho de William Walker é fomentar uma rebelião contra os portugueses entre os escravos e organizar os brancos e mulatos, os plantadores e latifundiários, em uma república disposta a dar concessões comerciais à Grã-Bretanha e à Royal Sugar Company. Ele consegue, ensinando um ex-escravo e carregador de bagagem chamado José Delores, interpretado pelo não-ator Evaristo Márquez, a ser um general revolucionário e campeão popular, um personagem muito claramente destinado a evocar Toussaint Louverture e a Revolução Haitiana. Ele também convence os crioulos da ilha, a elite branca, de que uma economia de trabalho assalariado é melhor do que uma economia escrava. É melhor pagar por uma prostituta por hora do que sustentar uma esposa. Ele escolhe um líder nacionalista, Teddy Sanchez, um fantoche elegante que, como Barack Obama, se enfurece em generalidades brilhantes sem substância, e o empurra para assassinar o governador colonial português – literalmente segurando a arma em sua mão e apontando-a para ele – o sinal para uma insurreição geral no Capitólio, e o coloca como o primeiro presidente da República independente de Queimada. Dez anos depois de uma missão malsucedida na Indochina – "um lugar de que nenhum de vocês ouviu falar" – Walker retorna a Queimada, desta vez não como um agente do governo britânico, mas como um agente da Royal Sugar Company, e desta vez não para provocar uma rebelião, mas para reprimi-la. Enquanto Teddy Sanchez ainda é presidente e ainda é um fantoche complacente, José Delores revelou-se um revolucionário genuíno, um tribuno incorruptível do povo que não pode ser comprado nem intimidado a cometer o mesmo erro duas vezes. Walker já o havia convencido a desmobilizar seu exército. Delores organizou um exército de guerrilha na alta serra, vivendo entre aldeões empobrecidos que, de acordo com Walker, são revolucionários naturais porque não têm nada a perder. Ele é, em suma, uma ameaça não apenas para o governo crioulo e fantoche, mas para os resultados da Royal Sugar Company. Acho que nunca fiquei mais feliz em ver alguém levar uma faca no intestino do que eu estava depois de ver William Walker receber suas sobremesas. Mas há esperança no final de Queimada, ou o filme é incessantemente sombrio? José Delores mostra-se genuinamente incorruptível, indo calmamente para a morte em vez de escapar e denunciar a revolução. "O fogo não destrói tudo", diz ele a um de seus guardas. "Uma folha de grama, de esperança, sempre permanecerá. Algum dia o homem branco morrerá em seu próprio fogo." Talvez sim. Mas será que ele vai levar o resto do mundo com ele? A nossa resposta ao aquecimento global não tem sido encorajadora.
Vidas Duplas
3.1 37 Assista AgoraMas qual deve ser, exatamente, a atitude a ser tomada frente a uma realidade que não se pode evitar? parece loucura, mas como reagir a tudo isso? não há resposta pessoal, e idiossincrática, que dê conta de abarcar o todo, julgo eu...é um filme meio interessante e meio tolo; algo como parece ser a vida, ao final das contas!
Os Banshees de Inisherin
3.9 572 Assista AgoraEstamos em 1923, e na ilha fictícia de Inisherin e há os sons da guerra civil irlandesa ("a bad do") que podem ser ouvidos do outro lado da água, proporcionando ruído de fundo adequado para as lutas internas que estão por vir. Todos os dias, às 14h, o produtor de leite Pádraic (Colin Farrell) chama seu melhor amigo, Colm (Brendan Gleeson), e os dois vão ao pub. Eles são um par de giz e queijo: o primeiro uma alma simples que pode falar por horas sobre cocô de cavalo; este último "um pensador" que escreve música, toca violino e é vítima de surtos de desespero existencial. As circunstâncias os tornaram inseparáveis. Hoje, no entanto, é diferente. Quando Pádraic vê Colm simplesmente se sentar em sua cadeira, fumando. "Por que ele não me atenderia a porta?" Pádraic pergunta a sua irmã mais inteligente Siobhán (Kerry Condon), com quem ele compartilha a casa de onde ela constantemente tem que ejetar seu amado burro ("os animais são para fora!"). "Talvez ele simplesmente não goste mais de você", responde Siobhán – uma piada que logo se revela horrivelmente verdadeira. As amizades, até as tais verdadeiras, terminam!
Pequena Mamãe
3.8 87Quando sua amada avó morre, Nelly (Joséphine Sanz), de oito anos, se preocupa que ela não tenha se despedido adequadamente, não percebendo que o fim estava tão próximo. Na casa, sempre um pouco misteriosa à beira da floresta onde a vovó morava, começa a tarefa de limpar o passado. Enquanto sua mãe (Nina Meurisse) e seu pai (Stéphane Varupenne) arrumam memórias e enfrentam seus próprios demônios pessoais ("Tenho a sensação de que todos estão se fazendo perguntas"), Nelly se aventura entre as árvores de outono, assobiando ao vento onde sua mãe uma vez vagou quando criança. Aqui, ela encontra uma menina, Marion, interpretada pela gêmea da vida real de Josephine, Gabrielle Sanz. Marion compartilha o nome da mãe de Nelly e vive em uma casa que estranhamente espelha a de sua avó. De fato, a vida de Marion coincide tanto com contos que Nelly contou sobre a infância de sua mãe que ela chega a uma conclusão ousada, dizendo a sua nova amiga: "Eu venho do caminho atrás de você ..." Sinceramente, não me lembro da última vez que sorri tão amplamente em um filme. Como a sublime animação stop-motion de Sciamma, My Life as a Courgette (2016), Petite Maman é curta e doce, mas destemidamente profunda. Uma mistura de conto de fadas, história de fantasmas e jornada de ritos de passagem, esta é, no fundo, uma parábola cinematográfica sobre a cura de feridas intergeracionais, sobre a quebra das barreiras que inevitavelmente crescem entre pais e filhos. É também uma história brilhantemente atrevida de "e se?", um resumo discreto sobre a pirotecnia de viagem no tempo de "De Volta para o Futuro". O que é surpreendente é a maneira como Sciamma usa seu conceito central para permitir que as personagens falem uns com os outros por meio de grandes divisões – para que as crianças vejam os sonhos que seus pais uma vez nutriram e tenham a certeza de que "você não inventou minha tristeza". Ah, poder ter essas conversas, em um ambiente tão maravilhosamente comum! Que voo fantástico de fantasia poderia ser mais emocionante, mais enriquecedor, mais curativo? Quem precisa de um DeLorean ou um capacitor de fluxo quando você tem isso?
Amnésia Vermelha
4.1 6A crônica de uma família chinesa, pós milagre econômico, sobre a qual a gente sabe pouco e imagina muito; de toda forma muito interessante ir tendo contado com uma cultura que será hegemônica na terra; ainda que eu não vá alcançá-la!
Noite Infeliz
3.1 161 Assista AgoraEu gostei, o bom velhinho é da pá virada!
Baader
3.6 2Esse grupo me parece superestimado! pelo menos analisando em 2022.
Bye Bye Alemanha
3.2 11 Assista Agora"Hitler está morto, mas nós estamos vivos!" E isso é tudo o que importa, o sobrevivente do campo de concentração David Bermann (Moritz Bleibtreu) quer deixar claro para seus seis parceiros de negócios judeus, que ele recruta em um campo de DP em Frankfurt em 1946. Bermann, que já administrou uma loja de departamentos de lingerie em Frankfurt com sua família, quer estabelecer um comércio de roupas de baixo muito femininas e finas. Mas ele precisa de parceiros porque o governo militar dos EUA lhe nega uma licença comercial. A fim de obter o capital inicial para a emigração, os sobreviventes do campo de concentração com deficiência mental e física se envolvem em sua ideia de negócio. Graças a fraudes criativas, sua limpeza porta-a-porta é rapidamente bem-sucedida com as donas de casa alemãs. Gostei; longe, muito longe de ser um filmão, mas é interessante!
Alemanha, Mãe Pálida
4.1 11Isto serve para quê?
Volkswagen: Operários na Alemanha e no Brasil Alemanha
3.5 1Que coisa, não? desconfio que o brilho do alemão tem contribuição grande do cinzento brasileiro; e olhe que nos anos de 1970, os trabalhadores da WW, no Brasil, eram considerados aristocracia operária!
Não é o Homossexual que é Perverso, mas a Situação …
4.1 46A mim me parece que a Alemanha nunca aceitou o fato de ser responsável por grande parte da tristeza existente nesse mundo; então, aqui, saí a procura do culpados, dado que nesse caso, não o pode aniquilar...ruim de mais!
Sonho de Verão
2.6 109O lixo do lixo!
Bete Balanço
3.1 114 Assista AgoraÉ um redutor dos anos 80; chato e superficial!
Carvão
3.9 96 Assista AgoraO filme talvez não tenha nascido especificamente com o desejo de refletir sobre a ascensão da extra direita no Brasil e o que se passou no Brasil dos últimos quatro ano, desde 2018 - é anterior -, mas o diálogo com o País profundo está na tela, e de forma cristalina. É duro e contundente e, por isso mesmo, bastante rico...
Um Herói
3.9 56 Assista AgoraO filme se passa na deslumbrante e histórica cidade de Shiraz, no Irã. Um pintor de sinais e calígrafo, Rahim está de licença de dois dias da prisão dos devedores quando lhe é oferecida uma oportunidade antiética de mudar seu destino. Ele afasta a tentação e, em vez disso, comete um ato altruísta. Mas sua boa ação se torna viral e, com mais visibilidade, suas intenções estão sob intenso escrutínio público. Uma parábola cheia de suspense, intrincadamente tramada, o filme mostra o dom de Farhadi de encontrar relevância moral universal nas particularidades da sociedade iraniana – e aqui dramatiza os perigos inerentes das mídias sociais. É o que eu chamaria de obra prima sobre a condição humana!
Clandestino
5.0 1O curta é um filme de Natal. Triste. Não tem estrelinhas ou repicar de sinos, nem milagres que transformem o frio em calor ou a solidão em multidão. Realista? Também não! É uma ficção sobre a condição humana, essa condição para a qual procuramos uma definição há milénios e que continua irredutível às análises da ciência, como já se revelara indecifrável para a filosofia. O que faz um homem deixar os seus para ir para uma terra estranha, correndo perigos desconhecidos? A necessidade? A aventura? Um desafio consigo mesmo? Uma prova de amor? Esse “Clandestino”, calado, no calado frio de um navio, não nos diz qual destas motivações o faz mover-se do rincão português para a terra prometida de um outro continente. Nos riscos da areia de que é feita esta narrativa ficam todas estas possibilidades e algumas outras que outro espectador nela saiba ver. É que este conto de José Rodrigues Miguéis, que inspirou Abi Feijó é, realmente, um conto de Natal. Até lá estão, no final, os votos: “Merry Christmas!”, gritados em grossa voz ao “Clandestino”. Até lá está o milagre de uma salvação oportuna, vinda de uma mão que pensávamos ser de algoz e que afinal é a da fraternidade. Por que, então, esse desconforto perante sinais aparentemente tão evidentes da mensagem feliz de um conto de Natal? É difícil de explicar, até porque o autor não se alongou muito nesse aspecto. Fica a impressão de que ele quer interpelar a má consciência do espectador, o seu egoísmo consumista, aquele que se tranquiliza dando aos pobres o que está destinado ao lixo. Mas, como o autor não quer cair no moralismo, fica apenas um olhar. Nenhuma das duas figuras principais do filme — o clandestino e o agente da autoridade — nos toca por aí além. Não lhes conhecemos o nome, não entramos na sua intimidade afetiva. São protagonistas de uma ação, é tudo. O próprio suporte que sustenta a narrativa é fugaz — um banco de areia. Um alisamento com a mão e pronto, desaparecem as rugas de um olhar angustiado e o que se torna realidade são os grãos de areia. Uma forma grosseira de pó. As imagens não se explicam por si. É necessário que uma voz nos explique o que vemos. Tudo aquilo passou-se, mas chega-nos em segunda mão, por alguém que tem o dom de fixar a memória em palavras e imagens. A interpelação à consciência individual do espectador sobre a sua condição humana esbate-se assim num discurso de “ouvir dizer”. É esta uma diferença entre este e um anterior filme de Abi Feijó, “Salteadores”. Neste também a narrativa principia por um “ouvir dizer”, mas que acorda no motorista o testemunho irrecusável de quem viu e ficou para contar, mesmo se essa recordação o deixa ainda e sempre alagado em suores frios. Em todo o caso, esses dois filmes são discursos sobre a condição humana. São partes de um estudo a que Abi Feijó há muito se dedica e espera-se que possa ser continuado com a adaptação de um conto de Miguel Torga, anunciado desde 1994 como uma média-metragem. Deve ter ficado presa algures, mas, como é próprio da condição humana, deseja-se que possa agora começar a ser trabalhada para que tome forma — e realidade. Lindo, é de dar orgulho de ser descendentes de portugueses!
As irmãs
4.1 1É uma das ironias da vida que os fortes (aqueles que sabem quem são e o que querem) sejam muitas vezes a presa dos fracos (aqueles que não conseguem ficar sozinhos). Igualmente deprimente é o processo pelo qual o paternalismo benevolente pode se voltar contra aqueles que estão tentando ajudar os menos afortunados. Ambos os temas são trazidos à vida de uma forma convincente em Sisters ou The Balance of Happiness. O estudo de Margarethe von Trotta sobre três mulheres e suas diferentes necessidades é psicologicamente envolvente. Ilumina a linha tênue entre o amor e a manipulação. Apesar dos ataques ao seu senso de identidade, uma delas milagrosamente sobrevive e na última cena do filme está pronta para retrabalhar sua personalidade com uma equação mais equilibrada entre trabalho e romance. Intrigante!
Solitários
3.9 36 Assista AgoraComo geralmente é o caso, há mais do que aparenta nesse filme, e Hong faz um trabalho consumado de equilibrar a fachada solitária de Jina com uma percepção desvendada de que ela não pode funcionar sem os outros. Sua inversão de mentalidade é revelada de forma inteligente e, quando Jina vê o errado em seus caminhos, culminando em uma interação sincera e aberta com seu ex-colega de trabalho por telefone, isso a afeta perfeita e perigosamente. Ela é uma pseudovítima em tudo isso, uma mulher atormentada pela conveniência sem esforço de ser capaz de se retirar da sociedade e fingir ocupação para escapar da interação. É um ponto enfatizado por um telefonema inicialmente cômico que afirma ter inventado uma máquina do tempo para voltar aos dias da Copa do Mundo de 2002, explicando por sua vez que as pessoas estão "ocupadas demais agora" e que ele espera reviver uma época em que estranhos se abraçaram compartilhando e vivendo o momento juntos. Muito doido, mas me tocou fortemente!
The Post: A Guerra Secreta
3.5 607 Assista AgoraAmericam way of life retirado a fórceps de um vidro de ketchup!
O Último Rei da Escócia
4.0 593 Assista AgoraPor uma variedade de razões - a sedução do exótico, uma defesa do imperialismo, uma afirmação da superioridade da civilização ocidental - tem havido inúmeros romances, peças de teatro, filmes e livros de viagens ao longo dos últimos dois séculos retratando o continente africano como um lugar perigoso, sedutor e misterioso povoado por nativos simples, mas muitas vezes gentis e devotados (dedicados aos europeus, isto é) liderados por chefes selvagens, cruéis e imprevisíveis. Talvez haja uma parcela de verdade nisso tudo, mas falta nós conhecermos o outro lado disso; falta ler os escritores, historiadores, antropólogos e sociólogos africanos, para que a coisa deixe de ficar numa vala comum e vermos o outro lado. Essa tradição atingiu um pico de algum tipo em Black Mischief, de Evelyn Waugh, em 1932, uma obra-prima cômica duvidosa sobre o megalomaníaco Imperador da Azânia e seus cabides brancos. O romance de Giles Foden, O Último Rei da Escócia, habilmente adaptado para o cinema por Peter Morgan e Jeremy Brock, é, como vários romances de William Boyd, uma extensão desse fluxo de escrita sobre a África e uma crítica aos valores paternalistas que estão por baixo. No centro de O Último Rei da Escócia está a relação entre uma personagem inventada por Foden - um jovem médico escocês, Nicholas Garrigan, muito um produto da permissiva década de 1960, interpretado persuasivamente por James McAvoy - e o ditador ugandense, o general Idi Amin (uma performance imponente de Forest Whitaker), um monstro muito real, maior do que a vida, que poderia muito bem ter sido inventado por Waugh. De fato, em 1974, o cineasta francês Barbet Schroeder enganou o vaidoso Amin para aparecer em um documentário completo, com o subtítulo "um autorretrato", que o apresentava como um brutal e vaidoso e foi aclamado como a coisa mais engraçada a sair da África desde Black Mischief. Para que isso, cara pálida? Desde então, uma variedade de atores se passou por Amin. Houve três versões do célebre incidente em Entebe de 1976, no qual comandos israelenses resgataram os passageiros de um avião sequestrado levado para Uganda pelos terroristas e recebido por Amin. Durante a produção de Victory at Entebbe, de Marvin J Chomsky, Godfrey Cambridge, o ator que interpreta Amin, morreu no set; de acordo com o general, isso resultou de uma maldição colocada sobre ele. Houve também Amin: A Ascensão e Queda, dirigido pelo cineasta queniano Sharad Patel, um caso tosco e sedento de sangue, no qual Amin foi mostrado como um cruzamento entre Hermann Goering (o poderoso general alemão fundador da Gestapo) e um King Kong menos benevolente. Esse filme está em uma classe bem diferente e vê o diretor Kevin Macdonald passar feliz dos documentários para a ficção sem perder qualquer senso de urgência. Sua apresentação de diálogos íntimos é tão confiante quanto sua maneira de lidar com partidos, comícios e coletivas de imprensa. Como a maioria dos filmes ocidentais em grande escala sobre a África (Cry Freedom, por exemplo, ou The Constant Gardener), os eventos são vistos do ponto de vista de um europeu. A narrativa segue uma estratégia familiar de alguém observando uma pessoa que ele inicialmente admira se corromper pela ambição e pelo poder. Em Cidadão Kane, Jed Leland fica desiludido com a conduta de seu amigo mais próximo. Em Todos os Homens do Rei, o jornalista liberal Jack Burden vê Willie Stark/Huey Long traírem seus princípios declarados. Em Downfall, os últimos dias de Hitler são vistos através dos olhos de seu dedicado secretário, Traudl Junge, embora não tenha sido até bem depois de sua morte que a desilusão se instalou. O filme se passa muito firmemente entre o golpe contra o governo corrupto de Milton Obote que levou Amin ao poder em 1971 e o ataque de 1976 a Entebe que finalmente o tornou um pária internacional. Desde o início, as personagens do médico e Amin estão bem gravadas. Nicholas é mostrado mergulhando bêbado em um lago com colegas graduados em medicina, rejeitando a perspectiva de se juntar à clínica geral de seu pai e fechar os olhos e esfaquear um globo giratório para descobrir um lugar de fuga. Ele troca o pai bom e verdadeiro, um homem sólido de probidade, pelo mau pai substituto, um demagogo carismático e agitador das massas temerosas. O filme alude aos contextos históricos e tribais maiores que ajudaram a criar Amin, sem entrar em muitos detalhes. Mas a amizade conturbada de Nicolau e do general ilumina a complexa relação entre as antigas potências imperiais e suas ex-colônias. Ele apresenta um desempenho verdadeiramente grande de Whitaker. Ele capta aquela sensação do cruel e desonesto Iago habitando o corpo do blefe e carismático Otelo que fez de Amin o objeto de um fascínio tão peculiar e horrorizado. Belo filme, apesar das cascas de banana!
O Despertar de uma Paixão
3.9 542 Assista AgoraBaseado no romance The Painted Veil, de W. Somerset Maugham, que começa com a citação que inspirou seu título. A citação é tirada de um soneto do poeta inglês Percy Bysshe Shelley (1792-1822), marido da famosa escritora Mary Shelley (autora de Frankenstein). O poema começa com as seguintes palavras: "Não levanteis o véu pintado que os que vivem. Chame a vida". Em diferentes culturas, um véu é um símbolo da separação entre vida e morte. Shelley nos adverte a não levantar o véu porque não há nada por trás dele. Ele também quer dizer que cada pessoa molda sua própria vida (o véu) de acordo com suas próprias crenças (suas cores ociosas). Para Shelley, os seres humanos são véus pintados sob os quais escondem seu verdadeiro eu. Um filme intrigante e belo...
O Último Samurai
3.9 940 Assista AgoraEstadunidense com crise de consciência é demais...
Trumbo: Lista Negra
3.9 375 Assista AgoraTalvez eu não esteja, e suponho que jamais estarei, pronto para admirar democratas ou amantes da liberdade criados nos EUA; o filme me parece uma caracterização rúptil de um conto de fogo-fátuo...
Canção Sem Nome
3.4 7Pamela Mendoza interpreta Georgina, uma mulher indígena peruana que está grávida e um dia ouve um anúncio de rádio para uma suposta "clínica de caridade" que oferece serviços gratuitos de maternidade. Ao entrar em trabalho de parto, ela agradecida vai a este lugar, com seus médicos de aparência plausível em jalecos brancos que amparam seu bebê, explicando que ele tem que ser levado ao hospital para "exames" e que ela deve ir para casa. Quando Georgina retorna no dia seguinte, a "clínica" é um lugar vazio, limpo, e o bebê vendido para adoção em papéis falsos para compradores ricos do exterior. A horrorizada e desesperada Georgina, cujo status indígena a torna quase menos do que nada, é praticamente ignorada pelas autoridades que não tão secretamente acreditam que os bebês estão em melhor situação com os novos pais (brancos). Então, Georgina entra em contato com um jornalista, Pedro (Tommy Párraga), um homem gay tímido cujo editor está muito feliz em colocá-lo nesse recurso seguro de "interesse humano" e longe da investigação politicamente mais difícil em que ele estava trabalhando. Lágrimas e muito sofrimento...não sei se pela história em si. mas o enredo é tocante...