John

Gostei e prende atenção até aproximadamente 1h Dai em diante a dinâmica começa mudar drasticamente.

Não Gostei

Only Lovers Left Alive (Jim Jarmusch, 2013) destaca-se no cinema de vampiros contemporâneo por sua recusa deliberada às convenções do gênero. Em vez de privilegiar o horror ou o erotismo espetacularizado, o filme constrói uma atmosfera predominantemente lúgubre, soturna e melancólica, marcada por um pessimismo existencial que permeia tanto a narrativa quanto a mise-en-scène.
Os protagonistas, Adam e Eve, configuram-se como figuras arquetípicas do intelectual exilado. Adam, recluso em uma Detroit em ruínas, encarna a depressão do artista que observa o colapso cultural de sua época; Eve, por sua vez, representa uma sensibilidade mais itinerante e literária, embora igualmente marcada pelo peso da imortalidade. O desenvolvimento da relação entre ambos constitui um dos elementos mais admiráveis da obra: trata-se de um vínculo que transcende a paixão convencional, sustentado por cumplicidade intelectual, afeto discreto e uma profunda compreensão mútua forjada ao longo dos séculos. É precisamente essa dinâmica ,serena, madura e destituída de teatralidade , que mais me impressiona no casal.
O espaço assume função dramática central: Detroit aparece como metáfora da decadência industrial e espiritual do Ocidente, enquanto Tânger evoca um passado cosmopolita e arcaico. O desfecho, de natureza quase circular, reforça a tensão entre o cansaço ontológico dos protagonistas e a persistência da necessidade vital, sugerindo que o amor, nesse contexto, emerge menos como salvação do que como forma residual de resistência estética e afetiva diante do niilismo.

Em termos pessoais, a figura de Eve remeteu-me a uma experiência afetiva pregressa: namorei, no passado, uma mulher de temperamento e sensibilidade bastante semelhantes aos dela. Embora o relacionamento amoroso tenha se encerrado, ela permanece, até hoje, uma das minhas melhores amigas , o que, de certo modo, ecoa a própria lógica do filme, na qual os laços mais duradouros parecem residir menos na paixão do que na afinidade profunda e na capacidade de permanecerem significativos para além das transformações do tempo.

É um filme de catástrofe bem-feito, inteligente e envolvente. Funciona tanto como thriller de tensão quanto como alerta sobre a força da natureza e a fragilidade humana diante dela.
O filme recebeu críticas positivas (cerca de 80-83% no Rotten Tomatoes) e foi um sucesso de público na Noruega. Tem uma continuação (The Quake / Skjelvet, 2018), que muda o foco para um terremoto em Oslo.
Se você gosta de filmes como O Impossível ou San Andreas, mas prefere algo mais contido, realista e com personalidade europeia, A Onda vale muito a pena. É um dos melhores exemplos de como um país pequeno consegue fazer um ''blockbuster'' de desastre sem perder a credibilidade.

Muito exagero da metade em diante.Acaba tornando muitas cenas do filme sem sentido e cansativas chegando beirar o exagero.

Gostei bastante.Não lembrava desse filme de Lundgren

Esse filme me surpreendeu

É uma mistura rara de thriller de perseguição, conto de fadas moderno e história de amadurecimento. Hanna é criada isolada na floresta finlandesa pelo pai (ex-agente da CIA) para ser a assassina perfeita. Quando ela decide “entrar no mundo”, a jornada vira uma fuga eletrizante pela Europa e Marrocos, cheia de ação coreografada com precisão e momentos de descoberta genuína (música, amizade, eletricidade, o primeiro beijo).Saoirse Ronan, com 16 anos na época, entrega uma performance hipnótica: intensa, física e ao mesmo tempo vulnerável e curiosa. Ela carrega o filme com uma presença quase sobrenatural. Cate Blanchett está no auge como a antagonista fria e determinada, e a trilha dos Chemical Brothers é eletrizante, quase um personagem a mais , batida pulsante que se funde aos efeitos sonoros e impulsiona cada cena

Algumas curiosidades:
Saoirse Ronan treinou intensamente por dois meses (cerca de 4 horas por dia) com Dan Inosanto (pupilo de Bruce Lee) e Jeff Imada. Ela fez a maioria de suas próprias cenas de luta e cascades. Eric Bana chegou a comentar que tinha que ter cuidado para não se machucar com os golpes dela.
Além disso,Joe Wright clareou as sobrancelhas de Saoirse para dar a ela um ar mais “lobo branco”, reforçando o visual animal e de conto de fadas.Assim como,as filmagens na Finlândia enfrentaram temperaturas de até –33 °C. Já no deserto marroquino, o calor chegou a extremos opostos. Já a cabana de Hanna e Erik foi construída no estilo escandinavo/ucraniano, sem pregos, só com encaixes de madeira.Também há várias referências a contos de fadas dos Irmãos Grimm (o livro que Hanna lê, o parque temático, a simbologia de lobo, caça e “princesa” em fuga). Wright queria um “conto de fadas sobre superar o lado sombrio” no rito de passagem da adolescência.

Revi pelo saudosismo e lembrança de Rick Moranis.

Filmaço

O filme tem profundidade psicológica inicial (controle, trauma, projeção, poder) e provoca reflexão legítima sobre racismo invertido, autoridade policial e preconceito dentro da própria comunidade negra. Porém, ele cede ao melodrama de thriller: a escalada se torna exagerada, o final (com incêndios, tiroteio e resolução violenta) dilui a complexidade em catarse convencional, e o backstory da esposa funciona como justificativa um tanto conveniente demais para o ódio. Críticos apontaram que, após um começo tenso e ambíguo, o filme arrisca o absurdo e perde nuance.
Em resumo, O Vizinho é mais interessante como retrato de um homem cujo trauma e necessidade de domínio se transformam em campanha de terror psicológico do que como tratado sofisticado sobre raça. Abel é um estudo válido de como dor não elaborada + poder institucional + rigidez moral podem gerar comportamento predatório. O filme acerta ao mostrar que o “vizinho do inferno” não precisa ser um monstro caricatural ,basta alguém com feridas profundas, regras inflexíveis e autoridade para impô-las. Mas a execução comercial limita o quanto ele aprofunda essas camadas.

O filme em questão revela-se mediocre. O enredo não mantém qualquer relação com a problemática envolvendo Bruce e, de modo geral, apresenta uma qualidade narrativa bastante insatisfatória.

Filmaço

Até que é um filme interessante.Assisti mais pela participação do Tommy Lee

Hermione levou o filme nas costas praticamente

Filme que cativa a atenção e prende até o final. Muito bom

Michael Madsen entrega aquele ar lacônico e durão que o consagrou (pouco depois de Reservoir Dogs), enquanto a jovem Patricia Arquette brilha com beleza, carisma e intensidade.
O filme foi filmado principalmente em locações no Arizona (Phoenix, Sedona ), o que dá um visual autêntico e ensolarado às cenas de estrada. Janusz Kamiński, que viria a ganhar Oscars por trabalhos com Spielberg (como A Lista de Schindler e O Resgate do Soldado Ryan), assina a fotografia. No elenco coadjuvante temos Billy Bob Thornton em um papel menor e Seymour Cassel como um mafioso exagerado. Patricia Arquette e Madsen estavam em ascensão na época ela logo explodiria com True Romance (que tem semelhanças temáticas interessantes). É um típico indie de baixo orçamento da era, com violência gráfica típica dos anos 90, nudez e humor negro, mas sem exageros desnecessários.

Um lindo romance country, cheio de músicas contagiantes e belíssimas. Sandra Bullock faz uma participação especial num filme leve, agradável e muito gostoso de acompanhar.
Valeu demais assistir, principalmente pela nostalgia da época. Nossa, 1993 parece que foi ontem… O tempo não para , como dizia o Cazuza.

Filme podreira

Adoro road movies como esse

Byzantium não é um filme de terror convencional para quem busca sustos fáceis. É uma balada trágica sobre o amor materno, os ciclos de trauma e a solidão da eternidade. Uma obra de arte subestimada que prova que, mesmo quando o gênero dos vampiros parece esgotado, ele sempre pode renascer das cinzas se houver poesia em suas veias.

O filme envelheceu bem é muito subestimado mesmo

Muitos espectadores destacam o empoderamento feminino no filme. As vampiras são independentes, poderosas, sedutoras e vivem a noite com liberdade total, fugindo do clichê romântico de vampiros (como em Crepúsculo). É uma visão mais madura e hedonista do universo vampírico. A atuação foi muito elogiada, especialmente Nina Hoss (Louise), que transmitia força, carisma e mistério como líder do grupo. Karoline Herfurth (Lena) também foi bem recebida na transformação da protagonista.
O filme tem uma estética visual bacana: cenas noturnas bonitas, festas luxuosas, figurinos estilosos e uma trilha sonora que combina bem com o clima de liberdade noturna.
Para quem curte vampiros "clássicos" (que queimam no sol, precisam de sangue e não brilham), é um alívio ver a lenda sendo respeitada, mas com um toque moderno e alemão. Muita gente chamou de "um dos filmes de vampiros mais subestimados. Dennis Gansel teve a ideia de realizá-lo após assistir Jovens Bruxas (1996). O roteiro foi escrito em 1998, e Nina Hoss já estava confirmada como Louise desde o início. O projeto demorou mais de 10 anos para sair do papel
O filme traz uma representação histórica: Cada vampira representa uma época da história alemã:
Louise (Nina Hoss): final do século XVIII.
Charlotte (Jennifer Ulrich): anos 1920.
Nora (Anna Fischer): após a queda do Muro de Berlim.

O interessante é que a palavra "vampira" nunca é dita no filme inteiro. Elas são apresentadas de forma mais sutil além do fato de Karoline Herfurth ser muito jovem quando o projeto começou e foi inicialmente pensada para outro papel. No final, ela acabou interpretando a protagonista Lena, como o diretor sempre quis. Assim, o filme mistura terror, ação, drama e fantasia, com foco nas relações entre as mulheres e na transformação de Lena, que passa de uma vida marginal para o luxo eterno (mas com consequências).Se você gosta de filmes de vampiros com protagonistas femininas fortes, vale muito a pena! Tem um ar cult e divertido ao mesmo tempo.

A premissa narrativa desperta interesse por meio de um desenvolvimento inicialmente bem compassado. Contudo, o resultado final foi comprometido por sua longa duração - atípica para o gênero - e pela perda de fôlego do roteiro em seu segundo ato, fatores que tornaram o ritmo excessivamente lento

Amo essa atmosfera e coloração que cria e auxilia no enredo de suspense e mistério como um todo.E,claro, Lundgren literalmente dirige o filme e leva nas costas

Esse filme prova que o verdadeiro terror não nasce do orçamento do filme, mas sim de um roteiro inteligente e de uma atmosfera psicológica sufocante. Tesis levou 7 prêmios Goya (o Oscar espanhol) e continua sendo um estudo fascinante e incrivelmente atual sobre o voyeurismo humano
O roteiro é um relógio suíço. A tensão se desenvolve em corredores escuros e laboratórios subterrâneos de uma universidade que parece um labirinto. Além disso, a dinâmica entre Ángela, o excêntrico e obcecado por filmes bizarros Chema (Fele Martínez) e o magnético, porém suspeito, Bosco (Eduardo Noriega) mantém o espectador constantemente desconfiado
Além disso, o filme questiona nossa própria curiosidade mórbida e constrói o medo através do som e da reação dos personagens

O filme é mais ou menos