MARCOS J

"Conclave" transcende o comum ao mergulhar profundamente nos intrincados jogos de poder, intriga e espiritualidade presentes nas paredes do Vaticano. Uma das grandes
uma intensidade única ao seu personagem, equilibrando fragilidade emocional e autoridade com maestria. Ao seu lado, Isabella Rossellini brilha com uma presença cativante e nuances dramáticas que enriquecem a narrativa, adicionando camadas de complexidade ao enredo.
Além das atuações impecáveis, "Conclave" conquista o espectador com sua produção requintada. Cada detalhe do figurino e dos cenários parece meticulosamente pensado para transportar o público ao coração de uma Roma cheia de história e mistério. A direção de arte é complementada pela fotografia deslumbrante, que utiliza luzes e sombras de forma quase poética, destacando a beleza austera da arquitetura e dos momentos íntimos entre os personagens.
O filme não apenas narra uma história, mas também cria uma atmosfera visual e emocional que permanece com o espectador muito depois dos créditos finais. "Conclave" é um espetáculo visual e um triunfo dramático, solidificando-se como uma obra memorável tanto pelo conteúdo quanto pela estética.

"Carvão" é uma obra cinematográfica que mergulha o espectador em uma narrativa inquietante e perturbadora. Desde o início, o diretor cria uma atmosfera carregada de tensão, explorando temas sombrios e complexos que deixam o público em constante estado de alerta. A trama gira em torno de uma família que vive em uma região rural e enfrenta dilemas morais e éticos, colocando em xeque os limites da humanidade.
Maeve Jinking, em uma atuação magistral, rouba a cena com sua interpretação visceral e profundamente emocional. Sua personagem transita por um espectro de emoções intensas, desde a angústia até a desesperança, proporcionando uma performance que é ao mesmo tempo poderosa e comovente. Jinking consegue capturar a essência do desconforto e da vulnerabilidade, fazendo com que o espectador sinta cada momento de sua jornada.
A direção de arte e a fotografia contribuem para o clima sombrio do filme, com paisagens desoladas e cenários opressivos que refletem o estado interno dos personagens. A trilha sonora minimalista, mas eficaz, amplifica a sensação de desconforto, criando um acompanhamento sonoro que ressoa nas cenas mais impactantes.
"Carvão" não é um filme fácil de assistir, mas é precisamente essa sua qualidade desconcertante que o torna uma experiência cinematográfica memorável. A atuação de Maeve Jinking é, sem dúvida, um dos pontos altos do filme, elevando a narrativa a um nível de intensidade raramente visto no cinema contemporâneo. É uma obra que desafia o espectador a confrontar suas próprias emoções e reflexões sobre a moralidade humana.

O filme queer se destaca pela qualidade excepcional da fotografia, que captura cada cena com uma beleza e precisão notáveis. Daniel Craig entrega uma interpretação inebriante, mergulhando profundamente em seu personagem e prendendo a atenção do espectador. No entanto, o ritmo do filme é insatisfatório, tornando-se difícil manter o interesse ao longo da narrativa. Além disso, a complexidade dos personagens torna complicado para o público se envolver emocionalmente com a história. Em resumo, embora o filme tenha seus méritos visuais e de atuação, ele deixa a desejar em termos de ritmo e conexão com os personagens.

Apesar de todas as ressalvas, para mim "Emilia Perez" não me pareceu todo esse horror que alguns podem sugerir. O filme conta com a atuação de Zoe Saldana, uma atriz que estamos acostumados a ver em papéis onde a maquiagem é um elemento forte. No entanto, neste filme, Saldana prova que seu talento vai muito além disso, entregando uma performance marcante e genuína.

A narrativa cronológica do filme não traz grandes ousadias, o que pode ser visto como um ponto negativo por alguns espectadores que buscam algo inovador. Contudo, a cinematografia é interessante e ajuda a manter o espectador envolvido na história.

Um aspecto polarizador do filme é, sem dúvida, a trilha sonora. Ela desperta sentimentos de amor e ódio, dependendo do gosto pessoal de cada um. Ainda assim, não deixa de ser um elemento que contribui para a atmosfera do filme.

No entanto, acredito que o filme não merece todas as indicações que recebeu.

Sem essas expectativas elevadas, "Emilia Perez" pode ser assistido como uma tentativa de fazer algo ousado, explorando novas linguagens cinematográficas. Como toda obra, tem seus acertos e falhas, mas vale a pena dar uma chance e apreciar os aspectos positivos que o filme tem a oferecer

O filme Maria, estrelado por Angelina Jolie, é uma produção que se perde em meio à sua própria ambição. A obra não consegue decidir entre a fantasia e a realidade, resultando em uma narrativa confusa e fragmentada. Em diversos momentos, o filme beira o desrespeito ao talento incomensurável da biografada, Maria Callas. A trama sugere, de maneira polêmica e até mesmo ofensiva, que a mãe da protagonista a prostituiu junto com sua irmã, o que desvirtua a grandeza da figura histórica retratada. Além disso, o filme não traz nada de novo, deixando uma sensação de déjà vu e desapontamento para os espectadores. A interpretação de Angelina Jolie é pouco convincente, falhando em capturar a essência e a profundidade de Callas. Em resumo, Maria é um desastre cinematográfico que não faz jus à diva do bel canto, e Callas certamente merecia uma homenagem muito mais digna e respeitosa.

Robô Selvagem é um filme que impressiona pela qualidade da animação e pela produção meticulosa. Os detalhes visuais são espetaculares, com um cuidado especial na construção dos personagens e dos cenários futuristas que cativam os olhos. A combinação de cores vibrantes e efeitos de luzes cria uma experiência visual exuberante, ideal para encantar o público mais jovem. Contudo, a estética repleta de brilho e cores intensas pode se tornar cansativa para o público adulto, que pode não se manter tão envolvido pela narrativa. Além disso, a história simples e o ritmo acelerado são claramente voltados para crianças, deixando pouco espaço para temas mais profundos que poderiam atrair adultos. Em suma, Robô Selvagem é uma obra de arte técnica que, apesar de suas qualidades, tem um apelo limitado quando se trata de entreter espectadores de todas as idades.

"A Substância" destaca-se pela coragem de Demi Moore ao assumir um papel que provoca discussões profundas sobre o papel da mulher na sociedade atual e as complexidades do envelhecimento feminino. Moore entrega uma atuação poderosa, imergindo o espectador na vulnerabilidade e força de sua personagem. O filme explora de maneira instigante as pressões sociais e os desafios enfrentados pelas mulheres maduras. No entanto, o roteiro carece de maior elaboração, perdendo-se à medida que a narrativa se aproxima do fim, embora faça citações interessantes ao longo do caminho. Não é uma obra-prima, mas certamente supera muitas produções contemporâneas.

Alien: Romulus é um filme que, à primeira vista, apresenta uma premissa interessante, mas infelizmente tropeça na sua execução, tornando-se uma repetição previsível das fórmulas já vistas em outros filmes da série. A história tenta se apoiar em elementos que outrora fizeram sucesso, mas acaba caindo no lugar-comum, sem trazer a inovação que os fãs esperavam.

O elenco, embora talentoso, não consegue cativar o público a ponto de torcermos por seus personagens. A falta de carisma do grupo é evidente, e isso se torna ainda mais gritante quando percebemos que a única atuação realmente interessante é a de Ian Holm, recriado por computação gráfica. Holm, que faleceu há mais de uma década e que interpretou um papel memorável no primeiro filme da franquia, é a estrela que brilha, mesmo que seja apenas uma sombra de sua versão original.

No entanto, nem tudo está perdido em Alien: Romulus. Os efeitos visuais e a fotografia são bastante interessantes e merecem destaque. As cenas são visualmente impactantes, proporcionando um banquete para os olhos dos espectadores. Esses elementos técnicos são, sem dúvida, um ponto positivo do filme.

Por outro lado, o ritmo do filme deixa a desejar. Em alguns momentos, a trama se arrasta, tornando a experiência um tanto enfadonha. Os momentos de tensão e suspense, que são marcas registradas da franquia, nem sempre conseguem manter o público engajado.

Apesar das falhas, há uma luz no fim do túnel. A criatura que aparece nos momentos finais do filme possui um interesse dramático que pode ser desenvolvido em futuras sequências. A presença dessa nova ameaça abre portas para explorações mais profundas e intrigantes no universo de Alien, algo que os fãs certamente aguardarão com expectativa.

Em suma, Alien: Romulus é um filme que tem seus méritos, mas não consegue escapar das armadilhas da repetição e da previsibilidade. Com uma execução mais ousada e um elenco mais carismático, poderia ter sido uma adição memorável à franquia. No entanto, como está, fica como uma promessa de que, talvez no futuro, a série consiga recuperar o brilho que conquistou tantos fãs ao longo dos anos.

Um filme bastante genérico, divertido e esquecível. A produção é legal, a direção mantém o clima, tem humor. Mas esperava mais de Guy Ritchie, uma direção mais criativa, mais interessante. O elenco é ok, o filme não existe nada dos rapazes que estão na missão, somente ficar andando de um lado para o outro matando nazistas. Gostei bastante da Elza González fazendo a femme faltale e Babs Olusanmokun. Mas como eu já disse, esquece=se do filme assim que ele termina.

Godard sempre é desconcertante, inovador, criativo, ainda mais nos seus primeiros filmes. Dá prazer ver um filme como esse, que não faz grandes concessões mas mesmo assim conseguiu encontrar conexão com o público. Anna Karina tem sempre uma presença luminosa, com seus olhos inquietos, e Belmondo parece se divertir muito com seu personagem tão igual e tão diferente a tudo que interpretou. O uso das cores está caprichado, da câmera, mas os diálogos, literários, artificiais, é que são o ponto forte. A cena da festa, com as pessoas repetindo fala de propagandas e o Samuel Fuller como um dos convidados é soberba; Pena que não se façam mais filmes como esse.

Não tem o impacto que Estrada da Fúria teve - e tem - mas tampouco achei que fosse totalmente um fiasco. O roteiro poderia ser melhor lapidado, fechando alguns pontos e tornando os personagens menos esquemáticos. E realmente os efeitos em CGI muitas vezes não convence. Mas é uma boa diversão, com visual interessante e uma música bastante climática. Mas é só.

Este filme de Truffaut explora temas profundos como o confronto entre civilização e barbárie, a importância da educação na formação do homem e a função da linguagem.

O confronto entre civilização e barbárie é central na trama. Victor representa a natureza em seu estado mais puro, sem influência da sociedade e das normas culturais. Sua condição selvagem suscita questões sobre o que nos torna humanos. A civilização é retratada como um conjunto de regras e conhecimentos que moldam o comportamento e a identidade humana. A jornada de Victor para adquirir essas características civilizatórias é um reflexo da luta entre seus instintos naturais e os ensinamentos do Dr. Itard.

A educação é destacada como um processo fundamental na transformação de Victor. O Dr. Itard utiliza métodos pedagógicos inovadores para ensinar o menino a falar, a compreender e a se comportar de acordo com as normas sociais. A paciência e a dedicação de Itard mostram que a educação vai além do simples ensino de habilidades; é um processo de humanização. Truffaut, como ator, oferece uma interpretação comovente do médico, transmitindo sua determinação e compaixão.

A linguagem desempenha um papel crucial na transformação de Victor. Inicialmente incapaz de se comunicar verbalmente, o aprendizado da fala simboliza sua progressiva inserção na civilização. A linguagem não é apenas um meio de comunicação, mas também uma ferramenta de pensamento e socialização. A capacidade de nomear o mundo ao seu redor permite a Victor uma compreensão mais profunda de si mesmo e dos outros.

O trabalho de direção de François Truffaut é meticuloso e sensível, refletindo sua abordagem humanista ao cinema. Ele equilibra a narrativa com um olhar crítico e empático sobre os personagens e suas lutas internas. A performance de Truffaut como o Dr. Itard é reservada, mas poderosa, mostrando a complexidade de suas emoções e seu compromisso com a causa.

A fotografia de Néstor Almendros é outro destaque do filme. Com uma estética que remete às pinturas naturalistas, Almendros captura a beleza e a brutalidade da natureza selvagem, contrastando-a com a ordem da civilização. As cenas são iluminadas de maneira a enfatizar a transformação de Victor, utilizando luz e sombra para refletir seu progresso e desafios.

Em suma, "O Menino Selvagem" é uma exploração profunda da natureza humana e da importância da educação e da linguagem na formação do indivíduo. A direção de Truffaut, sua atuação como Itard e a fotografia de Almendros se combinam para criar uma obra cinematográfica rica em significado e beleza visual.

Este thriller psicológico é notável por suas complexas dinâmicas de poder, temas de classe social e uma representação sutil, mas poderosa, da homossexualidade latente. Com um roteiro adaptado por Harold Pinter, o filme é uma obra-prima do cinema britânico dos anos 60, que se destaca pela interpretação magistral de Dirk Bogarde e pela fotografia atmosférica de Douglas Slocombe.
A trama gira em torno de Tony, um jovem aristocrata interpretado por James Fox, que contrata Hugo Barrett, interpretado por Dirk Bogarde, como seu criado. Inicialmente, Barrett parece ser o empregado perfeito, submisso e eficiente. No entanto, conforme a história avança, as relações de poder entre patrão e criado começam a se inverter de maneira perturbadora. Barrett gradualmente manipula Tony, corroendo sua vontade e dominando sua vida. Esta inversão de papéis é simbolizada visualmente pelo uso engenhoso da fotografia, que captura a decadência do ambiente e a crescente claustrofobia da casa de Tony.
Dirk Bogarde entrega uma performance memorável como Barrett. Conhecido por sua versatilidade como ator, Bogarde traz uma complexidade sutil ao personagem, que é ao mesmo tempo encantador e ameaçador. Sua interpretação é cheia de nuances, sugerindo uma atração ambígua e uma tensão sexual entre ele e Tony. Essa homossexualidade latente é tratada com discrição, refletindo as restrições sociais da época, mas também adiciona uma camada de profundidade ao relacionamento dos personagens. A atuação de Bogarde é crucial para transmitir a ambiguidade moral e a natureza manipuladora de Barrett, tornando-o uma figura tanto repulsiva quanto fascinante.
A fotografia de Douglas Slocombe é outra característica marcante do filme. Utilizando uma paleta de tons sombrios e um jogo de luz e sombra que lembra o expressionismo alemão, Slocombe cria uma atmosfera de tensão e desespero crescente. Os interiores da casa, inicialmente espaçosos e iluminados, tornam-se cada vez mais opressivos à medida que a trama avança, refletindo o colapso psicológico de Tony. A cinematografia não apenas complementa a narrativa, mas também intensifica o sentimento de claustrofobia e a deterioração moral que permeia o filme.
A relação entre Barrett e Tony também é sublinhada pela mise-en-scène e pelo uso simbólico de espelhos e escadas. Os espelhos frequentemente refletem os personagens em momentos de vulnerabilidade e duplicidade, sugerindo suas identidades fragmentadas e os jogos de poder em que estão envolvidos. As escadas, por outro lado, servem como um símbolo das mudanças de poder, com Barrett muitas vezes ascendendo fisicamente enquanto Tony é relegado a posições mais baixas, tanto literal quanto figurativamente.
O subtexto homoerótico de "O Criado" é um aspecto significativo que ressoa fortemente com a audiência contemporânea. Embora o filme nunca aborde diretamente a homossexualidade, as sugestões sutis e a tensão sexual implícita entre Barrett e Tony são inegáveis. Esta abordagem velada é tanto um reflexo das normas sociais da época quanto uma maneira de aumentar a carga dramática da narrativa. A ambiguidade sexual adiciona uma camada extra de complexidade ao filme, tornando-o não apenas um estudo de caráter fascinante, mas também um comentário sobre a repressão e a perversidade das relações de poder.
Em conclusão, "O Criado" é uma obra-prima do cinema, destacada pela brilhante interpretação de Dirk Bogarde, a fotografia evocativa de Douglas Slocombe e a exploração ousada e ambígua da homossexualidade latente. O filme permanece um testemunho poderoso da capacidade do cinema de explorar temas complexos e tabus com sutileza e profundidade.

Um filme bastante humano, com roteiro simples, mas com uma história poderosa em sua simplicidade, em sua inevitabilidade. Grandes atuações ajudam a manter o nível, Da'Vine, mesmo correndo o risco de ser piegas, é absolutamente divina, contida, expressando sua profunda dor com os olhos e os gestos contidos. É uma atriz estupenda. Gioamatti é sempre um grande ator e o jovem Dominic Sessa tem o papel dos sonhos de qualquer garoto, e sabendo aproveitar a oportunidade. O filme tem todo um clima nostálgico, com uso das vinhetas e da fotografia. Um filme natalino como poucos - não gosto muito do gênero, Mas me surpreendeu e emocionou tanto quanto A Felicidade Não se Compra o fez há tanto tempo.Fico feliz que o cinema ainda saiba contar histórias tão simples e belas

O visual é realmente deslumbrante, mas o roteiro é clichê. Talvez por tenha assistido em streaming e não no cinema, achei melhor que o primeiro, que quando vi achei um tanto quanto cansativo - para ser franco para mim ficou mais a sensação de tédio do que a história, da qual me lembrava muito pouco. Tem boas intenções, na verdade é uma sessão da tarde, um filme para curtir e esquecer.

Assisti a esse filme em um vhs e lembro que achei terrível. Mas revendo hoje, não sei bem por qual motivo, achei bem interessante pelo seu clima anárquico, seu humor bizarro, o visual, os efeitos., e uma trilha sonora muito legal. Naomi Watts mostra que tem carisma e que toda estrela tem que passar por percalços até chegar ao auge. E que talvez se esse filme tivesse sido visto pelo produtores de "Cats" o filme nunca tivesse sido feito. Um trash que do jeito que não vemos mais.

Uma bela e sensível história que faz uma reflexão sobre as ambições e as escolhas que fazemos em nossa vida. /Contada em três tempos, conta com um excelente muito afiado, com interpretações sóbrias mas muito poderosas, que desvelam sentimentos profundos com olhares e gestos simples. A fotografia é um deslumbrante, limpa, com travellings que vão dão ritmo a esta narrativa contemplativa. A diretoria demonstra muito sensibilidade e conduz tudo com elegância e sobriedade. Um filme que nos faz pensar nos amores que por tantos motivos deixamos escapar e como nossas ambições vão se adequando à nossa realidade. É o tipo de filme que eu gosto, ressoa muito tempo ainda depois que o assistimos. E poucos conseguem fazer isso.

Visualmente deslumbrante, queria ter assistido em tela enorme para apreciar melhor os detalhes, as cores, os enquadramentos. As referências são um pouco óbvias, mas tudo bem, o filme está aí para divertir. Toda a sequência no planeta dos Harkonnen é primorosa, dá vontade de ver e rever somente pela experiência estética. Li o livro há muito tempo e a história mesmo assim não parece confusa, o roteiro consegue dar conta de toda a trama intrincada criada pelo Frank Herbert. Continuo admirando a versão do David Lynch, seu visual retrô e seus problemas estruturais. Uma experiência interessante é ter em tela esses dois filmes e comparar as visões de dois diretores t~~ao particulares. Não acho que seja uma obra prima, mas gostei muito.

Para quem como eu teve na infância o prazer de assistir a muitos filmes de monstros japoneses, esse filme tem um delicioso sabor nostálgico. Clichê até o limite, tem uma grandiosidade humana que o cinema americano jamais conseguiu dar a essa histórico com suas bombásticos e pirotécnicas versões. Simples, direto, com efeitos eficientes, é uma sessão da tarde como há muito o cinema não fazia.

A velha trama da pessoa injustiçada que volta à cidade natal para se vingar ganha aqui uma nova roupagem - e que roupagem!!! Divertida e cheia de humor ácido, essa comédia australiana foi para mim uma grata surpresa Esteticamente é muito apurada, com a aridez do cenário e a exuberância da personagem de Kate Winslet, sempre uma atriz interessante. Mas para mim o grande destaque foi Judy Davis, um personagem delicioso, ranzinza, desbocado, que tem as melhores falas. Hugo Weaving também brilha, com seu policial um pouco fora da curva - ele correndo para ver os espelhos que estão numa árvore é antológico. Diversão garantida para quem não se importar com um pouco da brizarrice do ser humano.

Uma dor profunda permeia essa história, de perdas e de escolhas, dor da profunda solidão das cidades. O silêncio se faz presente em muitos momentos, e a música explode como alento e socorro. Bem dirigido, mas principalmente bem interpretado> Andrew Scott e Paul Mescal transmitem o desespero exato de seus personagens. Claire Foy e Jamie Bell o equilíbrio das emoções, o contraponto necessário à fúria. É um filme que ressoa por muito tempo.

Muito sensível em sua abordagem, este filme de Koreeda traz várias perspectivas para contar uma história sobre a difícil passagem pela adolescência, em que desejo e medos se misturam e nem tudo pode ser dito. Lembrou-me muito Close, mas traz uma abordagem bastante distinta. Emociona bastante mas nunca é piegas. O elenco é um deslumbre, todos muito bem. Agridoce e delicado.

Uma bela (e longa) biografia sobre não só o homem, mas a criação da criatura, que de fato mudou os rumos da geopolítica do século XX. Tudo muito bem feito, bem produzido, com um bom roteiro, mas que nunca chega de fato a empolgar. Tem alguns momentos realmente fascinantes - como a cena final - mas nunca chega a empolgar totalmente. Durante todo o filme, me lembrei de "A Rosa de Hiroshima", do Vinicius.

Incrivelmente atual pelos temas que aborda, Zona de Interesse é um retrato assombroso do dia a dia de uma família normal, se não fosse o fato do pai ser o diretor do campo de concentração de Auschwitiz e a casa estar ao lado do dele. Todo o tempo ouvimos o que se passa atrás do muros mas o que vemos é o belo jardim, as flores, a videira. As imagens são sempre distanciadas, não temos closes dos rotos dos atores, mas ainda assim é difícil não se impressionar mais uma vez com Sandra Hùller, uma mãe de família amorosa e quer a todo custo o conforto dos seus. Um filme assustador em diversos sentidos, necessário, que deve ser visto e analisado. O final é devastador.