Tulio

O documentário é bastante peculiar, pois a produção parece ter a finalidade de apresentar a figura de um autor que se autopromove como intelectual, expondo seus hábitos, sua vida nos EUA e o seu conjunto de ideias. No entanto, o que se vê é mais uma performance coreografada do que o retrato de um pensador de fato. No fim, é uma obra que encontra ressonância apenas em uma parcela específica da sociedade e dentro de um recorte limitado do contexto político brasileiro (2014-2018). Trata-se de um filme datado, visto que parte mais de uma "projeção" teórica do próprio autor do que de um prestígio intelectual estabelecido.

É um excelente filme que retrata histórias da vida privada em um contexto turbulento do cenário brasileiro. O ambiente da ditadura é confrontado com questões de classe, principalmente os conflitos no chão de fábrica, revelando as nuances das batalhas diárias de forma intensa e, em muitos momentos, sutil. Destacam-se as atuações de Fernanda Montenegro e Gianfrancesco Guarnieri; os conflitos familiares que ambos encenam são densos e de uma carga dramática que assusta em certos momentos.

Trata-se de uma entre tantas histórias que tornaram aquele conflito algo sem precedentes no mundo moderno. No entanto, o filme é também uma exaltação à arte como forma de mediação: demonstra como a linguagem artística pode, inclusive, romper preconceitos e encontrar espaços comuns, permitindo o diálogo até mesmo com o inimigo.

A sensação que Encontros e Desencontros deixa é de profunda reflexão. As poucas falas são certeiras e densas. Se, por um lado, a experiência do casamento e seus desdobramentos modificam nossas identidades — fazendo com que o 'eu' como figura de desejo e exploração perca o sentido diante do peso das responsabilidades —, por outro, o caso da jovem recém-casada demonstra o início de uma jornada onde tudo ainda é possível.

O encontro desses dois perfis desencadeia sentimentos ambivalentes: a melancolia do homem maduro que percebe que ainda é capaz de sentir emoções novas, e a esperança da jovem recém-saída da universidade sobre o que fazer da vida. É um encontro entre juventude e maturidade, inexperiência e cansaço, razão e emoção. A escolha pela manutenção de uma relação platônica entre os protagonistas foi fantástica, pois demonstrou as nuances das nossas escolhas e a confusão que as acompanha.

A direção de Sofia Coppola foi precisa ao escalar o elenco, unindo a trajetória real dos atores à tese do roteiro: Bill Murray, um veterano que trazia em sua fisionomia o cansaço da indústria, e Scarlett Johansson, uma promessa em ascensão buscando seu espaço. Esse espelhamento foi central para o resultado de uma obra que transita entre o drama romântico e o ensaio filosófico.

O filme opera a partir de uma matriz cristã, intencionalmente desprovida de dogmas confessionais, para construir uma ética comunitária centrada no altruísmo, na família e na gratidão como virtude social. Historicamente, o filme não foi bem recebido em seu contexto, sua canonização ocorreu por um processo retroativo, consolidado apenas nas décadas de 1970 e 1980 por meio de exibições na televisão. Contudo, isso não torna a obra menor, pelo contrário, a performance de James Stewart sustenta a leitura ética da obra ao materializar, por meio de um naturalismo psicológico, a tensão entre frustração individual e integridade moral, culminando em um clímax que revela não fraqueza, mas o peso das responsabilidades comunitárias. Um ponto por vezes esquecido pela leitura religiosa, é a crítica ao capitalismo (banqueiro Potter) em defesa do crédito comunitário. O filme ressoa por uma linha temática de redenção e intervenção sobrenatural, que são visíveis em adaptações modernas de A Christmas Carol (como Scrooged, 1988) ou em dramas de superação como À Procura da Felicidade (2006). Um bom filme com excelentes atuações.

O tema da estética e dos padrões de beleza foi muito bem elaborado aqui, pois partiu de questões psicológicas da negação, narcisismo e da perda de identidade em favor da confirmação social da imagem pública, que aqui se mistura com a própria "imagem" (identidade) privada. A união desses fatores desencadeou de forma eficaz no filme, a deformação de uma identidade que busca e se retroalimenta do reconhecimento social (uma crítica super pertinente atualmente). Essa premissa valida os "exageros" no uso do corpo e do "gore", pois é demonstrado que o preço da "performance" é a deformação.

Um clássico que se destaca precisamente pelo acerto de seu tripé estrutural: direção, elenco e roteiro. O tema "banal" trabalhado na obra ganha uma densidade narrativa interessante, que prende o espectador desde o início. E isso se relaciona diretamente com esse tripé (equilibrio técnico), pois, para que a premissa funcionasse, era necessário uma direção precisa, um elenco sóbrio e um roteiro de extrema coesão. A convergência desses fatores resultou em uma excelente história.

Esse foi uma surpresa, ainda que parcial. O tema clichê desenvolvido está saturado no cinema, e produções com elencos robustos que tratam do tema não têm funcionado ultimamente. No entanto, é justamente nesse ponto que o filme se destaca. A obra parece ter assimilado a lição de Um Drink no Inferno (Tarantino, 1996): embora as tramas sejam diferentes, apresenta uma ruptura estrutural (mudança de gênero) eficaz ao acomodar novos elementos em seu andamento sem perder o rumo.

Esse envelheceu bem, especialmente em tratar da mídia. Uma percepção que, para a época, ganhava espaço, principalmente pela repercussão de "Cidadão Kane". As escolhas aqui foram muito bem elaboradas, pois o núcleo espacial é estreito e bem desenvolvido com um elenco de núcleo que tem seus papéis bem definidos. Filme bem bacana.

A crítica em torno da figura do veterano de guerra é um ponto fundamental para o contexto, pois evidencia a transição de um cinema de propaganda para um cinema crítico. A estrutura narrativa é sutil e bem escolhida, o que faz toda a diferença para o resultado final. O desenvolvimento da crítica não perde o foco e ganha densidade com a progressão da história. É, de fato, um bom filme.

Apresenta um enredo convencional (clichê), embora bem adaptado ao cenário das pistas e amparado por um elenco sólido. De modo geral, é uma variação de Top Gun: Maverick, seguindo a mesma fórmula estética e narrativa.

Pensei que entregaria mais por todo o alarde, mas no fim foi algo bem "mais ou menos". É um tipo de leitura sobre um movimento revolucionário e sua atuação nos EUA, mas por uma ótica estadunidense que quase sempre reduz a seriedade de princípios revolucionários ao amadorismo descolado em torno de visões de mundo, ou na interpretação de excessos como componente necessário para encarar o campo de negação de uma realidade social contrária às minorias e suas mazelas. Em suma, é uma visão tipicamente estadunidense de um grupo social revolucionário.

É um bom filme, mas, em parte, envelheceu mal. A narrativa e parte das atuações, como a de Vivien Leigh, em boa medida são carregadas e testadas a todo instante na intensidade de demonstrar as complexidades em torno de receios, medos e a dificuldade de encarar as mudanças da vida, especialmente em sua trajetória pessoal — reflexo visto em suas ações em torno da estética e de seus desejos. No entanto, no tratamento do desenvolvimento narrativo, o filme pode parecer genérico, mas essa percepção parte mais de quem o assiste contemporaneamente do que propriamente da obra em si. A temática tratada se desgastou com o tempo, mas isso não desabona o seu caráter inovador no contexto no qual está inserido.

Uma história bem atual, não envelheceu, ao olharmos para o recorte cultural de alguns contextos político-sociais contemporâneos. O pano de fundo do contexto europeu, ainda no período da Guerra Fria, é uma boa jogada na construção da narrativa, ainda mais no contexto alemão. Além disso, o enclausuramento intencional do casal em seu multiverso é interessante, pois recondiciona o foco de quem assiste para o preconceito institucional, percebido a todo instante; mas também, ao estreitar certos estigmas, como um casal com diferenças etárias, recombinou uma análise que escancara que a própria felicidade é condicionada a conformidades sociais específicas, no campo etário, na aceitação do seu meio social e na própria semelhança cultural.

A premissa foi excelente, mas pecaram na finalização. A impressão deixada é que o filme não acabou, que foi pausado ou teria uma continuação. Uma pena, mas ainda assim é um bom filme.

Um roteiro policial com um bom enredo, que em um primeiro momento pode parecer despretensioso, mas muito pelo contrário. O filme foi rodado nos turbulentos anos 1960 dos EUA. Os direitos civis haviam sido aprovados há poucos anos, e diversos incidentes relacionados ao combate a segregação racial estavam ocorrendo. Com isso, lançar um filme que tocasse nessa temática era um desafio político e financeiro. Contudo, as escolhas narrativas e os diálogos foram muito bem estabelecidos, principalmente pela condução de Sidney Poitier, que estava no ponto alto de sua carreira. Excelente filme e retrato sobre este triste período norte-americano.

Um filme divertido, mas não passa disso. Um filme no perfil da clássica "Sessão da Tarde".

O filme é um verdadeiro furdunço. Cenas desagradáveis e fortes, mas que se justificam pela proposta do filme, que é a confusão ainda presente no interior do país na relação e sobreposição entre centro x periferia e a resistência do passado sobre o presente.

Filme com um potencial tremendo, mas se perdeu no início do caminho.

O filme é muito arrastado, quase parando, mas não é ruim.

O filme visualmente é muito bonito, e isso é tanto pela fotografia como pelos cenários escolhidos. Contudo, é interessante apontar algumas lacunas no desenvolvimento da narrativa. Tive a impressão que a presunção do diretor em antecipar a tomada de ação de alguns personagens foi precipitada, pois deixou furos no andamento do filme.

O filme não é ruim, mas o diretor pesou na pornografia. A falta de densidade em cada micro-história desenrolou a narrativa em blocos, e isso prejudicou o desenvolvimento da história.

Filme muito bem acabado. A complexidade do filme está na sua simplicidade.

A sacada do filme é a sua simplicidade. O filme acertou na escolha do tema e ambiente, o enredo se desenvolveu naturalmente. Do início ao fim o filme atendeu perfeitamente sua proposta.