Ellen Maciel

É uma obra encantadora e nostálgica, feita principalmente para os fãs do original. É agradável rever os personagens e aquela atmosfera familiar, mas, além da nostalgia, não oferece muito. A história é previsível, e o filme parece desnecessariamente longo e arrastado. Fofo e divertido para os fãs, mas, no fim das contas, não passa disso.

Embora não seja o meu clássico favorito de Hitchcock, *Disque M para Matar* é um bom filme por si só. Grace Kelly, uma atriz encantadora de uma era passada, brilha intensamente. O suspense na cena final é palpável e cru — uma marca registrada esplêndida do estilo de direção conciso de Hitchcock. No entanto, o filme simplesmente carecia da complexidade de *Um Corpo que Cai* e *Psicose*. Nós conhecíamos o motivo e o método; a única dúvida era se o restante do elenco acabaria descobrindo a verdade.

Observar o que Matthew McConaughey alcança sob a direção de Jean-Marc Vallée finalmente faz com que Hollywood e o resto do mundo percebam do que um ator é capaz quando se desafia em prol de sua arte. Não se trata apenas de um truque de maquiagem; ele incorpora a alma de um homem despedaçado que busca um novo propósito e demonstra a vontade humana de sobreviver. McConaughey já vinha sinalizando essa grandeza há anos. Ele esteve em evidência no ano passado como o carismático dono de clube em "Magic Mike" e impressionou muita gente no início deste ano com "Amor Bandido" (Mud), de Jeff Nichols. Ao interpretar Ron Woodroof, um eletricista homofóbico que contrai HIV na década de 1980, o ator de 43 anos acessou uma dimensão extraordinária, encontrando humanidade em um personagem que, muitas vezes, é antipático, mas pelo qual continuamos torcendo.

A direção de Vallée para a história é impressionante. Ele assume liberdades artísticas que não havíamos visto antes e realiza um trabalho notável ao levar para a tela uma narrativa que, por vezes, é desconexa e confusa. Craig Borten e Melisa Wallack escreveram o roteiro com honestidade. A frase "Inspirado em fatos reais", estampada no pôster do filme, deveria ter permitido a construção de uma história mais coesa e bem estruturada. As decisões sobre onde focar a vida de Woodroof durante seu primeiro ano vivendo com HIV não forneceram ao filme uma base temática sólida com a qual o público pudesse se conectar. Fiquei em dúvida se estava assistindo a um filme sociopolítico que destaca a intolerância contra homossexuais nos anos 80 ou a um drama de viés político que ressalta as injustiças cometidas pelo governo contra a própria população. Pode-se argumentar que é uma mistura de ambos, mas a forma como os acontecimentos se desenrolam e são representados não soa necessariamente autêntica. Na verdade, eles retratam de maneira precária os homossexuais e as vítimas de HIV e AIDS durante um período muito difícil para o país, quando todos buscavam uma forma de prolongar a vida. Sabemos muito sobre os traumas e preconceitos enfrentados pelas vítimas durante a epidemia de AIDS e as batalhas que travaram apenas para continuar vivendo. O filme não apresenta nenhuma mensagem ou valores que eu já não tenha visto em "And the Band Played On" e "How to Survive a Plague".

As atuações no filme se elevam acima de quaisquer falhas em que o roteiro possa ter incorrido. McConaughey está melhor do que nunca. É simplesmente um deleite do início ao fim. O grande destaque é a revelação que é Jared Leto no papel da cativante Rayon, que sofre de AIDS.

A bela e talentosa Jennifer Garner se entrega totalmente ao papel da Dra. Eve Saks, uma médica que lida com muito mais do que apenas doenças durante a epidemia. Embora eu sempre vá lembrá-la com carinho por "Juno" (2007), de Jason Reitman, aqui ela simplesmente não tem material suficiente para despertar algo além de mera simpatia. Dois colegas de elenco que é sempre bom ver ampliando suas filmografias são Denis O'Hare e Steve Zahn; ambos estão impecáveis ​​em seus papéis, ainda que pequenos.

No geral, "Clube de Compras Dallas" é uma obra cinematográfica competente, sustentada por duas atuações excepcionais de Matthew McConaughey e Jared Leto. O diretor de fotografia Yves Bélanger é o grande destaque técnico do filme, capturando esteticamente momentos de ternura junto à beira da cama ou através da janela de um carro. Esse é um aspecto que deve ser levado em conta ao considerar o filme para premiações. Em suma, é um trabalho sólido. Pode-se admirar a tentativa, mas o filme deixou passar algumas oportunidades.

Já foi dito muitas vezes que o papel de "Harmonica" era destinado a Clint Eastwood. Mas acho que é extremamente injusto com Charles Bronson especular interminavelmente sobre o que Eastwood pode ou não ter feito. Quem se importa? Eastwood teve sua chance e recusou. Bronson aproveitou-o ao máximo. Não apenas acho que “West” é o melhor filme de Bronson, mas também acho que Bronson faz um trabalho melhor neste filme do que Eastwood na “spaghetti trilogy”.

Se você pensar bem, todos os três protagonistas deste filme são escolhidos contra o tipo. Charles Bronson não é o tipo de ator que você imaginaria para interpretar um herói (embora ele tenha feito um ótimo trabalho em "The Magnificent Seven" e "The Great Escape".) A pessoa comum pensa em Jason Robards como um avô excêntrico, certamente não um bandido astuto à la "Tuco" em "The Good, The Bad, and The Ugly". E já existiu um vilão mais improvável na história do cinema do que Henry Fonda, que construiu uma carreira interpretando protagonistas sinceros e gentis? (A propósito, o papel de Fonda foi originalmente planejado para John Wayne, que recusou.) E ainda assim todos esses grandes atores fazem você esquecer suas outras personas e sugam você para o mundo de Sergio Leone...

A história de Elize tem camadas, traumas e dores que ajudam a explicar a pessoa por trás do crime.

Infelizmente, o filme parece ansioso demais para explorar esses elementos. O roteiro se apoia tanto no passado dela que, às vezes, passa a sensação de tentar posicioná-la primariamente como uma vítima das circunstâncias. O próprio título sugere algo mais complexo: as sombras não são apenas um pano de fundo trágico para a história, mas uma parte essencial para compreender sua protagonista.

As atuações e os diálogos também enfraquecem o filme. Algumas cenas parecem mais longas do que deveriam, esticando a história além do que sua narrativa consegue sustentar.

Existe uma história interessante e complexa aqui, mas o filme parece determinado demais a explicar sua protagonista em vez de deixar que a escuridão ao redor dela fale por si só.

"Spider-Man: Brand New Day" é absolutamente fenomenal e pode ser um dos melhores filmes em live-action do Homem-Aranha já feitos.
A fotografia está em um nível completamente diferente em comparação aos filmes anteriores. Cada frame transborda cores lindas e vibrantes que se destacam o tempo todo, tornando o filme um verdadeiro deleite visual do início ao fim. Alguns enquadramentos são recriações diretas de painéis icônicos dos quadrinhos, e ver esses momentos ganhando vida na grande tela tornou a experiência ainda mais especial.

O trabalho com dublês e efeitos práticos merece muitos elogios. Ele dá à ação um sentido de peso e realismo que frequentemente falta nos filmes modernos de super-heróis, fazendo com que cada luta e cada balanço pela cidade pareçam autênticos.

Tom Holland e Jon Bernthal têm uma química incrível juntos. Cada cena que eles compartilham é envolvente, e eu sinceramente mal posso esperar para vê-los interagindo novamente em projetos futuros. Sadie Sink faz uma estreia fantástica no MCU, e o Hulk de Mark Ruffalo não ficava tão bem trabalhado há anos. Ambas as atuações somam muito ao filme e se encaixam naturalmente na história.

Falando na história, ela é emocionante, envolvente e parece a progressão perfeita após os eventos de "Sem Volta Para Casa". O filme equilibra momentos tocantes de desenvolvimento de personagens com uma ação espetacular, e o ritmo não desacelera em momento algum. As sequências de luta são sensacionais, e o trabalho de dublês ao longo de todo o filme é simplesmente incrível.

A equipe de dublês do Jackie Chan claramente colocou o coração neste filme, porque a coreografia está entre as melhores que o MCU já entregou. O único filme da Marvel que realmente consigo comparar em termos de ação é "Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis". Considerando que são dirigidos pelo mesmo cineasta, não estou nada surpreso com o resultado final.

Destin Daniel Cretton criou um filme do Homem-Aranha que apresenta o personagem de uma forma que os fãs sonhavam em ver há anos. Realmente parece que as histórias em quadrinhos ganharam vida diante dos nossos olhos.

No geral, "Spider-Man: Brand New Day" superou todas as expectativas que eu tinha. É emocionante, visualmente deslumbrante, repleto de uma ação incrível e entende exatamente o que faz do Homem-Aranha um personagem tão amado. Para mim, não é apenas mais um ótimo filme do MCU — é um dos melhores filmes do Homem-Aranha já feitos!

Delicado, comovente e etéreo

Aparentemente (se a gente for engolir o que o filme conta), o documentário do Banksy nasceu quando o queridinho supremo do grafite do século 21 foi abordado por Thierry Guetta, um francês radicado em Los Angeles. O Guetta cismou que queria fazer um doc sobre arte urbana, e o Banksy era a última grande figura que faltava na lista dele. O cara era simpático, viciado em andar com uma câmera na mão e, por acaso, era parente do Invader (um dos pioneiros da street art francesa). Isso acabou abrindo portas para ele filmar outros nomes de peso, como o Shepard Fairey, acumulando centenas de horas de material que registravam o nascimento do movimento.

Nunca fui tão impactada por um filme de guerra. Em nenhum momento da minha vida odiei tanto a guerra quanto durante a exibição desta obra. Agora entendo por que Vá e Veja era utilizado para educar estudantes na Alemanha Oriental como uma espécie de filme de propaganda "Diga Não" contra o neofascismo. No entanto, enquanto eu o assistia, não houve um único segundo de autorreferência em relação à produção ou de intelectualização sobre a mise en scène. Isso se deve inteiramente à eficácia das intenções de Elem Klimov. O título, "Vá e Veja", é o seu convite direto para que o público se junte aos horrores da Bielorrússia de 1943. Não nos é permitido nenhum momento para vagar pelas paisagens. Este é um contraste polar com Tarkovski, que nos dá o presente do tempo e da contemplação silenciosa, como se estivéssemos lendo um texto espiritual. Com este filme, cada momento é carregado de uma nota negativa atrelada a outra ainda mais sombria que se avizinha no horizonte.

A sequência na floresta com Florya (Aleksei Kravchenko) e a garota (Olga Mironova) é uma alusão sinistra ao amor inocente; contudo, através do som e do manuseio da câmera, não nos é permitido relaxar na fantasia infantil. A cena sugere uma sequência tradicional de um amor juvenil, mas a constante instabilidade da câmera e uma cacofonia de sons incômodos zombam do espectador. Não nos é permitido encontrar consolo na relação deles, porque possuímos uma sobriedade onisciente do que provavelmente está por vir, o que nos separa de sua ilusão. Klimov usa a instabilidade da câmera e movimentos de panorâmica erráticos para manter quem assiste em constante pavor dos acontecimentos futuros. Mesmo quando o sujeito não está se movendo pela cena, há um movimento caótico e sutil na câmera, contribuindo para a sensação de que o próprio ar que os personagens respiram é denso e insuportável — de que mover-se pela natureza é o mesmo que atravessar um campo de batalha. Magnífico.

A adaptação de A Odisseia por Christopher Nolan já desponta como uma forte candidata ao Oscar. Formato IMAX. Um elenco recheado de estrelas de Hollywood. Tudo o que se espera de um blockbuster de prestígio.

Eu já li A Odisseia de Homero três vezes. É uma das maiores obras da literatura mundial — e foi exatamente por isso que essa adaptação me deixou genuinamente surpresa.

O roteiro carece de profundidade literária. A mixagem de som parece estranhamente sem impacto, apesar da experiência IMAX. E, o mais importante: o filme cria furos de roteiro que não existem no original de Homero, simplesmente porque conexões narrativas essenciais foram deixadas de fora.

Nolan é um cineasta brilhante; Oppenheimer provou isso. Ele sabe como contar histórias complexas que brincam com o tempo e a percepção. No entanto, adaptar um grande clássico da literatura é um desafio completamente diferente.

Talvez a lição aqui seja a mesma de Napoleão, de Ridley Scott: ser um grande diretor não transforma ninguém, automaticamente, em um grande intérprete da literatura clássica.

Mas, no fim das contas, se você colocar estrelas de Hollywood suficientes no cartaz, é certo que alguém vai chamar o resultado de obra-prima. Gostei bastante, mas coloquei muita expectativa rs

Sou uma grande admiradora dos longas-feixes de Hirokazu Kore-eda, particularmente dos filmes mais voltados ao "fluxo de consciência" do início de sua carreira — Maborosi (1995), Depois da Vida (1998) e Distance (2001) estão entre os meus favoritos do período entre meados dos anos 1990 e o início dos anos 2000. Em suas obras subsequentes, que parecem focar ainda mais no comentário social por meio de uma abordagem neorrealista, Kore-eda provou sua genialidade na direção de elenco infantil. Ele extraiu atuações brilhantes de crianças sem qualquer experiência prévia em atuação, como visto nos primorosos Ninguém Sabe (2004) e O Milagre (2011).

Entre esses projetos, o diretor experimentou com a comédia (Hana, 2006) e flertou com a fantasia em Air Doll (2009) — uma colaboração com atores e diretor de fotografia estrangeiros. Depois, retornou ao comentário social com narrativas mais guiadas pela trama: algumas no estilo drama de cozinha (kitchen-sink melodrama), outras arriscando-se no suspense policial (whodunnit). Com exceção de Maborosi, ele assinou o roteiro de todas essas produções, reforçando o caráter autoral e pessoal das mensagens que desejava transmitir através de seu cinema.

Embora suas duas coproduções internacionais anteriores tenham sugerido que Kore-eda rende melhor trabalhando no Japão, seu filme mais recente, Monster (Kaibutsu), demonstra que o diretor consegue brilhar mesmo quando não é o autor do roteiro.

Para os entusiastas da fase inicial de Kore-eda, vale notar que Monster é muito mais focado na trama e no desenvolvimento de personagens, revelando-se uma obra bem mais acessível do que seus filmes anteriores a "who-dunnit". Grande parte da crítica especializada destacou a estrutura narrativa semelhante a Rashomon, de Akira Kurosawa. Contudo, embora a técnica de múltiplos pontos de vista seja parecida, a intenção aqui é oposta: enquanto Kurosawa usa as diferentes perspectivas para mostrar que a memória humana carece de objetividade (já que as pessoas moldam suas lembranças para proteger seus próprios interesses), Kore-eda utiliza os pontos de vista para desvendar as verdades ocultas da história.

Para mim, Monster carrega todo o coração, a humanidade e o comentário social que tanto amo na filmografia do diretor, mas a narrativa flerta com uma acessibilidade quase excessiva para os padrões de Kore-eda — o que se justifica pelo fato de o roteiro não ser dele.

O filme, na verdade, evoca a atmosfera de Shunji Iwai, com sequências que remetem diretamente a All About Lily Chou-Chou (2001).

Já o desfecho tem um tom que lembra as produções do Studio Ghibli dirigidas pelo saudoso Isao Takahata, como Memórias de Ontem (1991). As mensagens, as críticas sociais, as deixas musicais e as pistas visuais sobre o final (especialmente se observarmos os lens flares e as mudanças nos elementos de cena) são plantadas de forma muito evidente. Eu não esperaria que Kore-eda sentisse a necessidade de sublinhar o final para o público, mas aqui ele faz questão de garantir a nossa compreensão por meio desses pequenos detalhes (fique atento às cenas com os trilhos do trem).

Monster marca um retorno de Kore-eda à boa forma após suas investidas no cinema francês e sul-coreano? O público é o melhor juiz. Como fã, gostei muito do filme, embora preferisse uma condução com menos pistas deliberadas. Falo isso como alguém que não se incomoda com os planos longos "ozu-escos" de Maborosi, com os mais de dez minutos de caminhada contemplativa na floresta em Distance, ou com diálogos tão sutis que você corre o risco de perder uma linha crucial sobre o rancor que te aperta o coração em Andando (2008).

Em uma idade em que o companheirismo não precisa ser rotulado pelo romance — muito menos validado por orientações sexuais (penso na dinâmica de Mark Lester e Jack Wild em Melody: Quando Brota o Amor, de 1971, ou em Jean e Julien em Adeus, Meninos, de Louis Malle, de 1987, distanciando-se da abordagem de perda e romance de Close, de 2022) —, essa reação específica foi inserida de forma muito calculada. A meu ver, o recurso foi utilizado para que a intenção da cena ficasse inequívoca para o espectador. Embora pareça um artifício deliberado demais para o estilo habitual do diretor, faz sentido quando lembramos que o roteiro foi estruturado para ampliar o apelo comercial e a acessibilidade da obra.

Apesar de sua estética típica dos anos 60 e da atmosfera do movimento *flower-power*, este é um filme extremamente engraçado (e comovente) que continua atual mesmo após quase três décadas. Quando foi lançado pela Paramount na temporada de Natal de 1971, recebeu críticas contundentes — e foi amplamente ignorado. No entanto, foi rapidamente descoberto pelo público universitário e permanece como um clássico cult — especialmente entre estudantes. Um número surpreendente de pessoas (inclusive eu) o inclui entre seus filmes favoritos... quantos outros filmes lançados há tanto tempo podem ostentar tal feito? É certamente uma obra diferente: um jovem de 20 anos obcecado pela morte conhece e se apaixona por uma octogenária adepta da filosofia *New Age*. Mas não é um filme de mal gosto. A obra vai além das aparências, e há uma grande beleza em seu relacionamento fadado ao fim. Cort e Gordon se complementam aqui — cada um possui algo de que o outro necessita desesperadamente. Muitas das falas são impagáveis ​​— e perfeitas para serem citadas. Essa é, provavelmente, uma das razões pelas quais o filme resistiu ao teste do tempo. Os diálogos continuam tão frescos e espirituosos quanto eram em 1971 — e as falsas tentativas de suicídio de Cort são verdadeiramente hilárias. O mesmo vale para a atuação de Vivian Pickles como a mãe dele. O desfecho acontece um pouco rápido demais — e o final é ambíguo —, mas acredito que essa tenha sido a intenção. Como uma grande pintura, seu significado está aberto a interpretações e levanta mais perguntas do que oferece respostas. É um filme que pede para ser visto mais de uma vez para ser plenamente apreciado. O subestimado Bud Cort e a saudosa Ruth Gordon exibem uma química em cena que transcende a diferença de idade entre eles — e é simplesmente arrebatadora.

Felicity, venha ver, lá vem o Robert E. Lee... opa, este filme maravilhoso me faz lembrar de grandes épicos rústicos de todos os tipos, como quando Joel Edgerton finalmente para de aceitar subornos de Whitey Bulger para trabalhar na ferrovia no Idaho da virada do século, assombrado por um assassinato que testemunhou e sem ter certeza se consegue lidar com a vida doméstica. A cinematografia da natureza selvagem e a forma como a luz é moldada por sua majestade infinita é tão deslumbrante que você vai achar que Colin Farrell vai aparecer a qualquer segundo para brigar com os nativos Powhatan por causa da prima de Jewel, ou que Chris Farley vai se envolver em uma briga com um chefe. É tão lindo, malickiano em seu esplendor. Uma verdadeira obra-prima visionária.

Um clássico do terror arrepiante que apresenta efeitos especiais incríveis, tensão constante e uma trilha sonora eletrizante de Jerry Goldsmith, vencedor do Oscar por seu trabalho. A direção de Donner é impecável e as atuações são de primeira qualidade.

Mstyslav Chernov retorna com mais um documentário horripilante, arriscado e angustiante sobre os conflitos e a guerra mortal entre a Ucrânia e a Rússia. Apresentando sequências de guerra e combates de pesadelo capturadas por câmeras ao vivo, Chernov não se furta a mostrar alguns dos lados mais sombrios da humanidade e a demonstrar a dura realidade enfrentada pelos soldados e como a própria guerra afeta os indivíduos e o mundo.

A maneira como Chernov apresenta cada um dos participantes, cenários e o ambiente é incrível. Ver câmeras e pessoas percorrendo os campos de batalha, onde muitos momentos de quase morte e cenas aterrorizantes são exibidos, é realmente chocante. Acho que nunca vi um documentário de guerra tão angustiante e assustador em toda a minha vida. E tendo assistido a alguns dos melhores documentários de guerra de todos os tempos, este é realmente assustador.

Aplaudo Mstyslav Chernov e toda a sua equipe por terem se arriscado a ir até lá para filmar e documentar a guerra. Colocar-se no lugar dos soldados e enfrentar o perigo para que as pessoas vejam é realmente o maior risco, mas também a coisa mais importante a se fazer. Altamente recomendável.

que filme prepotente

O drama de Luca Guadagnino, ambientado em 2025, apesar da presença inconfundível de Julia Roberts, acaba não conseguindo se consolidar como uma experiência cinematográfica envolvente. A narrativa sofre com inconsistências gritantes, deixando muitas questões em aberto que geram confusão em vez de intriga. Os arcos dos personagens são mal definidos, prejudicando o envolvimento emocional, enquanto os principais desenvolvimentos da trama parecem apressados ​​ou explorados superficialmente. O ritmo é irregular: sequências prolongadas se arrastam sem propósito, minando o ímpeto, enquanto momentos que deveriam ter ressonância dramática acabam sendo decepcionantemente fracos. Nem mesmo a meticulosa composição visual e a cinematografia refinada do filme conseguem mascarar as deficiências de um roteiro fraco e pouco desenvolvido. Em essência, esta obra representa uma oportunidade perdida – uma premissa ambiciosa diluída pela incoerência, potencial narrativo não realizado e uma execução frustrantemente vazia.

Incrível.

Este é mais um filme sobre o qual tenho muito a dizer, mas não quero que meus pensamentos originais se percam em um emaranhado de palavras enquanto tento organizá-los no papel.

Neste filme, Eva retrata um ato de força tão intenso e pesado, sem nunca nomeá-lo explicitamente, mas o que ela brilhantemente mostra ao espectador é o que acontece com alguém que vivenciou um trauma ao longo dos anos seguintes, seja por meio de momentos de puro medo, momentos de pânico involuntário, momentos em que usa o riso para continuar a lidar com o luto e momentos de dor pura e absoluta.

Adorei o controle do tom ao longo do filme e como ele se mantém sombrio, ao mesmo tempo que permite momentos de alívio através do humor sarcástico, dando ao cérebro um respiro.

O filme segue uma narrativa não linear, que começa e termina com um monólogo que com certeza lerei novamente e ao qual voltarei em momentos de solidão, quando precisar me lembrar de que, mesmo com o trauma presente em minha vida, existem maneiras de superá-lo e chegar à luz no fim do túnel.

Estou ansiosa por mais trabalhos de Eva Victor. Uma obra fantástica e tocante.

Este filme foi bom, mas o problema é que o original era brilhante. O primeiro tinha um roteiro original e engraçado, enquanto a sequência tinha uma série de obrigações a cumprir. A mais importante delas era a presença de Miranda. Mais uma vez, a personagem de Meryl Streep carrega grande parte do filme, mesmo que não apareça tanto nesta sequência. Era preciso incluir os personagens mais importantes do primeiro filme, o que foi feito de forma satisfatória. Alguns personagens novos e jovens precisavam ser apresentados, mas as novas "Emilys" pareceram um pouco desnecessárias. Faltavam algumas frases de efeito hilárias, e elas estavam lá. Um grande final que, desta vez, pareceu um pouco forçado.

A primeira parte brilhante foi espontânea e, devido às obrigações, esta sequência pareceu um pouco artificial. Eles certamente tentaram superar o primeiro filme, mas isso teria sido uma conquista incrível. Mas, novamente: esta também é uma comédia muito sólida.

No geral, embora o filme seja conduzido por duas atuações excepcionais de Colman Domingo e Jaafar Jackson e se assemelhe a uma coletânea de grandes sucessos de Michael Jackson, "Michael" é genuinamente um dos filmes mais feios que já vi. A cinematografia e a edição são tão básicas, mas tentam fazer demais. O design de produção e a maquiagem são tão irreais que fazem o filme parecer falso, e os efeitos visuais são tão baratos que me pergunto para onde foi o orçamento de 200 milhões de dólares. Para piorar a situação, "Michael" é uma releitura linear e superficial da página da Wikipédia de Michael Jackson, desde sua infância até o fim da era Thriller, tentando abarcar grande parte de sua vida sem oferecer qualquer profundidade, deixando muito evidente o envolvimento da família Jackson na produção do filme.

História - Ruim: O conceito é basicamente um resumo da Wikipédia sobre Michael Jackson, da infância até o fim da era Thriller, mas tenta abarcar muita coisa desse período; a estrutura da trama é muito linear, indo da infância de Michael Jackson até o fim da era Thriller; Por ser a primeira parte de uma história em duas, o filme parece estar em constante construção; teria sido muito melhor se tivessem focado em apenas uma parte da vida de Michael Jackson, mas, como tentam abarcar tanta coisa, o filme acaba parecendo uma corrida contra o tempo pela primeira metade da página da Wikipédia sobre Michael Jackson; a construção dos personagens é extremamente superficial, não revelando nada de novo sobre a vida de Michael Jackson e o retratando de forma unidimensional, o que deixa evidente a forte influência da família Jackson no filme; a caracterização de Joe Jackson é razoável, mas não traz nenhuma novidade.

Roteiro - Ruim: Os diálogos são bons e cumprem seu papel de entreter; o humor ainda está presente, com piadas engraçadas, como a do Prince; o simbolismo é extremamente superficial e forçado, já que fica óbvio que o filme foi feito pela família Jackson, pois tudo é retratado de forma unidimensional. Embora seja possível sentir empatia pela luta de Michael e entender por que ele age da maneira que age, tudo isso é superficial e forçado, especialmente considerando que é apenas uma reação ao que é mostrado na tela; A antecipação serve mais para construir o próximo filme do que para apoiar a narrativa deste.

Atuações - Muito boas: Jaafar Jackson - Bom (Ele realmente se transforma em Michael Jackson, reproduzindo seus trejeitos e conseguindo gerar empatia com Michael e suas dificuldades; tem uma boa química com o restante do elenco; canta em harmonia com Michael Jackson, o que justifica sua atuação), Nia Long - Muito boa (Interpreta bem a figura materna e apoia a performance de Jackson, mas parece que sua atuação é artificialmente sustentada em muitas de suas cenas), Juliano Krue Valdi - Bom (Interpreta muito bem o Michael criança e realmente nos faz sentir empatia pelo abuso que ele sofreu na infância, o que o molda no homem que se torna), Miles Teller - Razoável (Parece deslocado neste filme, mas é razoável e tolerável), Colman Domingo - Bom a Muito Bom (Definitivamente o melhor ator do filme, transformando-se em Joe Jackson e criando uma presença marcante). Em todas as cenas em que aparece, inspirando medo não só nos personagens, mas também no público).

Trilha sonora - Muito boa: Interpolações da música de Michael Jackson.

Poucos filmes de baixo orçamento envelhecem bem, mas Mad Max certamente envelheceu bem.

Assisti recentemente, pois só tinha vagas lembranças de tê-lo visto anos atrás, e achei que se manteve ótimo.
O que George Miller fez com este roteiro relativamente simples é notável. Os ângulos de câmera e a velocidade com que o filme se desenrola em alguns momentos são emocionantes, sem mencionar as ótimas cenas de ação e até mesmo o humor bárbaro (o braço arrancado!).
O carro em que Mel Gibson finalmente se vinga (um cupê Ford australiano) parecia tão ameaçador quanto um carro poderia ser! Construído para o filme por A$35 mil, uma réplica foi usada nas cenas finais de destruição e incêndio de Mad Max 2.

Grace, uma escritora e jovem mãe, está lentamente mergulhando na loucura. Trancada numa casa antiga nos arredores de Montana, vemos seu comportamento cada vez mais agitado e errático, deixando seu companheiro, Jackson, cada vez mais preocupado e impotente.

Achei o filme bastante perturbador. Não há palavras para descrevê-lo e, para ser honesta, não sabia exatamente o que pensar depois de assisti-lo, porque o filme, assim como Grace, era tão errático e confuso que você simplesmente não sabe o que fazer com ele.

Não há uma narrativa propriamente dita e espera-se que você simplesmente aceite e saiba o que está acontecendo no segundo em que o filme começa. À medida que avança aos trancos e barrancos de cena em cena, não fica óbvio o que está acontecendo ou por quê, até que a razão seja mencionada por volta dos 30-40 minutos de filme, momento em que você está assistindo apenas por obrigação.

É difícil se conectar com os personagens porque é quase inacreditável o que você está vendo. Você não consegue distinguir se é um casamento disfuncional ou depressão pós-parto, e não saberia, se é que é, a menos que fosse mencionado. O filme também carece de contexto e é excessivamente longo, com 1 hora e 52 minutos (112 minutos), com um ritmo ruim.

Os atores se esforçaram ao máximo e houve algumas cenas engraçadas mas o filme foi simplesmente entediante e sem graça na maior parte do tempo. Era tão errático, com suas cenas e flashbacks pulando descontroladamente e cortes bruscos em alguns momentos, juntamente com os sons irritantes de um cachorro latindo e vidro quebrando, etc. Foi bizarro e estranho, e não de uma forma boa.

E aí, claro, tem o final, que foi tão confuso quanto o próprio filme, com cenas arrastadas e a expectativa de que você entendesse o que estava acontecendo. Foi um filme bem deprimente na maior parte do tempo, com apenas algumas cenas felizes. Eu simplesmente não consegui entender e não entendi por que era daquele jeito. Quer dizer, até que eu entendi, mas mesmo assim... Era muito fora da realidade.

Parece que a Netflix está usando um padrão temático bem específico para muitos de seus filmes de sobrevivência ultimamente. Essas histórias geralmente começam com uma mulher que já está lidando com um grande luto ou uma tragédia passada. Ela fica presa em uma situação difícil (como um contêiner em "Nowhere" ou uma floresta em "Don't Move").