Romário

As faces de Helen

Helen é uma professora popular em uma faculdade de música, casada com David (Goran Visnjic) em seu segundo casamento e leva uma vida feliz com ele e sua filha adolescente Julie (Alexia Fast). Mas algo atormenta Helen.

A personagem Helen vivida com muito talento e respeito pela atriz Ashley Judd, trás questionamentos muitos importantes a respeito da saúde mental, principalmente nesse mundo em que a intensidade dos acontecimentos que nos cercam, por muitas vezes não nos atentamos pras pequenas sutilezas do sofrimento que nos cerca, e que é cada vez mais necessário conversarmos sobre o nosso mundo interno, sem medo de julgamentos, até por que qual quer um de nós um dia poderá passar por uma situação envolvendo sofrimento mental.

Retomando a trama envolvendo a personagem principal destaco como algo extremamente positivo a forma com que a personagem é apresentada e desenvolvida, ou seja, uma mulher cuja a rotina familiar e profissional sob controle e por que não afirmar, bem-sucedida. A diretora Sandra Nettelbeck é muito sábia em não ter pressa em desenvolver sua protagonista, ela vai a passos lentos fazendo um verdadeiro estudo de caso. Tudo isso ancorado numa interpretação que entende o poder da sutileza dos detalhes pra uma entrega catártica no momento certo. A trama é bem implementado visualmente. Imagens pálidas, quase incolores alternam com cenas muito escuras que dão um clima muito compatível com a proposta do filme.

O personagem do marido David (Goran Visnjic) por muitas vezes é confundido com um expectador impassível jogado numa avalanche de acontecimentos do qual não está preparado pra lidar, sem que antes sejam rompidas alguns preconceitos ou crenças limitantes. Outra personagem de grande importância é Mathilda (Lauren Lee Smith) que reflete o estreitar dos laços afetivos da protagonista, também é parte importante da sua jornada de autoconhecimento.

A representação do tratamento de Helen me interessou especialmente. Trata-se de um modelo ancorado no saber médico, senti falta de uma visão mais realista e pautada no modelo biopsicossocial. Ainda assim, o trabalho da psiquiatra não é completamente impessoal.

Este filme é uma representação bem honesta sobre transtorno mental. Faz você fazer uma verdadeira jornada – te coloca diante dos momentos mais sombrios do sofrimento humano e explora os sentimentos de desespero total e desesperança.

Eureka (2000)
Num primeiro momento o filme Eureka de Shinji Aoyama exige uma certa abertura emocional às mensagens mínimas e sutis de diminuição e perdas, algo que o filme trabalha muito bem nas suas 3 horas 33 min de duração.
Se há um aspecto que define um dos traços comuns no roteiro deste filme, pode ser a desconfiança dos personagens na linguagem como suporte emocional. Mesmo que o público não testemunhe a extensão da violência durante o terço inicial, a voz trêmula de Makoto, os traços de se seu comportamento mais tarde, bem como o “silêncio eloquente” de Kozue e Naoki falam muito sobre suas almas. Em alguns casos, a palavra falada deixou de ser um suporte emocional e aprofundou a lacuna, bem como a ferida emocional que rondam os personagens.
Como que para refletir esses sentimentos de impotência, mas também a esperança, as imagens em tons de sépia tornam-se parte integrante da mensagem e dos temas do filme. Ao retratar a tristeza e desolação da paisagem no início, eles lentamente se tornam um símbolo da incapacidade dos personagens de seguir em frente. Especialmente Makoto, que funciona quase como o catalizador da trama, este aprende rapidamente sobre esse sentimento de dormência e tenta combatê-lo estabelecendo algum tipo de rotina e conexão. Mesmo que essas imagens ainda representem uma beleza distinta, mais especificamente em cenas posteriores, elas também podem representar algo que os personagens precisam superar.
No final, “Eureka” se torna um conto humano sobre uma das características mais incríveis de todos nós, que é a resiliência, mesmo que em certos momentos difíceis da nossa existência tenham se tornado um ruído de fundo onipresente.

21 Gramas explora a existência emocional e fisicamente carregada de três pessoas durante um período de vários meses. Dentre eles o Professor universitário Paul Rivers ( Sean Penn) e sua esposa Mary (Charlotte Gainsbourg) encontram sua união precariamente equilibrada entre a vida e a morte. Cristina Peck ( Naomi Watts ), tendo amadurecido desde seu passado imprudente. Bem mais abaixo na escala socioeconômica, Jack Jordan ( Benicio Del Toro ) e sua esposa Marianne ( Melissa Leo ) lutam para sustentar seus dois filhos, enquanto Jack reafirma seu compromisso com a religião.
Cristina age para chegar a um acordo com seu presente e talvez seu futuro, e a fé de Jack é posta à prova. Se o equilíbrio espiritual deve ser recuperado por qualquer um deles, isso pode custar muito caro para os outros. No entanto, a vontade de viver e o instinto de buscar o apoio de outra pessoa permanecem sempre presentes entre todos eles.
Este é um filme com excelentes atuações, mas muito pessimista. Possui sequências de tempo bem interessantes. Ou você se envolve com esse tipo de estrutura ou a acha confuso ou irritante. Para mim a forma da estrutura tornou o filme mais poderoso, forçando-nos a prestar atenção a pequenos detalhes que poderíamos perder ao montar a história.
21 Gramas comanda um discurso contínuo que corre como um fio temático constante por toda a humanidade. O filme literalmente entrega a vida como uma entidade misteriosa flutuante que todos nós compartilhamos.