Recentemente li 'O Corcunda de notre dame' do Victor Hugo. Escusado será dizer que o romance causou uma forte impressão. Ele transmite a atmosfera daquela época com incrível habilidade, criou uma imagem brilhante e colorida de Paris, uma bela história de amor, imagens fortes, memoráveis e realistas de heróis e prensas de rock impiedosas sobre tudo isso.. Depois de ler o livro, eu queria assistir a adaptação cinematográfica. Foi a primeira adaptação cinematográfica que vi. O que posso dizer? O filme é belíssimo, forte, profundo, dramático. A atuação dos atores fascina, surpreende, encanta, toca as profundezas da alma, faz você simpatizar com os personagens. O acompanhamento musical do filme merece atenção especial, que toca todas as cordas da alma, desperta emoções, transmite uma sensação do drama dos destinos humanos. Os eventos se desenrolam durante o reinado de Luís XI, um governante cruel e severo que usa qualquer meio para fortalecer seu poder. Caos, turbulência, inquisição, pobreza, fome reinam no país, insatisfação com o governo existente é crescente... E contra o pano de fundo desses eventos dramáticos, os destinos dramáticos dos heróis do romance são mostrados. No centro está a dramática história da cigana Esmeralda, raptada por ciganos de sua própria mãe. Esmeralda é uma bela criatura sobrenatural, símbolo de pureza, alegria, felicidade humana inatingível, ela é o próprio amor, puro, sincero, terno. Um dos críticos disse que Esmeralda é uma imagem irreal e é um erro de cálculo de Victor Hugo. Eu não penso assim. Acredito que ao criar a imagem de Esmeralda, o autor quis mostrar todo o drama do destino humano, quis dizer que o tempo e os acontecimentos da história destroem os destinos humanos, que uma pessoa não tem poder sobre seu próprio destino, que inevitável o destino pesa sobre toda a vida humana, os destinos das pessoas são predeterminados, o fim é inevitável, e apenas um amor, forte, sincero, profundo, Um dos críticos disse que Esmeralda é uma imagem irreal e é um erro de cálculo de Victor Hugo. Eu não penso assim. Acredito que ao criar a imagem de Esmeralda, o autor quis mostrar todo o drama do destino humano, quis dizer que o tempo e os acontecimentos da história destroem os destinos humanos, que uma pessoa não tem poder sobre seu próprio destino, que inevitável o destino pesa sobre toda a vida humana, os destinos das pessoas são predeterminados, o fim é inevitável, e apenas um amor, forte, sincero, profundo, Um dos críticos disse que Esmeralda é uma imagem irreal e é um erro de cálculo de Victor Hugo. Eu não penso assim.
Acredito que ao criar a imagem de Esmeralda, o autor quis mostrar todo o drama do destino humano, quis dizer que o tempo e os acontecimentos da história destroem os destinos humanos, que uma pessoa não tem poder sobre seu próprio destino, que inevitável o destino pesa sobre toda a vida humana, os destinos das pessoas são predeterminados, o fim é inevitável, e apenas um amor, forte, sincero, profundo,realcapaz de vencer a morte. Esmeralna revelou-se linda demais, pura para este mundo vicioso e cruel. Quatro pessoas estão apaixonadas por Esmeralda: o feioso Quasimodo, o ambicioso padre Claude Frollo, o belo mas superficial capitão Febo, o poeta fracassado Pierre Gringoire. Todo mundo tem certos sentimentos por ela, mas só o feio Quasimodo a ama de verdade... Um pouco sobre a qualidade da adaptação cinematográfica. Este filme é considerado a melhor adaptação do romance de Hugo. Com isso não posso deixar de concordar. Ainda assim, não posso deixar de dizer que esperava algo diferente.
O romance é muito mais profundo, mais dramático, transmite mais fortemente os sentimentos dos personagens, a atmosfera da época. Concordo que é completamente impossível cobrir o romance, mas ainda assim, algumas cenas importantes não são mostradas no filme e, se são mostradas, são mostradas de maneira bastante superficial. Por exemplo, a cena da prisão quando Claude Frollo confessa seu amor a Esmeralda, a cena da praça Greve, quando Frollo salva pela última vez a cigana, seu encontro com a mãe etc. é necessário fazer dois filmes. As imagens dos personagens do filme sofreram mudanças significativas. Esmeralda é um anjo puro no livro, mas aqui ela é uma personagem realista e realista, e é por isso que a imagem não se torna menos atraente. Gina Lollobrigida, escolhida para o papel de Esmeralda, é uma mulher muito bonita, uma atriz talentosa que conseguiu encarnar uma das imagens mais vivas da literatura mundial. Anthony Quinn (Quasimodo) não cedeu ao seu parceiro. Ele não é tão feio quanto o livro Quasimodo, mas há algo atraente nele, uma espécie de luz interior. Seu jogo é incrível e cativante. Ele não precisa falar para expressar seus sentimentos. Vale a pena dar uma olhada no rosto dele aos seus gestos. Mas os Claude Frollo e Pierre Gringoire na tela me decepcionaram. Claude Frollo é uma luta interna incrível, torturante e dolorosa, essa é a tragédia da alma humana, essa é uma ambição incrível. Você fica horrorizado e sente um pouco de simpatia por ele. Aqui, eu não vi nada disso. A imagem é revelada bastante superficialmente, em um nível médio. Pierre Gringoire e o capitão Phoebus também não se impressionaram. De todo o filme, gostei da cena em que Quasimodo vem a Esmeralda pela última vez, para ficar com ela para sempre. no nível Médio. Pierre Gringoire e o capitão Phoebus também não se impressionaram. De todo o filme, gostei da cena em que Quasimodo vem a Esmeralda pela última vez, para ficar com ela para sempre. no nível Médio. Pierre Gringoire e o capitão Phoebus também não se impressionaram. De todo o filme, gostei da cena em que Quasimodo vem a Esmeralda pela última vez, para ficar com ela para sempre.
O famoso romance de Victor Hugo, Notre Dame de Paris, foi encenado e filmado inúmeras vezes. Cada leitor e espectador nomeará a adaptação para a tela que gostou e atraiu sua atenção. Alguém do teatro e alguém do mundo do cinema. Um grande número de filmes, desenhos animados, produções de cinema e TV baseados no livro. Você não pode listar todos eles, você pode citar os mais significativos, famosos e amados pelo público. Claro, não será possível ignorar a versão "mimada" e "final feliz" da Disney, que se tornou um dos sucessos de 1996, depois superada com uma sequência e transformada em uma série animada inteira. Também vale a pena mencionar o clássico filme francês de 1956, estrelado por Gina Lollobrigida e um jovem Anthony Quinn. Essa produção pomposa de figurino em grande escala, com cenários caros e grandes extras, foi um dos peplums de tela larga tão populares em meados do século passado. Você não pode passar do conhecido filme em preto e branco O Corcunda da Catedral de Notre Dame (1939) com Charles Laughton como Quasimodo. Mas acho que o mais importante para o cinema é a primeira adaptação cinematográfica significativa (em termos de tempo e releitura do enredo do livro) - "O Corcunda de Notre Dame" com o "homem de mil faces" Lon Chaney em a imagem aterrorizante da campainha surda da Catedral de Paris. Este filme, lançado em 1923, é hoje considerado um dos melhores representantes da era do cinema mudo. E também um dos mais caros para Hollywood da época (orçamento de US$ 1.250.000). Ainda hoje, há mais de 90 anos, impressiona com seu alcance e pathos. É difícil imaginar como o filme foi percebido no ano de seu lançamento! É esta produção que será discutida nesta revisão.
O filme foi dirigido por um diretor pouco conhecido Wallace Worsley, e o roteiro - uma adaptação foi preparada por Perley Poor Sheehan e Edward Tee Low Jr. Esses autores conseguiram, em tempo razoável, recontar ao público o enredo do grosso romance de Victor Hugo, preservando os personagens dos protagonistas. Esse é um detalhe muito importante na minha opinião, já que em adaptações cinematográficas posteriores, os roteiristas o suavizam para determinados personagens, ou dividem todos em “bons” e “maus”. Já no romance, o grande escritor retratou personagens humanos complexos e ambíguos, conectando o drama dos heróis que inventou com eventos históricos, contra os quais ocorrem suas intrincadas relações. Nesse sentido, o filme de 1923 pode ser considerado uma adaptação cinematográfica quase exemplar. Afinal, o principal é transmitir a essência do livro, e os roteiristas conseguiram. No entanto, grande parte do enredo desapareceu, por exemplo, a história de Pierre Gringoire, que na verdade é culpado do trágico assalto à catedral, ou a linha romântica do Capitão Fabo e Fleur-de-Lys. Reconhecendo a visão do autor sobre o projeto, bem como o Talmud de várias páginas de Hugo, cuja adaptação cinematográfica não pode evitar cortes, cabe ainda notar que a presença desses dois pontos aumentaria muito a dramaturgia da fita. Mas seja como for, essas falas foram abandonadas, reduzindo a presença dos personagens mencionados a apenas aparições episódicas e raras. Mas a história da beleza - a cigana é contada sem mudanças. Até sua cabra Djali foi preservada. Embora o final tenha sido feliz, salvando a vida da garota e conectando-a com Phoebe - apenas o corcunda e o voluptuoso arquidiácono morrem ...
Devo admitir que, sem saber inglês, assisti a um filme mudo sem títulos russos. Mas, conhecendo a fonte literária, acompanhei com interesse a trama, notando que ela era apresentada de maneira correta e consistente, dando mesmo a uma pessoa "ignorante" (que não leu o romance de Hugo na escola) o que se chama de "imbuída de história". Claro, mudar o final afeta muito o "gosto" do filme, bem como sua percepção como um todo. Se o livro forçou a admitir que o amor é uma força terrível que não obedece à lógica comum (quase o mesmo que a paixão), então no cinema é muito mais fácil a esse respeito.
A famosa história do misterioso prisioneiro da máscara de ferro está ganhando outra encarnação cinematográfica. Desta vez - francamente um fracasso. Isso é ainda mais incrível com essa 'constelação' de grandes atores, uma bela trilha sonora e Randall Wallace - que apenas alguns anos antes desta criação escreveu um roteiro brilhante para 'Braveheart' de Gibson. No entanto, o fato é, senhoras e senhores.
Para ser honesto, os quatro famosos Mosqueteiros ainda não receberam nenhuma atuação inteligível no cinema mundial. Com uma fonte literária tão rica - adaptações tão pobres. Além disso, não é culpa dos atores. O mais próximo de Dumas é o filme francês 'Três Mosqueteiros' com Gerard Barre no papel de D'Artagnan.
No caso de A Máscara de Ferro, há duas fontes excelentes ao mesmo tempo, que em si já são roteiros quase prontos para uma produção cinematográfica: é 'O Visconde de Bragelon, ou 10 anos depois', assim como 'O História de Crimes Famosos' - um estudo histórico em vários volumes Dumas, um dos capítulos dos quais é dedicado ao 'caso da Máscara de Ferro'. Este é um verdadeiro caso criminal, descoberto pelo grande escritor em um dos arquivos da prisão, como todo o resto desta obra. Mas não só a história desta conspiração em si tinha uma base real - os famosos mosqueteiros também eram pessoas bastante reais - Jean de Baatz Castelmore D'Artagnan (que realmente ascendeu ao posto de Marechal da França), Isaac de Porto, Henri D' Aramitz, Conde de La Fer - afinal, este é o material mais rico para um novo, diferente do geralmente aceito, olhar para as aventuras desses caras. No entanto, este filme nos apresenta os mosqueteiros na versão popular mais popular - palavras de pathos, gestos de pathos, expressões faciais de pathos, até mesmo a tragédia de uma situação pessoal neste filme exala fumaça de pó.
As deficiências do filme são imediatamente evidentes - os trajes chiques por algum motivo parecem falsos, TYuZovsky, e em geral toda essa França deles parece papelão e falso, mesmo que as filmagens sejam no local. O episódio em que D'Artagnan corta uma maçã podre ao meio em pleno voo não parece convincente, e Depardieu-Porthos, que decidiu enforcar-se bêbado à luz das estrelas completamente nu, mostrando ao público em geral o seu rabo não menos largo, não parece cômico, mas estúpido e não esteticamente agradável.
O enredo é francamente arrastado - não é sobre a duração de cenas individuais, mas sobre o tédio das reviravoltas na trama. Cenas que poderiam ser as melhores de todo o filme são tão generosamente temperadas com um molho de ranho e patriotismo excessivo dos personagens que causam indigestão no cérebro. DiCaprio, com alguma preguiça não fingida, interpreta o rei libertino, levando suas amantes a suicídios pouco convincentes. Bem, eles não parecem muito patéticos. De alguma forma, eu não quero me vingar.
O final desta ação é magnífico em sua estupidez e, claro, pathos. E tudo bem se a massiva corrida do peito à arma foi acompanhada apenas por silêncio e música trágico-heróica, mas não, personagens episódicos necessariamente lembram ao espectador que tudo isso é 'heroísmo sem precedentes'. Em uma palavra, duas horas de França falsa, mosqueteiros de guta-percha, segredos de amor universais - parece que os mosqueteiros de cinema como gênero foram irremediavelmente perdidos. Aliás, há um velho filme francês muito mais bem-sucedido, irônico e dinâmico sobre esse assunto com Jean Marais e Claudine Auger.
Se essa era mais uma tentativa de exibir a grande obra de A. Dumas, então não havia necessidade de distorcer tanto o enredo. As pessoas que não leram este romance maravilhoso podem ter uma impressão errada sobre o livro e seu autor. E o mais importante sobre a época, que é a história do livro, porque o livro 'Três Mosqueteiros' não é desprovido de contexto histórico. No filme, todas as maneiras e costumes são apresentados de forma extremamente implausível!
Se isso foi uma tentativa de fazer outro filme inútil com um monte de efeitos especiais, na minha opinião, e não deu muito certo! Em primeiro lugar, foi necessário ter um enredo diferente, pois a adaptação de uma obra-prima é um assunto muito delicado, e mesmo que o trabalho seja feito de boa fé (o que não pode ser dito sobre este filme).
E, em segundo lugar, a qualidade dos efeitos especiais deixa muito a desejar. As vistas panorâmicas de Paris e Londres parecem maquetes ou imagens mal desenhadas, cenas de batalhas no ar em navios voadores são simplesmente ridículas!
A única coisa boa desse filme é o elenco, mas nem Milla Jovovich e Orlando Bloom conseguiram transformar Os Mosqueteiros em algo digno de apreciação.
Nesse filme, os atores e os personagens estão bem (lembro-me até da propaganda na nossa televisão: 'pela primeira vez a idade dos atores corresponde à idade dos personagens'). Com a idade dos atores aqui, talvez tudo esteja em ordem, mas é aí que termina qualquer semelhança com o romance.
Os roteiristas aparentemente pensaram que poderiam escrever a história das aventuras dos mosqueteiros muito mais interessante do que Alexandre Dumas. E assim eles apagaram todo o enredo com pingentes e o Duque de Buckingham do roteiro, substituindo-o por uma história mais do que arrastada. Uma história em que o Cardeal Richelieu está tentando tomar o trono francês, D'Artagnan está preso e eles estão tentando ser executados publicamente, o regimento de mosqueteiros é dissolvido e coisas assim. Dumas, é claro, também lidou com fatos históricos com bastante liberdade, mas não na mesma medida.
Aconteceu praticamente que sob o belo embrulho do título do romance (embora não tenha sido alterado, mas qual é o sentido?), novamente nos venderam uma história barata sobre as aventuras de D'Artagnan, Athos, Porthos e Aramis, que não só não tem nada a ver com as aventuras de seus protótipos literários, mas apenas com um mediocre representante do gênero aventura. Leia melhor o livro.
Este é um grande filme épico à moda antiga, basicamente de todas as maneiras imagináveis. Mas quantas pessoas realmente já ouviram ou assistiram a este filme? Surpreendentemente, não tanto quanto merece. É claro que também tem a ver com o fato de que este filme foi feito na época da Guerra Fria, então este filme não foi amplamente visto ou disponível no Ocidente. E, claro, seu tempo de execução extremamente longo também é um elemento que impede que muitas pessoas assistam a isso.
Sim, você pode ver o filme em partes, pois cada parte do filme forma um novo 'capítulo' diferente (Capítulo I: Andrey Bolkonskiy, capítulo II: Natasha Rostova, capítulo III: 1812 deus, capítulo IV: Pierre Bezukhov) do história, focando em outro personagem, seja na guerra ou na paz, mas é claro que é melhor e mais eficaz assistir a este filme como um todo. Afinal, todos os capítulos e personagens estão, claro, todos conectados. Existem alguns personagens que aparecem e conectam as 4 histórias. Os capítulos em si também nem sempre são cronológicos entre si e são 4 narrativas diferentes e pontos de vista diferentes, cada um deles fornecendo mais profundidade da história e dos personagens. É claro que cada capítulo tem suas próprias qualidades e alguns são mais atraentes do que outros para certas pessoas. E mesmo que o filme tenha mais de 7 horas de duração, ainda é um filme que se move muito bem. Apesar de não ter o ritmo mais rápido, nunca se arrasta.
É especialmente o contraste entre as situações de guerra e paz que torna o filme tão épico e poderoso no que tenta alcançar. Cada capítulo se concentra em uma situação diferente de guerra ou paz. Acho que o próprio Tolstoi ficaria satisfeito com essa adaptação de seu romance.
É provavelmente um dos, se não o, filme mais caro já feito, mas isso é difícil de dizer por causa da inflação. Portanto, não se pode dizer quanto custou esse filme com o dinheiro de hoje. O filme também foi tão caro porque levou anos para ser feito. Foi bom ver que eles não apenas colocaram todo o dinheiro nas sequências de batalha do filme, mas também, obviamente, na aparência geral do filme. O filme apresenta alguns grandes conjuntos detalhados incríveis e figurinos bons, detalhados e autênticos. Mas é claro que ainda são as sequências de batalha que mais impressionarão. Isso vai explodir sua mente. Dez milhares de extras foram usados durante as grandes sequências de batalha. Eu continuo dizendo isso, mas é sempre mais impressionante ver um número extremo de humanos reais cobrando do que assistir a uma grande batalha CGI, não importa o quão realista e impressionante tudo pareça.
O que eu também gostei durante as batalhas foi que em algumas partes ele usava o mesmo estilo dos filmes de gênero russos dos anos 20 e 30, principalmente em seu trabalho de câmera e estilo de edição. Sem dúvida, uma homenagem aos bons e velhos tempos dourados do cinema russo. Mas o filme em geral também usa um estilo incomum grande e único às vezes. Ele usa muitos truques em partes, como telas divididas e edição extremamente rápida, para muitas vezes dar ao filme uma sensação única e surreal. O filme muitas vezes também apresentava alguns planos extremos, em que a câmera se move por todo o caminho pelos salões de baile ou outras salas nos palácios ou no campo de batalha.
A atuação no filme também é surpreendentemente ótima, até onde eu posso julgar isso. Quero dizer, também é difícil realmente julgar a qualidade de atuação em um filme em um idioma que você não fala ou entende por si mesmo. Pareceu-me que a maioria dos atores neste filme são normalmente atores de palco, o que foi um estilo de atuação bom e adequado para este filme, é claro, meio exagerado. O filme, é claro, apresenta muitos personagens, mas todos recebem o tratamento necessário e são aprofundados. O longo tempo de execução, é claro, permitiu que tudo isso fosse possível. De jeito nenhum esse filme teria funcionado tão bem quanto era apenas 'meramente' um épico de 3 horas.
Acho que o fato de o filme ter ganhado o Oscar de melhor filme estrangeiro, apesar da guerra fria na época, mostra o quão brilhante o filme é.
Não importa o quanto você estude uma mulher, tudo será completamente novo.
O filme de Alexander Zarkhi foi a sexta adaptação do romance de Leo Tolstoy na União Soviética. No total, existem 27 adaptações de Anna Karenina no mundo, começando pelo filme mudo alemão de 1910. Mas nem todos podem se tornar uma obra-prima.
O drama mostra perfeitamente os costumes hipócritas de Moscou e São Petersburgo na segunda metade do século XIX. Bailes, discursos em francês. Uma das cenas mais emocionantes são as corridas de cavalos. Magnífico conjunto de atuação, música muito boa de Rodion Shchedrin.
É mais fácil entender a relação dos heróis de Tolstoi pelo prisma do próprio destino. Portanto, os ex-cônjuges de Samoilova e Lanovoy interpretaram os amantes. Ellina Bystritskaya e Tatyana Doronina fizeram o teste para o papel de Anna Karenina, mas foi Tatyana Samoilova quem incorporou a imagem de uma “alma quebrada” que é admirada há mais de 40 anos. Vronsky, interpretada por Vasily Lanovoy, também é considerada uma das imagens de maior sucesso já filmadas.
A história do amor trágico de Anna Karenina pelo Conde Alexei Vronsky. Karenina mudou muito desde sua viagem a Moscou. Por uma paixão fatal por um oficial brilhante, uma senhora casada deixa seu marido Alexei Aleksandrovich Karenin ("Por que você está indo?" "Eu vou estar onde você está. Não posso fazer de outra forma"). O idoso Karenin (Nikolai Gritsenko) não é um homem, mas uma máquina. E a máquina do mal, quando se enfurece (Nossa vida não é limitada por pessoas, mas por Deus. Só um crime pode quebrá-la). Mas nada impede Anna de se apaixonar por Vronsky. Até o fato de Karenin a privar da oportunidade de ver seu próprio filho Seryozha. Mas nada é para sempre. As relações entre Anna e Vronsky se deterioram... Os destinos desmoronam. Vidas são cortadas.
O amor infeliz de Karenina e Vronsky é mostrado no drama no contexto da vida familiar pura e feliz de Konstantin Levin (Boris Goldaev) e Kitty Shcherbatskaya (Anastasia Vertinskaya).
Meu personagem favorito no filme é Stiva Arkadyevich Obolonsky (Yuri Yakovlev). Nunca desanimei epicurista (Nove anos de vida não podem resgatar momentos de paixão?!), amar a vida e adorar as mulheres (Uma mulher é um parafuso sobre o qual tudo se apoia. Não importa o quanto você estude uma mulher, tudo será completamente novo. ).
O diretor Alexander Zarkhi disse isso sobre Anna Karenina: “Um pequeno toque nos clássicos ainda é um toque”. Na minha opinião, o magnífico filme de Zarhi transmitiu plenamente as reflexões filosóficas e os esboços psicológicos do autor, característicos da literatura de Tolstoi.
Em Os Irmãos Karamazov, Fiódor Dostoiévski conseguiu “dividir” a alma de uma pessoa, apresentar cada parte dela como um participante separado de um conflito complexo, que, no agregado de todos os membros da família Karamazov, representa a alma de uma pessoa russa. Seu caráter de animal sagrado, mente sutilmente contraditória e sede de experimentar toda a maldade da queda e a tentação da traição. Ivan Pyrv conseguiu filmar o romance, além disso, foi tão maravilhoso e brilhante que, na minha opinião, é impossível fazê-lo melhor. Dmitry no filme foi interpretado por Mikhail Ulyanov. Nunca encontrei tal impulso, paixão, impulsividade e vigor em ninguém. Nem todo mundo, mesmo o ator mais talentoso, pode investir sua alma, mergulhar de cabeça no papel, ganhando impulso de quadro em quadro. O espectador simpatiza, se alegra ou fica com raiva dele. Ulyanov é simplesmente digno do prêmio de melhor papel masculino. O papel do ateu de sangue frio Ivan foi interpretado no filme pelo não menos talentoso ator Kirill Lavrov, e ele o fez de forma brilhante. Você simplesmente começa a acreditar nele desde os primeiros minutos do filme, sofre e sofre com ele quando o vê oprimido por seus próprios pensamentos e sentimentos. O irmão mais novo, o clérigo Aliocha, foi interpretado no filme por Andrey Myagkov. É muito difícil imaginar outra pessoa em seu lugar. Sua bondade e pureza, que ele dá ao espectador, não podem deixar de evocar emoções. A magnífica e charmosa Grushenka simplesmente faz o espectador se apaixonar tanto por si mesma que ela está simplesmente pronta para trocar de lugar com Dmitry quando ele é levado para o trabalho duro, se essa mulher estivesse com você por toda a sua vida. O sentimento de amor irradiado por Pyrieva é simplesmente fascinante. Em geral, o filme penetra tanto na consciência, toca tanto o coração que simplesmente agarra as palavras.
Ao completar seu épico filme policial "Dr Mabuse", Fritz Lang embarcou em uma missão para trazer a lenda germânica Das Niebelungenlied para a tela. Tão colossal foi o empreendimento que exigiu dois filmes, dos quais "Siegfried" é o primeiro.
O jovem heróico Siegfried mata um dragão e se banha em seu sangue, ganhando imortalidade (exceto por um ponto fraco fatal). Suas missões o transformam em uma figura poderosa e lhe permitem cortejar a bela princesa Kriemhield. Mas seu irmão fraco só aprova a união dos amantes se Siegfried concordar em ajudá-lo a enganar a bela Valquíria Brunhield para se apaixonar por ele. Quando ela finalmente descobre essa traição, os votos humilhados da amazona estabelecem um ciclo de vingança que criará uma tragédia em escala épica.
Não há como evitar comparações: "Die Niebelungen" é o Senhor dos Anéis de sua época, e facilmente um dos épicos mais impressionantes da história do cinema. A escala, os extras e a cena pioneira da matança de dragões contribuem para um cinema duradouro. Os visuais atraentes de Fritz Lang o levam ainda mais longe: sua impressionante representação dos rígidos códigos de honra que são a ruína de seus personagens imbui o filme com um clima e uma atmosfera cujas influências são incalculáveis. "Die Niebelungen" também pode ser lido como se quiser, homenagem ao heroísmo alemão ou às armadilhas e tragédias da "honra".
In KRIEMHILD'S REVENGE, the fantasy element has been completely abandoned, it focuses on Kriemhild's iron-willed commitment to avenge Siegfried, she agrees to marry the Hunnish King Etzel (Klein-Rogge), and gives birth to a boy, then invites Gunther and co. to celebrate summer solstice in King Etzel's hall, meanwhile secretly plots the ultimate revenge on Hagen of Tronje (Schlettow), Gunther's adviser who personally sets up the ambush and dispatches Siegfried. In sharping contrast between Burgundian's fantastically make-believe Celtic fashion and Huns' barbarian style with grotesque garments and unsightly makeup, a tangy whiff of racial supremacy is self-evident, King Etzel is dutifully portrayed as a weakling, wailing over his infant son, but cannot fight in the front-line, a shocking contradiction to his savage appearance. The battle is elongated in spite of the multitude of Huns, Gunther and his brothers refuse to give up on Hagen in exchange of their lives, subconsciously they are all guilty for the conspiracy, they are willing to fight until the last man standing. Besieged in the king's hall, the remaining Burgundians will face their doom in a staggering conflagration, tremendous manpower has been deployed for the arduous ending, no wonder it was such a mammoth sensation when it came out!
Um menino é terrivelmente desfigurado por ciganos errantes por ordem do rei Jaime II da Inglaterra como punição a um de seus nobres desobedientes. Os ciganos esculpem um sorriso permanente no rosto do menino e depois o deixam para morrer quando partem para sua terra natal. O menino vaga sem rumo em busca de abrigo em meio à costa fria cheia de neve, ruínas e corpos balançando do laço do carrasco ao fundo. Aqui ele encontra uma criança... viva... agarrada nas mãos congeladas de uma mulher cujo marido foi enforcado. Este foi o começo de The Man Who Laughs... e foi tão poderosamente filmado que uma corrida de emoções me encheu enquanto eu assistia maravilhado, mas horrorizado. Paul Leni dirigiu este grande filme baseado no romance de Victor Hugo. Conrad Veidt interpreta o adulto Gwynplaine que viaja pelo interior da Inglaterra com seu pai adotivo Ursus, o Filósofo, e a jovem Dea, a garota cuja vida ele salvou quando bebê. Dea se transformou em uma jovem florescente, mas cega de nascença. Dea é muito bem interpretada por Mary Philbin, que atuou em O Fantasma da Ópera (1925) no papel principal feminino. A forma como a Leni faz os personagens interagirem é muito eficaz. Podemos sentir a tensão no personagem de Veidt enquanto ele se submete às crescentes dores do amor. Sentimos sua tristeza enquanto ele chora através de sorrisos. O resto do filme envolve uma trama real da rainha e seu capanga / bobo da corte (a propósito, Brandon Hurst faz um trabalho fenomenal como esse bobo da corte cruel e sem coração) para restabelecer algumas propriedades reais para Gwynplaine para que ele possa se casar com uma duquesa que a rainha não gosta. A história é muito boa e dá para ver logo no início, mas a forma como Leni cria suspense e pathos supera qualquer defeito negativo. A atuação ao redor é muito forte. Este é um filme poderoso em muitos níveis. É uma montanha-russa emocional através do amor, ódio, desespero, alegria e muito mais. A melhor parte, porém, foi que o filme tem uma mensagem maravilhosa sobre percepções. Aqui temos esse personagem Gwynplaine que sorri por fora e faz as pessoas rirem, mas ele está cheio de desespero. Ele chora por dentro.
Este é o filme que apresenta um dos primeiros arqui-criminosos, Dr. Mabuse. Um personagem manipulador, que por hipnose manipula as pessoas e as coloca umas contra as outras e rouba seu dinheiro, deixando-o jogar cartas contra ele, enquanto ele deixa seus oponentes deliberadamente soltos, mesmo quando eles têm as melhores cartas. Ele manipula para obter mais dinheiro e o amor de uma mulher respeitável, mas também, definitivamente, puramente para seu próprio prazer. Não precisa ser explicado porque o Dr. Mabuse é mau, ele simplesmente É. Isso é o que faz um grande e memorável vilão de filme.
Definitivamente verdade que a segunda metade do filme é melhor que a primeira. Na segunda metade, o filme realmente começa a ganhar ritmo e forma. Isso torna a primeira parte obsoleta? Eu acho que não. Mostra perfeitamente como o manipulador Dr. Mabuse e os personagens também se desenvolvem fortemente nele. Mas sim, é definitivamente verdade que o filme é uma longa sessão. Quase 4 horas é, obviamente, muito tempo (e existe até uma versão mais longa). Isso não torna o filme ruim ou chato, mas às vezes o torna um pouco cansativo. O filme também não é fácil de seguir, mas muitas vezes é a maldição dos primeiros filmes narrativos dos anos 10 e 20 do século anterior.
Para 60% do filme, o filme se concentra em jogos de cartas. Algumas das sequências envolvendo os jogos são feitas para parecer mais emocionantes e tensas do que em qualquer filme de James Bond já foi o caso.
O filme usa alguns bons tiques cinematográficos iniciais e também algumas técnicas interessantes de contar histórias, como alguns flashbacks rápidos interessantes, para ajudar a lembrar ao espectador o que aconteceu no início da história.
O filme também mostra algumas tendências iniciais do filme noir e outros elementos de suspense e mistério. Não apenas com sua história, elementos de suspense psicológico ou estilo de filmagem, mas também com seus personagens. O principal vilão Dr. Mabuse é, obviamente, o melhor exemplo disso. Ele interpreta um grande vilão de filme de sangue puro, que também está sendo acompanhado por um par de capangas típicos de bandidos. Todos os elementos que mais tarde se tornariam definidores para o gênero. O filme é sobre o bem contra o mal, em boa forma cinematográfica inicial.
Alguns dos truques garantem que o filme seja preenchido com algumas sequências memoráveis e eficazes, principalmente no que diz respeito às sequências de hipnose manipulativa, do Dr. Mabuse. Isso torna o filme altamente imaginativo e original, embora obviamente não seja tão revolucionário quanto os outros clássicos de Fritz Lang; "Metrópole" e "M".
No futuro, a sociedade de Metropolis se divide em duas classes sociais: os trabalhadores, que vivem no subsolo abaixo do nível das máquinas, e as classes dominantes que vivem na superfície. Os trabalhadores são controlados por sua líder Maria (Brigitte Helm), que quer encontrar um mediador entre os senhores da classe alta e os trabalhadores, pois acredita que seria necessário um coração entre o cérebro e os músculos. Maria conhece Freder Fredersen (Gustav Fröhlich), o filho do Senhor da Metrópole Johhan Fredersen (Alfred Abel), em uma reunião dos trabalhadores, e eles se apaixonam um pelo outro. Enquanto isso, Johhan decide que os trabalhadores não são mais necessários para Metropolis, e usa um robô fingindo ser Maria para promover uma revolução da classe trabalhadora e eliminá-los.
"Metropolis" é uma fantástica visão futurista da luta de classes. Quando "Metropolis" foi filmado, era um período revolucionário romântico da história da humanidade, com movimentos socialistas em todo o mundo. Fritz Lang dirigiu e escreveu o roteiro desta obra-prima certamente inspirada neste momento histórico e defendendo uma posição de acordo e entendimento entre os dois lados, mostrando que eles precisam um do outro. Eu me pergunto como esse grande diretor conseguiu produzir esses efeitos especiais em 1927, com câmeras e equipamentos tão primitivos. A cidade de Metropolis é visivelmente inspirada em Nova York. A atuação de Brigitte Helm é impressionante em seu duplo papel, e este filme é obrigatório para qualquer pessoa que diga que gosta de cinema como arte.
Com um grau de sucesso que poucos filmes alcançaram, A Bela e a Fera (1946), de Jean Cocteau, equilibra as capacidades opostas mas iguais do filme de registrar a vida como ela é e criar paisagens completamente imaginárias por meio de edição e efeitos ópticos. A maioria dos filmes de Cocteau se inclina fortemente para o fantástico, o mítico, o poético ou o surrealista, mas em Beauty ele fez uma mise en scene baseada em grande parte na pintura holandesa do século XVIII, empregou uma câmera invisível e um estilo de edição e contou com técnicas convencionais de contar histórias. a fim de tornar sua releitura do conto de fadas clássico o mais realista possível. No entanto, A Bela e a Fera é notado principalmente como uma das adaptações mais bem-sucedidas de um conto de fadas já feitas e um dos maiores filmes de fantasia de qualquer tipo. E isso é verdade apesar da enorme desvantagem de Cocteau de trabalhar em um país recentemente devastado pela guerra com recursos financeiros e técnicos mínimos.
Uma abordagem interpretativa influente e provocativa de A Bela e a Fera é através da psicologia freudiana. A partir dessa perspectiva, a história de Beauty é um drama sexual simbólico no qual uma jovem se liberta de um relacionamento psicologicamente incestuoso com seu pai (e irmão?), supera seu medo da sexualidade masculina e de si mesma e, finalmente, entra na feminilidade madura.
Fortes evidências para apoiar essa interpretação podem ser encontradas no enquadramento das cenas de abertura e encerramento do filme. Na cena de abertura do filme, o pretendente de Bela, Avenant, atira uma flecha (fálica) que erra seu alvo ostensivo e entra em um quarto só para mulheres, onde cai na imagem espelhada de Bela no chão que ela está polindo. Sem ser convidado, Avenant invade o quarto, recupera a flecha e a usa para abraçar/restringir Bela. Ele então propõe casamento e - quando é negado - força sua atenção em Belle com algo próximo a agressão física. De uma perspectiva freudiana, Avenant representa a libido desencadeada que Bela não está psicologicamente ou culturalmente preparada para enfrentar diretamente.
Avenant, por sua vez, recebe sua justa punição na cena final do filme, quando é morto por uma flecha do arco de Diana, protetora da castidade e deusa que preside no pavilhão do jardim da Besta. A entrada neste pavilhão (natureza sexual feminina), só é permitida por meio de chave de ouro, domínio sobre o qual a Fera concedeu cavalheirescamente a Bela. (ou seja, a mulher diz quando) No entanto, com a ajuda das irmãs mais velhas malvadas e dúbias de Bela, Avenant entra em falsa posse da chave de ouro. Isso por si só negaria a legitimidade de sua entrada no pavilhão, mas ele decide entrar ainda mais ilicitamente, quebrando o portal de vidro em forma de hímen escondido no telhado do edifício, provocando sua execução irônica através do mesmo símbolo fálico com o qual sua busca de Bela tinha começado.
Essa simetria de enquadramento de duas "violações" espaciais nas cenas de abertura e encerramento do filme não é acidental. Ele sublinha a diferença entre a masculinidade moderada e cortês da Besta e o ego e desejo desenfreados de Avenant. O filme termina não apenas com a transformação da Fera no belo príncipe graças ao olhar amoroso de Bela, mas também com a transformação de Avenant na aparência da fera, uma manifestação física de seu animal interior desenfreado. Que Avenant, a Fera e o Príncipe sejam interpretados pelo mesmo ator sugere sua interação freudiana de id, superego e ego - que Bela também está trabalhando em termos femininos enquanto resiste e depois aceita a jornada da casa de seu pai, através castelo da Besta, e para seu destino real de casada.
Muitas cenas ao longo de A Bela e a Fera adquirem profundidade adicional através de uma abordagem freudiana. O corte da rosa no jardim da Fera, por exemplo, pode ser visto como uma violação simbólica que evoca a Fera e inicia a libertação de Bela da escravidão de seus substitutos do pai e da irmã má. Editado em cortes de salto, a cena inicial quando a Fera carrega Bela pela primeira vez em seu quarto de castelo retrata a transformação repetida do traje de Bela de serva/criança para mulher/noiva, a própria jornada que ela deve empreender ao deixar sua "virilidade" e a de seu pai. casa e aceita sua passagem para a sexualidade e maturidade feminina adulta.
A jornada de Bela entre a casa do Mercador e o castelo da Fera é facilitada por dois símbolos decididamente freudianos da sexualidade masculina: o cavalo, Magnífico, e as luvas de caça da Fera, fumegando com o sangue e o cheiro de seu poder animal/masculino. De fato, as palavras mágicas que Bela deve dizer para estimular o galope de Magnífico de volta ao castelo indicam a necessidade psicológica de sua jornada: "vá para onde eu vou! Vá, vá, vá!" O símbolo relativamente mais sutil do garanhão como agente de transporte é posteriormente substituído pela luva que não apenas fumega com o poder masculino da Fera, mas que ela veste reclinada nas respectivas camas de seus aposentos no Castelo e na casa do Mercador.
Que a jornada de amadurecimento de Bela deve ser enterrada, apesar de sua relutância, é mais pungente nas cenas do retorno de Bela à casa do Mercador depois de ter vivido por um tempo no castelo da Fera. Na casa de seu pai, ela rapidamente regride à escravidão física e psicológica que caracterizou sua condição no início do filme - só que agora o público, se não a própria Belle - está dolorosamente ciente do desenvolvimento interrompido que representa.
O Corcunda de Notre Dame
3.6 18 Assista AgoraRecentemente li 'O Corcunda de notre dame' do Victor Hugo. Escusado será dizer que o romance causou uma forte impressão. Ele transmite a atmosfera daquela época com incrível habilidade, criou uma imagem brilhante e colorida de Paris, uma bela história de amor, imagens fortes, memoráveis e realistas de heróis e prensas de rock impiedosas sobre tudo isso.. Depois de ler o livro, eu queria assistir a adaptação cinematográfica. Foi a primeira adaptação cinematográfica que vi. O que posso dizer? O filme é belíssimo, forte, profundo, dramático. A atuação dos atores fascina, surpreende, encanta, toca as profundezas da alma, faz você simpatizar com os personagens. O acompanhamento musical do filme merece atenção especial, que toca todas as cordas da alma, desperta emoções, transmite uma sensação do drama dos destinos humanos. Os eventos se desenrolam durante o reinado de Luís XI, um governante cruel e severo que usa qualquer meio para fortalecer seu poder. Caos, turbulência, inquisição, pobreza, fome reinam no país, insatisfação com o governo existente é crescente... E contra o pano de fundo desses eventos dramáticos, os destinos dramáticos dos heróis do romance são mostrados. No centro está a dramática história da cigana Esmeralda, raptada por ciganos de sua própria mãe. Esmeralda é uma bela criatura sobrenatural, símbolo de pureza, alegria, felicidade humana inatingível, ela é o próprio amor, puro, sincero, terno. Um dos críticos disse que Esmeralda é uma imagem irreal e é um erro de cálculo de Victor Hugo. Eu não penso assim. Acredito que ao criar a imagem de Esmeralda, o autor quis mostrar todo o drama do destino humano, quis dizer que o tempo e os acontecimentos da história destroem os destinos humanos, que uma pessoa não tem poder sobre seu próprio destino, que inevitável o destino pesa sobre toda a vida humana, os destinos das pessoas são predeterminados, o fim é inevitável, e apenas um amor, forte, sincero, profundo, Um dos críticos disse que Esmeralda é uma imagem irreal e é um erro de cálculo de Victor Hugo. Eu não penso assim. Acredito que ao criar a imagem de Esmeralda, o autor quis mostrar todo o drama do destino humano, quis dizer que o tempo e os acontecimentos da história destroem os destinos humanos, que uma pessoa não tem poder sobre seu próprio destino, que inevitável o destino pesa sobre toda a vida humana, os destinos das pessoas são predeterminados, o fim é inevitável, e apenas um amor, forte, sincero, profundo, Um dos críticos disse que Esmeralda é uma imagem irreal e é um erro de cálculo de Victor Hugo. Eu não penso assim.
Acredito que ao criar a imagem de Esmeralda, o autor quis mostrar todo o drama do destino humano, quis dizer que o tempo e os acontecimentos da história destroem os destinos humanos, que uma pessoa não tem poder sobre seu próprio destino, que inevitável o destino pesa sobre toda a vida humana, os destinos das pessoas são predeterminados, o fim é inevitável, e apenas um amor, forte, sincero, profundo,realcapaz de vencer a morte. Esmeralna revelou-se linda demais, pura para este mundo vicioso e cruel. Quatro pessoas estão apaixonadas por Esmeralda: o feioso Quasimodo, o ambicioso padre Claude Frollo, o belo mas superficial capitão Febo, o poeta fracassado Pierre Gringoire. Todo mundo tem certos sentimentos por ela, mas só o feio Quasimodo a ama de verdade... Um pouco sobre a qualidade da adaptação cinematográfica. Este filme é considerado a melhor adaptação do romance de Hugo. Com isso não posso deixar de concordar. Ainda assim, não posso deixar de dizer que esperava algo diferente.
O romance é muito mais profundo, mais dramático, transmite mais fortemente os sentimentos dos personagens, a atmosfera da época. Concordo que é completamente impossível cobrir o romance, mas ainda assim, algumas cenas importantes não são mostradas no filme e, se são mostradas, são mostradas de maneira bastante superficial. Por exemplo, a cena da prisão quando Claude Frollo confessa seu amor a Esmeralda, a cena da praça Greve, quando Frollo salva pela última vez a cigana, seu encontro com a mãe etc. é necessário fazer dois filmes. As imagens dos personagens do filme sofreram mudanças significativas. Esmeralda é um anjo puro no livro, mas aqui ela é uma personagem realista e realista, e é por isso que a imagem não se torna menos atraente. Gina Lollobrigida, escolhida para o papel de Esmeralda, é uma mulher muito bonita, uma atriz talentosa que conseguiu encarnar uma das imagens mais vivas da literatura mundial. Anthony Quinn (Quasimodo) não cedeu ao seu parceiro. Ele não é tão feio quanto o livro Quasimodo, mas há algo atraente nele, uma espécie de luz interior. Seu jogo é incrível e cativante. Ele não precisa falar para expressar seus sentimentos. Vale a pena dar uma olhada no rosto dele aos seus gestos. Mas os Claude Frollo e Pierre Gringoire na tela me decepcionaram. Claude Frollo é uma luta interna incrível, torturante e dolorosa, essa é a tragédia da alma humana, essa é uma ambição incrível. Você fica horrorizado e sente um pouco de simpatia por ele. Aqui, eu não vi nada disso. A imagem é revelada bastante superficialmente, em um nível médio. Pierre Gringoire e o capitão Phoebus também não se impressionaram. De todo o filme, gostei da cena em que Quasimodo vem a Esmeralda pela última vez, para ficar com ela para sempre. no nível Médio. Pierre Gringoire e o capitão Phoebus também não se impressionaram. De todo o filme, gostei da cena em que Quasimodo vem a Esmeralda pela última vez, para ficar com ela para sempre. no nível Médio. Pierre Gringoire e o capitão Phoebus também não se impressionaram. De todo o filme, gostei da cena em que Quasimodo vem a Esmeralda pela última vez, para ficar com ela para sempre.
O Corcunda de Notre Dame
3.7 23 Assista AgoraO famoso romance de Victor Hugo, Notre Dame de Paris, foi encenado e filmado inúmeras vezes. Cada leitor e espectador nomeará a adaptação para a tela que gostou e atraiu sua atenção. Alguém do teatro e alguém do mundo do cinema. Um grande número de filmes, desenhos animados, produções de cinema e TV baseados no livro. Você não pode listar todos eles, você pode citar os mais significativos, famosos e amados pelo público. Claro, não será possível ignorar a versão "mimada" e "final feliz" da Disney, que se tornou um dos sucessos de 1996, depois superada com uma sequência e transformada em uma série animada inteira. Também vale a pena mencionar o clássico filme francês de 1956, estrelado por Gina Lollobrigida e um jovem Anthony Quinn. Essa produção pomposa de figurino em grande escala, com cenários caros e grandes extras, foi um dos peplums de tela larga tão populares em meados do século passado. Você não pode passar do conhecido filme em preto e branco O Corcunda da Catedral de Notre Dame (1939) com Charles Laughton como Quasimodo. Mas acho que o mais importante para o cinema é a primeira adaptação cinematográfica significativa (em termos de tempo e releitura do enredo do livro) - "O Corcunda de Notre Dame" com o "homem de mil faces" Lon Chaney em a imagem aterrorizante da campainha surda da Catedral de Paris. Este filme, lançado em 1923, é hoje considerado um dos melhores representantes da era do cinema mudo. E também um dos mais caros para Hollywood da época (orçamento de US$ 1.250.000). Ainda hoje, há mais de 90 anos, impressiona com seu alcance e pathos. É difícil imaginar como o filme foi percebido no ano de seu lançamento! É esta produção que será discutida nesta revisão.
O filme foi dirigido por um diretor pouco conhecido Wallace Worsley, e o roteiro - uma adaptação foi preparada por Perley Poor Sheehan e Edward Tee Low Jr. Esses autores conseguiram, em tempo razoável, recontar ao público o enredo do grosso romance de Victor Hugo, preservando os personagens dos protagonistas. Esse é um detalhe muito importante na minha opinião, já que em adaptações cinematográficas posteriores, os roteiristas o suavizam para determinados personagens, ou dividem todos em “bons” e “maus”. Já no romance, o grande escritor retratou personagens humanos complexos e ambíguos, conectando o drama dos heróis que inventou com eventos históricos, contra os quais ocorrem suas intrincadas relações. Nesse sentido, o filme de 1923 pode ser considerado uma adaptação cinematográfica quase exemplar. Afinal, o principal é transmitir a essência do livro, e os roteiristas conseguiram. No entanto, grande parte do enredo desapareceu, por exemplo, a história de Pierre Gringoire, que na verdade é culpado do trágico assalto à catedral, ou a linha romântica do Capitão Fabo e Fleur-de-Lys. Reconhecendo a visão do autor sobre o projeto, bem como o Talmud de várias páginas de Hugo, cuja adaptação cinematográfica não pode evitar cortes, cabe ainda notar que a presença desses dois pontos aumentaria muito a dramaturgia da fita. Mas seja como for, essas falas foram abandonadas, reduzindo a presença dos personagens mencionados a apenas aparições episódicas e raras. Mas a história da beleza - a cigana é contada sem mudanças. Até sua cabra Djali foi preservada. Embora o final tenha sido feliz, salvando a vida da garota e conectando-a com Phoebe - apenas o corcunda e o voluptuoso arquidiácono morrem ...
Devo admitir que, sem saber inglês, assisti a um filme mudo sem títulos russos. Mas, conhecendo a fonte literária, acompanhei com interesse a trama, notando que ela era apresentada de maneira correta e consistente, dando mesmo a uma pessoa "ignorante" (que não leu o romance de Hugo na escola) o que se chama de "imbuída de história". Claro, mudar o final afeta muito o "gosto" do filme, bem como sua percepção como um todo. Se o livro forçou a admitir que o amor é uma força terrível que não obedece à lógica comum (quase o mesmo que a paixão), então no cinema é muito mais fácil a esse respeito.
O Homem da Máscara de Ferro
3.5 497 Assista AgoraA famosa história do misterioso prisioneiro da máscara de ferro está ganhando outra encarnação cinematográfica. Desta vez - francamente um fracasso. Isso é ainda mais incrível com essa 'constelação' de grandes atores, uma bela trilha sonora e Randall Wallace - que apenas alguns anos antes desta criação escreveu um roteiro brilhante para 'Braveheart' de Gibson. No entanto, o fato é, senhoras e senhores.
Para ser honesto, os quatro famosos Mosqueteiros ainda não receberam nenhuma atuação inteligível no cinema mundial. Com uma fonte literária tão rica - adaptações tão pobres. Além disso, não é culpa dos atores. O mais próximo de Dumas é o filme francês 'Três Mosqueteiros' com Gerard Barre no papel de D'Artagnan.
No caso de A Máscara de Ferro, há duas fontes excelentes ao mesmo tempo, que em si já são roteiros quase prontos para uma produção cinematográfica: é 'O Visconde de Bragelon, ou 10 anos depois', assim como 'O História de Crimes Famosos' - um estudo histórico em vários volumes Dumas, um dos capítulos dos quais é dedicado ao 'caso da Máscara de Ferro'. Este é um verdadeiro caso criminal, descoberto pelo grande escritor em um dos arquivos da prisão, como todo o resto desta obra. Mas não só a história desta conspiração em si tinha uma base real - os famosos mosqueteiros também eram pessoas bastante reais - Jean de Baatz Castelmore D'Artagnan (que realmente ascendeu ao posto de Marechal da França), Isaac de Porto, Henri D' Aramitz, Conde de La Fer - afinal, este é o material mais rico para um novo, diferente do geralmente aceito, olhar para as aventuras desses caras. No entanto, este filme nos apresenta os mosqueteiros na versão popular mais popular - palavras de pathos, gestos de pathos, expressões faciais de pathos, até mesmo a tragédia de uma situação pessoal neste filme exala fumaça de pó.
As deficiências do filme são imediatamente evidentes - os trajes chiques por algum motivo parecem falsos, TYuZovsky, e em geral toda essa França deles parece papelão e falso, mesmo que as filmagens sejam no local. O episódio em que D'Artagnan corta uma maçã podre ao meio em pleno voo não parece convincente, e Depardieu-Porthos, que decidiu enforcar-se bêbado à luz das estrelas completamente nu, mostrando ao público em geral o seu rabo não menos largo, não parece cômico, mas estúpido e não esteticamente agradável.
O enredo é francamente arrastado - não é sobre a duração de cenas individuais, mas sobre o tédio das reviravoltas na trama. Cenas que poderiam ser as melhores de todo o filme são tão generosamente temperadas com um molho de ranho e patriotismo excessivo dos personagens que causam indigestão no cérebro. DiCaprio, com alguma preguiça não fingida, interpreta o rei libertino, levando suas amantes a suicídios pouco convincentes. Bem, eles não parecem muito patéticos. De alguma forma, eu não quero me vingar.
O final desta ação é magnífico em sua estupidez e, claro, pathos. E tudo bem se a massiva corrida do peito à arma foi acompanhada apenas por silêncio e música trágico-heróica, mas não, personagens episódicos necessariamente lembram ao espectador que tudo isso é 'heroísmo sem precedentes'. Em uma palavra, duas horas de França falsa, mosqueteiros de guta-percha, segredos de amor universais - parece que os mosqueteiros de cinema como gênero foram irremediavelmente perdidos. Aliás, há um velho filme francês muito mais bem-sucedido, irônico e dinâmico sobre esse assunto com Jean Marais e Claudine Auger.
Os Três Mosqueteiros
3.1 1,5K Assista AgoraSe essa era mais uma tentativa de exibir a grande obra de A. Dumas, então não havia necessidade de distorcer tanto o enredo. As pessoas que não leram este romance maravilhoso podem ter uma impressão errada sobre o livro e seu autor. E o mais importante sobre a época, que é a história do livro, porque o livro 'Três Mosqueteiros' não é desprovido de contexto histórico. No filme, todas as maneiras e costumes são apresentados de forma extremamente implausível!
Se isso foi uma tentativa de fazer outro filme inútil com um monte de efeitos especiais, na minha opinião, e não deu muito certo! Em primeiro lugar, foi necessário ter um enredo diferente, pois a adaptação de uma obra-prima é um assunto muito delicado, e mesmo que o trabalho seja feito de boa fé (o que não pode ser dito sobre este filme).
E, em segundo lugar, a qualidade dos efeitos especiais deixa muito a desejar. As vistas panorâmicas de Paris e Londres parecem maquetes ou imagens mal desenhadas, cenas de batalhas no ar em navios voadores são simplesmente ridículas!
A única coisa boa desse filme é o elenco, mas nem Milla Jovovich e Orlando Bloom conseguiram transformar Os Mosqueteiros em algo digno de apreciação.
Os Três Mosqueteiros
3.3 173 Assista AgoraNesse filme, os atores e os personagens estão bem (lembro-me até da propaganda na nossa televisão: 'pela primeira vez a idade dos atores corresponde à idade dos personagens'). Com a idade dos atores aqui, talvez tudo esteja em ordem, mas é aí que termina qualquer semelhança com o romance.
Os roteiristas aparentemente pensaram que poderiam escrever a história das aventuras dos mosqueteiros muito mais interessante do que Alexandre Dumas. E assim eles apagaram todo o enredo com pingentes e o Duque de Buckingham do roteiro, substituindo-o por uma história mais do que arrastada. Uma história em que o Cardeal Richelieu está tentando tomar o trono francês, D'Artagnan está preso e eles estão tentando ser executados publicamente, o regimento de mosqueteiros é dissolvido e coisas assim. Dumas, é claro, também lidou com fatos históricos com bastante liberdade, mas não na mesma medida.
Aconteceu praticamente que sob o belo embrulho do título do romance (embora não tenha sido alterado, mas qual é o sentido?), novamente nos venderam uma história barata sobre as aventuras de D'Artagnan, Athos, Porthos e Aramis, que não só não tem nada a ver com as aventuras de seus protótipos literários, mas apenas com um mediocre representante do gênero aventura. Leia melhor o livro.
Guerra e Paz
4.4 34Este é um grande filme épico à moda antiga, basicamente de todas as maneiras imagináveis. Mas quantas pessoas realmente já ouviram ou assistiram a este filme? Surpreendentemente, não tanto quanto merece. É claro que também tem a ver com o fato de que este filme foi feito na época da Guerra Fria, então este filme não foi amplamente visto ou disponível no Ocidente. E, claro, seu tempo de execução extremamente longo também é um elemento que impede que muitas pessoas assistam a isso.
Sim, você pode ver o filme em partes, pois cada parte do filme forma um novo 'capítulo' diferente (Capítulo I: Andrey Bolkonskiy, capítulo II: Natasha Rostova, capítulo III: 1812 deus, capítulo IV: Pierre Bezukhov) do história, focando em outro personagem, seja na guerra ou na paz, mas é claro que é melhor e mais eficaz assistir a este filme como um todo. Afinal, todos os capítulos e personagens estão, claro, todos conectados. Existem alguns personagens que aparecem e conectam as 4 histórias. Os capítulos em si também nem sempre são cronológicos entre si e são 4 narrativas diferentes e pontos de vista diferentes, cada um deles fornecendo mais profundidade da história e dos personagens. É claro que cada capítulo tem suas próprias qualidades e alguns são mais atraentes do que outros para certas pessoas. E mesmo que o filme tenha mais de 7 horas de duração, ainda é um filme que se move muito bem. Apesar de não ter o ritmo mais rápido, nunca se arrasta.
É especialmente o contraste entre as situações de guerra e paz que torna o filme tão épico e poderoso no que tenta alcançar. Cada capítulo se concentra em uma situação diferente de guerra ou paz. Acho que o próprio Tolstoi ficaria satisfeito com essa adaptação de seu romance.
É provavelmente um dos, se não o, filme mais caro já feito, mas isso é difícil de dizer por causa da inflação. Portanto, não se pode dizer quanto custou esse filme com o dinheiro de hoje. O filme também foi tão caro porque levou anos para ser feito. Foi bom ver que eles não apenas colocaram todo o dinheiro nas sequências de batalha do filme, mas também, obviamente, na aparência geral do filme. O filme apresenta alguns grandes conjuntos detalhados incríveis e figurinos bons, detalhados e autênticos. Mas é claro que ainda são as sequências de batalha que mais impressionarão. Isso vai explodir sua mente. Dez milhares de extras foram usados durante as grandes sequências de batalha. Eu continuo dizendo isso, mas é sempre mais impressionante ver um número extremo de humanos reais cobrando do que assistir a uma grande batalha CGI, não importa o quão realista e impressionante tudo pareça.
O que eu também gostei durante as batalhas foi que em algumas partes ele usava o mesmo estilo dos filmes de gênero russos dos anos 20 e 30, principalmente em seu trabalho de câmera e estilo de edição. Sem dúvida, uma homenagem aos bons e velhos tempos dourados do cinema russo. Mas o filme em geral também usa um estilo incomum grande e único às vezes. Ele usa muitos truques em partes, como telas divididas e edição extremamente rápida, para muitas vezes dar ao filme uma sensação única e surreal. O filme muitas vezes também apresentava alguns planos extremos, em que a câmera se move por todo o caminho pelos salões de baile ou outras salas nos palácios ou no campo de batalha.
A atuação no filme também é surpreendentemente ótima, até onde eu posso julgar isso. Quero dizer, também é difícil realmente julgar a qualidade de atuação em um filme em um idioma que você não fala ou entende por si mesmo. Pareceu-me que a maioria dos atores neste filme são normalmente atores de palco, o que foi um estilo de atuação bom e adequado para este filme, é claro, meio exagerado. O filme, é claro, apresenta muitos personagens, mas todos recebem o tratamento necessário e são aprofundados. O longo tempo de execução, é claro, permitiu que tudo isso fosse possível. De jeito nenhum esse filme teria funcionado tão bem quanto era apenas 'meramente' um épico de 3 horas.
Acho que o fato de o filme ter ganhado o Oscar de melhor filme estrangeiro, apesar da guerra fria na época, mostra o quão brilhante o filme é.
Anna Karenina
4.0 15Não importa o quanto você estude uma mulher, tudo será completamente novo.
O filme de Alexander Zarkhi foi a sexta adaptação do romance de Leo Tolstoy na União Soviética. No total, existem 27 adaptações de Anna Karenina no mundo, começando pelo filme mudo alemão de 1910. Mas nem todos podem se tornar uma obra-prima.
O drama mostra perfeitamente os costumes hipócritas de Moscou e São Petersburgo na segunda metade do século XIX. Bailes, discursos em francês. Uma das cenas mais emocionantes são as corridas de cavalos. Magnífico conjunto de atuação, música muito boa de Rodion Shchedrin.
É mais fácil entender a relação dos heróis de Tolstoi pelo prisma do próprio destino. Portanto, os ex-cônjuges de Samoilova e Lanovoy interpretaram os amantes. Ellina Bystritskaya e Tatyana Doronina fizeram o teste para o papel de Anna Karenina, mas foi Tatyana Samoilova quem incorporou a imagem de uma “alma quebrada” que é admirada há mais de 40 anos. Vronsky, interpretada por Vasily Lanovoy, também é considerada uma das imagens de maior sucesso já filmadas.
A história do amor trágico de Anna Karenina pelo Conde Alexei Vronsky. Karenina mudou muito desde sua viagem a Moscou. Por uma paixão fatal por um oficial brilhante, uma senhora casada deixa seu marido Alexei Aleksandrovich Karenin ("Por que você está indo?" "Eu vou estar onde você está. Não posso fazer de outra forma"). O idoso Karenin (Nikolai Gritsenko) não é um homem, mas uma máquina. E a máquina do mal, quando se enfurece (Nossa vida não é limitada por pessoas, mas por Deus. Só um crime pode quebrá-la). Mas nada impede Anna de se apaixonar por Vronsky. Até o fato de Karenin a privar da oportunidade de ver seu próprio filho Seryozha. Mas nada é para sempre. As relações entre Anna e Vronsky se deterioram... Os destinos desmoronam. Vidas são cortadas.
O amor infeliz de Karenina e Vronsky é mostrado no drama no contexto da vida familiar pura e feliz de Konstantin Levin (Boris Goldaev) e Kitty Shcherbatskaya (Anastasia Vertinskaya).
Meu personagem favorito no filme é Stiva Arkadyevich Obolonsky (Yuri Yakovlev). Nunca desanimei epicurista (Nove anos de vida não podem resgatar momentos de paixão?!), amar a vida e adorar as mulheres (Uma mulher é um parafuso sobre o qual tudo se apoia. Não importa o quanto você estude uma mulher, tudo será completamente novo. ).
O diretor Alexander Zarkhi disse isso sobre Anna Karenina: “Um pequeno toque nos clássicos ainda é um toque”. Na minha opinião, o magnífico filme de Zarhi transmitiu plenamente as reflexões filosóficas e os esboços psicológicos do autor, característicos da literatura de Tolstoi.
Os Irmãos Karamázov
4.0 9Em Os Irmãos Karamazov, Fiódor Dostoiévski conseguiu “dividir” a alma de uma pessoa, apresentar cada parte dela como um participante separado de um conflito complexo, que, no agregado de todos os membros da família Karamazov, representa a alma de uma pessoa russa. Seu caráter de animal sagrado, mente sutilmente contraditória e sede de experimentar toda a maldade da queda e a tentação da traição. Ivan Pyrv conseguiu filmar o romance, além disso, foi tão maravilhoso e brilhante que, na minha opinião, é impossível fazê-lo melhor. Dmitry no filme foi interpretado por Mikhail Ulyanov. Nunca encontrei tal impulso, paixão, impulsividade e vigor em ninguém. Nem todo mundo, mesmo o ator mais talentoso, pode investir sua alma, mergulhar de cabeça no papel, ganhando impulso de quadro em quadro. O espectador simpatiza, se alegra ou fica com raiva dele. Ulyanov é simplesmente digno do prêmio de melhor papel masculino. O papel do ateu de sangue frio Ivan foi interpretado no filme pelo não menos talentoso ator Kirill Lavrov, e ele o fez de forma brilhante. Você simplesmente começa a acreditar nele desde os primeiros minutos do filme, sofre e sofre com ele quando o vê oprimido por seus próprios pensamentos e sentimentos. O irmão mais novo, o clérigo Aliocha, foi interpretado no filme por Andrey Myagkov. É muito difícil imaginar outra pessoa em seu lugar. Sua bondade e pureza, que ele dá ao espectador, não podem deixar de evocar emoções. A magnífica e charmosa Grushenka simplesmente faz o espectador se apaixonar tanto por si mesma que ela está simplesmente pronta para trocar de lugar com Dmitry quando ele é levado para o trabalho duro, se essa mulher estivesse com você por toda a sua vida. O sentimento de amor irradiado por Pyrieva é simplesmente fascinante. Em geral, o filme penetra tanto na consciência, toca tanto o coração que simplesmente agarra as palavras.
Os Nibelungos Parte 1 - A Morte de Siegfried
4.3 24Ao completar seu épico filme policial "Dr Mabuse", Fritz Lang embarcou em uma missão para trazer a lenda germânica Das Niebelungenlied para a tela. Tão colossal foi o empreendimento que exigiu dois filmes, dos quais "Siegfried" é o primeiro.
O jovem heróico Siegfried mata um dragão e se banha em seu sangue, ganhando imortalidade (exceto por um ponto fraco fatal). Suas missões o transformam em uma figura poderosa e lhe permitem cortejar a bela princesa Kriemhield. Mas seu irmão fraco só aprova a união dos amantes se Siegfried concordar em ajudá-lo a enganar a bela Valquíria Brunhield para se apaixonar por ele. Quando ela finalmente descobre essa traição, os votos humilhados da amazona estabelecem um ciclo de vingança que criará uma tragédia em escala épica.
Não há como evitar comparações: "Die Niebelungen" é o Senhor dos Anéis de sua época, e facilmente um dos épicos mais impressionantes da história do cinema. A escala, os extras e a cena pioneira da matança de dragões contribuem para um cinema duradouro. Os visuais atraentes de Fritz Lang o levam ainda mais longe: sua impressionante representação dos rígidos códigos de honra que são a ruína de seus personagens imbui o filme com um clima e uma atmosfera cujas influências são incalculáveis. "Die Niebelungen" também pode ser lido como se quiser, homenagem ao heroísmo alemão ou às armadilhas e tragédias da "honra".
A Vingança de Kriemhilde
4.2 13In KRIEMHILD'S REVENGE, the fantasy element has been completely abandoned, it focuses on Kriemhild's iron-willed commitment to avenge Siegfried, she agrees to marry the Hunnish King Etzel (Klein-Rogge), and gives birth to a boy, then invites Gunther and co. to celebrate summer solstice in King Etzel's hall, meanwhile secretly plots the ultimate revenge on Hagen of Tronje (Schlettow), Gunther's adviser who personally sets up the ambush and dispatches Siegfried. In sharping contrast between Burgundian's fantastically make-believe Celtic fashion and Huns' barbarian style with grotesque garments and unsightly makeup, a tangy whiff of racial supremacy is self-evident, King Etzel is dutifully portrayed as a weakling, wailing over his infant son, but cannot fight in the front-line, a shocking contradiction to his savage appearance. The battle is elongated in spite of the multitude of Huns, Gunther and his brothers refuse to give up on Hagen in exchange of their lives, subconsciously they are all guilty for the conspiracy, they are willing to fight until the last man standing. Besieged in the king's hall, the remaining Burgundians will face their doom in a staggering conflagration, tremendous manpower has been deployed for the arduous ending, no wonder it was such a mammoth sensation when it came out!
O Homem que Ri
4.3 154Um menino é terrivelmente desfigurado por ciganos errantes por ordem do rei Jaime II da Inglaterra como punição a um de seus nobres desobedientes. Os ciganos esculpem um sorriso permanente no rosto do menino e depois o deixam para morrer quando partem para sua terra natal. O menino vaga sem rumo em busca de abrigo em meio à costa fria cheia de neve, ruínas e corpos balançando do laço do carrasco ao fundo. Aqui ele encontra uma criança... viva... agarrada nas mãos congeladas de uma mulher cujo marido foi enforcado. Este foi o começo de The Man Who Laughs... e foi tão poderosamente filmado que uma corrida de emoções me encheu enquanto eu assistia maravilhado, mas horrorizado. Paul Leni dirigiu este grande filme baseado no romance de Victor Hugo. Conrad Veidt interpreta o adulto Gwynplaine que viaja pelo interior da Inglaterra com seu pai adotivo Ursus, o Filósofo, e a jovem Dea, a garota cuja vida ele salvou quando bebê. Dea se transformou em uma jovem florescente, mas cega de nascença. Dea é muito bem interpretada por Mary Philbin, que atuou em O Fantasma da Ópera (1925) no papel principal feminino. A forma como a Leni faz os personagens interagirem é muito eficaz. Podemos sentir a tensão no personagem de Veidt enquanto ele se submete às crescentes dores do amor. Sentimos sua tristeza enquanto ele chora através de sorrisos. O resto do filme envolve uma trama real da rainha e seu capanga / bobo da corte (a propósito, Brandon Hurst faz um trabalho fenomenal como esse bobo da corte cruel e sem coração) para restabelecer algumas propriedades reais para Gwynplaine para que ele possa se casar com uma duquesa que a rainha não gosta. A história é muito boa e dá para ver logo no início, mas a forma como Leni cria suspense e pathos supera qualquer defeito negativo. A atuação ao redor é muito forte. Este é um filme poderoso em muitos níveis. É uma montanha-russa emocional através do amor, ódio, desespero, alegria e muito mais. A melhor parte, porém, foi que o filme tem uma mensagem maravilhosa sobre percepções. Aqui temos esse personagem Gwynplaine que sorri por fora e faz as pessoas rirem, mas ele está cheio de desespero. Ele chora por dentro.
Dr. Mabuse, o Jogador
4.0 42Este é o filme que apresenta um dos primeiros arqui-criminosos, Dr. Mabuse. Um personagem manipulador, que por hipnose manipula as pessoas e as coloca umas contra as outras e rouba seu dinheiro, deixando-o jogar cartas contra ele, enquanto ele deixa seus oponentes deliberadamente soltos, mesmo quando eles têm as melhores cartas. Ele manipula para obter mais dinheiro e o amor de uma mulher respeitável, mas também, definitivamente, puramente para seu próprio prazer. Não precisa ser explicado porque o Dr. Mabuse é mau, ele simplesmente É. Isso é o que faz um grande e memorável vilão de filme.
Definitivamente verdade que a segunda metade do filme é melhor que a primeira. Na segunda metade, o filme realmente começa a ganhar ritmo e forma. Isso torna a primeira parte obsoleta? Eu acho que não. Mostra perfeitamente como o manipulador Dr. Mabuse e os personagens também se desenvolvem fortemente nele. Mas sim, é definitivamente verdade que o filme é uma longa sessão. Quase 4 horas é, obviamente, muito tempo (e existe até uma versão mais longa). Isso não torna o filme ruim ou chato, mas às vezes o torna um pouco cansativo. O filme também não é fácil de seguir, mas muitas vezes é a maldição dos primeiros filmes narrativos dos anos 10 e 20 do século anterior.
Para 60% do filme, o filme se concentra em jogos de cartas. Algumas das sequências envolvendo os jogos são feitas para parecer mais emocionantes e tensas do que em qualquer filme de James Bond já foi o caso.
O filme usa alguns bons tiques cinematográficos iniciais e também algumas técnicas interessantes de contar histórias, como alguns flashbacks rápidos interessantes, para ajudar a lembrar ao espectador o que aconteceu no início da história.
O filme também mostra algumas tendências iniciais do filme noir e outros elementos de suspense e mistério. Não apenas com sua história, elementos de suspense psicológico ou estilo de filmagem, mas também com seus personagens. O principal vilão Dr. Mabuse é, obviamente, o melhor exemplo disso. Ele interpreta um grande vilão de filme de sangue puro, que também está sendo acompanhado por um par de capangas típicos de bandidos. Todos os elementos que mais tarde se tornariam definidores para o gênero. O filme é sobre o bem contra o mal, em boa forma cinematográfica inicial.
Alguns dos truques garantem que o filme seja preenchido com algumas sequências memoráveis e eficazes, principalmente no que diz respeito às sequências de hipnose manipulativa, do Dr. Mabuse. Isso torna o filme altamente imaginativo e original, embora obviamente não seja tão revolucionário quanto os outros clássicos de Fritz Lang; "Metrópole" e "M".
Metrópolis
4.4 631 Assista AgoraNo futuro, a sociedade de Metropolis se divide em duas classes sociais: os trabalhadores, que vivem no subsolo abaixo do nível das máquinas, e as classes dominantes que vivem na superfície. Os trabalhadores são controlados por sua líder Maria (Brigitte Helm), que quer encontrar um mediador entre os senhores da classe alta e os trabalhadores, pois acredita que seria necessário um coração entre o cérebro e os músculos. Maria conhece Freder Fredersen (Gustav Fröhlich), o filho do Senhor da Metrópole Johhan Fredersen (Alfred Abel), em uma reunião dos trabalhadores, e eles se apaixonam um pelo outro. Enquanto isso, Johhan decide que os trabalhadores não são mais necessários para Metropolis, e usa um robô fingindo ser Maria para promover uma revolução da classe trabalhadora e eliminá-los.
"Metropolis" é uma fantástica visão futurista da luta de classes. Quando "Metropolis" foi filmado, era um período revolucionário romântico da história da humanidade, com movimentos socialistas em todo o mundo. Fritz Lang dirigiu e escreveu o roteiro desta obra-prima certamente inspirada neste momento histórico e defendendo uma posição de acordo e entendimento entre os dois lados, mostrando que eles precisam um do outro. Eu me pergunto como esse grande diretor conseguiu produzir esses efeitos especiais em 1927, com câmeras e equipamentos tão primitivos. A cidade de Metropolis é visivelmente inspirada em Nova York. A atuação de Brigitte Helm é impressionante em seu duplo papel, e este filme é obrigatório para qualquer pessoa que diga que gosta de cinema como arte.
A Bela e a Fera
4.0 80Com um grau de sucesso que poucos filmes alcançaram, A Bela e a Fera (1946), de Jean Cocteau, equilibra as capacidades opostas mas iguais do filme de registrar a vida como ela é e criar paisagens completamente imaginárias por meio de edição e efeitos ópticos. A maioria dos filmes de Cocteau se inclina fortemente para o fantástico, o mítico, o poético ou o surrealista, mas em Beauty ele fez uma mise en scene baseada em grande parte na pintura holandesa do século XVIII, empregou uma câmera invisível e um estilo de edição e contou com técnicas convencionais de contar histórias. a fim de tornar sua releitura do conto de fadas clássico o mais realista possível. No entanto, A Bela e a Fera é notado principalmente como uma das adaptações mais bem-sucedidas de um conto de fadas já feitas e um dos maiores filmes de fantasia de qualquer tipo. E isso é verdade apesar da enorme desvantagem de Cocteau de trabalhar em um país recentemente devastado pela guerra com recursos financeiros e técnicos mínimos.
Uma abordagem interpretativa influente e provocativa de A Bela e a Fera é através da psicologia freudiana. A partir dessa perspectiva, a história de Beauty é um drama sexual simbólico no qual uma jovem se liberta de um relacionamento psicologicamente incestuoso com seu pai (e irmão?), supera seu medo da sexualidade masculina e de si mesma e, finalmente, entra na feminilidade madura.
Fortes evidências para apoiar essa interpretação podem ser encontradas no enquadramento das cenas de abertura e encerramento do filme. Na cena de abertura do filme, o pretendente de Bela, Avenant, atira uma flecha (fálica) que erra seu alvo ostensivo e entra em um quarto só para mulheres, onde cai na imagem espelhada de Bela no chão que ela está polindo. Sem ser convidado, Avenant invade o quarto, recupera a flecha e a usa para abraçar/restringir Bela. Ele então propõe casamento e - quando é negado - força sua atenção em Belle com algo próximo a agressão física. De uma perspectiva freudiana, Avenant representa a libido desencadeada que Bela não está psicologicamente ou culturalmente preparada para enfrentar diretamente.
Avenant, por sua vez, recebe sua justa punição na cena final do filme, quando é morto por uma flecha do arco de Diana, protetora da castidade e deusa que preside no pavilhão do jardim da Besta. A entrada neste pavilhão (natureza sexual feminina), só é permitida por meio de chave de ouro, domínio sobre o qual a Fera concedeu cavalheirescamente a Bela. (ou seja, a mulher diz quando) No entanto, com a ajuda das irmãs mais velhas malvadas e dúbias de Bela, Avenant entra em falsa posse da chave de ouro. Isso por si só negaria a legitimidade de sua entrada no pavilhão, mas ele decide entrar ainda mais ilicitamente, quebrando o portal de vidro em forma de hímen escondido no telhado do edifício, provocando sua execução irônica através do mesmo símbolo fálico com o qual sua busca de Bela tinha começado.
Essa simetria de enquadramento de duas "violações" espaciais nas cenas de abertura e encerramento do filme não é acidental. Ele sublinha a diferença entre a masculinidade moderada e cortês da Besta e o ego e desejo desenfreados de Avenant. O filme termina não apenas com a transformação da Fera no belo príncipe graças ao olhar amoroso de Bela, mas também com a transformação de Avenant na aparência da fera, uma manifestação física de seu animal interior desenfreado. Que Avenant, a Fera e o Príncipe sejam interpretados pelo mesmo ator sugere sua interação freudiana de id, superego e ego - que Bela também está trabalhando em termos femininos enquanto resiste e depois aceita a jornada da casa de seu pai, através castelo da Besta, e para seu destino real de casada.
Muitas cenas ao longo de A Bela e a Fera adquirem profundidade adicional através de uma abordagem freudiana. O corte da rosa no jardim da Fera, por exemplo, pode ser visto como uma violação simbólica que evoca a Fera e inicia a libertação de Bela da escravidão de seus substitutos do pai e da irmã má. Editado em cortes de salto, a cena inicial quando a Fera carrega Bela pela primeira vez em seu quarto de castelo retrata a transformação repetida do traje de Bela de serva/criança para mulher/noiva, a própria jornada que ela deve empreender ao deixar sua "virilidade" e a de seu pai. casa e aceita sua passagem para a sexualidade e maturidade feminina adulta.
A jornada de Bela entre a casa do Mercador e o castelo da Fera é facilitada por dois símbolos decididamente freudianos da sexualidade masculina: o cavalo, Magnífico, e as luvas de caça da Fera, fumegando com o sangue e o cheiro de seu poder animal/masculino. De fato, as palavras mágicas que Bela deve dizer para estimular o galope de Magnífico de volta ao castelo indicam a necessidade psicológica de sua jornada: "vá para onde eu vou! Vá, vá, vá!" O símbolo relativamente mais sutil do garanhão como agente de transporte é posteriormente substituído pela luva que não apenas fumega com o poder masculino da Fera, mas que ela veste reclinada nas respectivas camas de seus aposentos no Castelo e na casa do Mercador.
Que a jornada de amadurecimento de Bela deve ser enterrada, apesar de sua relutância, é mais pungente nas cenas do retorno de Bela à casa do Mercador depois de ter vivido por um tempo no castelo da Fera. Na casa de seu pai, ela rapidamente regride à escravidão física e psicológica que caracterizou sua condição no início do filme - só que agora o público, se não a própria Belle - está dolorosamente ciente do desenvolvimento interrompido que representa.