O bálsamo curativo do papo entre amigos tem sido uma constante nos filmes de Richard Linklater, juntamente com um motivo recorrente explorando as recompensas do companheirismo masculino que se estende do atordoado e confuso até o "Everybody Wants Some"! Ambos os temas são elementos-chave em Last Flag Flying, uma mistura amigável e intermitente de road movi de amigos e drama de guerra em casa, fazendo com que pareça um ajuste natural para o diretor. Mas apesar dos momentos pungentes, particularmente nas performances de Steve Carell e Laurence Fishburne, a trama de introspecção sombria, reminiscência ruim, comédia irreverente e comentário sociopolítico se sente eficaz, colocando o filme entre as entradas menos memoráveis no cânone de Linklater. Paradoxalmente, para um filme que muitas vezes entra em discussões precárias sobre o porquê da guerra - traçando paralelos entre o Vietnã e o Iraque - e a natureza da verdade e do heroísmo, Last Flag Flying parece ter pouco a dizer ao público liberal que é o eleitorado natural de Linklater. Em vez disso, é a multidão do coração que mais provavelmente responderá à sua consideração enjoativa de sacrifício e arrependimento. As cenas de encerramento consoladoras tentam ter os dois lados, reforçando a crença das personagens no valor do serviço ao seu país, mesmo que questionem a falta de transparência nos mandatos governamentais por trás deles. Mas a ausência de uma mensagem forte para ambos os lados diminuirá as perspectivas, que deve melhorar facilmente o desempenho pouco brilhante da Longa Caminhada de Billy Lynn, mas ficará significativamente aquém do abraço dominante do Sniper americano. Esses filme que tentam apertar as pedras para tirar um único pingo de humanidade são tão abjetos...
Cheyenne Mountain é uma complexo subterrâneo de segurança dos Estados Unidos da América que fica localizado próximo das Montanhas Rochosas, na parte sul de Colorado Springs, no estado do Colorado, EUA, onde na qual estão presentes em sua base militar Cheyenne Mountain Center Operations, subordinado ao Comando de Defesa Aeroespacial da América do Norte(NORAD) na encosta leste da Faixa Frontal do Colorado, subindo acentuadamente da pradaria e com vista para a cidade de Colorado Springs. De longe, a montanha parece bonita e serena, salpicada de afloramentos rochosos, carvalho esfoliante e pinheiro de ponderosa. Parece o pano de fundo de um velho oeste de Hollywood, apenas mais uma linda Montanha Rochosa de beleza estonteante. No entanto, a montanha Cheyenne dificilmente é imaculada. Uma das mais importantes forças armadas dos EUA estão ali instaladas, com unidades habitacionais do Comando Aeroespacial Norte-Americano, o Comando Espacial da Força Aérea, e o Comando Espacial dos Estados Unidos. Durante meados dos anos de 1950, oficiais de alto nível do Pentágono se preocuparam que as defesas aéreas dos Estados Unidos tivessem se tornado vulneráveis a sabotagem e ataque. A Montanha Cheyenne foi escolhida como o local para um local ultrassecreto, no subterrâneo, no centro de operações de combate. A montanha foi escavada, e quinze edifícios, a maioria deles com três andares de altura, foram erguidas em meio a um labirinto de túneis e passagens que se estendem por quilômetros. O complexo subterrâneo de quatro acres e meio de altura foi projetado para sobreviver a um impacto direto de uma explosão de magnitude impressionante. Agora oficialmente chamada de Estação da Força Aérea da Montanha Cheyenne, a instalação é através de portas de explosão de aço com 1 metro de espessura e pesando vinte e cinco toneladas cada; elas são automaticamente fechadas em menos de vinte segundos. A base é fechada ao público, e uma equipe de resposta rápida fortemente armada protege contra intrusos. O ar pressurizado dentro do complexo previne a contaminação por precipitação radioativa e armas biológicas. Os edifícios são montados sobre gigantescas molas de aço para enfrentar um terremoto ou a onda de explosão de um terremoto termonuclear grave. Os corredores e escadas são pintados de cinza ardósia, os tetos são baixos, e há fechaduras de combinação em muitas das portas. Um túnel de fuga estreito, que entra por uma escotilha metálica, torce e vira sua saída da montanha através de rochas sólidas. O lugar parece o conjunto de um dos filmes de James Bond, com homens em macacões dirigindo pequenas vans elétricas de uma brilhante caverna para outra. Quinhentas pessoas trabalham dentro da montanha, mantendo as instalações e coletando informações de uma rede mundial de radares, satélites espiões, sensores em terra, aviões, e blimps. Tais pessoas são de altíssima confiança e suas vidas dependem de seus segredos. O Centro de Operações da Montanha Cheyenne rastreia todos os objetos fabricados pelo homem que entram no espaço aéreo dos EUA ou que orbita a Terra. É o coração do alerta precoce da nação. Ele pode detectar o disparo de um míssil de longo alcance, em qualquer lugar do mundo, antes desse míssil deixar a rampa de lançamento. Essa base militar futurista dentro de uma montanha tem a capacidade de ser autossustentar por, pelo menos um mês. Seus geradores podem produzir eletricidade suficiente para alimentar uma cidade do tamanho de Tampa, na Flórida. Seus reservatórios subterrâneos contêm milhões de galões de água; os trabalhadores às vezes atravessam em barcos a remos. O complexo tem seu próprio centro de fitness subterrâneo, uma clínica médica, um consultório de dentista, uma barbearia, uma capela e uma cafeteria. Quando os homens e mulheres estacionados em Cheyenne Mountain se cansam da comida na cafeteria, muitas vezes mandam alguém para o Burger King em Fort Carson, uma base militar próxima. Ou eles chamam o Domino's. Quase todas as noites, um entregador da Domino's sobe a solitária Montanha Cheyenne, passando pelos sinalizadores do posto de controle de segurança na entrada da base, dirigindo-se em direção ao Portão Norte, fortemente vigiado, enfiado atrás do arame farpado. Perto do local onde a estrada vai direto para a encosta da montanha, o o entregador deixa suas pizzas e recolhe sua gorjeta. E se o Armageddon vier, se um inimigo estrangeiro um dia derramar nos Estados Unidos ogivas nucleares, lançando lixo para o continente inteiro, enterrado dentro da Montanha Cheyenne, juntamente com as maravilhas da alta tecnologia, o macacão azul-pálido, quadrinhos e Bíblias, os arqueólogos do futuro podem encontrar outras pistas para a natureza de nossa civilização - Invólucros Big King, Crostas endurecidas de Pão de Queijo, Asa de Churrasco, ossos com barbecue sauce, e o vermelho, branco e azul de uma caixa de pizza Domino's. Uma das ironias da indústria de fast food dos EUA é que um negócio tão dedicado à conformidade foi fundada por iconoclastas e homens autodidatas, por empresários dispostos a desafiar os ditames do fazer o bem e olhar a quem! Poucas pessoas que construíram impérios de fast food já frequentaram a faculdade, muito menos as escolas de negócios. A industrialização da cozinha do restaurante permitiu que as cadeias de fast food dependessem de uma força de trabalho mal remunerada e não qualificada. Enquanto um punhado de trabalhadores consegue aumentar a escada corporativa, a grande maioria carece de emprego em tempo integral, não recebe benefícios, aprende poucos a exercer pouco controle sobre seu local de trabalho, desistir após alguns meses, e flutuar vagueando no vasto mundo do sonho americano. A indústria de restaurantes é agora o maior empregador privado nos EUA, e paga alguns dos salários mais baixos. A grande desgraça foi exportado e no mundo inteiro o fast food é uma praga pior que a COVID-19. Durante o boom econômico dos anos de 1990, quando muitos trabalhadores dos EUA desfrutavam de seus primeiros aumentos salariais em uma geração, o valor real dos salários na indústria da comida continuou a cair. Os cerca de 3,5 milhões de trabalhadores de fast food são, de longe, o maior grupo de salário mínimo nos Estados Unidos. Os únicos que ganham consistentemente um salário por hora mais baixo são trabalhadores agrícolas migrantes. Centenas de milhões de pessoas compram fast food todos os dias, todo o globo terrestre, sem pensar muito, sem se darem conta das ramificações sutis e não tão sutis de suas compras. Raramente eles consideram de onde isso veio de, como ela foi feita, o que ela está fazendo à comunidade ao seu redor. Eles apenas pegam sua bandeja no balcão, encontra uma mesa, senta-se, desenrole o papel e engole. O todo da experiência é transitória e logo esquecida. O filme é uma espécie de alerta a partir da crença de que as pessoas deve saber o que está por trás da superfície brilhante e feliz de cada transação de fast food. Eles deveriam saber o que realmente se esconde entre esses pãezinhos de sementes de gergelim. Como diz o velho ditado: Você é o que você come. Então, sem nenhuma chance de errar, somos lixo! Os dados desse comentários estão espelhados pela WEB e pelos estudos de Eric Matthew Schlosser!
Paul, 28 anos, estudante, retorna à fazenda da família porque seu pai está doente (28 anos e estudante, que porra é essa?). Ele encontra seus conhecidos: seus pais, mas também Thierry, seu melhor amigo e Odile. Com pressa para sair, ele não se comporta muito bem com eles. Quanto mais o tempo passa, menos ele quer sair. Ele se sente culpado por abandonar sua família e se arrepende do que deixou. Ele tenta alcançá-lo, ser bom e generoso. Começando do zero, como se o tempo não tivesse mudado nada, ele dá a si mesmo uma segunda chance. Tudo muito confuso e nada muito dito...sei lá...
Há momentos entre os quais podemos nos lembrar: passeios de carro, viagens de trem, conversas banais. Tempo sentado no chão, assistindo um pedaço de luz solar a brilhar. Inclinando-se para trás na cadeira sem nada para escrever ou fazer. Fugir ou ficar no lugar, sem nada realmente chegado ou realizado — esses são comuns a quase toda a vida de todos nós, mas muito poucos trabalhos dão a chance a um cineasta de refletir sobre eles, principalmente porque não entediar o público até a morte é quase impossível. Enquanto isso, Jeanne Dielman são excelentes incursões neste reino estático, mas é impossível aprender a arar lendo livros pode ser o melhor em termos de observação precisa e imparcial: nenhuma moral é feita e nenhuma trama é construída, mas isso é realizado sem armadilhas de estilo (ou falta dela); é realmente contente em simplesmente assistir - seguir um trem que chega com um passageiro a bordo, e eventualmente chegar ao seu destino - enquanto a leve sensação de ritmo cena a cena, cada um não ocupando mais do que uma quantidade apropriada de tempo, mantém a observação fresca mesmo. É Impossível Aprender a Arar lendo livros, 1988 no início, pode-se pensar que o ponto é que todas as coisas parecem iguais onde quer que você vá, mas nossa personagem e seus amigos chegam às montanhas no final de uma viagem de acampamento - eles estão apenas longe no fundo: magnífico; Inacessível. Fofo!
É possível afirmar que ao analisar o pequeno poderemos entender o grande...então, é possível dizer, sem medo de errar, que aqui temos uma síntese do Brasil, vamos chamar de real...e cada uma fica com suas conclusões!
Guillaume Nicloux é o diretor daquela extraordinária comédia O Sequestro de Michel Houellebecq, na qual o famoso autor criou o que foi um camafeu bizarro de 94 minutos como ele mesmo, e também o drama agridoce de outono Valley of Love, com Isabelle Huppert e Gérard Depardieu. Agora ele trouxe um filme sobre a guerra do Vietnã extremamente confiante e inegavelmente bem feito, com algo do Pelotão de Oliver Stone, exceto com os franceses no papel da força de ocupação condenada, que na década de 1940 precedeu o dos EUA. O filme usa o termo "Indochine" ou "Indochina" nos títulos de abertura, uma frase da era colonial, agora bastante carrancudo, e anterior ao sudeste asiático moderno. Fui forçado a admitir que o Nicloux monta um filme brutalmente violento, mas persuasivo, mergulhado em seu período e cenário; embora a violência possa ser suspeitosamente macho, e incidentalmente flerta com a fantasia sub-miss-Saigon orientalista muito complicada da misteriosa prostituta vietnamita, cujo propósito submisso é mostrar a qualidade dinâmica da estrela do chumbo masculino, atormentando-se com obsessão erótica, romantismo trágico e auto ódio. Há também um pequeno e absurdo papel para Depardieu como o escritor expatriado todo-sábio e onisciente que serve como a consciência adormecida do jovem anti-herói (ainda que pessoalmente considere Depardieu como um péssimo ator). Gaspard Ulliel é provavelmente ainda mais conhecido por interpretar o jovem Hannibal Lecter em Hannibal Rising, em 2007. O desmembramento brutal e a violência deste filme talvez o tenha feito o elenco certo na mente de Nicloux - cabeças cortadas e partes do corpo hackeadas estão para sempre sendo depenadas na nossa frente - e a primeira foto mostra Ulliel dando-lhe o Lecter completo enquanto ele olha maniacamente para a câmera. Ele interpreta Robert Tassen, um jovem oficial do exército francês no Vietnã em 1945 que testemunhou seu irmão sendo torturado e morto pelas forças invasoras japonesas com a cumplicidade do Viet Minh. Ele é baleado e jogado em uma cova aberta com todos os outros corpos, presumivelmente mortos, até recuperar a consciência e, de alguma forma, se manejar para fora do horrível poço enquanto o soldado supervisor sai para fumar um cigarro. Depois de desmaiar na selva e de ser tratado de volta à saúde pelos aldeões, Tassen, de alguma forma, volta à cidade e voluntaria-se para o serviço ativo. Sua nova missão é formar uma unidade de comando de vingança com camaradas de origem local e vários soldados vietnamitas que são (nocionalmente) leais aos franceses. O objetivo deles será enganar os guerrilheiros insurgentes com sua própria astúcia - e finalmente matar o líder Viêt Minh. Tassen forma uma amizade de amor e ódio com Cavagna (Guillaume Gouix) e também tem uma espécie de respeito pelo escritor civil e sábio Saintonge, jogado principalmente na posição sentada por um Depardieu um pouco ridículo e muito corpulento. Mas ele se apaixona pela prostituta demente Maï (Lang Khê Tran), que em sua inescrutável beleza leva Tassen à distração. O filme tem lá algum valor, mas eu quero é que invasores se fodam...
Eka e Natia são duas adolescentes forçadas a viver vidas difíceis: famílias pobres, com pais bêbados ou na prisão e uma existência em que é necessário lutar e ganhar (literalmente) o pão a cada momento. Quando o amante de Natia lhe dá uma arma, os já precários equilíbrios correm o risco de serem definitivamente comprometidos. Em meio a uma constelação de obras, especialmente no campo do festival e da casa de arte, que tratam de histórias que se aproximam da idade, situadas em lugares mais ou menos "exóticos" para o ponto de vista euro-ocidental, In Bloom tem a força para emergir, apesar de lidar com temas amplamente visitados e apesar do estilo pode se lembrar - graças ao próprio diretor de fotografia de Cristian Mungiu, ou seja, Oleg Mutu - a estética da nova onda romena. Mas se você realmente precisa encontrar uma combinação que faça a ideia da "floração" de In Bloom, melhor recorrer às Bellas Mariposas do nosso Salvatore Mereu, com duas meninas e sua compreensão explosiva como protagonistas do filme: uma atuação fresca e espontânea que nos dá Lika Babluani e Mariam Bokeria, credível mesmo nas situações mais difíceis, no papel de Eka e Natia, dois lados diferentes da feminilidade adolescente em um contexto selvagem e brutal. Em que os canons tradicionais do que é certo e o que está errado são irremediavelmente ignorados: linhas quilométricas para recuperar pães, a arrogância daqueles que estão armados e perigosos, leis não escritas de prevaricação e sedução que parecem parar na Idade Média. A saída parece passar por uma arma, o cadeau singular de um amante que aparece e desaparece, mas parece mais querer ajudar Natia a emancipar-se em vez de realmente querê-la para si mesmo. Técnicas de namoro ainda mais cruéis e misóginas do que aquelas às quais o cinema sul-coreano nos acostumou e a total desesperança caiu na Geórgia em 1992, recentemente, então, independente da antiga União Soviética e vítima ao mesmo tempo da decadência de um sistema político fracassado e da incapacidade de se tornar uma democracia; enquanto o conflito com a Abcásia e a Ossétia paira em segundo plano, para reiterar a loucura sangrenta que permeia um povo perdido. Nana Ekvtimishvili e Simon Gross seguem a estética do cinema auteur europeu, mas uma sequência soberba como a da dança de Eka, uma colisão de tradição e libertação individual, é suficiente para sugerir que no par de diretores há um potencial para talentos não expressos que merecem atenção
Após um assalto a um banco, dois assaltantes se separam e juram se encontrar em uma cidade fantasma para dividir o dinheiro. A violência extrema se dá quando eles finalmente se encontram no desolado deserto. Os dois pistoleiros nunca são realmente definidos como "bons" ou "maus", pois nenhum deles tem nenhum valor e toda ação é um engano, embora estejam implicados em ter valores diferentes. Mas há outras personagens também no filme, como uma ninfomaníaca, uma mulher idosa e um recluso maldito apropriadamente chamado Dump. Essas personagens coadjuvantes servem como um contraste adequado com o protagonista/antagonista sem emoção, semelhante a uma máquina, na medida em que transmitem grandes quantidades de emoção à sua própria maneira (a luxúria e inocência das ninfomaníacas, a conquista e reminiscência da velha mulher). Há até mesmo o aparecimento de um terceiro pistoleiro chamado Sunshine, que complica ainda mais as coisas. As personagens falam de forma obtusa, lembrando eventos misteriosos que nunca são explicados no filme e se supõe que talvez estejam testando uns aos outros em algum jogo estranho. Essas personagens são movidas pela ganância e pelo egoísmo e ninguém é poupado ao julgamento. O sol também é uma personagem proeminente, pois ele mesmo ocupa uma boa quantidade de tempo na tela. O sol é muito simbólico do papel inabalável e incorruptível do destino e o destino de muitas das personagens poderia ser visto como imerecido, mas inevitável. Outra faceta interessante desse filme é a batalha entre os pistoleiros. Certamente seu "prêmio" não vale nada nesta desolação e ainda assim eles lutam até a morte para ganhá-la de qualquer maneira. É uma bela afirmação sobre a futilidade da bravata e a vaga conclusão destrutiva da ganância. Em resumo, é um filme muito bom que é mais divertido de descrever do que de assistir, mas tem seus momentos e o simbolismo subjacente ajuda muito. Como é bastante de baixo orçamento (e filmado em um local improvisado), há algumas dublagens mal feitas (embora não sejam ruins pelos padrões do filme B) e cortes bizarros, mas pode-se ver a visão crua por trás dele, o que faz com que valha a pena conferir. Resumindo tudo, que bosta! perdi meu tempo...
Descrito como tratamento satírico do haha-mono" (o gênero popular focado no amor materno e no sofrimento), esse filme, o primeiro de Kawashima para Nikkatsu, é um estudo da fecundidade no contexto das ansiedades do pós segunda guerra sobre a superpopulação, e a campanha de controle de natalidade patrocinada pelo Estado dos anos de 1950. Seu protagonista, Jozaburo Araki (Yamamura), atua como Ministro da Saúde e da Previdência do Japão e é encarregado de promover o controle populacional; sua missão é comicamente comprometida por uma série de gravidezes simultâneas em sua família. O diretor de arte Kimihiko Nakamura, que mais tarde trabalharia em vários filmes do aprendiz de Kawashima, Shohei Imamura, ajudou a imbuir o filme com verossimilhança, criando uma réplica precisa do edifício do parlamento japonês em Akasaka, Tóquio. Os elementos políticos do filme são tão reveladores quanto os cômicos são perturbadores. Kawashima, no entanto, foi picado por acusações de plágio; o filme foi inspirado em uma célebre peça, Lorsque l'enfant paraît, de André Roussin, que Kawashima tinha visto no teatro Bungaku-za de Tóquio em 1953, com uma premissa semelhante sobre um senador que prescreve anticoncepcionais enquanto sua família procria. Com uma defensiva autodepreciativa característica, ele comentou que "Se for chamado de plágio, eu não concordaria, pois na verdade sua história e tema são diferentes. No entanto, o fato de ter sido tantas críticas de tantas pessoas diferentes me derrubou. Se você fosse compará-lo você veria que ele não plagiou tanto". Apesar de tais críticas, o filme recebeu uma avaliação admiradora em "Kinema Junpo", cujo crítico o elogiou como um marco na carreira do diretor, alegando que fez de Kawashima um rival de Kon Ichikawa como diretor de comédia, e promoveu grandes esperanças para seus trabalhos futuros. Ele elogiou o ritmo de direção de Kawashima, e a verve dos personagens, que juntos imbuíram o filme com um senso de energia. Ele também celebrou a excelente atuação, que é de fato uma das principais virtudes do filme. Tatsuya Mihashi, que desempenha vários papéis, havia se mudado para Nikkatsu para trabalhar com Kawashima, e deveria aparecer em outros 15 de seus filmes. A própria publicidade interna de Nikkatsu declara que: "Esta relação especial de diretor e ator principal entre Mihashi e Kawashima é uma reminiscência de pares semelhantes na história do cinema cômico de Hollywood, como as duplas de Howard Hawks e Cary Grant, Billy Wilder e Jack Lemmon, e Preston Sturges e Joel McCrea". O elenco também inclui luminares do cinema japonês como Isuzu Yamada, que havia delineado soberbamente as heroínas rebeldes dos clássicos pré-guerra de Mizoguchi, Osaka Elegy (1936) e Sisters of Gion (1936), e que, dois anos depois, daria uma performance indelével como Lady Macbeth em Trono de Sangue (1957), de Kurosawa. Assim, Yamamura, como ministro, fez performances distintas para Ozu, Mizoguchi e Naruse, além de dirigir vários filmes, incluindo o célebre clássico proletário, The Crab-Canning Ship (Kanikosen, 1953). É interessante, mas peca, suponho eu, ao forçar uma comparação com a produção estadunidenses nos estúdios de Hollywood; ficou amarrado...
Sob o pretexto de apresentar uma comédia brilhante, irônica e engraçada podemos vislumbrar a urgência de Satyajit Ray para se comunicar por meio do protagonista, o tio que de repente retorna à família pequeno-burguesa de um funcionário do Estado, uma mensagem antimodernista, veiada por um sarcasmo amargo, de fortes e violentas críticas à sociedade de seu país e ao modo de vida ocidental em voga nas classes mais médias superiores. O último filme do diretor bengalês, que morreria um ano depois de terminá-lo, Agantuk é uma espécie de testamento ideológico inconsciente escrito de forma poética, que lega aos jovens de seu tempo a esperança de um possível retorno aos valores antigos, aos costumes dos antepassados, representados no canto da neta da protagonista, que usa um sari em contraste com seu marido burocrata de terno e gravata, e na dança tradicional das mulheres, representada em uma das últimas sequências, contra a barbárie da modernidade. A discussão, portanto, vai além de uma certa globalização cultural, ou da força econômica que a escolha possa provocar; há, sem dúvida, uma discussão do encontro de culturas, da mistura possível e não possível, mas tendo por horizonte que o encontro de diferentes altera a ambos, e não somente a uma das partes desse encontro. A polêmica vai tão longe quanto a negação do progresso como uma evolução cultural e assim o protagonista celebra o bisão pintado nas cavernas de Altamira como uma expressão inatingível da arte pictórica e exalta a vida tribal trazendo-a como um exemplo de verdadeira civilização em comparação com a atual, caracterizada por enormes disparidades sociais, pela pobreza de grandes fatias da população, mesmo na opulenta dos Estados Unidos, protótipo da sociedade do bem-estar, pela disseminação de drogas letais entre os jovens e pela possível destruição global por alguns homens que detêm o poder da vida e da morte sobre a humanidade por meio da ameaça de armas atômicas. Em 2022, isso é mais que coincidência...O nomadismo, encarnado emblematicamente pela personagem principal, viajante incansável, é indicado como a única forma de salvação para escapar antropologicamente da ordem estabelecida e repressiva típica das sociedades sedentárias desde o início. O filme é marcado por esse realismo lírico que distinguiu o trabalho dos grandes poetas de celuloide do século XX, independentemente da nacionalidade, latitude e contexto social, que reproduziu a vida cotidiana com aquele minimalismo de De Sica e Zavattini, Ozu e Kiarostami, capazes de representar com a melancolia suave da elegia o sofrimento existencial do homem moderno contando pequenas histórias de pessoas comuns. Comentário a partir do site www.mymovies.it - carloalberto!
O Eslavnosti é o mais conhecido e respeitado dos longas dirigidos por Jan Němec na Tchecoslováquia. O filme é seu segundo longa-metragem e foi co-roteirizado por Ester Krumbachová, sua esposa na época. A obra é uma crítica pouco velada ao regime comunista e uma parábola sobre a opressão autoritária e a natureza da conformidade. Embora o filme tenha sido concluído em 1966, ele não foi exibido na Tchecoslováquia até 1968, após uma luta de dois anos apoiada por muitos dos principais intelectuais do país. Sua aparição subsequente no New York Film Festival de 1968 chamou a atenção mundial da Němec. A trama começa como um grupo de homens e mulheres comuns brincando no campo, curtindo um piquenique numa tarde. De repente, vários homens aparecem por trás das árvores. Apesar de seus sorrisos, os homens direcionam o grupo com força para uma clareira. Um líder aparece e assume uma posição de autoridade atrás de uma pequena mesa. Ele estabelece as regras pelas quais o grupo será governado e seus movimentos confinados. As mulheres cumprem prontamente; os homens fazem tentativas de protestar, mas no final aquiesce também. Tensão e violência incipiente pairam no ar quando, de repente, um homem mais velho aparece, pedindo desculpas pela estridência de seus contratados, particularmente o líder a quem ele se refere como seu filho adotivo, Rudolph. Ele convida o grupo para uma celebração de aniversário na floresta. Entre as árvores que alinham o lago, mesas de banquete foram montadas com pratos elaborados e candelabros. O anfitrião fala sobre as pequenas diferenças de forma e design que distinguem as tabelas, mas orgulhosamente aponta como todos se encaixam em um todo distinto. O anfitrião é abertamente paternalista e todos os presentes brindam sua benevolência. A harmonia é interrompida quando uma mulher descobre que está sentada no lugar errado. Seu desejo de se mover estabelece uma reação em cadeia que perturba todo o grupo, para desânimo do anfitrião. Mais urgente é a descoberta de que um dos convidados desapareceu. Encontrando sua partida intolerável, o anfitrião instrui Rudolph a trazê-lo de volta. Encantado com essa oportunidade, Rudolph sai com um cão de dente afiado e é acompanhado na perseguição por toda a festa. As mesas estão abandonadas e o filme fecha com o som do cachorro latindo. O filme trata dos temas comuns a toda a obra da Němec, embora sejam os mais bem desenvolvidos aqui. O mais proeminente são a restrição à liberdade humana, as reações dos seres humanos sob estresse, e a facilidade com que o homem utiliza a violência. No entanto, Němec vai um passo adiante e trata o grau em que os homens são cúmplices em seu próprio destino. Como seus outros trabalhos, o filme possui uma qualidade surreal, especialmente em sua apresentação de ocorrências extraordinárias de forma realista, como a cena da corte ao ar livre em forma de conto de fadas e o elaborado banquete. O filme foi elogiado pela crítica e Němec foi considerado entre os primeiros colocados dos novos diretores tchecos. Sua sensibilidade foi comparada com a de Franz Kafka, seu compatriota, e Feodor Dostoevski. No entanto, após a queda do governo dubcek de curta duração que permitiu a liberdade artística na Tchecoslováquia, Němec foi colocado na lista negra e incapaz de fazer filmes após 1968. Mais do que suas outras duas características, Ó Eslavnosti foi visto como um ataque direto ao comunismo do Leste Europeu e foi responsável por ele ser impedido de dirigir. É verdadeiramente uma obra que vai além da crítica ao regime, ele discute coisas mais estruturais da psiquê humana!
Chile, setembro de 1973, após o golpe militar que derrubou Salvador Allende, o presidente do país, um grupo de ministros e autoridades de sua comitiva são feitos prisioneiros e deportados para o campo de concentração da Ilha Dawson no Estreito de Magalhães. Entre eles está Sergio Bitar, ministro de Minas e assessor econômico do presidente, prisioneiro número 10, que escreverá sobre essa prisão, uma vez livre, após um longo exílio. Miguel Littin, cineasta chileno conhecido e apreciado internacionalmente, reconstrói o testemunho de Bitar ao amalgamar a experiência como documentarista com uma boa sensibilidade para a história. Assim, os atores no palco encarnam com credibilidade a História, sua memória e as histórias, que o cinema pode e deve contar, com seus próprios meios de teatro de sombras e fantasmas. O cotidiano do trabalho forçado, da obediência imposta pelo terror, da impossibilidade de usar a palavra como instrumento de resposta para aqueles que acreditavam na palavra, colocando-se a serviço dos outros, é algo imaginável, sobre o qual Littin não insiste, tentando, em vez disso, mudar seu olho para as exceções, sobre o número do soldado tonto, sobre a empatia de um guarda politicamente confuso, que diz aos prisioneiros para gritarem de dor, como se estivesse batendo neles, enquanto os convidavam a encher rapidamente seus bolsos com frutas secas, ricas em vitaminas. Isso não significa que Dawson Island 10 se torne um filme imprevisível, não é seu propósito ou sua virtude. Sua qualidade é outra, a de contar a inteligência de um grupo de pessoas que não esquecem sua identidade, apesar da condição; que não se recusa, mas não aceita por essa razão; que sabe o valor de um lápis (quebrado), de um brilho para a expressão. Dignidade do narrado e do narrador, portanto, que, colocado como premissa, também autoriza os close-ups, a encenação dos sentimentos. Nunca foi uma qualidade fácil trazer à superfície da tela, inteligência, sem ser lisonjeado pelas sirenes da vaidade ou pelo pretexto de ensinar algo, muito menos quando sua natureza não é individual, mas coletiva. Um mérito que Littin ganha em nome da sobriedade e do compromisso. A discussão subjacente do filme é o valor da memória para uma população; é disso que se trata e, no limite, é isso que dá importância a bela trama...
Um juiz vingativo afirma a um ladrão que ele é um criminoso porque ele nasceu um criminoso. O ladrão, incapaz de aceitar este insulto, jura arruinar a vida do juiz e provar a ele que a educação supera a natureza. Não há debate mais nobre na sociedade humana! Awaara (Rogue, mas geralmente intitulado O Vagabundo, em inglês) é a história de um pobre chamado Raj que faz amizade com a rica Rita, quando criança. Sua pobreza o impede de se matricular na escola com ela, mas ele nunca a esquece quando chega à idade adulta. Até lá, ele e sua figura paterna Jagga recorrem a pequenos roubos para sobreviver. É preciso dizer que a trama ocorre no início dos anos de 1950, na Índia, Um juiz vingativo provoca um ladrão que ele é um criminoso porque ele nasceu um criminoso. O ladrão, incapaz de aceitar este insulto, jura arruinar a vida do juiz e provar a ele que a educação supera a natureza. Awaara (Rogue, mas geralmente intitulado O Vagabundo em inglês) é a história de um pobre chamado Raj que faz amizade com a rica Rita quando criança. Sua pobreza o impede de se matricular na escola com ela, mas ele nunca a esquece quando chega à idade adulta. Até lá, ele e sua figura paterna, Jagga, recorrem a pequenos roubos para sobreviver. É preciso registrar que em 1947, época portanto da concepção e filmagem, o grupo liderado por Gandhi e Jawaharlal Nehru declarou a independência da Índia. A resposta britânica foi apoiar a criação de um outro estado, o Paquistão, para onde uma grande maioria dos muçulmanos se deslocou. Esse grande deslocamento também resultou em diversos conflitos e fome, um momento muito difícil para as populações mais pobres. Ao nível institucional, em 1950 a Índia consolidou sua soberania com uma constituição, que criava uma república secular e democrática. Permanecendo como tal até o momento, embora ainda hoje existam grandes conflitos territoriais e uma tomada de direção para o conservadorismo político e o estabelecimento do hinduísmo como religião oficial, o que aumentou as tensões em relação aos muçulmanos do país, e é claro, a região da Caxemira. Assim, a Índia não era, e nunca foi um território de inclusão; e o império britância, além de saqueador das riquezas da área, contribuiu sobremaneira para a miséria que lá grassa há anos. Ao realizar um assalto a banco, Raj rouba a bolsa de (desconhecida para ele) Rita e afana as chaves de seu carro. Depois de encontrar a bolsa vazia e sem as chaves do carro, ele devolve a bolsa para Rita me eles se refamiliarizar. Eles se apaixonam em breve, mas sua pobreza e vida de pequenos roubos e a riqueza dela e sua relação com o juiz dificultam seu relacionamento. Raj logo descobre que Jagga, sua figura paterna de confiança, é na verdade um ladrão que sequestrou a mãe de Raj de seu pai para se vingar. Raj mata Jagga por vingança e é preso pelo juiz que é na verdade seu pai biológico. Rita é sua advogada e ela convence o juiz a reduzir a pena para três anos. Ela jura esperar por ele quando ele sair da prisão. Toda a narrativa nos dá a sensação de que, "quem não tem nada a perder é aquele que pode realmente dar muito aos outros". Um menino pequeno está alimentando um cão vadio (que tem o mesmo destino que o dele), embora seja evidente que um menino de rua que está privado de todo pertencimento material, nunca tem comida em abundância para si mesmo. Esse caráter de alguém apaixonado pela necessidade e dor dos outros é claramente visível naquele menino. O traço está em consonância com o de nosso protagonista, Raj. Se essa romantização com os desprivilegiados é o coração desse filme, então, o mise en scène empático é sua veia. Uma criança, que geralmente é considerada possessiva sobre suas coisas, é mostrada como uma personagem compassiva que está ali para sacrificar uma dentada de sua comida por um cão vadio. A doação de alimento também pode ser percebida como uma "doação de felicidade a desconhecidos". Por isso, o traço básico de um 'Awaara' (Vagabond) foi glorificado como alguém marginalizado, ainda pronto para qualificar os fundamentos da humanidade que se encontram no amor e na compaixão; não devemos nos esquecer do período da filmagem, a Índia estava em rebuliço. Mais tarde, à medida que o filme prossegue, podemos ver essa cena a partir da pontuação de crédito em um aspecto mais amplo. Raj, quando despedido da fábrica, durante sua busca para ser como os outros, ou seja, um cidadão produtivo que não é 'Awaara', mas civilizado de acordo com as normas da sociedade, toma o refúgio em um caminho a pé. Ele compartilha sua comida com um cão vadio, como foi feito pela criança na cena do credit score. É assim que a narrativa do filme completa o ciclo. De certa forma, cada cena inicial do filme produz uma base para uma representação temática semelhante, a ser vista mais tarde. Essa cena cíclica (uma do menino e outra de Raj) retratando a mesma intensidade de acontecimento é de alguma forma um palco de onde o conceito tradicional de "Awaaragi" está sendo desafiado. O discurso de "só os ricos podem doar ou compartilhar" é destruído e uma nova síntese de "compaixão na pobreza e no desemprego" é destacada. Essas duas cenas estão separadas em termos de sua colocação no filme, mas trabalham unidas para demolir nossas ideias preocupadas com os vagabundos. Vamos tentar entender o lado político das cenas mencionadas acima. Ambas as cenas produzem diante de uma crítica da classe burguesa que "se alimenta de trabalho". Ela questiona seu caráter egoísta e sua tendência a ser muito individualista. Ela desafia a utilidade básica do "capital" e da "riqueza material" (a ferramenta da classe burguesa) quando todas elas são incapazes de produzir considerações humanitárias na mente humana. Ela coloca novas questões em torno do Capitalismo Moderno que deu ao estilo de vida corporativo que fala de riqueza, competição e recompensa. A noção capitalista de que "aquele que é incapaz de criar riqueza para a nação é inútil" é desafiada. Como no filme, os criadores de riqueza são aqueles que são demasiado egoístas, demasiado egocêntricos para pensar além de sua própria esfera. Na verdade, um vagabundo Raj (que não tem nenhuma contribuição para criar riqueza) é aquele que está lá para abraçar a sociedade, a nação com toda a empatia e amor. No entanto, o argumento do filme de que aqueles que estão criando riqueza são na verdade padrões degradantes das relações humanas e do amor, mas ele faz uma pergunta relevante. Por que Seth Raghunath, com medo de suas considerações materiais e de sua fama, expulsou sua esposa grávida mesmo depois de ter amontoados de riquezas? Como o Estado, o sistema de governança considerado inquestionável, está levando os funcionários a encher suas prisões, mesmo quando o único crime cometido foi a demanda por alimentos? Como essas estruturas têm sido um fracasso para a sociedade como um todo? Como a ideia básica de "criar riqueza para o bem social" é esmagada sob cargas de egoísmo humano? Essas questões são levantadas no filme e reforçadas nestas cenas em particular. Todos estes têm sido argumentos tradicionais de socialistas e comunistas ao redor do mundo. É, seguramente, um filme essencial; por mais anacrônico que isso venha a parecer, é essencial!
Wim Wenders ("Até o Fim do Mundo"/"O Amigo Americano"/"Asas do Desejo") observa em seu road film, em preto e branco, as seguintes cidades - Nova York, Amsterdã, Wuppertal, Essen, Duisburg, Oberhausen e Gelsenkirchen. Ele faz isso por meio dos olhos de uma protagonista anti-heróica e lacônica mundialmente cansada, o fotojornalista alemão Philip (Rüdiger Volger), e uma curiosa menina alemã abandonada pela mãe, de nove anos, chamada Alice (Yella Rofflander), que sobrou para seus cuidados. É a primeira trilogia de filmes de viagem de Wenders (seguida por Wrong Move-1975 e Kings Of The Road-1976) que acontecem nos Estados Unidos (pelo menos por algum motivo) e abrange seus temas familiares de angústia, alienação e privação cultural dos EUA e, às vezes, influência cultural mal-direcionada no mundo. Philip Winter (Rüdiger Volger), de 31 anos, é o fotojornalista solitário desencantado que retorna à sua editora com sede em Nova York com muitas fotos polaroides, mas sem uma história que as sustente, depois de visitar o campo estadunidense aberto por quatro semanas e é contado pela editora em termos incertos que ele errou ao perder o prazo para publicar uma história sobre o país e não será pago até que ele entregue a história. O cansado Philip descobre que não consegue um voo direto para a Alemanha por causa de um ataque de piloto e se acomoda para pegar um voo no dia seguinte para Amsterdã. Atuando como tradutora de uma mulher alemã chamada Lisa (Elisabeth Kreuzer) e sua filha alice, de nove anos, estão, também, no terminal do aeroporto, o philip de língua inglesa os reserva no mesmo voo. Quando Lisa decide ficar para trás e tentar resolver as coisas com seu ex-marido e padrasto de Alice, o cara legal Philip está preso voando com Alice para Amsterdã. Mamãe, que deveria aparecer no dia seguinte, mas não aparece, deixa com Philip com a garota. Ele forma uma relação de amor/ódio com ela e aluga um carro para procurar a avó da garota em todo o remanso da Alemanha, mesmo que Alice não saiba o sobrenome ou endereço da vovó, e mais tarde descobrimos nem mesmo a cidade onde ela mora. Sua relação interessante serve como o coração do filme, pois tanto o homem quanto a menina são vistos como almas perdidas que descobrem que não podem se soltar, mesmo que ambos percebam o quão inarticulados e perplexos estão sobre sua situação. Termina com uma foto aérea do casal em um trem com destino a Munique para conhecer sua mãe. Uma vez que a maioria das pessoas racionais teria deixado a menina egoísta na delegacia e não se incomodaria esperando que a mãe negligente egocêntrica aparecesse, a história contada se torna suavemente divertida e ligeiramente frustrante enquanto Fhilip procura sua musa, a garota para a avó (laços familiares) e Wenders tenta descobrir o que faz dos Estados Unidos um país tão mimado e como a Europa moderna se tornou tudo menos um modelo para os outros. Wenders observa que a TV tomou conta dos estadunidenses e parece que não só existem comerciais intermináveis, mas os próprios programas são comerciais para o status quo. Leva muito tempo para Wenders chegar onde quer ir, mas vale a pena esperar, pois ele faz um comentário discreto sem ser pregador ou sentimental sobre os males do consumismo dos EUA se tornando mundialmente e o terror presente em lidar com a solidão. Em realidade, creio, a crítica aos Estados Unidos é quase um reflexo residual de uma crítica a própria Alemanha; estávamos em 1974, e a globalização era apenas projetos em mesas poderosas; hoje, em 2022, já se tornou mais claro o mal da civilização...
O cenário do filme é bastante mundano, algo que você imaginaria encontrar como uma parada de descanso em uma longa rodovia. O prédio é despretensioso, as pessoas dentro dele são trabalhadoras e boas em seu trabalho. Se você não soubesse o contexto desse filme, você não teria imaginado que isto é o purgatório. Todas as segundas-feiras novos hóspedes chegam para fazer o check-in no prédio; eles são recém falecidos e estão prontos para serem processados no que vier em seguida. Presumimos que seja o céu ou o inferno, mas na verdade é muito mais saudável do que isso. Eles são emparelhados com um funcionário para discutir que boas lembranças tinham na vida, e são convidados a escolher uma. Essa memória é o que eles viverão durante o resto de suas vidas, mais presos aos sons, aos sentidos e aos sentimentos incorridos por essa memória. É por meio desse processo em si que descobrimos a verdadeira natureza dos trabalhadores do edifício; eles mesmos não puderam escolher uma memória, e estão assim presos no limbo para sempre. Para um trabalhador, Takashi Mochizuki, essa rotina repetitiva começa a gaguejar quando um velho homem é abordado por ele. O velho afirma que não tem boas lembranças que ele possa pensar, e quando elas se aprofundam em suas lembranças, Takashi vem com uma terrível revelação: esse homem se casou com a mulher que amava. Takashi morreu jovem, em seus vinte anos, durante a Segunda Guerra Mundial, deixando para trás um querido. Ela passou a casar-se com este homem, através de um casamento arranjado, aquele que não parece ter uma única boa memória. Takashi parece não conseguir suportar isto e pede para ser transferido para outra alma. Seu pedido é negado, revelando algumas sequelas no processo. Esse filme silencioso, por mais simples e despretensioso que pareça, mostra quão rapidamente o corpo humano e a memória podem ser exterminados e recriados. Hirokazu Koreeda filmou parcialmente o filme no estilo documental, no qual ele pediu às pessoas que selecionassem uma memória na qual gostariam de viver juntos. Foi aqui que ele descobriu que muitas pessoas tendiam a viver dentro de suas más lembranças, criando sentimentos de tristeza ao refletir sobre o passado. Ele, então, combinou a filmagem com entrevistas fictícias e roteirizadas com atores, criando essa natureza híbrida dentro do próprio filme. Aprendemos a nos unir a essas pessoas e personagens, vivendo seus momentos felizes com eles, sorrindo enquanto adormecem com um olhar de felicidade nos olhos. E, tão repentinamente quanto estas pessoas aparecem no purgatório, elas desaparecem. As únicas gravações e provas de que eles estavam aqui eram o arquivo de provas de quais eram suas melhores lembranças, as entrevistas que eles realizavam com os trabalhadores. Para mim é meio bonito ter esta evidência da vida de alguém, pois a maioria das pessoas passa e sua memória é esquecida para sempre. Todos nós temos medo de ser esquecidos. Vemos isso no medo de Takashi de confrontar o marido de sua querida; provavelmente lhe custou saber que ela continuou com sua vida, deixando-o para trás como lembrança. E é isso que torna o arco final desse filme tão bonito, pois vemos como quando ela morreu e lhe pediram para escolher uma memória, ela escolheu uma com Takashi quando ele estava vivo. Também demonstra como muitas vezes desprezamos nós mesmos por sermos uma má influência no mundo, habitando em nossas memórias negativas, quando, na realidade, já fomos uma vez uma força do bem na vida de outra pessoa. E talvez nunca saibamos disso. Há angústia, certamente, pois muitas pessoas, e eu me incluo entre elas, não gostam de ter consciência de certas verdades!
Accattone é um voo apropriado pela impressionante carreira de diretor de Pier Paolo Pasolini, tocando como faz como uma questão aberta e um pensamento inacabado. O filme trata de um protagonista diferente chamado Accattone, que se traduz aproximadamente como mendigo ou morador de rua, ou explorador, mas ao invés de condenar ou julgar Accattone, o filme de Pasolini explora essa personagem de forma bastante pragmática, permitindo-nos lutar com as implicações morais e éticas de suas ações e, mais importante, suas motivações (permite, mas no meu caso não funcionou bem!). É uma maravilhosa configuração para a carreira de Pasolini, um cineasta cuja produção foi preenchida com assuntos moralmente complexos e densamente problemáticos, filmes que levantam questões do público, mas fornecem poucas respostas simples. Accattone é um ladrão que vive nos cortiços de Roma, passando seu tempo saindo com seu grupo próximo de amigos homens e maltratando todas as mulheres que entram em sua vida. A primeira mulher a entrar na vida de Accattone acaba presa erroneamente e a segunda, apesar de se apaixonar por ele, é um pouco melhor. Os cortiços de Roma, apresentados aqui, são um lugar muito feio para passar 120 minutos, mas Pasolini infunde o filme com um tipo estranho de beleza reveladora, enchendo o filme com personagens multifacetadas que negam definições simples ou leituras estereotipadas. Apesar de usar um elenco de atores não profissionais – resultando em um misto de performances, das quais Franco Citti como Accattone está no topo – Accattone está longe da chamada onda neorrealista que havia consumido o cinema italiano na época do lançamento do filme. Embora muitos desses filmes estejam longe dos esforços cinematográficos não mediados, eles são apresentados como por muitos críticos. Accattone ainda é muito distante, com um número de florescimentos elegantes, uma panela particularmente memorável da cidade que se estabelece sobre a personagem titular ser um exemplo notável, e há a sensação definitiva de que Pasolini está procurando um olhar mais experimental do que cru para uma subclasse italiana; ou não. Essa experimentação nem sempre é bem sucedida, as performances mistas acima mencionadas são um problema e algumas das linguagens visuais que Pasolini brinca não está inteiramente na mensagem, mas atinge muito mais do que sente falta e o que resta à medida que a poeira assentar é um filme fascinante. Benardo Bertolucci disse sobre Accattone que: "Assistindo Pier Paolo Pasolini filmar Accattone eu senti como se estivesse presente na invenção do cinema." e enquanto eu não posso falar com a experiência de ver Pasolini filmar Accattone, assistir ao filme acabado com o benefício da previsão parece que se está presente no ponto em que o cinema italiano mudou e viu o nascimento de um de seus cineastas mais emocionantes.
Machado de Assis, a infeliz e triste contemporaneidade do tema d dor alheia e a insensibilidade pelo outro! O oposto da alteridade e a escolho do individual...que dor!
Mr. Heart (Movie)
4.0 4fofo!
Má Sorte no Sexo ou Pornô Acidental
3.6 60E não é que esse assunto é tão sacal...
A Melhor Escolha
3.4 101 Assista AgoraO bálsamo curativo do papo entre amigos tem sido uma constante nos filmes de Richard Linklater, juntamente com um motivo recorrente explorando as recompensas do companheirismo masculino que se estende do atordoado e confuso até o "Everybody Wants Some"! Ambos os temas são elementos-chave em Last Flag Flying, uma mistura amigável e intermitente de road movi de amigos e drama de guerra em casa, fazendo com que pareça um ajuste natural para o diretor. Mas apesar dos momentos pungentes, particularmente nas performances de Steve Carell e Laurence Fishburne, a trama de introspecção sombria, reminiscência ruim, comédia irreverente e comentário sociopolítico se sente eficaz, colocando o filme entre as entradas menos memoráveis no cânone de Linklater. Paradoxalmente, para um filme que muitas vezes entra em discussões precárias sobre o porquê da guerra - traçando paralelos entre o Vietnã e o Iraque - e a natureza da verdade e do heroísmo, Last Flag Flying parece ter pouco a dizer ao público liberal que é o eleitorado natural de Linklater. Em vez disso, é a multidão do coração que mais provavelmente responderá à sua consideração enjoativa de sacrifício e arrependimento.
As cenas de encerramento consoladoras tentam ter os dois lados, reforçando a crença das personagens no valor do serviço ao seu país, mesmo que questionem a falta de transparência nos mandatos governamentais por trás deles. Mas a ausência de uma mensagem forte para ambos os lados diminuirá as perspectivas, que deve melhorar facilmente o desempenho pouco brilhante da Longa Caminhada de Billy Lynn, mas ficará significativamente aquém do abraço dominante do Sniper americano. Esses filme que tentam apertar as pedras para tirar um único pingo de humanidade são tão abjetos...
Nação Fast Food: Uma Rede de Corrupção
3.1 212 Assista AgoraCheyenne Mountain é uma complexo subterrâneo de segurança dos Estados Unidos da América que fica localizado próximo das Montanhas Rochosas, na parte sul de Colorado Springs, no estado do Colorado, EUA, onde na qual estão presentes em sua base militar Cheyenne Mountain Center Operations, subordinado ao Comando de Defesa Aeroespacial da América do Norte(NORAD) na encosta leste da Faixa Frontal do Colorado, subindo acentuadamente da pradaria e com vista para a cidade de Colorado Springs. De longe, a montanha parece bonita e serena, salpicada de afloramentos rochosos, carvalho esfoliante e pinheiro de ponderosa. Parece o pano de fundo de um velho oeste de Hollywood, apenas mais uma linda Montanha Rochosa de beleza estonteante. No entanto, a montanha Cheyenne dificilmente é imaculada. Uma das mais importantes forças armadas dos EUA estão ali instaladas, com unidades habitacionais do Comando Aeroespacial Norte-Americano, o Comando Espacial da Força Aérea, e o Comando Espacial dos Estados Unidos. Durante meados dos anos de 1950, oficiais de alto nível do Pentágono se preocuparam que as defesas aéreas dos Estados Unidos tivessem se tornado vulneráveis a sabotagem e ataque. A Montanha Cheyenne foi escolhida como o local para um local ultrassecreto, no subterrâneo, no centro de operações de combate. A montanha foi escavada, e quinze edifícios, a maioria deles com três andares de altura, foram erguidas em meio a um labirinto de túneis e passagens que se estendem por quilômetros. O complexo subterrâneo de quatro acres e meio de altura foi projetado para sobreviver a um impacto direto de uma explosão de magnitude impressionante. Agora oficialmente chamada de Estação da Força Aérea da Montanha Cheyenne, a instalação é
através de portas de explosão de aço com 1 metro de espessura e pesando vinte e cinco toneladas cada; elas são automaticamente fechadas em menos de vinte segundos. A base é fechada ao público, e uma equipe de resposta rápida fortemente armada protege contra intrusos. O ar pressurizado dentro do complexo previne a contaminação por precipitação radioativa e armas biológicas. Os edifícios são montados sobre gigantescas molas de aço para enfrentar um terremoto ou a onda de explosão de um terremoto termonuclear
grave. Os corredores e escadas são pintados de cinza ardósia, os tetos são baixos, e há
fechaduras de combinação em muitas das portas. Um túnel de fuga estreito, que entra por uma escotilha metálica, torce e vira sua saída da montanha através de rochas sólidas. O lugar parece o conjunto de um dos filmes de James Bond, com homens em macacões dirigindo pequenas vans elétricas de uma brilhante caverna para outra. Quinhentas pessoas trabalham dentro da montanha, mantendo as instalações e coletando
informações de uma rede mundial de radares, satélites espiões, sensores em terra, aviões, e blimps. Tais pessoas são de altíssima confiança e suas vidas dependem de seus segredos. O Centro de Operações da Montanha Cheyenne rastreia todos os objetos fabricados pelo homem que entram no espaço aéreo dos EUA ou que orbita a Terra. É o coração do alerta precoce da nação. Ele pode detectar o disparo de um míssil de longo alcance, em qualquer lugar do mundo, antes desse míssil deixar a rampa de lançamento.
Essa base militar futurista dentro de uma montanha tem a capacidade de ser autossustentar por, pelo menos um mês. Seus geradores podem produzir eletricidade suficiente para alimentar uma cidade do tamanho de Tampa, na Flórida. Seus reservatórios subterrâneos contêm milhões de galões de água; os trabalhadores às vezes atravessam em barcos a remos. O complexo tem seu próprio centro de fitness subterrâneo, uma clínica médica, um consultório de dentista, uma barbearia, uma capela e uma cafeteria. Quando os homens e mulheres estacionados em Cheyenne Mountain se cansam da comida na cafeteria, muitas vezes mandam alguém para o Burger King em Fort Carson, uma base militar próxima. Ou eles chamam o Domino's. Quase todas as noites, um entregador da Domino's sobe a solitária Montanha Cheyenne, passando pelos sinalizadores do posto de controle de segurança na entrada da base, dirigindo-se em direção ao Portão Norte, fortemente vigiado, enfiado atrás do arame farpado. Perto do local onde a estrada vai direto para a encosta da montanha, o o entregador deixa suas pizzas e recolhe sua gorjeta. E se o Armageddon vier, se um inimigo estrangeiro um dia derramar nos Estados Unidos ogivas nucleares, lançando lixo para o continente inteiro, enterrado dentro da Montanha Cheyenne, juntamente com as maravilhas da alta tecnologia, o macacão azul-pálido, quadrinhos e Bíblias, os arqueólogos do futuro podem encontrar outras pistas para a natureza de nossa civilização - Invólucros Big King, Crostas endurecidas de Pão de Queijo, Asa de Churrasco, ossos com barbecue sauce, e o vermelho, branco e azul de uma caixa de pizza Domino's. Uma das ironias da indústria de fast food dos EUA é que um negócio tão dedicado à conformidade foi fundada por iconoclastas e homens autodidatas, por empresários dispostos a desafiar os ditames do fazer o bem e olhar a quem! Poucas pessoas que construíram impérios de fast food já frequentaram a faculdade, muito menos as escolas de negócios. A industrialização da cozinha do restaurante permitiu que as cadeias de fast food dependessem de uma força de trabalho mal remunerada e não qualificada. Enquanto um punhado de trabalhadores consegue aumentar a escada corporativa, a grande maioria carece de emprego em tempo integral, não recebe benefícios, aprende poucos a exercer pouco controle sobre seu local de trabalho, desistir após alguns meses, e flutuar vagueando no vasto mundo do sonho americano. A indústria de restaurantes é agora o maior empregador privado nos EUA, e paga alguns dos salários mais baixos. A grande desgraça foi exportado e no mundo inteiro o fast food é uma praga pior que a COVID-19. Durante o boom econômico dos anos de 1990, quando muitos trabalhadores dos EUA desfrutavam de seus primeiros aumentos salariais em uma geração, o valor real dos salários na indústria da comida continuou
a cair. Os cerca de 3,5 milhões de trabalhadores de fast food são, de longe, o maior grupo de salário mínimo nos Estados Unidos. Os únicos que ganham consistentemente um salário por hora mais baixo são trabalhadores agrícolas migrantes. Centenas de milhões de pessoas compram fast food todos os dias, todo o globo terrestre, sem pensar muito, sem se darem conta das ramificações sutis e não tão sutis de suas compras. Raramente eles consideram de onde isso veio de, como ela foi feita, o que ela está fazendo à comunidade ao seu redor. Eles apenas pegam sua bandeja no balcão, encontra uma mesa, senta-se, desenrole o papel e engole. O todo da experiência é transitória e logo esquecida. O filme é uma espécie de alerta a partir da crença de que as pessoas
deve saber o que está por trás da superfície brilhante e feliz de cada transação de fast food. Eles deveriam saber o que realmente se esconde entre esses pãezinhos de sementes de gergelim. Como diz o velho ditado: Você é o que você come. Então, sem nenhuma chance de errar, somos lixo! Os dados desse comentários estão espelhados pela WEB e pelos estudos de Eric Matthew Schlosser!
Amour d'enfance
2.9 1Paul, 28 anos, estudante, retorna à fazenda da família porque seu pai está doente (28 anos e estudante, que porra é essa?). Ele encontra seus conhecidos: seus pais, mas também Thierry, seu melhor amigo e Odile. Com pressa para sair, ele não se comporta muito bem com eles. Quanto mais o tempo passa, menos ele quer sair. Ele se sente culpado por abandonar sua família e se arrepende do que deixou. Ele tenta alcançá-lo, ser bom e generoso. Começando do zero, como se o tempo não tivesse mudado nada, ele dá a si mesmo uma segunda chance. Tudo muito confuso e nada muito dito...sei lá...
É Impossível Aprender a Arar Lendo Livros
3.3 11Há momentos entre os quais podemos nos lembrar: passeios de carro, viagens de trem, conversas banais. Tempo sentado no chão, assistindo um pedaço de luz solar a brilhar. Inclinando-se para trás na cadeira sem nada para escrever ou fazer. Fugir ou ficar no lugar, sem nada realmente chegado ou realizado — esses são comuns a quase toda a vida de todos nós, mas muito poucos trabalhos dão a chance a um cineasta de refletir sobre eles, principalmente porque não entediar o público até a morte é quase impossível.
Enquanto isso, Jeanne Dielman são excelentes incursões neste reino estático, mas é impossível aprender a arar lendo livros pode ser o melhor em termos de observação precisa e imparcial: nenhuma moral é feita e nenhuma trama é construída, mas isso é realizado sem armadilhas de estilo (ou falta dela); é realmente contente em simplesmente assistir - seguir um trem que chega com um passageiro a bordo, e eventualmente chegar ao seu destino - enquanto a leve sensação de ritmo cena a cena, cada um não ocupando mais do que uma quantidade apropriada de tempo, mantém a observação fresca mesmo. É Impossível Aprender a Arar lendo livros, 1988 no início, pode-se pensar que o ponto é que todas as coisas parecem iguais onde quer que você vá, mas nossa personagem e seus amigos chegam às montanhas no final de uma viagem de acampamento - eles estão apenas longe no fundo: magnífico; Inacessível. Fofo!
Camocim
3.5 19É possível afirmar que ao analisar o pequeno poderemos entender o grande...então, é possível dizer, sem medo de errar, que aqui temos uma síntese do Brasil, vamos chamar de real...e cada uma fica com suas conclusões!
Filhos da Dinamarca
3.7 12 Assista AgoraAté parece uma profecia, e não me parece que está longe de ocorrer...
Os Confins do Mundo
3.4 13 Assista AgoraGuillaume Nicloux é o diretor daquela extraordinária comédia O Sequestro de Michel Houellebecq, na qual o famoso autor criou o que foi um camafeu bizarro de 94 minutos como ele mesmo, e também o drama agridoce de outono Valley of Love, com Isabelle Huppert e Gérard Depardieu. Agora ele trouxe um filme sobre a guerra do Vietnã extremamente confiante e inegavelmente bem feito, com algo do Pelotão de Oliver Stone, exceto com os franceses no papel da força de ocupação condenada, que na década de 1940 precedeu o dos EUA. O filme usa o termo "Indochine" ou "Indochina" nos títulos de abertura, uma frase da era colonial, agora bastante carrancudo, e anterior ao sudeste asiático moderno. Fui forçado a admitir que o Nicloux monta um filme brutalmente violento, mas persuasivo, mergulhado em seu período e cenário; embora a violência possa ser suspeitosamente macho, e incidentalmente flerta com a fantasia sub-miss-Saigon orientalista muito complicada da misteriosa prostituta vietnamita, cujo propósito submisso é mostrar a qualidade dinâmica da estrela do chumbo masculino, atormentando-se com obsessão erótica, romantismo trágico e auto ódio. Há também um pequeno e absurdo papel para Depardieu como o escritor expatriado todo-sábio e onisciente que serve como a consciência adormecida do jovem anti-herói (ainda que pessoalmente considere Depardieu como um péssimo ator). Gaspard Ulliel é provavelmente ainda mais conhecido por interpretar o jovem Hannibal Lecter em Hannibal Rising, em 2007. O desmembramento brutal e a violência deste filme talvez o tenha feito o elenco certo na mente de Nicloux - cabeças cortadas e partes do corpo hackeadas estão para sempre sendo depenadas na nossa frente - e a primeira foto mostra Ulliel dando-lhe o Lecter completo enquanto ele olha maniacamente para a câmera. Ele interpreta Robert Tassen, um jovem oficial do exército francês no Vietnã em 1945 que testemunhou seu irmão sendo torturado e morto pelas forças invasoras japonesas com a cumplicidade do Viet Minh. Ele é baleado e jogado em uma cova aberta com todos os outros corpos, presumivelmente mortos, até recuperar a consciência e, de alguma forma, se manejar para fora do horrível poço enquanto o soldado supervisor sai para fumar um cigarro. Depois de desmaiar na selva e de ser tratado de volta à saúde pelos aldeões, Tassen, de alguma forma, volta à cidade e voluntaria-se para o serviço ativo. Sua nova missão é formar uma unidade de comando de vingança com camaradas de origem local e vários soldados vietnamitas que são (nocionalmente) leais aos franceses. O objetivo deles será enganar os guerrilheiros insurgentes com sua própria astúcia - e finalmente matar o líder Viêt Minh. Tassen forma uma amizade de amor e ódio com Cavagna (Guillaume Gouix) e também tem uma espécie de respeito pelo escritor civil e sábio Saintonge, jogado principalmente na posição sentada por um Depardieu um pouco ridículo e muito corpulento. Mas ele se apaixona pela prostituta demente Maï (Lang Khê Tran), que em sua inescrutável beleza leva Tassen à distração. O filme tem lá algum valor, mas eu quero é que invasores se fodam...
Na Flor da Idade
3.6 13Eka e Natia são duas adolescentes forçadas a viver vidas difíceis: famílias pobres, com pais bêbados ou na prisão e uma existência em que é necessário lutar e ganhar (literalmente) o pão a cada momento. Quando o amante de Natia lhe dá uma arma, os já precários equilíbrios correm o risco de serem definitivamente comprometidos. Em meio a uma constelação de obras, especialmente no campo do festival e da casa de arte, que tratam de histórias que se aproximam da idade, situadas em lugares mais ou menos "exóticos" para o ponto de vista euro-ocidental, In Bloom tem a força para emergir, apesar de lidar com temas amplamente visitados e apesar do estilo pode se lembrar - graças ao próprio diretor de fotografia de Cristian Mungiu, ou seja, Oleg Mutu - a estética da nova onda romena. Mas se você realmente precisa encontrar uma combinação que faça a ideia da "floração" de In Bloom, melhor recorrer às Bellas Mariposas do nosso Salvatore Mereu, com duas meninas e sua compreensão explosiva como protagonistas do filme: uma atuação fresca e espontânea que nos dá Lika Babluani e Mariam Bokeria, credível mesmo nas situações mais difíceis, no papel de Eka e Natia, dois lados diferentes da feminilidade adolescente em um contexto selvagem e brutal. Em que os canons tradicionais do que é certo e o que está errado são irremediavelmente ignorados: linhas quilométricas para recuperar pães, a arrogância daqueles que estão armados e perigosos, leis não escritas de prevaricação e sedução que parecem parar na Idade Média. A saída parece passar por uma arma, o cadeau singular de um amante que aparece e desaparece, mas parece mais querer ajudar Natia a emancipar-se em vez de realmente querê-la para si mesmo. Técnicas de namoro ainda mais cruéis e misóginas do que aquelas às quais o cinema sul-coreano nos acostumou e a total desesperança caiu na Geórgia em 1992, recentemente, então, independente da antiga União Soviética e vítima ao mesmo tempo da decadência de um sistema político fracassado e da incapacidade de se tornar uma democracia; enquanto o conflito com a Abcásia e a Ossétia paira em segundo plano, para reiterar a loucura sangrenta que permeia um povo perdido. Nana Ekvtimishvili e Simon Gross seguem a estética do cinema auteur europeu, mas uma sequência soberba como a da dança de Eka, uma colisão de tradição e libertação individual, é suficiente para sugerir que no par de diretores há um potencial para talentos não expressos que merecem atenção
Deadlock
3.1 1Após um assalto a um banco, dois assaltantes se separam e juram se encontrar em uma cidade fantasma para dividir o dinheiro. A violência extrema se dá quando eles finalmente se encontram no desolado deserto. Os dois pistoleiros nunca são realmente definidos como "bons" ou "maus", pois nenhum deles tem nenhum valor e toda ação é um engano, embora estejam implicados em ter valores diferentes. Mas há outras personagens também no filme, como uma ninfomaníaca, uma mulher idosa e um recluso maldito apropriadamente chamado Dump. Essas personagens coadjuvantes servem como um contraste adequado com o protagonista/antagonista sem emoção, semelhante a uma máquina, na medida em que transmitem grandes quantidades de emoção à sua própria maneira (a luxúria e inocência das ninfomaníacas, a conquista e reminiscência da velha mulher). Há até mesmo o aparecimento de um terceiro pistoleiro chamado Sunshine, que complica ainda mais as coisas. As personagens falam de forma obtusa, lembrando eventos misteriosos que nunca são explicados no filme e se supõe que talvez estejam testando uns aos outros em algum jogo estranho. Essas personagens são movidas pela ganância e pelo egoísmo e ninguém é poupado ao julgamento. O sol também é uma personagem proeminente, pois ele mesmo ocupa uma boa quantidade de tempo na tela. O sol é muito simbólico do papel inabalável e incorruptível do destino e o destino de muitas das personagens poderia ser visto como imerecido, mas inevitável. Outra faceta interessante desse filme é a batalha entre os pistoleiros. Certamente seu "prêmio" não vale nada nesta desolação e ainda assim eles lutam até a morte para ganhá-la de qualquer maneira. É uma bela afirmação sobre a futilidade da bravata e a vaga conclusão destrutiva da ganância. Em resumo, é um filme muito bom que é mais divertido de descrever do que de assistir, mas tem seus momentos e o simbolismo subjacente ajuda muito. Como é bastante de baixo orçamento (e filmado em um local improvisado), há algumas dublagens mal feitas (embora não sejam ruins pelos padrões do filme B) e cortes bizarros, mas pode-se ver a visão crua por trás dele, o que faz com que valha a pena conferir. Resumindo tudo, que bosta! perdi meu tempo...
Burden of Love
3.2 2Descrito como tratamento satírico do haha-mono" (o gênero popular focado no amor materno e no sofrimento), esse filme, o primeiro de Kawashima para Nikkatsu, é um estudo da fecundidade no contexto das ansiedades do pós segunda guerra sobre a superpopulação, e a campanha de controle de natalidade patrocinada pelo Estado dos anos de 1950. Seu protagonista, Jozaburo Araki (Yamamura), atua como Ministro da Saúde e da Previdência do Japão e é encarregado de promover o controle populacional; sua missão é comicamente comprometida por uma série de gravidezes simultâneas em sua família. O diretor de arte Kimihiko Nakamura, que mais tarde trabalharia em vários filmes do aprendiz de Kawashima, Shohei Imamura, ajudou a imbuir o filme com verossimilhança, criando uma réplica precisa do edifício do parlamento japonês em Akasaka, Tóquio. Os elementos políticos do filme são tão reveladores quanto os cômicos são perturbadores. Kawashima, no entanto, foi picado por acusações de plágio; o filme foi inspirado em uma célebre peça, Lorsque l'enfant paraît, de André Roussin, que Kawashima tinha visto no teatro Bungaku-za de Tóquio em 1953, com uma premissa semelhante sobre um senador que prescreve anticoncepcionais enquanto sua família procria. Com uma defensiva autodepreciativa característica, ele comentou que "Se for chamado de plágio, eu não concordaria, pois na verdade sua história e tema são diferentes. No entanto, o fato de ter sido tantas críticas de tantas pessoas diferentes me derrubou. Se você fosse compará-lo você veria que ele não plagiou tanto". Apesar de tais críticas, o filme recebeu uma avaliação admiradora em "Kinema Junpo", cujo crítico o elogiou como um marco na carreira do diretor, alegando que fez de Kawashima um rival de Kon Ichikawa como diretor de comédia, e promoveu grandes esperanças para seus trabalhos futuros. Ele elogiou o ritmo de direção de Kawashima, e a verve dos personagens, que juntos imbuíram o filme com um senso de energia. Ele também celebrou a excelente atuação, que é de fato uma das principais virtudes do filme. Tatsuya Mihashi, que desempenha vários papéis, havia se mudado para Nikkatsu para trabalhar com Kawashima, e deveria aparecer em outros 15 de seus filmes. A própria publicidade interna de Nikkatsu declara que: "Esta relação especial de diretor e ator principal entre Mihashi e Kawashima é uma reminiscência de pares semelhantes na história do cinema cômico de Hollywood, como as duplas de Howard Hawks e Cary Grant, Billy Wilder e Jack Lemmon, e Preston Sturges e Joel McCrea". O elenco também inclui luminares do cinema japonês como Isuzu Yamada, que havia delineado soberbamente as heroínas rebeldes dos clássicos pré-guerra de Mizoguchi, Osaka Elegy (1936) e Sisters of Gion (1936), e que, dois anos depois, daria uma performance indelével como Lady Macbeth em Trono de Sangue (1957), de Kurosawa. Assim, Yamamura, como ministro, fez performances distintas para Ozu, Mizoguchi e Naruse, além de dirigir vários filmes, incluindo o célebre clássico proletário, The Crab-Canning Ship (Kanikosen, 1953). É interessante, mas peca, suponho eu, ao forçar uma comparação com a produção estadunidenses nos estúdios de
Hollywood; ficou amarrado...
O Estrangeiro
4.0 7Sob o pretexto de apresentar uma comédia brilhante, irônica e engraçada podemos vislumbrar a urgência de Satyajit Ray para se comunicar por meio do protagonista, o tio que de repente retorna à família pequeno-burguesa de um funcionário do Estado, uma mensagem antimodernista, veiada por um sarcasmo amargo, de fortes e violentas críticas à sociedade de seu país e ao modo de vida ocidental em voga nas classes mais médias superiores. O último filme do diretor bengalês, que morreria um ano depois de terminá-lo, Agantuk é uma espécie de testamento ideológico inconsciente escrito de forma poética, que lega aos jovens de seu tempo a esperança de um possível retorno aos valores antigos, aos costumes dos antepassados, representados no canto da neta da protagonista, que usa um sari em contraste com seu marido burocrata de terno e gravata, e na dança tradicional das mulheres, representada em uma das últimas sequências, contra a barbárie da modernidade. A discussão, portanto, vai além de uma certa globalização cultural, ou da força econômica que a escolha possa provocar; há, sem dúvida, uma discussão do encontro de culturas, da mistura possível e não possível, mas tendo por horizonte que o encontro de diferentes altera a ambos, e não somente a uma das partes desse encontro. A polêmica vai tão longe quanto a negação do progresso como uma evolução cultural e assim o protagonista celebra o bisão pintado nas cavernas de Altamira como uma expressão inatingível da arte pictórica e exalta a vida tribal trazendo-a como um exemplo de verdadeira civilização em comparação com a atual, caracterizada por enormes disparidades sociais, pela pobreza de grandes fatias da população, mesmo na opulenta dos Estados Unidos, protótipo da sociedade do bem-estar, pela disseminação de drogas letais entre os jovens e pela possível destruição global por alguns homens que detêm o poder da vida e da morte sobre a humanidade por meio da ameaça de armas atômicas. Em 2022, isso é mais que coincidência...O nomadismo, encarnado emblematicamente pela personagem principal, viajante incansável, é indicado como a única forma de salvação para escapar antropologicamente da ordem estabelecida e repressiva típica das sociedades sedentárias desde o início. O filme é marcado por esse realismo lírico que distinguiu o trabalho dos grandes poetas de celuloide do século XX, independentemente da nacionalidade, latitude e contexto social, que reproduziu a vida cotidiana com aquele minimalismo de De Sica e Zavattini, Ozu e Kiarostami, capazes de representar com a melancolia suave da elegia o sofrimento existencial do homem moderno contando pequenas histórias de pessoas comuns. Comentário a partir do site www.mymovies.it - carloalberto!
A Festa E Os Convidados
3.9 13 Assista AgoraO Eslavnosti é o mais conhecido e respeitado dos longas dirigidos por Jan Němec na Tchecoslováquia. O filme é seu segundo longa-metragem e foi co-roteirizado por Ester Krumbachová, sua esposa na época. A obra é uma crítica pouco velada ao regime comunista e uma parábola sobre a opressão autoritária e a natureza da conformidade. Embora o filme tenha sido concluído em 1966, ele não foi exibido na Tchecoslováquia até 1968, após uma luta de dois anos apoiada por muitos dos principais intelectuais do país. Sua aparição subsequente no New York Film Festival de 1968 chamou a atenção mundial da Němec. A trama começa como um grupo de homens e mulheres comuns brincando no campo, curtindo um piquenique numa tarde. De repente, vários homens aparecem por trás das árvores. Apesar de seus sorrisos, os homens direcionam o grupo com força para uma clareira. Um líder aparece e assume uma posição de autoridade atrás de uma pequena mesa. Ele estabelece as regras pelas quais o grupo será governado e seus movimentos confinados. As mulheres cumprem prontamente; os homens fazem tentativas de protestar, mas no final aquiesce também. Tensão e violência incipiente pairam no ar quando, de repente, um homem mais velho aparece, pedindo desculpas pela estridência de seus contratados, particularmente o líder a quem ele se refere como seu filho adotivo, Rudolph. Ele convida o grupo para uma celebração de aniversário na floresta. Entre as árvores que alinham o lago, mesas de banquete foram montadas com pratos elaborados e candelabros. O anfitrião fala sobre as pequenas diferenças de forma e design que distinguem as tabelas, mas orgulhosamente aponta como todos se encaixam em um todo distinto. O anfitrião é abertamente paternalista e todos os presentes brindam sua benevolência. A harmonia é interrompida quando uma mulher descobre que está sentada no lugar errado. Seu desejo de se mover estabelece uma reação em cadeia que perturba todo o grupo, para desânimo do anfitrião. Mais urgente é a descoberta de que um dos convidados desapareceu. Encontrando sua partida intolerável, o anfitrião instrui Rudolph a trazê-lo de volta. Encantado com essa oportunidade, Rudolph sai com um cão de dente afiado e é acompanhado na perseguição por toda a festa. As mesas estão abandonadas e o filme fecha com o som do cachorro latindo. O filme trata dos temas comuns a toda a obra da Němec, embora sejam os mais bem desenvolvidos aqui. O mais proeminente são a restrição à liberdade humana, as reações dos seres humanos sob estresse, e a facilidade com que o homem utiliza a violência. No entanto, Němec vai um passo adiante e trata o grau em que os homens são cúmplices em seu próprio destino. Como seus outros trabalhos, o filme possui uma qualidade surreal, especialmente em sua apresentação de ocorrências extraordinárias de forma realista, como a cena da corte ao ar livre em forma de conto de fadas e o elaborado banquete. O filme foi elogiado pela crítica e Němec foi considerado entre os primeiros colocados dos novos diretores tchecos. Sua sensibilidade foi comparada com a de Franz Kafka, seu compatriota, e Feodor Dostoevski. No entanto, após a queda do governo dubcek de curta duração que permitiu a liberdade artística na Tchecoslováquia, Němec foi colocado na lista negra e incapaz de fazer filmes após 1968. Mais do que suas outras duas características, Ó Eslavnosti foi visto como um ataque direto ao comunismo do Leste Europeu e foi responsável por ele ser impedido de dirigir. É verdadeiramente uma obra que vai além da crítica ao regime, ele discute coisas mais estruturais da psiquê humana!
Dawson Ilha 10 – A Verdade Sobre a Ilha de …
3.5 17Chile, setembro de 1973, após o golpe militar que derrubou Salvador Allende, o presidente do país, um grupo de ministros e autoridades de sua comitiva são feitos prisioneiros e deportados para o campo de concentração da Ilha Dawson no Estreito de Magalhães. Entre eles está Sergio Bitar, ministro de Minas e assessor econômico do presidente, prisioneiro número 10, que escreverá sobre essa prisão, uma vez livre, após um longo exílio. Miguel Littin, cineasta chileno conhecido e apreciado internacionalmente, reconstrói o testemunho de Bitar ao amalgamar a experiência como documentarista com uma boa sensibilidade para a história. Assim, os atores no palco encarnam com credibilidade a História, sua memória e as histórias, que o cinema pode e deve contar, com seus próprios meios de teatro de sombras e fantasmas. O cotidiano do trabalho forçado, da obediência imposta pelo terror, da impossibilidade de usar a palavra como instrumento de resposta para aqueles que acreditavam na palavra, colocando-se a serviço dos outros, é algo imaginável, sobre o qual Littin não insiste, tentando, em vez disso, mudar seu olho para as exceções, sobre o número do soldado tonto, sobre a empatia de um guarda politicamente confuso, que diz aos prisioneiros para gritarem de dor, como se estivesse batendo neles, enquanto os convidavam a encher rapidamente seus bolsos com frutas secas, ricas em vitaminas. Isso não significa que Dawson Island 10 se torne um filme imprevisível, não é seu propósito ou sua virtude. Sua qualidade é outra, a de contar a inteligência de um grupo de pessoas que não esquecem sua identidade, apesar da condição; que não se recusa, mas não aceita por essa razão; que sabe o valor de um lápis (quebrado), de um brilho para a expressão. Dignidade do narrado e do narrador, portanto, que, colocado como premissa, também autoriza os close-ups, a encenação dos sentimentos. Nunca foi uma qualidade fácil trazer à superfície da tela, inteligência, sem ser lisonjeado pelas sirenes da vaidade ou pelo pretexto de ensinar algo, muito menos quando sua natureza não é individual, mas coletiva. Um mérito que Littin ganha em nome da sobriedade e do compromisso. A discussão subjacente do filme é o valor da memória para uma população; é disso que se trata e, no limite, é isso que dá importância a bela trama...
O Vagabundo
4.1 5Um juiz vingativo afirma a um ladrão que ele é um criminoso porque ele nasceu um criminoso. O ladrão, incapaz de aceitar este insulto, jura arruinar a vida do juiz e provar a ele que a educação supera a natureza. Não há debate mais nobre na sociedade humana!
Awaara (Rogue, mas geralmente intitulado O Vagabundo, em inglês) é a história de um pobre chamado Raj que faz amizade com a rica Rita, quando criança. Sua pobreza o impede de se matricular na escola com ela, mas ele nunca a esquece quando chega à idade adulta. Até lá, ele e sua figura paterna Jagga recorrem a pequenos roubos para sobreviver. É preciso dizer que a trama ocorre no início dos anos de 1950, na Índia, Um juiz vingativo provoca um ladrão que ele é um criminoso porque ele nasceu um criminoso. O ladrão, incapaz de aceitar este insulto, jura arruinar a vida do juiz e provar a ele que a educação supera a natureza. Awaara (Rogue, mas geralmente intitulado O Vagabundo em inglês) é a história de um pobre chamado Raj que faz amizade com a rica Rita quando criança. Sua pobreza o impede de se matricular na escola com ela, mas ele nunca a esquece quando chega à idade adulta. Até lá, ele e sua figura paterna, Jagga, recorrem a pequenos roubos para sobreviver. É preciso registrar que em 1947, época portanto da concepção e filmagem, o grupo liderado por Gandhi e Jawaharlal Nehru declarou a independência da Índia. A resposta britânica foi apoiar a criação de um outro estado, o Paquistão, para onde uma grande maioria dos muçulmanos se deslocou. Esse grande deslocamento também resultou em diversos conflitos e fome, um momento muito difícil para as populações mais pobres. Ao nível institucional, em 1950 a Índia consolidou sua soberania com uma constituição, que criava uma república secular e democrática. Permanecendo como tal até o momento, embora ainda hoje existam grandes conflitos territoriais e uma tomada de direção para o conservadorismo político e o estabelecimento do hinduísmo como religião oficial, o que aumentou as tensões em relação aos muçulmanos do país, e é claro, a região da Caxemira. Assim, a Índia não era, e nunca foi um território de inclusão; e o império britância, além de saqueador das riquezas da área, contribuiu sobremaneira para a miséria que lá grassa há anos. Ao realizar um assalto a banco, Raj rouba a bolsa de (desconhecida para ele) Rita e afana as chaves de seu carro. Depois de encontrar a bolsa vazia e sem as chaves do carro, ele devolve a bolsa para Rita me eles se refamiliarizar. Eles se apaixonam em breve, mas sua pobreza e vida de pequenos roubos e a riqueza dela e sua relação com o juiz dificultam seu relacionamento.
Raj logo descobre que Jagga, sua figura paterna de confiança, é na verdade um ladrão que sequestrou a mãe de Raj de seu pai para se vingar. Raj mata Jagga por vingança e é preso pelo juiz que é na verdade seu pai biológico. Rita é sua advogada e ela convence o juiz a reduzir a pena para três anos. Ela jura esperar por ele quando ele sair da prisão.
Toda a narrativa nos dá a sensação de que, "quem não tem nada a perder é aquele que pode realmente dar muito aos outros". Um menino pequeno está alimentando um cão vadio (que tem o mesmo destino que o dele), embora seja evidente que um menino de rua que está privado de todo pertencimento material, nunca tem comida em abundância para si mesmo. Esse caráter de alguém apaixonado pela necessidade e dor dos outros é claramente visível naquele menino. O traço está em consonância com o de nosso protagonista, Raj. Se essa romantização com os desprivilegiados é o coração desse filme, então, o mise en scène empático é sua veia. Uma criança, que geralmente é considerada possessiva sobre suas coisas, é mostrada como uma personagem compassiva que está ali para sacrificar uma dentada de sua comida por um cão vadio. A doação de alimento também pode ser percebida como uma "doação de felicidade a desconhecidos". Por isso, o traço básico de um 'Awaara' (Vagabond) foi glorificado como alguém marginalizado, ainda pronto para qualificar os fundamentos da humanidade que se encontram no amor e na compaixão; não devemos nos esquecer do período da filmagem, a Índia estava em rebuliço. Mais tarde, à medida que o filme prossegue, podemos ver essa cena a partir da pontuação de crédito em um aspecto mais amplo. Raj, quando despedido da fábrica, durante sua busca para ser como os outros, ou seja, um cidadão produtivo que não é 'Awaara', mas civilizado de acordo com as normas da sociedade, toma o refúgio em um caminho a pé. Ele compartilha sua comida com um cão vadio, como foi feito pela criança na cena do credit score. É assim que a narrativa do filme completa o ciclo. De certa forma, cada cena inicial do filme produz uma base para uma representação temática semelhante, a ser vista mais tarde. Essa cena cíclica (uma do menino e outra de Raj) retratando a mesma intensidade de acontecimento é de alguma forma um palco de onde o conceito tradicional de "Awaaragi" está sendo desafiado. O discurso de "só os ricos podem doar ou compartilhar" é destruído e uma nova síntese de "compaixão na pobreza e no desemprego" é destacada. Essas duas cenas estão separadas em termos de sua colocação no filme, mas trabalham unidas para demolir nossas ideias preocupadas com os vagabundos. Vamos tentar entender o lado político das cenas mencionadas acima. Ambas as cenas produzem diante de uma crítica da classe burguesa que "se alimenta de trabalho". Ela questiona seu caráter egoísta e sua tendência a ser muito individualista. Ela desafia a utilidade básica do "capital" e da "riqueza material" (a ferramenta da classe burguesa) quando todas elas são incapazes de produzir considerações humanitárias na mente humana. Ela coloca novas questões em torno do Capitalismo Moderno que deu ao estilo de vida corporativo que fala de riqueza, competição e recompensa. A noção capitalista de que "aquele que é incapaz de criar riqueza para a nação é inútil" é desafiada. Como no filme, os criadores de riqueza são aqueles que são demasiado egoístas, demasiado egocêntricos para pensar além de sua própria esfera. Na verdade, um vagabundo Raj (que não tem nenhuma contribuição para criar riqueza) é aquele que está lá para abraçar a sociedade, a nação com toda a empatia e amor. No entanto, o argumento do filme de que aqueles que estão criando riqueza são na verdade padrões degradantes das relações humanas e do amor, mas ele faz uma pergunta relevante. Por que Seth Raghunath, com medo de suas considerações materiais e de sua fama, expulsou sua esposa grávida mesmo depois de ter amontoados de riquezas? Como o Estado, o sistema de governança considerado inquestionável, está levando os funcionários a encher suas prisões, mesmo quando o único crime cometido foi a demanda por alimentos? Como essas estruturas têm sido um fracasso para a sociedade como um todo? Como a ideia básica de "criar riqueza para o bem social" é esmagada sob cargas de egoísmo humano? Essas questões são levantadas no filme e reforçadas nestas cenas em particular. Todos estes têm sido argumentos tradicionais de socialistas e comunistas ao redor do mundo. É, seguramente, um filme essencial; por mais anacrônico que isso venha a parecer, é essencial!
Alice nas Cidades
4.3 95 Assista AgoraWim Wenders ("Até o Fim do Mundo"/"O Amigo Americano"/"Asas do Desejo") observa em seu road film, em preto e branco, as seguintes cidades - Nova York, Amsterdã, Wuppertal, Essen, Duisburg, Oberhausen e Gelsenkirchen. Ele faz isso por meio dos olhos de uma protagonista anti-heróica e lacônica mundialmente cansada, o fotojornalista alemão Philip (Rüdiger Volger), e uma curiosa menina alemã abandonada pela mãe, de nove anos, chamada Alice (Yella Rofflander), que sobrou para seus cuidados. É a primeira trilogia de filmes de viagem de Wenders (seguida por Wrong Move-1975 e Kings Of The Road-1976) que acontecem nos Estados Unidos (pelo menos por algum motivo) e abrange seus temas familiares de angústia, alienação e privação cultural dos EUA e, às vezes, influência cultural mal-direcionada no mundo. Philip Winter (Rüdiger Volger), de 31 anos, é o fotojornalista solitário desencantado que retorna à sua editora com sede em Nova York com muitas fotos polaroides, mas sem uma história que as sustente, depois de visitar o campo estadunidense aberto por quatro semanas e é contado pela editora em termos incertos que ele errou ao perder o prazo para publicar uma história sobre o país e não será pago até que ele entregue a história. O cansado Philip descobre que não consegue um voo direto para a Alemanha por causa de um ataque de piloto e se acomoda para pegar um voo no dia seguinte para Amsterdã. Atuando como tradutora de uma mulher alemã chamada Lisa (Elisabeth Kreuzer) e sua filha alice, de nove anos, estão, também, no terminal do aeroporto, o philip de língua inglesa os reserva no mesmo voo. Quando Lisa decide ficar para trás e tentar resolver as coisas com seu ex-marido e padrasto de Alice, o cara legal Philip está preso voando com Alice para Amsterdã. Mamãe, que deveria aparecer no dia seguinte, mas não aparece, deixa com Philip com a garota. Ele forma uma relação de amor/ódio com ela e aluga um carro para procurar a avó da garota em todo o remanso da Alemanha, mesmo que Alice não saiba o sobrenome ou endereço da vovó, e mais tarde descobrimos nem mesmo a cidade onde ela mora. Sua relação interessante serve como o coração do filme, pois tanto o homem quanto a menina são vistos como almas perdidas que descobrem que não podem se soltar, mesmo que ambos percebam o quão inarticulados e perplexos estão sobre sua situação. Termina com uma foto aérea do casal em um trem com destino a Munique para conhecer sua mãe. Uma vez que a maioria das pessoas racionais teria deixado a menina egoísta na delegacia e não se incomodaria esperando que a mãe negligente egocêntrica aparecesse, a história contada se torna suavemente divertida e ligeiramente frustrante enquanto Fhilip procura sua musa, a garota para a avó (laços familiares) e Wenders tenta descobrir o que faz dos Estados Unidos um país tão mimado e como a Europa moderna se tornou tudo menos um modelo para os outros. Wenders observa que a TV tomou conta dos estadunidenses e parece que não só existem comerciais intermináveis, mas os próprios programas são comerciais para o status quo. Leva muito tempo para Wenders chegar onde quer ir, mas vale a pena esperar, pois ele faz um comentário discreto sem ser pregador ou sentimental sobre os males do consumismo dos EUA se tornando mundialmente e o terror presente em lidar com a solidão. Em realidade, creio, a crítica aos Estados Unidos é quase um reflexo residual de uma crítica a própria Alemanha; estávamos em 1974, e a globalização era apenas projetos em mesas poderosas; hoje, em 2022, já se tornou mais claro o mal da civilização...
A Época da Inocência
3.5 250 Assista Agorasacal!
Depois da Vida
3.9 70O cenário do filme é bastante mundano, algo que você imaginaria encontrar como uma parada de descanso em uma longa rodovia. O prédio é despretensioso, as pessoas dentro dele são trabalhadoras e boas em seu trabalho. Se você não soubesse o contexto desse filme, você não teria imaginado que isto é o purgatório. Todas as segundas-feiras novos hóspedes chegam para fazer o check-in no prédio; eles são recém falecidos e estão prontos para serem processados no que vier em seguida. Presumimos que seja o céu ou o inferno, mas na verdade é muito mais saudável do que isso. Eles são emparelhados com um funcionário para discutir que boas lembranças tinham na vida, e são convidados a escolher uma. Essa memória é o que eles viverão durante o resto de suas vidas, mais presos aos sons, aos sentidos e aos sentimentos incorridos por essa memória. É por meio desse processo em si que descobrimos a verdadeira natureza dos trabalhadores do edifício; eles mesmos não puderam escolher uma memória, e estão assim presos no limbo para sempre. Para um trabalhador, Takashi Mochizuki, essa rotina repetitiva começa a gaguejar quando um velho homem é abordado por ele. O velho afirma que não tem boas lembranças que ele possa pensar, e quando elas se aprofundam em suas lembranças, Takashi vem com uma terrível revelação: esse homem se casou com a mulher que amava. Takashi morreu jovem, em seus vinte anos, durante a Segunda Guerra Mundial, deixando para trás um querido. Ela passou a casar-se com este homem, através de um casamento arranjado, aquele que não parece ter uma única boa memória. Takashi parece não conseguir suportar isto e pede para ser transferido para outra alma. Seu pedido é negado, revelando algumas sequelas no processo. Esse filme silencioso, por mais simples e despretensioso que pareça, mostra quão rapidamente o corpo humano e a memória podem ser exterminados e recriados. Hirokazu Koreeda filmou parcialmente o filme no estilo documental, no qual ele pediu às pessoas que selecionassem uma memória na qual gostariam de viver juntos. Foi aqui que ele descobriu que muitas pessoas tendiam a viver dentro de suas más lembranças, criando sentimentos de tristeza ao refletir sobre o passado. Ele, então, combinou a filmagem com entrevistas fictícias e roteirizadas com atores, criando essa natureza híbrida dentro do próprio filme. Aprendemos a nos unir a essas pessoas e personagens, vivendo seus momentos felizes com eles, sorrindo enquanto adormecem com um olhar de felicidade nos olhos. E, tão repentinamente quanto estas pessoas aparecem no purgatório, elas desaparecem. As únicas gravações e provas de que eles estavam aqui eram o arquivo de provas de quais eram suas melhores lembranças, as entrevistas que eles realizavam com os trabalhadores. Para mim é meio bonito ter esta evidência da vida de alguém, pois a maioria das pessoas passa e sua memória é esquecida para sempre. Todos nós temos medo de ser esquecidos. Vemos isso no medo de Takashi de confrontar o marido de sua querida; provavelmente lhe custou saber que ela continuou com sua vida, deixando-o para trás como lembrança. E é isso que torna o arco final desse filme tão bonito, pois vemos como quando ela morreu e lhe pediram para escolher uma memória, ela escolheu uma com Takashi quando ele estava vivo. Também demonstra como muitas vezes desprezamos nós mesmos por sermos uma má influência no mundo, habitando em nossas memórias negativas, quando, na realidade, já fomos uma vez uma força do bem na vida de outra pessoa. E talvez nunca saibamos disso. Há angústia, certamente, pois muitas pessoas, e eu me incluo entre elas, não gostam de ter consciência de certas verdades!
Accattone - Desajuste Social
3.9 31Accattone é um voo apropriado pela impressionante carreira de diretor de Pier Paolo Pasolini, tocando como faz como uma questão aberta e um pensamento inacabado. O filme trata de um protagonista diferente chamado Accattone, que se traduz aproximadamente como mendigo ou morador de rua, ou explorador, mas ao invés de condenar ou julgar Accattone, o filme de Pasolini explora essa personagem de forma bastante pragmática, permitindo-nos lutar com as implicações morais e éticas de suas ações e, mais importante, suas motivações (permite, mas no meu caso não funcionou bem!). É uma maravilhosa configuração para a carreira de Pasolini, um cineasta cuja produção foi preenchida com assuntos moralmente complexos e densamente problemáticos, filmes que levantam questões do público, mas fornecem poucas respostas simples. Accattone é um ladrão que vive nos cortiços de Roma, passando seu tempo saindo com seu grupo próximo de amigos homens e maltratando todas as mulheres que entram em sua vida. A primeira mulher a entrar na vida de Accattone acaba presa erroneamente e a segunda, apesar de se apaixonar por ele, é um pouco melhor. Os cortiços de Roma, apresentados aqui, são um lugar muito feio para passar 120 minutos, mas Pasolini infunde o filme com um tipo estranho de beleza reveladora, enchendo o filme com personagens multifacetadas que negam definições simples ou leituras estereotipadas. Apesar de usar um elenco de atores não profissionais – resultando em um misto de performances, das quais Franco Citti como Accattone está no topo – Accattone está longe da chamada onda neorrealista que havia consumido o cinema italiano na época do lançamento do filme. Embora muitos desses filmes estejam longe dos esforços cinematográficos não mediados, eles são apresentados como por muitos críticos. Accattone ainda é muito distante, com um número de florescimentos elegantes, uma panela particularmente memorável da cidade que se estabelece sobre a personagem titular ser um exemplo notável, e há a sensação definitiva de que Pasolini está procurando um olhar mais experimental do que cru para uma subclasse italiana; ou não. Essa experimentação nem sempre é bem sucedida, as performances mistas acima mencionadas são um problema e algumas das linguagens visuais que Pasolini brinca não está inteiramente na mensagem, mas atinge muito mais do que sente falta e o que resta à medida que a poeira assentar é um filme fascinante. Benardo Bertolucci disse sobre Accattone que: "Assistindo Pier Paolo Pasolini filmar Accattone eu senti como se estivesse presente na invenção do cinema." e enquanto eu não posso falar com a experiência de ver Pasolini filmar Accattone, assistir ao filme acabado com o benefício da previsão parece que se está presente no ponto em que o cinema italiano mudou e viu o nascimento de um de seus cineastas mais emocionantes.
A Causa Secreta
3.2 9Machado de Assis, a infeliz e triste contemporaneidade do tema d dor alheia e a insensibilidade pelo outro! O oposto da alteridade e a escolho do individual...que dor!
A Casa da Colina
4.1 8Bah!
A Canção da Esperança
3.7 11que coisa, não?
Academia de Heróis
3.3 5A ideia de fazer humor com a guerra é muito abjeta! que se fodam os invasores! ever...