Ellen Maciel

Este é mais um filme sobre o qual tenho muito a dizer, mas não quero que meus pensamentos originais se percam em um emaranhado de palavras enquanto tento organizá-los no papel.

Neste filme, Eva retrata um ato de força tão intenso e pesado, sem nunca nomeá-lo explicitamente, mas o que ela brilhantemente mostra ao espectador é o que acontece com alguém que vivenciou um trauma ao longo dos anos seguintes, seja por meio de momentos de puro medo, momentos de pânico involuntário, momentos em que usa o riso para continuar a lidar com o luto e momentos de dor pura e absoluta.

Adorei o controle do tom ao longo do filme e como ele se mantém sombrio, ao mesmo tempo que permite momentos de alívio através do humor sarcástico, dando ao cérebro um respiro.

O filme segue uma narrativa não linear, que começa e termina com um monólogo que com certeza lerei novamente e ao qual voltarei em momentos de solidão, quando precisar me lembrar de que, mesmo com o trauma presente em minha vida, existem maneiras de superá-lo e chegar à luz no fim do túnel.

Estou ansiosa por mais trabalhos de Eva Victor. Uma obra fantástica e tocante.

Este filme foi bom, mas o problema é que o original era brilhante. O primeiro tinha um roteiro original e engraçado, enquanto a sequência tinha uma série de obrigações a cumprir. A mais importante delas era a presença de Miranda. Mais uma vez, a personagem de Meryl Streep carrega grande parte do filme, mesmo que não apareça tanto nesta sequência. Era preciso incluir os personagens mais importantes do primeiro filme, o que foi feito de forma satisfatória. Alguns personagens novos e jovens precisavam ser apresentados, mas as novas "Emilys" pareceram um pouco desnecessárias. Faltavam algumas frases de efeito hilárias, e elas estavam lá. Um grande final que, desta vez, pareceu um pouco forçado.

A primeira parte brilhante foi espontânea e, devido às obrigações, esta sequência pareceu um pouco artificial. Eles certamente tentaram superar o primeiro filme, mas isso teria sido uma conquista incrível. Mas, novamente: esta também é uma comédia muito sólida.

No geral, embora o filme seja conduzido por duas atuações excepcionais de Colman Domingo e Jaafar Jackson e se assemelhe a uma coletânea de grandes sucessos de Michael Jackson, "Michael" é genuinamente um dos filmes mais feios que já vi. A cinematografia e a edição são tão básicas, mas tentam fazer demais. O design de produção e a maquiagem são tão irreais que fazem o filme parecer falso, e os efeitos visuais são tão baratos que me pergunto para onde foi o orçamento de 200 milhões de dólares. Para piorar a situação, "Michael" é uma releitura linear e superficial da página da Wikipédia de Michael Jackson, desde sua infância até o fim da era Thriller, tentando abarcar grande parte de sua vida sem oferecer qualquer profundidade, deixando muito evidente o envolvimento da família Jackson na produção do filme.

História - Ruim: O conceito é basicamente um resumo da Wikipédia sobre Michael Jackson, da infância até o fim da era Thriller, mas tenta abarcar muita coisa desse período; a estrutura da trama é muito linear, indo da infância de Michael Jackson até o fim da era Thriller; Por ser a primeira parte de uma história em duas, o filme parece estar em constante construção; teria sido muito melhor se tivessem focado em apenas uma parte da vida de Michael Jackson, mas, como tentam abarcar tanta coisa, o filme acaba parecendo uma corrida contra o tempo pela primeira metade da página da Wikipédia sobre Michael Jackson; a construção dos personagens é extremamente superficial, não revelando nada de novo sobre a vida de Michael Jackson e o retratando de forma unidimensional, o que deixa evidente a forte influência da família Jackson no filme; a caracterização de Joe Jackson é razoável, mas não traz nenhuma novidade.

Roteiro - Ruim: Os diálogos são bons e cumprem seu papel de entreter; o humor ainda está presente, com piadas engraçadas, como a do Prince; o simbolismo é extremamente superficial e forçado, já que fica óbvio que o filme foi feito pela família Jackson, pois tudo é retratado de forma unidimensional. Embora seja possível sentir empatia pela luta de Michael e entender por que ele age da maneira que age, tudo isso é superficial e forçado, especialmente considerando que é apenas uma reação ao que é mostrado na tela; A antecipação serve mais para construir o próximo filme do que para apoiar a narrativa deste.

Atuações - Muito boas: Jaafar Jackson - Bom (Ele realmente se transforma em Michael Jackson, reproduzindo seus trejeitos e conseguindo gerar empatia com Michael e suas dificuldades; tem uma boa química com o restante do elenco; canta em harmonia com Michael Jackson, o que justifica sua atuação), Nia Long - Muito boa (Interpreta bem a figura materna e apoia a performance de Jackson, mas parece que sua atuação é artificialmente sustentada em muitas de suas cenas), Juliano Krue Valdi - Bom (Interpreta muito bem o Michael criança e realmente nos faz sentir empatia pelo abuso que ele sofreu na infância, o que o molda no homem que se torna), Miles Teller - Razoável (Parece deslocado neste filme, mas é razoável e tolerável), Colman Domingo - Bom a Muito Bom (Definitivamente o melhor ator do filme, transformando-se em Joe Jackson e criando uma presença marcante). Em todas as cenas em que aparece, inspirando medo não só nos personagens, mas também no público).

Trilha sonora - Muito boa: Interpolações da música de Michael Jackson.

Poucos filmes de baixo orçamento envelhecem bem, mas Mad Max certamente envelheceu bem.

Assisti recentemente, pois só tinha vagas lembranças de tê-lo visto anos atrás, e achei que se manteve ótimo.
O que George Miller fez com este roteiro relativamente simples é notável. Os ângulos de câmera e a velocidade com que o filme se desenrola em alguns momentos são emocionantes, sem mencionar as ótimas cenas de ação e até mesmo o humor bárbaro (o braço arrancado!).
O carro em que Mel Gibson finalmente se vinga (um cupê Ford australiano) parecia tão ameaçador quanto um carro poderia ser! Construído para o filme por A$35 mil, uma réplica foi usada nas cenas finais de destruição e incêndio de Mad Max 2.

Grace, uma escritora e jovem mãe, está lentamente mergulhando na loucura. Trancada numa casa antiga nos arredores de Montana, vemos seu comportamento cada vez mais agitado e errático, deixando seu companheiro, Jackson, cada vez mais preocupado e impotente.

Achei o filme bastante perturbador. Não há palavras para descrevê-lo e, para ser honesta, não sabia exatamente o que pensar depois de assisti-lo, porque o filme, assim como Grace, era tão errático e confuso que você simplesmente não sabe o que fazer com ele.

Não há uma narrativa propriamente dita e espera-se que você simplesmente aceite e saiba o que está acontecendo no segundo em que o filme começa. À medida que avança aos trancos e barrancos de cena em cena, não fica óbvio o que está acontecendo ou por quê, até que a razão seja mencionada por volta dos 30-40 minutos de filme, momento em que você está assistindo apenas por obrigação.

É difícil se conectar com os personagens porque é quase inacreditável o que você está vendo. Você não consegue distinguir se é um casamento disfuncional ou depressão pós-parto, e não saberia, se é que é, a menos que fosse mencionado. O filme também carece de contexto e é excessivamente longo, com 1 hora e 52 minutos (112 minutos), com um ritmo ruim.

Os atores se esforçaram ao máximo e houve algumas cenas engraçadas mas o filme foi simplesmente entediante e sem graça na maior parte do tempo. Era tão errático, com suas cenas e flashbacks pulando descontroladamente e cortes bruscos em alguns momentos, juntamente com os sons irritantes de um cachorro latindo e vidro quebrando, etc. Foi bizarro e estranho, e não de uma forma boa.

E aí, claro, tem o final, que foi tão confuso quanto o próprio filme, com cenas arrastadas e a expectativa de que você entendesse o que estava acontecendo. Foi um filme bem deprimente na maior parte do tempo, com apenas algumas cenas felizes. Eu simplesmente não consegui entender e não entendi por que era daquele jeito. Quer dizer, até que eu entendi, mas mesmo assim... Era muito fora da realidade.

Parece que a Netflix está usando um padrão temático bem específico para muitos de seus filmes de sobrevivência ultimamente. Essas histórias geralmente começam com uma mulher que já está lidando com um grande luto ou uma tragédia passada. Ela fica presa em uma situação difícil (como um contêiner em "Nowhere" ou uma floresta em "Don't Move").

Na Baixada Fluminense, uma área proletária e extensa do estado do Rio de Janeiro, Eliane (Fernanda Torres), de quinze anos, vive com sua mãe neurótica e frustrada, Eunice (Marieta Severo), e seu pai doente, Milton (Reginaldo Farias), um ex-sargento do exército. O relacionamento entre eles não é dos melhores. Quando Eliane conhece Otávio (Carlos Augusto Strazzer), um homem divorciado dezoito anos mais velho, e os dois se apaixonam, a família pressiona Eliane a ponto de ela fugir de casa para outra cidade. "Com Licença, Eu Vou à Luta" é um drama marcante sobre uma família da classe média baixa, baseado na biografia de Eliane Maciel. A história se concentra nos conflitos entre as frustrações da mãe e a vida sentimental da filha, e é muito envolvente. Apesar de ser um filme de baixo orçamento, a história é realista e muito atual, e as atuações do elenco são excelentes, com destaque para Fernanda Torres e Marieta Severo.

O diretor Benjamin Ree fez um ótimo trabalho ao capturar a vida de Mats Steen, que faleceu devido a uma doença muscular degenerativa, e o impacto que Steen deixou na comunidade gamer de World of Warcraft. A abordagem de Ree em relação à atmosfera, às emoções e às conversas com os participantes foi ponderada, interessante e envolvente, já que cada um deles teve discussões muito interessantes sobre amizade, comunidades e uma visão positiva da comunidade gamer. Muitos documentários e filmes retrataram as comunidades gamer de uma perspectiva tendenciosa e injusta, e Ree faz um bom trabalho ao mostrar uma visão honesta de como a comunidade gamer pode gerar impactos positivos sem parecer tendenciosa.

A produção, a cinematografia e o design de som são maravilhosos do início ao fim. O documentário utiliza um estilo muito interessante, misturando entrevistas reais com pessoas e discussões narradas no estilo de animação de World of Warcraft, o que funciona muito bem. Essa combinação cria uma apresentação documental interessante que quase nos faz sentir envolvidos com os personagens e ver como eles são reais. Há momentos em que os personagens interagem dentro do World of Warcraft que ainda estão gravados na minha memória.

Minha única pequena ressalva em relação ao filme é que achei algumas das escolhas musicais um pouco bregas e, às vezes, inadequadas para certos momentos. Mas, no geral, foi uma jornada emocionante. É impressionante ver Benjamin Ree criando um documentário tão comovente que te deixa feliz e te leva às lágrimas.

Você não precisa necessariamente ser um gamer para gostar deste documentário. Qualquer pessoa que tenha vivenciado perdas, amizades e comunidades pode tirar algo de valor dele. Adorei.

Este filme foi ótimo, o que mais gostei foi o roteiro incrível de Akela Cooper.

Os sustos são muito bem elaborados, típicos de James Wan, embora, na minha opinião, não superem o trabalho dele nos dois filmes de Invocação do Mal.

O que eu não gostei foi da iluminação, porque é muito escura, o que também é típico de James Wan em seus filmes de terror.

A atuação de Annabelle Wallis foi impecável, muito diferente da Annabelle de 2014. Não sei o que aconteceu com ela naquela época.

Fica aquele gostinho de que poderia ser melhor mas gostei.

Um grande autor como Stephen King e um grande diretor como John Carpenter deveriam se encaixar perfeitamente, mas algo deu errado na produção de Christine. Não estou dizendo que o filme seja ruim, mas não é dos melhores. Carpenter e King já fizeram trabalhos melhores. A primeira metade do filme é excelente, mas a segunda metade é um pouco repetitiva e redundante.

"Imitação da Vida", de 1959, foi uma refilmagem da versão de 1934 estrelada por Claudette Colbert, Louise Beavers e Fredi Washington. Ambas são maravilhosas à sua maneira.

A versão de 1959 altera alguns pontos da trama: a personagem de Turner não é uma empresária judia, e não há a história da massa de panqueca e do grande sucesso comercial para as duas mulheres.

Em vez disso, Turner interpreta uma aspirante a atriz com uma filha pequena que conhece Juanita Moore e sua filha na praia. Assim como no original, Moore simplesmente se muda para a casa, precisando de um lugar para morar. Quando sua filha cresce, ela tenta se passar por branca.

A versão de 1959 é feita como uma novela sofisticada – e por que não? Ela é estrelada por Lana Turner em todo o seu glamour e beleza, e dirigida pelo mestre desse tipo de filme, Douglas Sirk.

Sandra Dee interpreta a filha de Turner – uma ótima escolha de elenco – e a bela Susan Kohner é a filha de Moore, Sarah Jane. A mãe de Susan Kohner na vida real era atriz e seu pai, Paul Kohner, um importante agente/produtor.

Susan Kohner se aposentou do mundo do entretenimento quando se casou com o estilista John Weitz. Hoje, seus dois filhos são produtores.

Os méritos da atuação em "Imitação da Vida" pertencem a Juanita Moore, que oferece uma performance comovente como Annie e simplesmente parte o coração do espectador. Kohner também está excelente; aliás, as duas foram indicadas ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. John Gavin, Robert Alda e Troy Donahue também aparecem no filme, Donahue em um pequeno papel de vilão e Gavin como o interesse amoroso de Turner.

Um dos maiores melodramas de todos os tempos – uma experiência bem diferente do original – se puder assistir aos dois, faça isso.

Um filme excelente, cuja representação da indústria do sexo e da vida nas décadas de 70 e 80 é interessante — é preciso admirar a moda e o kitsch da época, que são capturados de forma excepcional. O sexo é bastante explícito, então pode ser um filme difícil de assistir em um ambiente misto, mas o efeito geral não é brega e a maioria das cenas de sexo são eróticas, engraçadas ou simplesmente agradáveis. O filme dentro do filme com Brock Landers é imperdível, assim como as cenas no estúdio de gravação. Adorei o uso das músicas do filme também. No geral, um ótimo filme, emocionalmente envolvente, embora um pouco longo — o que não chega a ser um problema se você se conectar com os personagens.

Excelente e assustador... cansada de viver tantos períodos históricos. Tiraram o bolsonaro do poder mas não previam o HOSPÍCIO de gente maluca que ficou como resquício.

Climax é uma extravagância de dança, sexo, caos e, o mais importante, pânico. É comparável a um longo ataque de pânico iminente de 96 minutos. Mas de um jeito bom. O filme te prende com um número de dança incrivelmente longo com música de sintetizador estridente e é honestamente cativante de assistir. É uma tomada longa e bonita que te prepara para o estilo que envolve o resto do filme. Noé consegue fazer uma tomada durar de 10 a 15 minutos sem que pareça que ele está se exibindo. É preciso muita habilidade para montar essas tomadas complexas que duram tanto tempo e executá-las perfeitamente sem que os atores errem uma fala ou que a continuidade seja quebrada. Suas tomadas longas simplesmente te envolvem como um membro da plateia e te fazem sentir como se você fosse parte da situação. Parece natural.

Sério, cuidado. Este filme é emocionalmente exaustivo. Ele tem um jeito de grudar uma sensação horrível na sua barriga e mantê-la lá por muito tempo depois do filme terminar. É um espetáculo de uma viagem ruim de ácido. Os atores, o trabalho de câmera e a narrativa fazem você se sentir como se estivesse testemunhando esse evento caótico que está acontecendo. Sofia Boutella está fantástica no filme, assim como o restante do elenco. Cada personagem parece tão crível e honesto. Há muitas informações sobre os personagens nos primeiros 20 minutos ou por meio de diálogos, o que pode ser um pouco confuso, considerando que são muitos e não aprendemos todos os seus nomes imediatamente.

O filme começa diferente e faz um ótimo trabalho na primeira metade, retratando a degradação da existência causada pela interseção destrutiva de figuras ingênuas e poderosas com intelectuais impotentes, levando à criação de uma realidade vazia e absurda. Há um tom crítico e cortante que lembra Parasita, e eu realmente esperava que o filme continuasse nesse caminho.

No entanto, na segunda metade, o filme perde o ritmo. A introdução de simulações de personagens (Mickey 17 e Mickey 18) poderia ter sido um elemento fascinante e instigante, mas parece desperdiçada e subdesenvolvida. Essa mudança de um início promissor para uma conclusão previsível e apressada faz com que o filme pareça ter perdido sua visão original. A primeira metade tem humor inteligente e foi significativa em sua exploração, mas a segunda metade se torna monótona.

Em vez de desenvolver o tema da ficção científica, o filme se torna muito derivativo, assemelhando-se a muitas outras obras do gênero. Os relacionamentos entre os personagens parecem superficiais, os eventos se tornam ultrapassados ​​e, no final, há uma sensação de decepção, como se o filme tivesse que terminar rapidamente, sem oferecer nenhum impacto criativo real.

No geral, Mickey 17 tinha potencial para ser uma história de ficção científica moderna e bem-humorada, mas sua falha em desenvolver completamente seu contexto arruinou grande parte de sua promessa.

Notei duas perspectivas enquanto assistia.

1.) É um comentário sobre o estado do cinema. Um filme dentro de um filme, onde a produção do "sucesso de bilheteria" não faz sentido. Mas, à medida que os atores do filme questionam lentamente por que estão fazendo aquilo, percebem que não há problema se o filme que estão fazendo for divertido. A vida às vezes não tem lógica, é apenas algo que vivenciamos. Tentar encontrar significado em algo tão ridículo é o objetivo de Cidade dos Asteroides.

2.) É um comentário sobre a pandemia de Covid-19 de 2020. Cidade dos Asteroides testemunha um evento que mudou suas vidas e é forçada a ficar em quarentena. Os personagens tentam encontrar significado para tudo isso, mas a vida tem um jeito engraçado de não fazer sentido. Eventualmente, a quarentena acaba e a vida recomeça. O que antes era um evento traumático parece notícia de ontem.

Em sentido literal, é um filme sobre uma peça teatral. Cidade dos Asteroides é a peça, e o preto e branco é a vida real. Quando o dramaturgo morre inesperadamente, os atores ficam confusos porque nunca descobriram qual era o sentido da peça. Uma sensação de perda, tanto literal quanto metafórica.

É muito sobre a luta para dar sentido a um mundo absurdo e as diferentes maneiras como as pessoas lidam com isso. É um filme MUITO existencialista e, na minha humilde opinião, imerso na filosofia de Camus e Sartre.

A atmosfera é carregada de escuridão e tristeza. Este não é um filme fácil de assistir. O filme retrata com um realismo impressionante a rotina de um manicômio, com foco na vida de Neto (Rodrigo Santoro). Os recursos técnicos são excelentes. Os locais, a maquiagem, o figurino e a cinematografia tornam o filme perturbadoramente real. Além de tudo isso, a atuação também ajuda muito a torná-lo crível. Rodrigo Santoro está fantástico neste filme. Ele abraçou totalmente o personagem e mostrou brilhantemente suas mudanças de comportamento ao longo da história. O filme parece curto quando notamos sua duração, 74 minutos, mas a edição é ótima e ajuda no ritmo. Não é rápido nem lento, e eu realmente gostei. A edição também ajudou a criar uma narrativa crescente, com um clímax sufocante e um ótimo final. Um filme que vale muito a pena assistir :)

Por mais que eu ame os Beatles, não consegui suportar os covers de suas músicas neste filme, com quase nenhuma exceção. As escolhas para modernizar suas músicas, incluir uma autotune distrativamente óbvia em um punhado de sequências musicais, preenchê-las com alguns CGI horrivelmente datados e inserir cenas de personagens que causam constrangimento interpretando certas letras me desanimaram rapidamente. Os covers de Dana Fuchs e Martin McCoy foram os menos insuportáveis, já que seus talentos de canto eram os mais fortes do grupo, mas, na maior parte, o filme só me fez desejar estar ouvindo as músicas originais. Além da música, os personagens eram em sua maioria insossos do começo ao fim, a ponto de frequentemente parecer que o filme não estava indo a lugar nenhum. Mesmo as tentativas de desenvolvê-los também não fizeram muito por mim. O romance de Lucy e Jude certamente não traz nada de novo à mesa, as ansiedades de Max sobre ser convocado, embora isso tivesse um pouco de potencial, só brilharam em alguns pontos do filme, enquanto Sadie, Jo-Jo e Prudence pareciam desaparecer do filme em grandes trechos. Como um todo, mal me restou algo para agarrar. Era apenas um punhado de personagens, em sua maioria insossos e desinteressantes, envoltos em uma barragem constante de sequências musicais horríveis.

O filme em si tem 90 minutos muito digeríveis, o que é uma duração perfeita para este filme porque não exagera e esquece o que é.

Há três filmes bem conhecidos dessa época cujas reputações me impediram de querer vê-los, "O Bebê de Rosemary", "Laranja Mecânica" e este. No entanto, acabei de ler um livro analisando e avaliando o trabalho de Peckinpah e cedi o suficiente para finalmente assisti-lo.

De qualquer forma, eu já vi e provavelmente assistirei aos outros filmes de Peckinpah que ainda não assisti, sabendo que ele não fez tantos.

Este pequeno, tranquilo e harmonioso filme se transforma em uma obra-prima sobre a dignidade humana. É inteligentemente estruturado, cheio de pequenos detalhes significativos e importantes tramas secundárias. Conta a história de um homem com grande humanidade sem se posicionar politicamente, mas promovendo a vida como um direito precioso (não uma obrigação) e sublinhando o direito do indivíduo de escolher. Ele desfruta da riqueza de diferentes paisagens (mentais e físicas) e línguas (detalhe importante). Atuação excepcional de cada um dos atores, especialmente o inacreditável Javier Bardem. Sua presença na tela tem tanta força que você esquece que isso é ficção. O filme tem um ritmo maravilhoso, é lindamente filmado e excepcionalmente dirigido. É preciso talento real para fazer um filme sobre um tema tão difícil com compreensão, humor e coração.

Queria ver o máximo de filmes de 2016 possível, especialmente aqueles que ganharam ou foram indicados para os grandes prêmios. Demorei um pouco para ver 'Moonlight', com a controvérsia que gerou quando foi anunciado para o Oscar de Melhor Filme e a quantidade de ódio que recebeu, parte de mim estava cautelosa.

Finalmente consegui ver 'Moonlight', descobri que valeu a pena e que a cautela não era necessária. 'Moonlight' não é um filme perfeito e pode não ter sido minha escolha pessoal para o prêmio de Melhor Filme (para mim foi 'La La Land', embora essa não seja uma opinião popular, ao que parece). Realmente admirei o que ele se propôs a fazer e achei um filme corajoso e poderoso, apesar do que os detratores dizem que há muito mais no apelo de 'Moonlight' do que política, sexualidade e raça (claramente tentando encontrar teorias da conspiração e razões pelas quais um filme que eles não gostam é amado por outros, sem levar em conta que o filme simplesmente se conectou e ressoou com aqueles que gostaram).
Cinematografia e a edição são algumas das mais agradáveis ​​aos olhos e melhores daquele ano, e não consigo encontrar nada que possa criticar a direção habilmente conduzida. A música é habilmente mixada e tem poder e fluidez assombrosos.

Em relação à escrita, não é perfeita, às vezes, como dito, um pouco pesada e vaga em algumas partes, mas é instigante e lida com temas muito ambiciosos, relevantes e importantes com poder, verdade e (principalmente) delicadeza. A história aproveita ao máximo a estrutura de três atos, é tratada de forma simples, mas não simplista, e também tratada de forma inteligente e com paixão, honestidade e inteligência. Descobri que me identifiquei bastante e fiquei significativamente comovido pela história e achei que o filme lidou com um assunto pesado e sensível com muita relevância e importância hoje mais do que admiravelmente.

Não posso criticar a atuação, fazendo maravilhas com personagens convincentemente reais e relacionamentos de personagens fortemente definidos (especialmente o central). Muito foi feito de Maharshala Ali e Naomie Harris e merecidamente com duas das melhores performances daquele ano, Ali especialmente é extraordinário. É fácil, porém, ignorar Alex R. Hibbert, Trevante Rhodes e Ashton Sanders e não se deve, pois eles são igualmente dignos (particularmente Sanders).

Libertação ou suicídio?