Eles são alguns numa cidade de médio porte no norte da França, todos muito jovens, tentando provar sua existência uns aos outros, apesar do Liceu e do prazo para o bacharelado, apesar dos pais, apesar do tédio. Eles se encontram nos cafés, adotam atitudes e professam certezas, mas cada um deles está na verdade tentando decifrar este futuro imediato que lhes oferece apenas um rosto fechado. Assim, entre encontros tranquilizadores, alguns tomam grandes decisões que às vezes parecem não passar de novos refúgios: um vai trabalhar segurando uma caixa registradora em um supermercado, outro se casa, um terceiro toma o caminho para Paris. Alguns poucos adultos passam por este filme e se encontram, sem realmente vê-los, com estes adolescentes. Um pouco enigmáticas figuras, como o solitário e pensativo professor de filosofia (Jean-François Adam) ou o jovial e duvidoso mas não muito perigoso flerte de envelhecimento (Christian Bouillette). Ou os pais compreensivos que acolhem o casal Elisabeth (Sabine Haudepin) e Philippe (Philippe Marlaud). Com o passar dos dias, os casais se formam ou se separam. Mas os casos de amor também parecem levar apenas à dúvida. Filminho chato!
A cena de abertura de "Permanent Record" é sinistra e perturbadora, e não sabemos o motivo. Em um movimento ininterrupto, a câmera passa por um grupo de adolescentes que estacionaram seus carros em um local com vista para o mar, e estão saindo casualmente, sua amizade é evidente demais para precisar de explicação. Parece não haver "atuação" nesta cena, e ainda assim é soberbamente atuado porque parece tão natural que aceitamos de uma vez a ideia de que essas crianças são amigas por um longo tempo. A tarde, ali, parece superficialmente feliz, e ainda há uma qualidade ninhada para a tomada, talvez inspirada pela iluminação, ou pela maneira como a câmera circula vertiginosamente acima do mar abaixo; a câmera faz com que nos sintamos como um deles! As cenas seguintes se desenrolam, ao que parece, quase sem plano. Conhecemos um casal de garotos que tocam juntos em uma banda de rock, e tentamos entrar em um estúdio de gravação, e são expulsos, e chegam tarde na escola. Conhecemos o diretor do colégio, um homem que é extremamente intrigante porque ele revela tão pouco, e ainda assim consegue revelar a bondade. Conhecemos a multidão com quem essas duas crianças andam, e vamos a algumas audições para uma produção escolar de "Os Piratas de Penzance". Estamos impressionados com o fato de que esses adolescentes são inteligentes, atenciosos e articulados; eles vêm de um planeta diferente da maioria dos adolescentes do cinema. Descrever as cenas de abertura faz com que pareçam rotineiras, e ainda assim capturaram minha atenção com uma intensidade que eu ainda não entendo. O mistério subjacente de muitos bons filmes é a maneira como eles nos absorvem em detalhes aparentemente não notáveis, enquanto filmes ruins podem nos perder mesmo com acidentes de carro e explosões. Marisa Silver, que dirigiu este filme, e Frederick Elmes, que o fotografou, fizeram algo muito sutil e forte aqui. Eles viram esses alunos e sua escola de uma forma que inescapavelmente nos prepara para algo, sem revelar o que será. As crianças andam juntas, mas uma começa a atrair nossa atenção mais do que as outras. Ele é David (Alan Boyce), um músico intenso e de olhos escuros que todo mundo sabe que é talentoso. Ele lidera a banda de rock, dá aulas para seus colegas músicos e está organizando a música para a produção de "Pirates". Em uma cena de tensão inexplicável, ele é informado pelo diretor (Richard Bradford) que ele ganhou uma bolsa de estudos para uma grande escola de música. Ele tenta parecer satisfeito, mas reclama que está tão ocupado. Bradford calmamente lembra que a bolsa de estudos é só no ano que vem. E então... mas aqui eu quero sugerir que se você planeja ver o filme, você não deve ler mais e permitir surpresas. Eu entrei neste filme sem saber absolutamente nada sobre isso, e este é o tipo de filme em que isso é uma vantagem. Deixe o filme se desenrolar como a vida. Guarde a revisão até mais tarde. Fiquei impressionado, acima de tudo, pela sutileza com que Silver e seus escritores (Jarre Fees, Alice Liddle e Larry Ketron) desenvolvem a piora da crise de David. Este não é um jovem infeliz pelos problemas habituais dos dramas da TV, a la sessão da tarde. Ele não usa drogas, sua namorada não está grávida, ele não está reprovando fora da escola e ele não tem uma vida doméstica infeliz. Mas fica claro, especialmente em retrospectiva, que não há alegria em sua vida, e vemos isso mais claramente na cena discreta no quarto da garota com quem ele às vezes dorme. Qualquer outro casal que faça o que fazem juntos, ela sugere, seria dito para ir junto. Ele acena. Há algo faltando aqui. Algum tipo de conexão com outras pessoas. Alguma exultação em seus próprios dons e talentos. Dando aulas de violão ao seu amigo Chris (Keanu Reeves), ele é um pouco impaciente; Chris não se esforça o suficiente pela excelência. Davi, que é admirado por todos em sua escola, que é o único escolhido por seus amigos para grande sucesso, tem uma profunda tristeza dentro de si mesmo porque ele não é bom o suficiente. E isso leva à cena em que um momento ele está do lado daquele blefe alto, e no momento seguinte ele não está. O resto do filme é sobre seus amigos sobre o abismo que ele abandonou, e sobre sua tristeza, e sua raiva por ele. De novo e de novo, Silver e seus escritores encontram maneiras autênticas de retratar emoções. Nunca nos sentimos manipulados, porque o filme funciona muito perto do coração. Talvez a melhor cena de todo o filme seja aquela em que Chris, bêbado, dirige seu carro para o quintal de David e quase bate no irmão mais novo de David, e então, quando o pai de David sai no gramado para gritar com raiva para ele, Chris cai em seus braços, chorando e gritando: "Eu deveria tê-lo impedido." E o pai o segura. A vida continua. A produção escolar é realizada. Há um momento dramático em que Davi é elogiado, e há também a sensação de que daqui a alguns anos seus amigos às vezes se lembrarão dele, ficarão com raiva dele e se perguntarão o que teria acontecido com ele. Este é um dos melhores filmes, e uma das razões para seu poder é que ele claramente sabe o que quer fazer, e como fazê-lo. Não é um filme sobre as causas da morte de David, e não analisa ou explica. É um filme sobre o evento, e sobre a memória do evento. As performances, aparentemente sem arte, são apropriadas ao material, e fiquei especialmente impressionado com a forma como Bradford sugeriu tantas coisas sobre o diretor enquanto parecia revelar tão pouco. "Permanent Record" é o segundo longa-metragem de Silver, depois do maravilhoso "Old Enough" (1984), que contou a história de uma amizade entre duas meninas de 13 anos que eram de lados opostos das faixas, mas estavam do mesmo lado da adolescência. Nesse filme e mostra que tem um raro dom para a empatia, e que ela pode ver até o fundo das coisas sem adicionar uma única nota gratuita. Veja, é o melhor conselho que posso fornecer...
"No início, eles pensaram que havia algo errado com meus olhos", diz Adam. Mas a visão dele não é o problema. Adam, um estudante do ensino médio, interpretado por Charlie Plummer, está vendo coisas que não estão lá porque algo está errado com seu cérebro. Ele tem esquizofrenia, uma doença mental grave que pode incluir alucinações aurais e visuais, delírios e pensamento e comportamento extremamente desordenados. Em outras palavras, todos os dados que absorvemos constantemente para entender o que está acontecendo ao nosso redor e, em seguida, usar para responder, incluindo julgamentos sobre segurança básica e quantas pessoas estão na sala, podem ser distorcidos para pessoas com esquizofrenia. Adam, por exemplo, está em seu laboratório de química da escola trabalhando em uma experiência com seu melhor amigo quando de repente parece-lhe que ele está sendo atacado. Ele então derruba um frasco de produtos químicos, queimando tanto o braço de seu amigo que ele precisa de um enxerto de pele, criando tal perturbação ele é expulso da escola. Histórias sobre adolescentes são particularmente convincentes porque as lutas da adolescência são universais, eu que o diga; eles são inerentemente intensificados e, portanto, inerentemente dramáticos. Além da intensidade dos hormônios e da separação dos pais e das emoções intensas, há a pressão do ambiente restrito e estufa do lar e o que Adam chama de "o ecossistema implacável que é o ensino médio". Adicionar doença mental à história aumenta ainda mais e fornece outro nível de pressão e confusão. Mas, em sua essência, é uma história sobre o que todos os adolescentes — e todas as pessoas — querem: ser independentes, ter um trabalho satisfatório, amar e ser amado. As especificidades funcionam, com excelentes atuações de um elenco excepcional, e que ilumina os temas universais de identidade e intimidade. O roteiro forte e inteligente de Nick Naveda é baseado no premiado romance de Julia Walton. Adam é uma personagem perceptiva e simpática e o diretor Thor Freudenthal nos traz dentro de sua percepção do mundo com visuais marcantes. Vemos o que ele vê, seja uma bolha de filme de terror ou as três pessoas que parecem segui-lo e dizer-lhe o que fazer o tempo todo, uma garota hippie feliz, um adolescente dos anos 1980-estilo filme-adolescente incitando Adam a obter alguns, e um sociopata irritado que age como seu guarda-costas, se é necessário ou não. Quando Adam está sendo entrevistado pela freira que dirige sua nova escola (Beth Grant), ouvimos ele dar as respostas calmas e reconfortantes que ela quer ouvir. Sim, ele vai ter uma média próxima de A e sim, ele vai tomar a medicação. Mas vemos o que ele vê: ela está engolfada em chamas. Em um momento discreto, Adam está andando em um ônibus e vislumbra um sem-teto que está mentalmente doente. Não precisamos que Adam nos diga o que está pensando. Nesse momento, estamos tão preocupados com o futuro dele quanto ele. A mãe do Adam não desistirá até que ele melhore, e então ele tenta outra nova medicação. E no começo funciona, "o mais perto que me senti do normal bem, nunca." Tudo o que ele precisa da nova escola é um lugar onde ninguém conheça sua história e um diploma para que ele possa realizar seu sonho de frequentar a escola de culinária. No início, ele descarta seu amor por cozinhar, dizendo-nos que é uma distração ou automedicação. Mas, em última análise, ele reconhece que na cozinha "Tudo desaparece e eu posso ser exatamente quem eu quero ser." Essa honestidade pode estar vindo da maturidade ou do efeito esclarecedor da medicação. Mais provável, é porque há alguém mais importante do que nós no público impessoal com quem ele quer ser honesto. A incandescente Taylor Russell interpreta Maya, a garota mais inteligente e legal da escola. Ela gosta de Adam e tem seu próprio segredo, o que não será surpresa para quem já viu um filme. Mas isso nos dá a chance de ver sua vulnerabilidade compartilhada e a luta entre ser seguro e ser conhecido. Freudenthal tem um dom genuíno para trabalhar com crianças e adolescentes, como ele mostrou no primeiro "Diário de um Garoto Fraco", "Percy Jackson: Mar de Monstros" e vários episódios do Arrowverse. Plummer e Russell têm uma química genuína e, como mostraram em "Lean on Pete" e "Waves", respectivamente, um naturalismo refrescante e discreto. Todos os membros do elenco excepcionalmente talentosos dão o seu melhor considerável, incluindo Molly Parker como mãe de Adam e Walton Goggins como seu namorado. Uma revelação sobre sua personagem perto do final do filme é tão significativa quanto o desenvolvimento do romance entre Maya e Adam. Andy Garcia é soberbo como um padre caloroso e empático e Grant dá alguma profundidade a um papel que poderia ter sido um clichê. "Ninguém quer realizar nossos desejos", diz Adam. Crianças com câncer são mais fáceis de simpatizar do que crianças com doenças mentais. Roger Ebert chamou os filmes de "máquinas de empatia" porque eles podem entregar uma mensagem poderosa de que as pessoas não são definidas por seus limites ou suas lutas. Pessoas com doenças mentais querem ser conhecidas e amadas, e este filme homenageia Adam com ambos. Filme surpreendente; fui a ele como quem vai a padaria comprar pão, e me emocionei; tinha ido ao melhor jantar de todos, em tempos!
Entre American Beauty e Desperate Housewives, esse filme se incluí, de moralidade média estadunidenses, introduz personagens sem complacência da classe média dos EUA que estão entediados em sua pequena vida arrumada. Essa fábula moderna, sutil e controlada, onde a tensão cresce, segue seus protagonistas à beira da explosão que tentam viver suas vidas entre a conveniência, redentora da nação e seus verdadeiros desejos, quase sempre, inenarráveis. Todd Field consegue capturar os pretextos no meio dessa hipocrisia burguesa que é ofendida por tudo o que não é social e politicamente correto, e que entra em pânico quando a vida tranquila do bairro é ameaçada pelo movimento de um homem de quarenta anos, condenado pelo exibicionismo. Obviamente se condena da boca para fora e se deseja, da boca para dentro! Afinal a vida é tão tacanha, não sob sol. Este atormentado, apontado e guiado por seus impulsos, buscará construir uma vida no meio de dedos estendidos, olhares preocupados e folhetos. Bode expiatório de um policial um pouco mal-humorado que vai assediar ele, e embora ciente de seus distúrbios comportamentais, ele vai se esforçar para voltar ao caminho certo, empurrado por sua antiga mãe que faz todo o possível para encorajá-lo, começando por procurar uma namorada "de sua idade". Isso dará origem a cenas duras, às vezes insuportáveis, onde se pode estar apaixonado por um sentimento de compaixão antes de ser horrorizado pela desordem incontrolável da personagem. Foda-se, os desejos são secretos e ainda não inventaram um software que capte isso; pelo menos ainda não divulgado. Sarah, casada com um homem que só sai do trabalho para encontrar o escritório do sótão uma vez em casa, procura seu lugar no meio de todas essas mães perfeitas, cujo único hobby é fantasiar sobre Brad, um pai que acompanha seu bebê todas as tardes até a praça. Mas este "rei da promoção" se transformou em "papai galinha", trancado em um casal cuja esposa castradora controla sua vida, vai encontrar Sarah que estava procurando nada melhor do que um álibi para se afastar das banalidades de seus vizinhos. Ela encontrará nele alguém que permitirá que ela escape de seu destino como uma esposa negligenciada e mãe oprimida passando suas tardes de verão à sua beira municipal ao seu lado, de olho em seus filhos. Após uma tempestade, entre as roupas que secam e os pequenos que tiram o cochilo, eles darão esse passo que a comunidade proíbe para superar suas frustrações pessoais e conjugais. Nada mais estadunidense, do que criticar o que se deseja e desejar o que se critica: Oh! vida, Oh! céus...Kate Winslet prova mais uma vez seu formidável talento neste papel a la Erin Brokovich, polvilhado com um toque da Contemporânea Sra. Bovary. Jennifer Connelly, por sua vez, consegue nos fazer sentir esse sufocamento que Brad sofre por essa mulher de perfeita conformidade – dinâmica e assertiva, como símbolo da mudança desta sociedade em que a mulher tem poder, presta atenção em sua linha e mantém seu marido – acompanhando o menor momento de sua vida. Embora tratemos de bom grado sem a moralidade um tanto pesada declarada pela narração durante os últimos segundos, o encontro dessas duas almas em perdição é tratado com bastante sutileza, e o que é preciso psicologia, para fazer deste filme um verdadeiro sucesso que consegue nos cativar ao longo de mais de duas horas enquanto não damos muito do futuro de sua história. Por fim, será necessário esclarecer para concluir que não esperamos a magia incomparável do filme de Sam Mendes, que é uma obra-prima. Uma comédia satírica, perturbadora, onde a atmosfera pesada deste ambiente pleno de hipocrisia e convenções às vezes é iluminada por sequências narradas por uma voz cínica que felizmente não abusa muito de seu autor. Carregado por excelentes atores, naturais e sem modéstia, este filme cruel evita cair pesadamente em clichês graças a um cenário bem construído e uma encenação notável.
"Unsane", de Steven Soderbergh, abre da perspectiva de um perseguidor. Ouvimos na narração como o objeto de sua afeição o fez ver o mundo de uma maneira completamente nova. E não se engane. Essa mulher é um "objeto" para este homem, alguém que não tem sua própria agenda ou realidade fora do que ela pode fazer por ele; talvez nem tão diferente da realidade não virtual que nos apresenta o mundo! Mais tarde, saberemos que o perseguidor é um homem chamado David Strine (Joshua Leonard) e a mulher é Sawyer Valentini (Claire Foy), que ele conheceu enquanto ela cuidava do pai de Davi em seus últimos dias. Ele ficou obcecado por ela por causa do conforto que ela proporcionou ao pai, e, por extensão, a Davi. Em outras palavras, ela se tornou um objeto que o fez se sentir bem e assim ele sentiu uma conexão verdadeiramente unilateral, como muitas vezes são com perseguidores. Na superfície, "Unsane" é um potboiler, um thriller de perseguição de rotina, uma visão atualizada dos stalkers. Mas funciona por causa do quanto está acontecendo dentro dessa estrutura familiar, cortesia do roteiro inteligente de Jonathan Bernstein & James Greer, da direção claustrofóbica de Soderbergh, e da performance principal comprometida de Claire Foy. Sawyer ficou traumatizada com sua experiência com David, e isso impactou sua vida profissional e pessoal de uma maneira que a fez procurar tratamento. Ela vai a uma instalação, conta sua história, e preenche alguns formulários. Antes que ela perceba, ela está sendo convidada a entregar seus pertences pessoais e pediu para tirar a roupa. Ela vai ter que ficar pelo menos 24 horas para observação. Claro, ela surta, tentando falar com a mãe (Amy Irving), e até chamando a polícia. Quando ela confunde um ordenador com seu perseguidor e o atinge, sua "sentença" é aumentada para sete dias. Ela conhece uma paciente ameaçadora chamada Violet (Juno Temple) e uma solidária chamada Nate (Jay Pharoah), que diz a ela que ela é basicamente parte de um golpe de seguro, no qual hospitais como este admitem pacientes apenas para obter dinheiro de seus provedores. Como se tudo isso não fosse pesadelo o suficiente, Sawyer se assusta ao ver David distribuindo medicamentos para os pacientes. No início, ele afirma não ter ideia de quem sawyer é, e suas internações de trauma permitem que aqueles ao seu redor facilmente desacreditem suas alegações de que seu perseguidor se infiltrou no hospital em que ela está hospedada. Há um subtexto fascinante que é tecido através de "Unsane" sobre ouvir as mulheres quando elas dizem algo errado. O primeiro médico que Sawyer entra em pânico quando percebe que tem que ficar não sai do telefone imediatamente para falar com ela; um advogado que a mãe de Sawyer pede ajuda desliga sem esperar por perguntas ou mesmo dizer adeus; e até mesmo o novo papel em que Sawyer pode ou não estar vendo David é o de um homem controlador: alguém literalmente drogando as pessoas sob seus cuidados para que eles se comportem da maneira que eles querem (QUALQUER semelhança com o anestesista estuprador de grávidas em trabalho de parto - 2022 - no Rj, Brasil, não terá sido mera coincidência). Sem exagerar na dinâmica de gênero em "Unsane", Bernstein, Greer e Soderbergh têm algo a dizer sobre controlar, deslistar, homens carentes e tentativas de cancelamentos mais atuais. (E há outro comentário sobre a falha do sistema de saúde que liga este trabalho a "Logan Lucky", que também inegavelmente tinha esse tema.). E eles dizem isso com um novo estilo visual ousado. "Unsane" foi filmado em um iPhone e tem uma proporção maluca de 1.56:1. Está em algum lugar entre uma relação de quadro completo à moda antiga e uma tela larga tradicional, criando um visual boxy que combina perfeitamente com um filme sobre alguém que está essencialmente preso. Mais uma vez, Soderbergh apresenta uma economia tão notável da linguagem visual, como ele faz em quase todo o seu trabalho. Não parece que haja um cena desperdiçada aqui. (Se alguma coisa, parece que algumas cenas poderiam ter usado um pouco mais de material.) Na maior parte, "Unsane" é magro e mau, dando-lhe exatamente o que você precisa para ficar com ele. E o estilo visual tem um imediatismo que aumenta a intensidade, especialmente nas primeiras cenas em que a confusão reina e acima de tudo em uma sequência fantástica que já foi chamada de "A Cena da Sala Azul". Parece um estilo que permite pouco espaço para muletas tradicionais de atuação ou produção, o que coloca mais peso nos ombros de Foy. Ela sobe para o desafio com uma performance complexa e ousada. Ela é ótima aqui. Enquanto Soderbergh faz tudo o que pode para elevar o material, o ato final não aterrissa com o mesmo peso que seu melhor trabalho como o roteiro veers por algumas estradas que incluem alguns buracos de enredo demais e diminuem o trabalho no geral. É um pouco frustrante ver "Unsane" sucumbir a algumas armadilhas tradicionais nas cenas finais, especialmente depois de ser tão ousada até aquele ponto. Dito isso, a primeira hora é tão interessante, Foy é tão boa, e Soderbergh está tão claramente ainda no topo de seu jogo, que as falhas relativas do clímax podem ser perdoadas. Depois de uma breve aposentadoria, Soderbergh voltou rugindo com dois filmes muito diferentes em "Logan Lucky" e "Unsane". Ele não só voltou, ele está tão ativo como sempre foi. E o mundo cinematográfico é melhor para ele. Talvez o que me seja mais fascinantes é que um iphone tem esse poder, provado; obviamente que não teremos uma produtora de filmes na mão de muitos; a começar pelo preço do iphone, mas imaginar, pelo menos enquanto possibilidade, é genial...
A França de Vichy foi estabelecida em 10 de julho de 1940, após a rendição francesa à Alemanha. Os termos do armistício dividiram a França em uma zona ocupada, cobrindo o norte e oeste do país, e a chamada zona franca, no sul. O marechal Philippe Pétain, um herói da Primeira Guerra Mundial por seu papel na defesa de Verdun, tornou-se o líder do novo regime, tendo recebido plenos poderes de ambas as câmaras do parlamento. Pétain e sua comitiva viram a derrota da França e o colapso da Terceira República como uma chance de acabar com o legado de permissividade e decadência representado pelo governo da Frente Popular de esquerda da década de 1930 e pela Revolução Francesa. O governante de Vichy dispensou a democracia parlamentar e se engajou em uma política de colaboração com a Alemanha nazista, saudando-a como um novo começo para a França – uma “Revolução Nacional”. Charles Maurras, o ideólogo do movimento antissemita da Action Française, saudou esses desenvolvimentos como uma “surpresa divina”. Após a derrota da Alemanha nazista, um mito nacional cuidadosamente construído obscureceu a realidade do regime de Vichy. Charles de Gaulle, líder das forças francesas ditas livres, propagou esse mito, e os historiadores o ecoaram por muitos anos. Os livros escolares retratavam a França em tempos de guerra como uma nação de resistentes que se recusavam a colaborar com o ocupante. Relatos históricos influentes, como o “Histoire de Vichy”, de Robert Aron, retratavam Pétain como um “escudo” e De Gaulle como uma “espada”, cada um dos quais era necessário de maneiras diferentes para a defesa dos interesses franceses. À semelhança, quase, com Tiradentes, no Brasil, que hora serve a um e hora, a outro interesse. Na época da libertação, De Gaulle afirmou que “apenas um punhado de patifes” se comportou mal durante a ocupação: o resto do país podia se ver como patriotas. Essa “sublime meia mentira”, como Henry Rousso a apelidou, serviu de base para as tentativas de reconciliação nacional do pós-guerra, simbolizadas em 1964 pela transferência dos restos mortais do herói da resistência Jean Moulin para o Pantheon, em uma elaborada cerimônia de dois dias. Embora relatos críticos do regime tenham aparecido em francês durante esse período, como “Vichy: Année 40”, de Henri Michel, foram as pesquisas de historiadores estrangeiros que derrubaram essas concepções do regime no pós-guerra. Após a publicação dos estudos de Stanley Hoffmann, Alan Milward e Eberhard Jäckel (cujo “Frankreich in Hitlers Europa” ainda não foi traduzido para o francês), foi a “Vichy France: Old Guard and New Order” {França de Vichy: Velha Guarda e Nova Ordem], de Robert O. Paxton,1940-1944, que destruíram o consenso estabelecido sobre Vichy como uma estrutura que protegia os interesses franceses e resistia às demandas nazistas. Após a revolta de maio de 1968 e a morte de De Gaulle, o livro de Paxton virou o estudo de Vichy de cabeça para baixo, com um impacto combinado alcançado por muito poucas obras históricas, inspirando as conversas sobre uma “revolução paxtoniana”. Como o próprio Paxton teve o cuidado de enfatizar, foi maio de 68 que provou ser o elemento decisivo aqui, quando “os estudantes começaram a desafiar a reticência de seus idosos” e os franceses começaram a enfrentar “o lado sombrio de sua resposta à ocupação nazista.” Paxton argumentou que a colaboração não foi apenas uma catástrofe imposta à França pela derrota militar, mas parte de um conflito interno francês com uma história muito mais longa. Era algo que os líderes de Vichy buscavam ativamente, não uma exigência feita à França pela Alemanha. Tradições conservadoras, autoritárias e contrarrevolucionárias incubadas na própria França sustentavam a política do regime. Vichy não era um “mal menor”. Isso se aplicava com força especial ao tratamento de Vichy à população judaica na França. O regime promulgou leis antissemitas por vontade própria, aparentemente sem qualquer conexão com a invasão alemã em seu território; talvez seja verdade, talvez não seja! o que resta, de fato, é um sombrio obscurantismo que impede a verdade, se é que ela existe, de aparecer. EM 1940, ele revisou os casos de pessoas naturalizadas como francesas pela legislação aprovada em 1927: mais de 15.000 pessoas perderam a cidadania francesa dessa maneira, 6.000 das quais eram judias. Em agosto de 1940, os governantes de Vichy revogaram a Lei de Marchandeau, de 1939, que tornara ilegal estigmatizar, na imprensa, qualquer grupo de pessoas, com base em sua raça ou religião. Em outubro de 1940, o primeiro estatuto judaico definia as pessoas como sendo “de raça judaica”, se eles tivessem três avós judeus, ou dois avós judeus e um cônjuge judeu. As autoridades restringiram o emprego dos judeus no exército, no setor público e nas profissões liberais, e concederam aos chefes de departamentos permissão para colocar judeus estrangeiros sob vigilância policial ou interná-los em campos. Uau, a liberdade a igualdade, e a fraternidade não é para todos, meu lindo! Um segundo estatuto judaico em 1941 reforçou e ampliou essas medidas. Empresas judias foram retomadas ou fechadas. Em julho de 1942, policiais franceses reuniram 13.000 judeus “apátridas” em Paris e os levaram ao Velódromo de Inverno. Outros investidas ocorreram no ano seguinte no sul da França e no leste da França em 1944. Qualquer semelhança com o tratamento nazista dispensados aos judeus não é mera coincidência, mon amour! No total, 76.000 judeus foram deportados da França para os campos de concentração, a maioria deles passando pelo centro de detenção de Drancy, nos arredores de Paris. Poucos sobreviveram. Quase 2.000 dos deportados tinham menos de seis anos; mais de 6.000 tinham menos de treze anos. Como Paxton e Michael Marrus observaram em seu livro “Vichy France and the Jewish”, publicado pela primeira vez em 1981: “Quando os alemães começaram a deportação sistemática e o extermínio de judeus em 1942, o antissemitismo rival de Vichy ofereceu-lhes ajuda mais substancial do que encontraram em qualquer outro lugar na Europa Ocidental, e mais ainda do que receberam de aliados como Hungria e Romênia”. Os apologistas do regime inicialmente receberam “Vichy France” de Paxton com hostilidade, mas o livro teve uma influência duradoura em nossa compreensão da colaboração. Em sua esteira, surgiram diversos estudos sobre a ocupação, incluindo os de Philippe Burrin, Rod Kedward, John F. Sweets, Pascal Ory, Jean-Pierre Azéma e Bertram Gordon. Henry Rousso examinou a fixação com o período e os traumas associados a ele em seu livro “The Vichy Syndrome”. Esses debates e controvérsias relacionadas à existência e extensão da organização fascista, na França entre as guerras, ganharam nova relevância na década de 1980 com o surgimento da Frente Nacional de extrema direita (FN), liderada por um revisionista antissemita do Holocausto, Jean- Marie Le Pen. A equipe de liderança da FN e as influentes publicações de seus satélites incluíam vários ex-milicianos de Vichy, oficiais da Waffen-SS e colaboracionistas de vários tipos. Colaboracionistas como Roland Gaucher, ex-editor do jornal National-Hebdo da FN, não viram “nenhuma contradição” entre trabalhar com o partido colaboracionista Rassemblement National Populaire de Marcel Déat na década de 1940 e a FN de Le Pen meio século depois. As notórias observações de Le Pen descrevendo o Holocausto como um “detalhe” da Segunda Guerra Mundial, seu uso da palavra “sidaïques” em referência a pacientes com AIDS – que ecoavam o termo desdenhoso de Vichy para judeus, “judaïques” – e sua declaração de 2005 de que o regime de Vichy não foi “especialmente desumano” para ajudar a explicar por que homens como Gaucher se reuniram ao seu lado. A reinvenção de uma herança fascista na França contemporânea aguçou e dramatizou os debates sobre a ocupação. Tentativas de processar aqueles que participaram dos crimes do regime de Vichy, e esforços paralelos para reprimir tais esforços, demonstraram que, quaisquer que fossem os avanços da investigação histórica, ainda havia forças determinadas a bloquear um acerto de contas completo com o período. Paul Touvier era uma figura de destaque na milícia de Vichy, no leste da França, desde 1943. Ele serviu sob o chefe da Gestapo em Lyon, Klaus Barbie, que foi condenado por crimes contra a humanidade em 1987. No final da guerra, Touvier se escondeu e recebeu uma sentença de morte à revelia por sua participação na deportação e execução de prisioneiros judeus. Essas sentenças prescreveram em meados da década de 1960; em 1971, o Presidente Georges Pompidou concedeu-lhe um perdão. Em 1973, Touvier enfrentou novas acusações de crimes contra a humanidade. Os atrasos policiais e a indulgência de alguns clérigos católicos (Oh, meu Deus!), que lhe forneceram refúgios, significaram que ele não foi preso até 1989, tendo sido encontrado no Priorado de São Francisco em Nice. Em 1992, o Tribunal de Apelação de Paris decidiu que Touvier não poderia ser acusado de crimes contra a humanidade, pois as atrocidades cometidas por indivíduos sob o domínio de Vichy não se enquadravam na definição legal de tais crimes. A igreja católica é pródiga em não reconhecer seus crimes, e muito menos os crimes dos outros! Por que o caso assim se desenvolveu? De maneira extraordinária, a Corte divulgou uma avaliação detalhada do regime de Vichy, que concluiu que não poderia ser considerado totalitário, uma vez que não era caracterizado pela política de “hegemonia ideológica” e continha apenas alguns elementos semelhantes ao fascismo. O episódio de Touvier jogou luz sobre lugares desconfortáveis. Os refúgios seguros oferecidos pela Igreja Católica a um criminoso de guerra eram um lembrete, não apenas do papel da Igreja no caso Dreyfus – quando o antissemitismo político mais tarde mobilizado pelo fascismo do século XX havia surgido pela primeira vez – mas também da persistência do antissemitismo na França contemporânea. Não podemos esquecer que a extrema direita sobrevive e, respira, sem a ajuda de aparelhos; Marine Le Pen que o diga, não? Havia também a questão de outras cumplicidades subjacentes ao fracasso das instituições estatais, da polícia à presidência, em levar Touvier à justiça nos cinquenta anos desde que ele ordenou a execução de sete prisioneiros judeus. Ele acabou sendo condenado em 1994, tornando-se a primeira pessoa francesa a ser considerada culpada de crimes contra a humanidade. O caso de René Bousquet chamou a atenção para silêncios e indulgências ainda mais estranhos. Bousquet tinha sido um funcionário público no Ministério da Agricultura antes da guerra, e ele foi encarregado de arquivos de serviços secretos sob o governo da Frente Popular. Ele era um funcionário público de centro-esquerda, não um ativista de extrema-direita ou um agitador antissemita. Em abril de 1942, ele se tornou chefe de polícia de Vichy. A mágica nunca foi suficientemente explicada. Trabalhando em estreita colaboração com Carl Oberg, chefe da polícia alemã e da SS na França ocupada, Bousquet supervisionou mais de 60.000 deportações para os campos da morte entre 1942 e 1943. Ele organizou o recolhimento dos judeus no Velódromo de Inverno de 1942 em Paris e o ataque de 1943 ao Porto Velho de Marselha, durante o qual o bairro da classe trabalhadora foi arrasado, 25.000 pessoas ficaram desabrigadas e 1.642 prisioneiros foram enviados para o campo de internação Royallieu-Compiègne. Bousquet acabou sendo deposto de sua posição, acusado por colaboradores de extrema direita de ajudar a resistência. Após a libertação, ele foi condenado por “indignidade nacional” como parte do expurgo do pós-guerra, mas não cumpriu sua sentença de cinco anos por causa de sua contribuição para a resistência. Ele passou a ter uma carreira de sucesso no Banque de l’Indochine e no jornal Depêche du Midi, cultivando amizades com várias figuras políticas de destaque, especialmente François Mitterrand. Em 1991, Bousquet enfrentou acusações por sua participação na atrocidade do Velódromo de Inverno e pela abolição de regulamentos que protegiam algumas crianças judias da deportação. Bousquet representou a elite leal, eficiente e tecnocrática, cujo papel era se conformar à autoridade em vigor e promulgar sua legislação. Seu caso, presumiu-se, colocaria Vichy em julgamento e levantaria todas as difíceis perguntas não respondidas sobre as continuidades entre esse regime, a Terceira República, anterior à guerra, e as Quarta e Quinta Repúblicas do pós-guerra que se seguiram. Por que levou quase cinquenta anos para que o papel de Bousquet na deportação de judeus fosse revelado? Como se esquivou disso em seu julgamento de 1949? Quem o protegeu do escrutínio desde então? Como poderia uma autoridade estatal de alto escalão, cúmplice do Holocausto, ter desfrutado de uma carreira tão bem-sucedida no pós-guerra? Nunca recebemos respostas satisfatórias para essas perguntas, porque, em 8 de junho de 1993, um homem chamado Christian Didier entrou, vindo na rua, bateu na porta de Bousquet e o matou a tiros, alegando depois que era uma vitória do bem sobre o mal. O caso Bousquet e as revelações sobre sua amizade com Mitterrand chamaram a atenção para o papel do próprio presidente socialista na ocupação. Em 1994, quando Mitterrand ainda estava no cargo, o livro de Pierre Péan, “Une Jeunesse Française”, detalhou seu histórico de envolvimento político antes de se envolver na resistência no final da guerra. O flerte de Mitterrand com a extrema direita durante a década de 1930, o emprego de Vichy e o recebimento da honra Francisca pelos serviços prestados ao regime não eram segredos. Mas essas revelações ainda foram um choque para o público francês e obrigaram Mitterrand a se sujeitar a uma entrevista na televisão sobre seu passado. A recusa de Mitterrand em pedir desculpas em nome do Estado francês pelas atrocidades cometidas durante a Ocupação foi de maior significado. Ele argumentou que Vichy havia rompido com a República, que, portanto, não tinha responsabilidade por seus crimes: “Não vou me desculpar em nome da França. A República não tem nada a ver com isso. Eu acredito que a França não é responsável.” Isso foi uma continuidade da postura adotada anteriormente por De Gaulle e seus sucessores, que acreditavam que a negação era a melhor maneira de preservar a unidade nacional. Por fim, Jacques Chirac, dois meses após sua eleição como presidente em 1995, pediu desculpas em nome da nação francesa por sua cumplicidade no Holocausto, enquanto se esforçava para enfatizar que “outra França” de resistência ao nazismo estava prosperando em Londres na época. Como Bousquet, Maurice Papon era um funcionário público de alto escalão. Ele trabalhou para o governo da Frente Popular, depois provou ser um servo leal de Vichy e das várias administrações pós-guerra da Quarta e Quinta Repúblicas. Papon acabou se tornando deputado e prefeito gaullista e tesoureiro do Partido Gaullista UDR. No final da década de 1970, ele havia sido nomeado ministro do orçamento no governo de Raymond Barre sob o presidente Valéry Giscard d’Estaing. Papon esteve fortemente envolvido na atividade policial, durante e após a guerra. Como secretário-geral do chefe de polícia de Bordeaux durante a guerra, Papon tinha uma responsabilidade especial pelos assuntos judaicos e supervisionou a deportação de 1.600 judeus de Bordeaux para Auschwitz via Drancy. Após a libertação, ele assumiu cargos no Marrocos e na Argélia, onde empregou métodos de contrainsurgência envolvendo tortura, execuções sumárias e esquadrões da morte em apoio ao domínio colonial francês. Em 1958, ele se tornou prefeito de Paris. De Gaulle concedeu a ele a Légion d’Honneur em julho de 1961 por seus serviços ao estado francês. Em outubro de 1961, Papon se encarregou da repressão de uma manifestação argelina pro-independência em Paris, que prosseguiu desafiando o toque de recolher que havia sido imposto. A polícia sob o comando de Papon prendeu 11.000 argelinos: muitos deles foram espancados até a morte e jogados no Sena, com estimativas do total de mortos que variam de 50 a mais de 200. Em 9 de fevereiro do ano seguinte, a polícia de Papon atacou uma demonstração que o Partido Comunista Francês havia organizado em resposta a ataques terroristas da Organização Secreta do Exército, que estava empenhada em obstruir a independência da Argélia a todo custo. Seus oficiais mataram nove manifestantes e deixaram 250 feridos. Papon foi forçado a renunciar após o sequestro e desaparecimento do político marroquino Mehdi Ben Barka em 1965: Ben Barka foi preso por policiais em Paris, para nunca mais ser visto. Mas De Gaulle o nomeou diretor da empresa estatal Sud Aviation em 1967. Papon deixou o cargo em 1968 para seguir uma carreira política. Detalhes de seu papel de guerra só se tornaram públicos em 1981, quando a revista Le Canard enchaîné publicou documentos descobertos pelo historiador Michel Bergès. Papon foi acusado de crimes contra a humanidade em 1983, mas foi em 1997 antes de finalmente ser julgado, para ser condenado em abril de 1998. A carreira de Papon como funcionário do Estado destacou uma disparidade entre o acerto de contas da França com seu passado colaboracionista e sua amnésia sobre o registro colonial. Alguns historiadores argumentaram que seu julgamento marcou um ponto de virada, deslocando a atenção da lembrança de Vichy para a lembrança da Argélia. No entanto, não houve um marco simbólico para a memória colonial comparável com o pedido de desculpas de Chirac pelos crimes de Vichy. Em vez disso, a radicalização da direita dominante no século XXI tendeu a cimentar uma teimosa recusa a aceitar os crimes do império. Em 2005, houve até uma tentativa desajeitada de insistir que os alunos fossem ensinados sobre os aspectos positivos do colonialismo francês. Mais recentemente, quando os protestos do movimento Black Lives Matter eclodiram em junho de 2020, e ativistas na França expressaram sua raiva por estátuas comemorando figuras associadas à escravidão e ao colonialismo, os assessores do Presidente Emmanuel Macron alertaram contra a imposição de uma visão “binária” da história, alertando que uma concepção de memória “importada e interseccional” era incompatível com uma “memória republicana” compartilhada por todos. O próprio Macron falou do perigo de o “comunitarismo” levar o antirracismo a uma reescrita odiosa e falsa do passado: “A República”, declarou ele, em termos que recordavam a aversão de Mitterrand a qualquer pedido de desculpas por Vichy, “não apagará nenhum vestígio ou nome de sua história. A República não derrubará estátuas”. Embora Macron seja o primeiro presidente a reconhecer publicamente a tortura sistemática do Estado pela França durante a Guerra da Argélia, ele descreveu sua posição, em relação ao papel francês na Argélia e em suas outras colônias, como “nem de negação, nem de arrependimento”. Só em 2013 foi removida a última placa de rua com o nome de Philippe Pétain. Aqueles que buscam um acerto de contas genuíno para o colonialismo francês provavelmente precisarão de seu próprio maio de 1968 para alcançá-lo. Vamos ao filme! Em1942, os franceses foram ocupados pela Alemanha, durante o governo do Partido Nacional Socialista. A delegação de Propaganda Abteilung do ministério de propaganda da Alemanha do ex-maçon Jean Mamy (conhecido pelo pseudônimo Paul Riche), encomendou o filme Forças Ocultas que sem desculpas denuncia a Maçonaria como parte de uma conspiração judaica. Foi escrito por Jean Marquès-Rivière, e produzido por Robert Muzard, ambos condenados a punições no dia 25 de novembro de 1945 por sua colaboração, sob a França libertada. O filme de propaganda desonesta detalha um jovem deputado, que aprende que os maçons estão conspirando com os judeus e as nações anglo-americanas para levar a França a uma guerra com a Alemanha. Os nacional-socialistas eram inimigos da maçonaria, espalhando "fofocas" como os meninos do coro da Igreja, que haviam lutado contra ambos com mentiras. Ao opor-se a ela, e a tal propaganda, esta defende em alguma medida, a maçonaria. Portanto, eu nunca poderia pedir desculpas por defender o que faço, porque tem e pode (já que os fatos ainda não informam a mente do público) ser demonstrado, que suas opiniões se baseiam em suas opiniões, não em fatos. A visão de Guido von List e as idéeas de Adolf Hitler ainda influenciam setores da Europa com inclinaçõe tiradas de várias influências. No entanto, os EUA que adotam qualquer variante da escorregadia conspiração judaico-maçônica-iluminati inevitavelmente desenvolvem um antiamericanismo paradoxal, em nome do patriotismo - um revisionismo da história americana e do propósito dos fundadores, apesar de a própria nação eleger seu primeiro chefe sobre as honras maçônicas, com seu próprio capital, sendo uma referência à antiga Deusa Etrusca da Sabedoria. A visão nacional-socialista era um novo mito do sangue, e "preservacionismo da essência piedosa do Teuto (A Alemanha)", eles recentemente chamaram de "ariana", com Mussolini desejando que os italianos fossem reconhecidos como arianos. Segundo o ministro Goebbels em seu apelo à Alemanha cristã, Deus criou os alemães. Os mitos acreditados pelos nacional-socialistas não estavam em sua base, diferentes daquelas ideias que preocupavam qualquer outra ordem fraternal secreta, ou organizações públicas de natureza religiosa e filosófica. A Alemanha abrigou muitos desses grupos, e os nacional-socialistas como Himmler não estavam livres da moda ocultista. Atacar e reprimir maçons, judeus, etc., parece, portanto, muito estranho, hipócrita e suspeito. Mais uma vez, o Estado fascista não poderia ter nenhum elemento fora de si e, portanto, eles procuraram subverter estes grupos. Benito Mussolini também expressou seu pensamento sobre a Maçonaria, que francamente acho pouco convincente, mas suas opiniões são dignas de nota para a pesquisa. Havia Maçons que cedo se tornaram fascistas, assim como os judeus eram atraídos pela força das ideias no fascismo, e os maçons eram os primeiros financiadores de Mussolini. Isto para nem mencionar a afirmação de que Mussolini durante a Primeira Guerra Mundial foi um agente pago do MI5 britânico, o famoso serviço secreto do Reino Unido. Mussolini diz, ele é o renascimento de Mazzini, mas desrespeita a revolução que o precedeu e falhou, assim como falhou como Mazzini e Garibaldi, que eram maçons e partidários da Democracia popular. Era natural que alguns maçons vissem nele a chama de um destinado a erguer a Nova Itália e o povo italiano. Este desejo de ver o avanço da raça, como eles o colocariam, é compartilhado por muitos na esperança de todo o mundo. Mas ao contrário de Mussolini, apesar das diferenças, estavam lutando por uma causa em uma luta com o R.C.C. Mussolini, em seu apelo hipócrita ao Papado, portanto se alinhou contra esta causa, e parece nem mesmo compreender o que isso era. "Não esqueçamos que os maçons da Itália sempre representaram uma distorção, não só na vida política, mas também nos conceitos espirituais". Toda a força da maçonaria foi dirigida contra as políticas papais, mas esta luta não representou um ideal real e profundo". Mussolini diz: "em conceitos espirituais"! "Nenhum ideal real e profundo"! E muitas pessoas hoje em dia sustentam o sentimento anti-Maçônico de Mussolini. O filme é um dos exemplos mais extremos de colaboração ideológica franco-alemã a emergir da Segunda Guerra Mundial. Ecoando estereótipos racistas do século XIX, propaganda contemporânea e uma ampla gama de medidas repressivas instituídas tanto pelos nazistas quanto pelo governo de Vichy, o filme revive a teoria da conspiração paranoica de que uma rede secreta e internacional de maçons e judeus controla a política e a economia mundial. Um documentário que encobre a ficção nas convenções narrativas do verdadeiro documentário, e a perseguição ideologicamente motivada sob o pretexto da objetividade escolar, Forças Ocultistas coloca os espectadores no papel de um iniciado ingênuo - o jovem legislador Pierre Avenel - que a princípio acredita na democracia parlamentar e nos maçons, mas gradualmente descobre a "verdade" e é brutalmente atacado quando ameaça expô-la. Seguindo o padrão de dois clássicos docu-dramas nazistas de 1933, Hitlerjunge Quex e Hans Westmar, Avenel se transforma de um cruzado pela justiça em um mártir destinado a inspirar indignação moral e apoio ao fascismo. Um dos mais extremos filmes de propaganda anti-semita e anti-masônica já realizados. Vale o registro histórico e peço desculpas pelo intenso e enorme cenário, à guia de introdução; mas julgo importante pelo relato histórico e o entendimento que a histórico se repete; e está sempre, umbilicalmente, interligada!
"Dolemite Is My Name" é uma espécie de homecoming. Depois de décadas de comédia pg e pg-13 avaliado, sem mencionar voltas mais dramáticas como seu papel indicado ao Oscar em "Dreamgirls" e sua escolha imprudente de "Mr. Church", o auto-proclamado "Mister F--k You Man" está de volta. A menos de um minuto da cinebiografia muito divertida do diretor Craig Brewer, Murphy solta a palavra Samuel L. Jackson é mais famoso por pronunciar. Não é apenas o retorno triunfante ao xingamento que os fãs têm desejado, é também um lembrete: a palavra favorita de Sam Jackson pode ser maternal-adjacente e doze letras de comprimento, mas antes que ele a comandasse, era propriedade de Rudy Ray Moore. Murphy interpreta Moore, o trapaceiro camaleão que dividiu sua capacidade de mudar e sua tenacidade em uma carreira como comediante de stand-up cujo personagem de assinatura, Dolemite, o tornou famoso. Antes de descobrir o mal-humorado e auto-promotor do título, Moore tentou sua mão na dança do shake, atos mágicos e até mesmo cantando. Quando o filme estreia, Moore está tentando convencer um DJ local (Snoop Dogg) a tocar um disco que gravou na sala de estar de sua tia. O DJ não se comove com o som de R&B ultrapassado. "Nosso tempo passou", diz o DJ Snoop. "Você acha que eu quero estar executando uma estação de rádio fora de uma loja de discos do gueto?" Essa loja de discos mantém ambos empregados, juntamente com o amigo de Moore, Toney (Titus Burgess). É trabalho de Toney afastar o wino (Ron Cephas Jones) que continua vindo para pedir mudança. Jones pode ser fisicamente estranho, mas seu jogo verbal cheira a gênio em potencial. Tropeçando na loja, ele regala qualquer um que vai ouvir com contos da "mãe mais malvada que já viveu, Dolemite". Dolemite se gabava de sua proeza sexual sobrenatural e seus feitos lendários de derring-do. Ele "algemou um raio e jogou a bunda do trovão na cadeia." Com cascalho em sua voz e os tremores de possível retirada em sua pessoa, Jones é eletrizante nesta breve participação, cativando o público tanto quanto ele faz o Moore na tela. Com um pouco de afiação das piadas, Moore pode pegar essas histórias e produzir um álbum de comédia refletindo-as de volta ao mundo. O verdadeiro Rudy Ray Moore está no registro creditando o bairro como a gênese para suas histórias e raps Dolemite. Como uma pessoa diz no filme, muitos desses caras estavam na cadeia e, para passar o tempo, elaboraram esses contos altos de significação e braggadocio a partir de suas próprias experiências e do diálogo colorido que ouviram nas esquinas. Moore recolhe essas lojas em uma cena montada em torno de uma lata de lixo onde Jones e seus companheiros de rua giram seus fios por dinheiro. No entanto, Moore não estava sozinho na mineração desta veia particular para o ouro cômico: Quando Richard Pryor virou sua comédia para longe do olhar branco e olhou para seu próprio jardim da frente, ele criou Mudbone, o filósofo de rua que estreou no registro no mesmo ano em que Dolemite fez sua estreia na tela. De Ned the Wino em "Good Times" a "Do the Right Thing" Da Mayor, este personagem em particular tem sido frequentemente usado como uma folha que escondia verdades amargas dentro do humor amplo, como os tolos de Shakespeare, mas com mais hipérbole. Bêbados e oprimidos podem ser, mas isso não nega a sabedoria obtida com as duras realidades de suas experiências. Como diz o ditado, em vino veritas. Após o sucesso de seus álbuns de comédia, um dos quais até mesmo paradas na Billboard, Moore considera o que vem a seguir para Dolemite. Enquanto assiste "A Primeira Página" de Billy Wilder com seus amigos, Moore percebe que a verdadeira imortalidade reside na tela, onde o feixe de luz atirando do projetor é como uma gravação de caverna. Ele acha que fazer filmes é fácil porque, para ele e seus comparsas, a comédia de Wilder não é nada divertida, mas foi feita e está nas telas de toda a América. "Este filme não tinha peitos, nem engraçado e nem kung-fu", diz Moore, "as coisas que pessoas como nós querem ver." Moore está determinado a fazer um filme doLemite. E ele não vai deixar sua falta de conhecimento cinematográfico atrapalhar. Quando os escritores Scott Alexander e Larry Karaszewski foram anunciados, pensei que eles eram a escolha errada para este material, mas em muitos aspectos, a história de Moore tem paralelos com seu antigo sujeito, Ed Wood. Como o filme de Burton, "Dolemite Is My Name" tem um elenco coadjuvante de personagens coloridos que são adoravelmente estranhos, começando com D'Urville Martin, de Wesley Snipes. Martin é a pessoa mais ácida do set, tendo trabalhado como ator com Roman Polanski ("oh, você foi o operador do elevador em 'O Bebê de Rosemary'", alguém aponta) e o colega de Moore, Fred Williamson. Martin não está a bordo até Moore oferecer "Dolemite" como sua estreia na direção, além do papel do antagonista do filme. Bêbado com o poder, Snipes dá uma performance escandalosamente engraçada que combina prima donna preening com resignação mal-humorada sobre o que ele percebe como um caso amador sob seus talentos. Também estão em performances divertidas Keegan-Michael Key como o escritor Jerry Jones e Craig Robinson como Ben Taylor, o homem que faz por Dolemite o que Ike Hayes fez por Shaft, menos o Oscar. No centro de "Dolemite Is My Name" está Eddie Murphy, cuja performance me deixou um pouco em conflito. Uma imitação brilhante, Murphy poderia ter ido para uma imitação vocal completa de Moore (embora, mesmo com o intestino pudgy, ele realmente não se assemelha a sua contraparte da vida real), que é o que eu esperava que ele faria. Em vez disso, Murphy praticamente usa sua própria voz, então a cena em que Dolemite está cantando "The Signifyin' Monkey", toca mais como Eddie Murphy homenageando seu herói em vez de se tornar ele. No entanto, há algo mais acontecendo aqui, algo parecido com o que Anthony Hopkins fez em "Nixon", ou talvez o que Diana Ross fez em "Lady Sings the Blues". Isso não é fac-símile; em vez disso, captura a essência da pessoa que o ator está interpretando. O verdadeiro Moore tinha empatia genuína pelas pessoas ao seu redor, bem como uma tenacidade que surgiu de seu ego, mas foi temperada pela autodepreciação. Murphy transmite tudo isso soberbamente, muito dele refletido em seus olhos. Há aquele brilho travesso que conhecemos e amamos Eddie, mas também há uma doçura e vulnerabilidade que não vejo de Murphy desde que Lisa devolveu os brincos ao Príncipe Akeem no MTA em "Coming to America". Olhe para a maneira amorosa que ele platonicamente aparesenta em Lady Reed (uma excelente Da'Vine Joy Randolph), o patrono em seu clube de comédia que mais tarde vai estrelar como a senhora do estábulo de dolemite de mulheres de kung-fu. Nela, ele vê um espírito igualmente confiante, uma grande e bonita mulher, contrapartida ao seu homem pastoso e médio. Seu hilário e imundo dueto de paródia de música country é um dos destaques do filme. Reed recebe um discurso sobre representação que no início parecia exagero — podemos inferir o que ela está dizendo das cenas em que está — mas talvez precisasse ser vocalizada de qualquer maneira para que as pessoas na parte de trás possam ouvi-lo. Comparações certamente serão feitas entre este filme e o muito mais azedo e terrível "O Artista do Desastre", mas uma distorção mais próxima seria "Baadassss" de Mario van Peebles! Como a crônica de Van Peebles sobre a criação do clássico indie de seu pai, "Dolemite Is My Name" toca como algo que foi feito enquanto estava em fuga, evocando a sensação de seu assunto. Seu humor abundante nunca é amargo ou auto-zombador, mesmo em seus momentos mais absurdos. "Dolemite" de Moore pode parecer um filme à meia-noite no estilo "The Room". "Dolemite Is My Name" é uma biografia típica impulsionada por sua alegria implacável, sua afeição por seu sujeito e compromisso com o tempo e o lugar que está definido. E ainda assim, algo ainda me incomoda sobre seu desempenho principal. Não me faça mal, Murphy é muito, muito bom, e com base nisso, eu adoraria vê-lo enfrentar Pryor em seguida. Eu só compro-o mais como Rudy Ray Moore do que como Dolemite. Essa é muito provavelmente a intenção aqui, como Moore diz inúmeras vezes no filme que o papel é inteiramente um put-on. Que eu continuo rolando esta performance em torno de minha cabeça diz algo sobre o seu poder de permanência. Murphy não é exatamente o mais caridoso dos atores quando ele é o protagonista, um subproduto de seu poder estelar, mas ele está no seu melhor aqui quando ele está deixando a cena ser roubada debaixo dele. Sua última cena é um excelente exemplo disso — quem pensou que sua persona sábia na tela poderia ser tão humilde?
Prozac é um medicamento antidepressivo, da classe dos inibidores seletivos de recaptação de serotonina; foi descoberto por Eli Lilly and Company, em 1972. Contudo, só em 1986 começou a ser usado. Em geral, o Prozac é usado para o tratamento da depressão. Contudo, pode ser indicado para TOC, TDPM, TPM, e até bulimia nervosa. É administrado oralmente, ou seja, em pílulas. O Prozac aumenta os níveis de serotonina no cérebro e isso causa a melhora dos sintomas dos problemas para os quais ele é indicado. Contudo, as melhoras não são instantâneas, podendo levar algumas semanas para fazer efeito. Prozac Nation, ou geração Prozac, é um filme de autoria estadunidense e alemã que foi lançado em 2001. Ele é baseado no livro do mesmo nome de Elizabeth Wurtzel, que foi lançado em 1994. A história narra os dramas psicológicos que acontecem com Elizabeth no início da utilização do Prozac. Na trama, Elizabeth é uma adolescente brilhante que foi aceita em jornalismo na conceituada Universidade de Harvard. Por essa razão, ela e a mãe vão morar na cidade de Cambridge, Massachusetts, nos EUA. Como seus pais são divorciados desde muito que ela era muito nova, a falta que ela sente do pai a faz sentir-se carente e depressiva; ou contribuí para isso. Já na faculdade, ela tem como companheira de quarto uma moça chamada Ruby e começa a namorar com um rapaz chamado Noah. Ela começa a trabalhar para um jornal grande, se envolve com drogas e tem uma vida sexual desregrada. No entanto, essa mudança de vida, somada a problemas familiares, a faz se afundar mais na depressão. Ademais, com o aumento de tudo isso, ela acaba magoando e afastando seus amigos, a mãe e o namorado. Nesse momento, decide procurar ajuda profissional. Elizabeth marca uma consulta com a Dra. Diana Sterling (Anne Heche), que lhe receita o antidepressivo Prozac. Mesmo a história sendo de 1994, o tema ainda é atual (2022). Isso se dá porque tanto na história como na nossa sociedade o Prozac é considerado uma pílula salvadora. Não por coincidência, ela é conhecida como a pimenta da felicidade. A nossa sociedade está marcada pela convicção de que qualquer sofrimento pode ser abolido. Nem que para isso se precise tomar bombas de medicamento. Assim sendo, o importante é parar de sentir dor. Com isso, o uso constante de medicamento se tornou comum. Não se pode deixar de culpar também a indústria farmacêutica por isso. Essa indústria há anos investe pesado no marketing das pílulas salvadoras. Assim, é a partir disso que tem início a fomentação de remédios para doenças, transtornos, e síndromes para emagrecimento ou para o sono. Além de tudo isso, a depressão recebe muito mais foco. Por essa razão, o número de casos vem se disseminando mais e mais. No Brasil, cerca 10% da população sofre de depressão. Porém, muitos indivíduos não sabem ou não admitem que tem a doença, e não procuram ajuda especializada. Sei lá, conhecendo tanto gente com depressão que fica muito difícil criticar o remédio...
Gregg Araki uma vez descreveu Totally F***ed Up, sua continuação do novo grampo do Cinema Queer de 1992, The Living End, como uma "história de bonecas de fag-and-dyke adolescente underground... uma espécie de cruzamento entre o cinema experimental de vanguarda e um filme queer John Hughes. A declaração atesta não apenas o radicalismo comprometido de Araki, mas também ao seu senso de como a política da cultura pop joga para a juventude alienada. Ele provavelmente adorou uma rave de um jornal de São Francisco saudando o filme como "uma versão dos anos 90 do Clube do Café da Manhã". Os Brat Packers de Araki, muito mais rudes e mais vociferantes que os de Hughes, são um grupo de adolescentes arco-íris se misturando por meio do triplo-whammy da adolescência, tédio e homossexualidade desabotoada em uma Los Angeles, EUA, melosa e falsamente libera obviamente em tudo o que pode ser considerado liberal pelos estadunidenses. Na verdade, sexo estranho nunca é um problema; em vez disso, é a carga emocional e os babacas homofóbicos que as jovens personagens têm que lidar regularmente que levam à principal ninhada Andy (James Duval) a concluir que o suicídio pode não ser uma má ideia, afinal. Outros orbitando em torno do deliberadamente caloteiro beverly Hills do filme, incluem o aspirante a cineasta Steven (Gilbert Luna) e seu namorado Deric (Lance May), Tommy (Roko Belic), e o casal de lésbicas ácidas Michele (Susan Behshid) e Patricia (Jenee Gill), todos lidando com suas ecstasyas pessoais e misérias. Godard sempre esteve entre as maiores influências de Araki, e, de fato, Totalmente F***ed Up foi chamado de Masculin Féminin. Vivre Sa Vie também é evocado por meio da estrutura segmentada do filme, mas a maior sombra estilística aqui pode ser Katzelmacher, durante a qual Rainer Werner Fassbinder igualmente apoiou um lote de jovens forasteiros contra a parede da sociedade e assistiu aos destroços resultantes. As personagens tentam fugir para seus próprios universos independentes, completos com gírias auto-contidas (se masturbando para Randy se torna "atirar girinos na lua"), mas o mundo está sempre invadindo, inevitavelmente na forma de dor emocional. O romance provisório de Randy com um potencial Sr. Right (Alan Boyce) fornece ao filme não apenas o mais próximo que tem de uma narrativa, mas também com o senso de Araki (também compartilhado com Fassbinder) de que chegar a um acordo com sua sexualidade não necessariamente protege você das agonias que muitas vezes vêm com relacionamentos. Afinal, este é um filme onde um vídeo do Contrabandista Nine Inch Nails é motivo suficiente para trair a afeição de outra pessoa. "A vida é uma merda", diz Andy em um de seus momentos mais ensolarados, mas o niilismo nunca é de Araki. Na verdade, para todos os discursos murmurados sobre aids e relacionamentos de merda, grande parte do tom de Totally F***ed Up é espetado em sua compaixão e humor, devido em grande parte à dupla lésbica engraçada de Behshid e Gill. A total falta de piedade e condescendência carrega o filme sobre seus pontos ásperos e remendos sem rumo. Os finais da Trilogia do Apocalipse Adolescente de Araki (da qual Totalmente F***ed Up é a primeira parte) podem parecer totalmente desolados, mas todos eles se movem em direção a uma rejeição do negativismo em favor das duras, mas inescapáveis complexidades do mundo. A vida é foda, o cineasta está dizendo, mas vale a pena viver. Principalmente porque, aparentemente, não temos opção!
Ofuscado por seu trabalho diário e periódico de 16 mm de anos posteriores, o filme de estreia de Jonas Mekas, Guns of the Trees é uma narrativa experimental de longa-metragem filmada em 35mm. É um trabalho fundamental tanto dentro de sua própria filmografia quanto dentro do nascente movimento do Novo Cinema Americano. Como tal, qualifica-se como uma encruzilhada crucial entre as possibilidades do cinema narrativo e o pioneiro cinema de vanguarda que estava por vir. Influenciado igualmente pela Europa New Wave e american beat cinema – especificamente Shadows (1959) e Pull My Daisy (1959) – Guns of the Trees é uma cápsula do tempo da agitação cultural e do crescente movimento cinematográfico independente do início dos anos de 1960. Quatro jovens estão tentando entender por que sua amiga, uma jovem mulher, cometeu suicídio. Um filme feito de cenas desconectadas, tecendo entre passado e presente a reviravolta pela qual passava os EUA; muitas possibilidades e vida e uma atuação criminosa a focar em guerras e invasões ao redor do mundo. O título do filme vem de um poema de Stuart Perkoff que conta que alguns jovens sentiram (por volta de 1960) que tudo estava contra eles, tanto que até as árvores nos parques e ruas pareciam-lhes como armas apontando para sua própria existência. "Guns of the Trees" registra com seriedade e alegria a sensação de um determinado momento no tempo, início de 1960, e as preocupações que pareciam imediatas então. Nada muito diferente do que hoje parece se dar; a novidade, à época, era uma certa preocupação com o coletivo, e hoje fala mais alto a individualidade. Agora eles têm um onírico, de qualidade: Caryl Chessman, Estrôncio 90, Castro, Formosa, a geração beat. As emoções uma vez agitadas por essas palavras se dissiparam em grande parte sem muita atenção ser tomada. O que Jonas Mekas fez nesse filme, talvez sem a intenção total, é um documentário de um estilo de vida. Não há nenhum complô para falar. As personagens são representações dos abandonos da sociedade, beatniks que costumavam ser chamados, que vivem vidas relativamente simples, descomplicadas pelo Vietnã e Timothy Leary. Eles falam muito, e levam ideias muito a sério. Eles mantêm gatinhos de estimação, jogam handebol, escrevem poesias, marcham em manifestações de paz, fazem amor e se reúnem para jantares baratos de cozidos de vegetais. Eles achariam um Be-In levemente ridículo, e quando eles querem explodir suas mentes, baby, eles fazem isso do jeito estadunidenses; algo como somos os melhores do mundo e o resto, ah, o resto é o resto! honrado pelo tempo ficando bêbado. A câmera de Mekas acompanha a vida de dois casais em vários dias bastante comuns, antes e depois de uma das mulheres cometer suicídio. O suicídio não é uma surpresa; a mulher tem falado sobre isso, e seus amigos têm tentado animá-la. Depois de falharem, perguntam-se por quê. Não há resposta, é claro, e Mekas não tenta forçar uma. Ele se contenta em deixar as coisas acontecerem e muitas vezes consegue uma espontaneidade difícil de descrever. Em uma cena, por exemplo, a atriz Argus Speare Julliard senta seu amante (Ben Carruthers) grosseiramente e carinhosamente para baixo em uma cadeira e administra um corte de cabelo. É um momento alegremente humano. A trilha sonora também evoca o estilo de 1960. Canções folclóricas são executadas na moda apalachiana e bluegrass popular antes de todos serem amplificados, e Allan Ginsberg lê o jovem verso irritado que escreveu antes de ir para a Índia e se refrescou nas águas do Ganges. Porque não oferece as recompensas habituais dos filmes - suspense, fuga, romance, humor - esse filme provavelmente não vai atrair muitas pessoas. Mas se você ler "Uive" em voz alta ou pensou que talvez um dia você pegaria carona para São Francisco, você poderia dar uma olhada. Vai se surpreender, mesmo passados 60 anos, ainda se emocionara com as tentativas, ainda que as possibilidades estejam cada vez mais restritas! É um belo registro de muita coisa...
Início dos anos 2000, em uma pequena cidade no Estado do Oregon, nos EUA. Para se vingar do gordinho George que persegue seu irmão mais novo, Sam, na saída da escola, o adolescente Rocky convida alguns companheiros para uma viagem de barco, a fim de jogar George na água e fazê-lo tomar um susto saudável, ou não! História terna e cruel sobre a dinâmica adolescente em diferentes níveis de idade, favorecida pela unidade de lugar, tempo e ação do passeio de barco; é White People Problem berrando aos ventos, a plenos pulmões; a minha emoção indica zero! Filme pequeno e conciso, apoiado por uma direção impecável dos artistas e uma fotografia panorâmica (Sharone Meir) "que captura as semelhanças entre a variação da luz e os desenvolvimentos da história" (E. Terrone). Tímido e minucioso, Sam é vítima do ataque desmotivado do arrogante Georgie, um valentão da escola; obviamente cheio de problemas típicos de gente assim! Foda-se! Após mais uma investida do gordo e intolerável maníaco, Rocky, irmão mais velho de Sam, elaborará, junto a outros dois amigos um, plano para punir e humilhar o valentão corpulento: com a desculpa de um falso aniversário, o grupo convidará Georgie para fazer uma viagem, durante a qual a vingança deverá ser consumada. Percebendo que Georgie é realmente um garoto solitário e desajustado, Sam pedirá a seu irmão Rocky para abortar o plano, mas será a dinâmica do grupo que determinará os eventos, entre impulsos adolescentes e a dolorosa aquisição de um senso de responsabilidade. Vou à lagrimas quanto o justiceiro aborta a vingança com pena do punível; vejam só o gordo idiota é uma aberração social; deixe atacar os outros, vai ser bom pra ele! e para os outros, cara pálida? Perdi meu tempo e leva zero de 1.
O Selvagem (1953) ainda aproveita hoje? quase 70 anos após seu lançamento, uma aura infalível com a presença de Marlon Brando, que lançou a moda do Perfeito Homem desejável, mas não para casar-se: James Dean fará o mesmo em "A fúria de viver" (1956), mas muito melhor (lado da interpretação). Isso resultará no fenômeno rock'n'roll popularizado em todo o mundo graças a Elvis que assumirá os códigos de vestimenta do jovem Marlon. De certa forma, um novo e fundador filme que lançou as bases da geração do rock. Originalmente seu, Sr. Brando! Vamos notar ao seu lado a presença de um certo Lee Marvin !!, já visto em Hathaway ou Lang. Mais tarde, ele será encontrado em "A bout portant", "The dirty tozen"... Mal premiado com o Globo de Ouro de melhor diretor por "Morte de um Funcionário Viajante", Laslo Benedek aproveita seu sucesso para pintar (em traços muito grandes) o retrato de um jovem à deriva (uma geração? um país? de uma nação que venceu a grande segunda guerra!?. E assim, afixar seu nome reconhecido pela profissão a um filme transgeracional (1950-60). Parabéns, Laslo! Além disso, ele é o primeiro a encenar esse novo gênero de filmes: Benedek polvilha "The Wild Equipped" com um classicismo hoje de partir o coração. Música muito pouco procurada, ídolo dos jovens mal apresentado (como Brando se tornou Brando? Graças a Kazan, para mim), realização muito suave (entender clássico), montagem muito lenta (a la "Easy rider" mas menos mítica). Finalmente, "O selvagem", uma verdadeira obra-prima do período censurado pela fúria bárbara deve ser observada apenas para os fãs incondicionais do ator de "A Perseguição Implacável" e as "Revoltas da Recompensa". Os outros, decolam a toda velocidade! Espectadores, sim, há momentos de antologia (Brando e sua banda nas motos), sim, é uma obra-prima (porque revolucionou o cinema: novo gênero e novo ator meio anjo meio-demônio), e sim envelheceu, mas temos diante de nós O filme fundador do rock n' roll, possivelmente talvez; há de se registrar que o rock que vendia discos como água no deserto tinha muita coisa, mas nada revolucionário como se ficou conhecido; afinal das contas money is money! Então, vamos perdoar e procurar uma cultura cinematográfica completa. Eu me permito não fazer. leva 2 de 10!
Na primavera de 1972, a polícia invadiu um apartamento no lado sul da cidade de Chicago, no Estado d Illinois, nos EUA, onde sete mulheres, que faziam parte de uma rede clandestina, foram presas e acusadas de praticar e ajudar a praticar abortos. Usando codinomes, fachadas e esconderijos para se protegerem, e seu trabalho, as acusados construíram um serviço subterrâneo para mulheres que buscavam abortos ilegais, acessíveis e todas identificavam-se pelo codinome Jane. Dirigido por Tia Lessin e Emma Pildes, The Janes oferece relatos, em primeira mão, das mulheres no centro do grupo, muitas falando primeira vez. The Janes conta a história de um grupo de criminosos improváveis. Desafiando a legislação estadual, que proibiu o aborto, a Igreja Católica que o condenou, e a Máfia de Chicago que estava lucrando com tal estado das coisas, os membros de Jane arriscaram suas vidas pessoais e profissionais para ajudar mulheres necessitadas. Numa época em que o aborto era um crime na maioria dos estados estadunidenses, e até mesmo a circulação de informações sobre aborto era um crime no Illinois, as Janes forneceram abortos de baixo custo e, até, gratuitos para cerca de 11.000 mulheres. Um documentário olha para o passado – uma rede secreta de provedores de aborto no final da década de 1960 – como uma janela para o futuro dos direitos reprodutivos restritos nos EUA, e que parece será recrudescido - agora em 2022, quando a Suprema Corte de Justiça decide pela ilegalidade naquele país para abortos. Os EUA continuarão sua marcha de anos para trás sobre os direitos reprodutivos. O acesso ao aborto nos EUA em 2022 espelha 1972, um ano antes de a Suprema Corte garantir o direito da mulher a um aborto com Roe v Wade, e uma época em que uma esparsa colcha de retalhos de legalização em alguns estados forçou muitas mulheres a procurar atendimento de provedores ilegais duvidosos ou métodos perigosos em casa. O filme de 101 minutos, dirigido por Tia Lessin e Emma Pildes, traça as evoluções políticas pessoais de vários membros, bem como o desenvolvimento do grupo a partir da coleção de ativistas que conectavam mulheres com provedores de aborto seguros – médicos homens ou homens que alegavam ser médicos – para realizar o procedimento eles mesmos. O grupo eventualmente proporcionou mais de 11.000 abortos, muitos para mulheres pobres que não podiam pagar outra opção. As mesmas mulheres – pobres, rurais, pessoas de cor, muitas vezes jovens – que são deixadas para trás agora pelas medidas extremas aprovadas pelas legislaturas estaduais republicanas que proíbem o aborto já de seis semanas após a gravidez, antes que a maioria das mulheres saibam que estão grávidas. "Este filme é instrutivo sobre como este país se parece quando a saúde da mulher – saúde básica – é criminalizada", disse Lessin ao The Guardian. "Porque o que sabemos ser verdade é que quando o aborto é ilegal, não significa que as mulheres parem de procurar abortos. Significa apenas que eles não têm acesso a abortos seguros." Como um ex-médico de Chicago observa no filme, a ala de aborto séptico de seu hospital – uma característica padrão antes de Roe – admitia 15-20 mulheres por dia com lesões ou infecções, às vezes letais, de tentativas de aborto. Esse perigo levou Heather Booth, entrevistada no filme, a encontrar um médico para fornecer à irmã de um amigo um aborto como estudante universitária em 1965. À medida que o boca a boca se espalhou, Booth reuniu vários amigos do movimento das mulheres para compartilhar a carga de trabalho, que informalmente se tornou as Janes. A rede eventualmente incluiu numerosos esconderijos, motoristas clandestinos, funcionários telefônicos, panfletos pseudônimos e, uma vez que souberam que um de seus principais médicos não tinha licença médica (ele também aparece no filme e fala francamente sobre sua motivação: debaixo do dinheiro da mesa), treinamento para fazer os procedimentos eles mesmos. "Há muitas maneiras pelas quais este filme nos dá um exemplo de como ele parece ser de ajuda e de uso. E, infelizmente, vamos precisar cada vez mais disso nos próximos anos", disse Lessin. "É uma espécie de chute na bunda e talvez um chamado à ação. Não deveríamos estar sentados em nossas mãos e suspirando sobre o estado deste país. Há sempre algo a ser feito. E, neste caso, eles decidiram criar essa rede." O filme, que inclui entrevistas com várias ex-Janes e imagens de arquivo de protestos do final dos anos 60 em Chicago, faz parte de uma coleção de filmes recentes que revisitam o passado de pre-legalização como eclipses de acesso nos EUA. Acontecendo, um filme da diretora francesa Audrey Diwan, transforma o livro de memórias da romancista Annie Ernaux de procurar um aborto ilegal na década de 1960 em um thriller. O longa-metragem Call Jane, estrelado por Elizabeth Banks como uma fictícia jane cliente-virou-membro-transformado-provedor de aborto e Sigourney Weaver como um organizador dauntless modelado em parte sobre a líder da vida real Jody Parsons. Call Jane, dirigido por Phyllis Nagy, alistou Jane membro e participante do documentário Judith Arcana como consultora histórica. Arcana estava entre as sete Janes presas pela polícia de Chicago em 1972 e foi acusada de conspiração para cometer aborto, com a ameaça de 110 anos de prisão. "Éramos mulheres comuns tentando salvar a vida das pessoas, mas éramos criminosos", diz Arcana no filme. (A advogada do grupo, Jo-Anne Wolfson, parou o julgamento até que o veredicto de Roe rejeitou suas acusações.) O filho de Arcana, Daniel, começou a produzir sobre o que se tornaria o documentário em 2016, quando Trump foi eleito e "a escrita estava na parede", disse Emma Pildes, sua irmã e codiretora do filme. O contexto no final da década de 1960 é diferente de agora, mas as razões pelas quais as pessoas procuram abortos – com medo, confiança ou, muitas vezes, desespero – permanecem as mesmas. Ela não estava pronta. Estupro. Falta de finanças. Lutando para ficar à tona com as crianças que ela tem. Riscos médicos. Ela simplesmente não quer ter um filho. Em uma das sequências mais pungentes do filme, várias Janes seguram os cartões de índice usados para acompanhar as chamadas, que foram lidas em voz alta e passadas aos membros para acompanhamento. Há pilhas deles, cada caso individual com notas como "medo da dor", "aterrorizado", "21, tem um filho, $0" e "seja cauteloso pai é um policial". Cada Jane também se lembra das que fugiram ou não puderam ser alcançadas, como uma mulher negra de 19 anos que entrou em seu esconderijo com uma infecção por um aborto mal feito e, quando disse que precisava ir ao hospital, fugiu. As Janes mais tarde descobriram que ela morreu de septicemia. "Sentimos uma enorme quantidade de culpa ligada a isso", diz Martha Scott, uma ex-Jane, no filme. "Não que isso fosse nossa culpa, mas ela veio por meio de nossas mãos, e nós não fizemos o suficiente." "Mostramos muito claramente no filme o que acontece quando o aborto é legal em um estado e não legal em outro", disse Lessin. "Vimos quem é capaz de fazer a viagem e quem fica para trás. É muito cortado e seco. É ao longo das linhas raciais, é ao longo das linhas econômicas – nós vimos isso então e estamos vendo isso agora, e vamos vê-lo em esteroides nos próximos anos." A ameaça da legislação contra a escolha é clara no horizonte; 13 Estados têm as chamadas proibições de "gatilho" prontas para entrar em vigor no dia em que Roe for derrubado, e foi; aprovado por legisladores conservadores profundamente fora de sintonia com a opinião pública mais matizada, que favorece o acesso ao aborto. Os direitos reprodutivos simbolizam o endurecimento do domínio minoritário nos EUA; a questão não está mudando a opinião pública, mas tendo uma democracia que a reflita. Perguntado, nesse sentido, se esperava alcançar audiências conservadoras, Pildes respondeu: "Não precisamos", como a maioria das pesquisas acha que entre 85% e 90% dos estadunidenses acham que o aborto deve ser legal em pelo menos algumas circunstâncias. "Seria bom e certamente uma das coisas que queremos promover é o diálogo. Queremos que as pessoas conversem sobre isso por várias razões, não apenas para mudar corações e mentes, mas para não estigmatizá-lo e fazer com que as pessoas que fizeram abortos não se sintam como párias, envergonhadas ou que fizeram algo errado." "Não podemos controlar o que as pessoas fazem com o que fizemos", disse Lessin. "Principalmente espero que, depois que os créditos rolarem, eles possam sentir as emoções em torno do que parece quando o aborto é criminalizado. Que eles podem sentir a raiva que sentimos, eles podem sentir o compromisso de nos impedir de voltar." Eu gostei do filme do pondo de vista do resgate histórico, mas eu tenho minhas dúvidas sobre o tema...cidadãos estadunidenses implementando ações para ajudar pobres e desassistidos, não me convence...sei lá!
"A Ponte" é um documentário misterioso e indelével sobre suicídio, justapõe a beleza transcendente e a tragédia pessoal tão fortemente quanto qualquer filme que eu possa me lembrar. Ao longo do filme, inspirado em "Jumpers", artigo de Tad Friend de 2003 para o The New Yorker, a Golden Gate Bridge brilha como um caminho para o céu. Fotografada de múltiplas perspectivas, em todos os momentos do dia e em todos os tipos de clima, a ponte se aproxima como um monumento sobrenatural que parece flutuar no espaço, especialmente quando tocado com neblina através da qual as torres de São Francisco espiam. A Golden Gate, no entanto, também é um ponto de partida lendário para pessoas determinadas a acabar com suas vidas. E à medida que a câmera fixa seu olhar sobre a estrutura, captura pessoas pulando para a morte. O diretor Eric Steel e sua equipe passaram todo o ano de 2004 filmando a ponte durante o dia e flagraram a maioria das duas dúzias de suicídios ocorridos naquele ano. Steel comparou essas imagens com a pintura de Bruegel "Paisagem Com a Queda de Ícaro"; porque os saltos fatais passam quase despercebidos pelos transeuntes, a analogia gruda. "A Ponte" justapõe cenas de tirar o fôlego da Golden Gate e seus arredores, filmados em vídeo digital, com as angustiantes histórias pessoais de familiares e amigos daqueles que pularam. Como seu testemunho é notavelmente livre de apelos religiosos e de brometos aconchegantes da Nova Era, tanto quanto isso de fato for possível, ese é um dos filmes mais comoventes e brutalmente honestos sobre suicídio já feito. O suicídio já pensado e estudado por muitos e o fato é que não se consegue chegar a uma explicação comum; o que fica, de quase todas as histórias, é que a morte foi a opção encontrada por muitos para fugir de uma dor lancinante. Há pouca torção de mão e nenhum abanando os dedos acusatórios. Um amigo próximo de um saltador se preocupa que os antidepressivos que ele lhe deu sem receita médica, e isso o deixou com insônia, pode ter contribuído para seu suicídio. Mas o relato dele sugere que teria acontecido mais cedo ou mais tarde. "A Ponte" começa e termina com a história de Gene Sprague, um roqueiro de 34 anos de cabelos compridos que era periodicamente fotografado rondando a ponte antes de dar seu salto final, um dramático mergulho para trás. Sprague deixou seus amigos pensando se ouviu uma mensagem deixada em sua secretária eletrônica oferecendo-lhe um emprego gerenciando uma loja de videogames. Outra saltadora, Lisa Smith, de 44 anos, recebeu um diagnóstico de esquizofrenia paranoica quando adolescente e é lembrada por sua família como lutando contra doenças mentais graves durante a maior parte de sua vida. Pouco antes de seu suicídio, todos os dentes, que tinham apodrecido de uma combinação de medicação e um vício em cola, tiveram que ser removidos, e isso pode ter sido o gatilho. Por toda a sua discussão sobre doença mental, "A Ponte" é metafisicamente e não clinicamente orientada. Nenhum profissional de saúde mental está à disposição para falar sobre suicídio. O mais próximo que o filme chega de oferecer uma história de caso é a história de Kevin Hines, um jovem com transtorno bipolar que decidiu no meio do caminho que queria viver e arranjou seu corpo em uma posição sentada antes de cair na água. Ele sobreviveu com graves danos nas costas. Hines se lembra de estar na ponte chorando por 40 minutos antes de fazer o salto. A única pessoa a se aproximar dele foi uma turista alemã, alheia às lágrimas, que lhe pediu para tirar sua foto. Na linguagem de Wallace Stevens, "a morte é a mãe da beleza." O fato de tantas pessoas escolherem um paraíso terrestre para acabar com suas vidas reforça a insinuação do filme de que as esperanças das pessoas de acabar com o sofrimento psíquico ao se mudarem para um lugar mais agradável pode ser inútil. Eu resisto em concordar; nesse caso tendo a ser mais utilitarista e identificar a ponto com um ponto ideal dada a sua altura e a facilidade de acessá-la e impulsos suicidas são seus demônios, eles provavelmente irão acompanhá-lo ao lugar da salvação. "A Ponte" levanta questões inevitáveis sobre os motivos e métodos do cineasta e se ele poderia ter se esforçado mais para salvar vidas. Ele levanta questões morais e estéticas antigas sobre o desprendimento do ambiente que olhar através da lente da câmera tende a produzir. Essas questões ainda devem ser abordadas em um artigo, não em uma revisão. Estritamente como um filme, este é um trabalho impressionante, embora sua trilha sonora musical (por Alex Heffes), embora sombria, não se compara às suas imagens; obviamente pode ser de caso pensado! A tristeza e o fatalismo que o filme pode incutir talvez sejam melhor expressos pela descrição de um saltador sobrevivente: "Algumas pessoas dizem que o corpo é um templo". Ele pensou que seu corpo era uma prisão. Em sua mente, ele sabia que era amado, que tinha tudo e podia fazer qualquer coisa. E ainda assim ele se sentiu preso, e essa era a única maneira que ele poderia ficar livre. "A Ponte" é classificado como R nos EUA (Menores de 17 anos requer acompanhamento de pais ou responsáveis adultos). Tem imagens chocantes de saltos suicidas. Eu creio que ninguém, absolutamente ninguém que o assista fique indiferente; pode ser que uns se abalem mais que os outros, mas de alguma forma é afetado...
Do Que Vem Antes é uma sessão mais longa do que "Norte" (250 minutos), mas uma corrida rápida em comparação com "Melancholia" (450 minutos), "Death in the Land of Encantos" (538 minutos) e "Evolution of a Filipino Family" (593 minutos). Como sempre, a eficácia da abordagem de Diaz depende de sua descoberta de um tema digno de ruminação sustentada, e nesse filme, que ele apropriadamente descreve como "uma memória de um cataclismo", é o próprio ato de lembrar, de recordar a textura específica e a atmosfera de sua infância perdida, que parece determinar a duração de cada cena e a colocação de cada corte. Poeta-histórico do cinema, Diaz procura não apenas retransmitir uma série de eventos, mas nos atrair para um mundo totalmente habitado. Diaz filma suas paisagens tons monocromáticos que podem se estender ininterruptamente por minutos, permanecendo à vista de um touro vagando livremente pela selva, ou formações rochosas escarpadas que servem de baluarte contra um mar violentamente agitado. A frágil interação da natureza e da civilização é melhor expressa na forma como Diaz frequentemente prepara o palco para cada cena, permitindo-nos absorver os contornos e detalhes de cada local antes de introduzir gradualmente personagens humanos, parecendo pequenos e semelhantes a formigas, na moldura. São pessoas que compreendem profundamente o grau de dependência da terra e também a medida em que estão à sua mercê. Numa remota aldeia rural, nas Filipinas, crenças tradicionais coexistem e até se misturam com o cristianismo, este último representado pelo gentil Padre Guido (Joel Saracho), e o primeiro por duas irmãs, Itang (Hazel Orencio) e Joselina (Karenina Haniel), que se acredita possuírem poderes curativos. Itang, a mais velha das duas, é abnegadamente dedicada a Joselina, cujos dons podem explicar os distúrbios mentais e físicos que abalam seu corpo como o de uma mulher possuída. Mas será necessário mais do que meros fenômenos sobrenaturais para tentar explicar a inexplicável ameaça que parece ter se instalado nessa aldeia empobrecida, vencida pelo tempo, e que lentamente se torna conhecida durante as duas primeiras horas do filme. As vacas são encontradas mortas em um campo, custando ao ancião Sito (Perry Dizon, também creditado como designer de produção) e seu jovem sobrinho, Hakob (Reynan Abcede), seus trabalhos de guarda do rebanho. Três cabanas são incendiadas em uma noite. O corpo de um homem é descoberto em uma estrada, com uma misteriosa ferida no pescoço (há um vampiro em trabalho?). Em contraste com "A Fita Branca", a ambiguidade é finalmente dissipada, o mistério claramente resolvido, e felizmente a solução está ligada a algo mais substancial do que uma teoria fácil de malevolência humana inata. Os homens e mulheres do bairro são pessoas fundamentalmente decentes, o que não nega, como Diaz entende, sua capacidade de atos de violência assustadores. O ritmo deliberado do cineasta lhe dá tempo suficiente para explorar este preocupante enigma, para pesar a moralidade dos pensamentos e atos de suas personagens sem julgar. Padre Guido tem uma longa (se for unilateral) conversa sobre a viabilidade de contar uma mentira compassiva com Tony (Roeder Camanag), um belo vinicultor que está abrigando um segredo obscuro. Sito tem suas próprias verdades dolorosas a derramar a respeito da questão da filiação de Hakob, e quando elas chegam, elas apenas confirmam nosso senso de um mundo que há muito tempo vem se transformando em loucura. Não é surpresa que a única figura desprezível aqui, um vendedor ambulante é um intrometido chamado Heding (um excelente Mailes Kanapi), seja alguém que se empenha em descobrir os assuntos particulares de todos os outros, espalhando mentiras e rumores que representam o oposto da sondagem observacional paciente de Diaz. Eventualmente, o braço militar do regime do famoso ditador Ferdinand Marcos intervém, quando os soldados entram no bairro, impõem um toque de recolher e prometem guardar os locais dos "inimigos" das Filipinas, desde que eles cooperem. É uma oferta de proteção que, em realidade, é uma ameaça, e embora a natureza total dessa ameaça demore a se revelar, a devastação ardente das brutais imagens finais não deixam dúvidas. A incursão do exército nesse remoto posto rural assume a sensação de um crime contra a natureza, uma violação das leis morais e espirituais não ditas que regem uma comunidade que, por todas as suas imperfeições, sempre cuidou de suas próprias mazelas e contradições. Enquanto Diaz procura memorizar a destruição dessa comunidade, ele também quer que nos lembremos de que ela já existiu, e é por isso que ele mora tão amorosamente em cenas da vida cotidiana, exaltando as lutas diárias através de tableaux vivos e respiratórios. "A vida aqui é dura", diz Sito a um soldado encarregado de acabar com a agitação local. Mas a vida aqui também não está sem seus momentos de beleza, seja a imagem de Itang calmamente, ritualisticamente banhando sua irmã com ternura praticada, ou Sito gentilmente embalando seu filho adormecido pela luz do fogo. Mesmo nas horas mais escuras, a esperança nunca é totalmente banida; em um filme onde parece estar acontecendo pouco, enganosamente, a qualquer momento; certamente não é por acaso que "Do que é antes" conclui não sobre um pano de fundo estático, mas sobre um gesto ousado de desafio humano. "Estes são tempos amaldiçoados", observa um homem ao final de "Do Que É Antes", e todo o peso e significado dessas palavras entram em foco com força em todas as cinco horas e meia do novo quadro assombrosamente belo de Lav Diaz, que narra o declínio gradual de um pequeno bairro costeiro nas Filipinas nos últimos dias antes do presidente Ferdinand Marcos impor a lei marcial em 1972. Ao mesmo tempo, uma obra vital de recuperação histórica e uma espécie de peça de companhia do sudeste asiático para o "The White Ribbon" de Michael Haneke - outro drama austero, em preto e branco, sobre atos misteriosos de maldade que assolam uma comunidade frágil - esse trabalho incessantemente paciente e contemplativo cortejará um público menor do que o avanço internacional de Diaz em Cannes, "Norte, o Fim da História".
As hiper mulheres (2011) resulta dos agenciamentos entre três diretores com formações distintas: o cineasta, não índio Leonardo Sette, o antropólogo Carlos Fausto e o cineasta Takumã Kuikuro, integrante do Projeto Vídeo nas Aldeias, estudante na Escola de Cinema Darcy Ribeiro, no Rio de Janeiro, transeunte de fronteiras e da possibilidade de se contar histórias por meio das narrativas fílmicas desde pontos de vista diversos. O filme etnográfico, portanto, representa, em linhas gerais o processo de negociação que grupos indígenas tem de estabelecer com diversos outros grupos, em diversas escalas e ambientes. Nesse trabalho, o marco de partida é um exercício de negociação, em que a distinção entre os papéis de quem filma e é filmado é enfraquecida, na direção de se realizar um filme que, a despeito de transpirar um caráter etnográfico, observa uma estrutura narrativa com todos os elementos típicos de uma história ficcional, contada com imagens em movimento sonorizadas. A figura do outro, presente nos filmes etnográficos, desfaz-se, perdendo a centralidade na narrativa, na experiência partilhada não só entre os diretores, mas com toda a comunidade que performa em seu próprio cotidiano, o que nos apresenta uma caráter centralizado do pensamento dito selvagem. Há uma história a ser vivida e a ser contada, e há os sujeitos que a performam, tomando parte da tessitura construída ponto a ponto, cena a cena. As mulheres são protagonistas porque hiper mulheres, como o título antecipa, Kuegü, da língua falada pelos kuikuro, foi traduzida como hiper, ocupando o lugar de superlativo, e itão corresponde a mulheres. Como o filme conta a preparação e a realização do Jamurikumalu, ritual feminino do Alto Xingu, no Mato Grosso, Brasil, o título realça a centralidade das mulheres no ritual e no filme, e sua força que se estende desde a situação extraordinária da festa ao cotidiano da comunidade. Estudos sobre o evento precederam a produção do filme, formando a base para a formulação do argumento central, em torno do qual transcorre o enredo. Nele, o tio pede ao sobrinho que realize o ritual, pois ele teme a proximidade da morte de sua mulher, já velha, a única que conhece todos os cantos da festa. A possível morte sem a realização do ritual implicaria esquecimento e perda de cantos que ela ainda não teve tempo e condições de ensinar para sua sucessora. Kanu, mulher adulta, mais jovem, que tem o conhecimento necessário para realizar o ritual, está gravemente enferma. Enquanto as expectativas se estabelecem em tensão, o cotidiano da comunidade vai se desenhando, e a narrativa se desenvolve. O tempo gasto para a pesquisa, bem como a duração das gravações, envolveu período mais extenso do que o tempo ficcional sugere. Além disso, muitas sequências foram reorganizadas de modo a dar mais clareza e força à história, não observando a ordem cronológica das gravações. No entanto, durante o seminário "Pensamento indígena: educação, arte e comunicação", realizado na Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de Goiás, em julho de 2013, Takumã enfatizou que "tudo no filme é verdade, aconteceu mesmo". Um dos exemplos mais contundentes está no fato de Kanu ter caído gravemente doente, de fato, o que gerou preocupação entre os familiares, e implicou o risco efetivo de o ritual não ser realizado. O evento acabou potencializando a dramaticidade do filme. Em uma época (jul/2022) em que as populações indígenas estão ameaçadas, e que o estado é seu grande algoz, parece importante filmes assim...
Caindo na Real
3.6 224 Assista AgoraQue Deus me perdoe pelo pecado alheio e que não se importe com os meus! desaconselho...
SLC Punk!
4.0 121Tão emocionante quanto uma chuchu !
Antes Passe no Vestibular
3.6 4Eles são alguns numa cidade de médio porte no norte da França, todos muito jovens, tentando provar sua existência uns aos outros, apesar do Liceu e do prazo para o bacharelado, apesar dos pais, apesar do tédio. Eles se encontram nos cafés, adotam atitudes e professam certezas, mas cada um deles está na verdade tentando decifrar este futuro imediato que lhes oferece apenas um rosto fechado. Assim, entre encontros tranquilizadores, alguns tomam grandes decisões que às vezes parecem não passar de novos refúgios: um vai trabalhar segurando uma caixa registradora em um supermercado, outro se casa, um terceiro toma o caminho para Paris. Alguns poucos adultos passam por este filme e se encontram, sem realmente vê-los, com estes adolescentes. Um pouco enigmáticas figuras, como o solitário e pensativo professor de filosofia (Jean-François Adam) ou o jovial e duvidoso mas não muito perigoso flerte de envelhecimento (Christian Bouillette). Ou os pais compreensivos que acolhem o casal Elisabeth (Sabine Haudepin) e Philippe (Philippe Marlaud). Com o passar dos dias, os casais se formam ou se separam. Mas os casos de amor também parecem levar apenas à dúvida. Filminho chato!
Para Sempre na Memória
3.4 28A cena de abertura de "Permanent Record" é sinistra e perturbadora, e não sabemos o motivo. Em um movimento ininterrupto, a câmera passa por um grupo de adolescentes que estacionaram seus carros em um local com vista para o mar, e estão saindo casualmente, sua amizade é evidente demais para precisar de explicação. Parece não haver "atuação" nesta cena, e ainda assim é soberbamente atuado porque parece tão natural que aceitamos de uma vez a ideia de que essas crianças são amigas por um longo tempo. A tarde, ali, parece superficialmente feliz, e ainda há uma qualidade ninhada para a tomada, talvez inspirada pela iluminação, ou pela maneira como a câmera circula vertiginosamente acima do mar abaixo; a câmera faz com que nos sintamos como um deles! As cenas seguintes se desenrolam, ao que parece, quase sem plano. Conhecemos um casal de garotos que tocam juntos em uma banda de rock, e tentamos entrar em um estúdio de gravação, e são expulsos, e chegam tarde na escola. Conhecemos o diretor do colégio, um homem que é extremamente intrigante porque ele revela tão pouco, e ainda assim consegue revelar a bondade. Conhecemos a multidão com quem essas duas crianças andam, e vamos a algumas audições para uma produção escolar de "Os Piratas de Penzance". Estamos impressionados com o fato de que esses adolescentes são inteligentes, atenciosos e articulados; eles vêm de um planeta diferente da maioria dos adolescentes do cinema. Descrever as cenas de abertura faz com que pareçam rotineiras, e ainda assim capturaram minha atenção com uma intensidade que eu ainda não entendo. O mistério subjacente de muitos bons filmes é a maneira como eles nos absorvem em detalhes aparentemente não notáveis, enquanto filmes ruins podem nos perder mesmo com acidentes de carro e explosões. Marisa Silver, que dirigiu este filme, e Frederick Elmes, que o fotografou, fizeram algo muito sutil e forte aqui. Eles viram esses alunos e sua escola de uma forma que inescapavelmente nos prepara para algo, sem revelar o que será. As crianças andam juntas, mas uma começa a atrair nossa atenção mais do que as outras. Ele é David (Alan Boyce), um músico intenso e de olhos escuros que todo mundo sabe que é talentoso. Ele lidera a banda de rock, dá aulas para seus colegas músicos e está organizando a música para a produção de "Pirates". Em uma cena de tensão inexplicável, ele é informado pelo diretor (Richard Bradford) que ele ganhou uma bolsa de estudos para uma grande escola de música. Ele tenta parecer satisfeito, mas reclama que está tão ocupado. Bradford calmamente lembra que a bolsa de estudos é só no ano que vem. E então... mas aqui eu quero sugerir que se você planeja ver o filme, você não deve ler mais e permitir surpresas. Eu entrei neste filme sem saber absolutamente nada sobre isso, e este é o tipo de filme em que isso é uma vantagem. Deixe o filme se desenrolar como a vida. Guarde a revisão até mais tarde. Fiquei impressionado, acima de tudo, pela sutileza com que Silver e seus escritores (Jarre Fees, Alice Liddle e Larry Ketron) desenvolvem a piora da crise de David. Este não é um jovem infeliz pelos problemas habituais dos dramas da TV, a la sessão da tarde. Ele não usa drogas, sua namorada não está grávida, ele não está reprovando fora da escola e ele não tem uma vida doméstica infeliz. Mas fica claro, especialmente em retrospectiva, que não há alegria em sua vida, e vemos isso mais claramente na cena discreta no quarto da garota com quem ele às vezes dorme. Qualquer outro casal que faça o que fazem juntos, ela sugere, seria dito para ir junto. Ele acena. Há algo faltando aqui. Algum tipo de conexão com outras pessoas. Alguma exultação em seus próprios dons e talentos. Dando aulas de violão ao seu amigo Chris (Keanu Reeves), ele é um pouco impaciente; Chris não se esforça o suficiente pela excelência. Davi, que é admirado por todos em sua escola, que é o único escolhido por seus amigos para grande sucesso, tem uma profunda tristeza dentro de si mesmo porque ele não é bom o suficiente. E isso leva à cena em que um momento ele está do lado daquele blefe alto, e no momento seguinte ele não está. O resto do filme é sobre seus amigos sobre o abismo que ele abandonou, e sobre sua tristeza, e sua raiva por ele. De novo e de novo, Silver e seus escritores encontram maneiras autênticas de retratar emoções. Nunca nos sentimos manipulados, porque o filme funciona muito perto do coração. Talvez a melhor cena de todo o filme seja aquela em que Chris, bêbado, dirige seu carro para o quintal de David e quase bate no irmão mais novo de David, e então, quando o pai de David sai no gramado para gritar com raiva para ele, Chris cai em seus braços, chorando e gritando: "Eu deveria tê-lo impedido." E o pai o segura. A vida continua. A produção escolar é realizada. Há um momento dramático em que Davi é elogiado, e há também a sensação de que daqui a alguns anos seus amigos às vezes se lembrarão dele, ficarão com raiva dele e se perguntarão o que teria acontecido com ele. Este é um dos melhores filmes, e uma das razões para seu poder é que ele claramente sabe o que quer fazer, e como fazê-lo. Não é um filme sobre as causas da morte de David, e não analisa ou explica. É um filme sobre o evento, e sobre a memória do evento. As performances, aparentemente sem arte, são apropriadas ao material, e fiquei especialmente impressionado com a forma como Bradford sugeriu tantas coisas sobre o diretor enquanto parecia revelar tão pouco. "Permanent Record" é o segundo longa-metragem de Silver, depois do maravilhoso "Old Enough" (1984), que contou a história de uma amizade entre duas meninas de 13 anos que eram de lados opostos das faixas, mas estavam do mesmo lado da adolescência. Nesse filme e mostra que tem um raro dom para a empatia, e que ela pode ver até o fundo das coisas sem adicionar uma única nota gratuita. Veja, é o melhor conselho que posso fornecer...
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Palavras nas Paredes do Banheiro
3.9 119 Assista Agora"No início, eles pensaram que havia algo errado com meus olhos", diz Adam. Mas a visão dele não é o problema. Adam, um estudante do ensino médio, interpretado por Charlie Plummer, está vendo coisas que não estão lá porque algo está errado com seu cérebro. Ele tem esquizofrenia, uma doença mental grave que pode incluir alucinações aurais e visuais, delírios e pensamento e comportamento extremamente desordenados. Em outras palavras, todos os dados que absorvemos constantemente para entender o que está acontecendo ao nosso redor e, em seguida, usar para responder, incluindo julgamentos sobre segurança básica e quantas pessoas estão na sala, podem ser distorcidos para pessoas com esquizofrenia. Adam, por exemplo, está em seu laboratório de química da escola trabalhando em uma experiência com seu melhor amigo quando de repente parece-lhe que ele está sendo atacado. Ele então derruba um frasco de produtos químicos, queimando tanto o braço de seu amigo que ele precisa de um enxerto de pele, criando tal perturbação ele é expulso da escola. Histórias sobre adolescentes são particularmente convincentes porque as lutas da adolescência são universais, eu que o diga; eles são inerentemente intensificados e, portanto, inerentemente dramáticos. Além da intensidade dos hormônios e da separação dos pais e das emoções intensas, há a pressão do ambiente restrito e estufa do lar e o que Adam chama de "o ecossistema implacável que é o ensino médio". Adicionar doença mental à história aumenta ainda mais e fornece outro nível de pressão e confusão. Mas, em sua essência, é uma história sobre o que todos os adolescentes — e todas as pessoas — querem: ser independentes, ter um trabalho satisfatório, amar e ser amado. As especificidades funcionam, com excelentes atuações de um elenco excepcional, e que ilumina os temas universais de identidade e intimidade. O roteiro forte e inteligente de Nick Naveda é baseado no premiado romance de Julia Walton. Adam é uma personagem perceptiva e simpática e o diretor Thor Freudenthal nos traz dentro de sua percepção do mundo com visuais marcantes. Vemos o que ele vê, seja uma bolha de filme de terror ou as três pessoas que parecem segui-lo e dizer-lhe o que fazer o tempo todo, uma garota hippie feliz, um adolescente dos anos 1980-estilo filme-adolescente incitando Adam a obter alguns, e um sociopata irritado que age como seu guarda-costas, se é necessário ou não. Quando Adam está sendo entrevistado pela freira que dirige sua nova escola (Beth Grant), ouvimos ele dar as respostas calmas e reconfortantes que ela quer ouvir. Sim, ele vai ter uma média próxima de A e sim, ele vai tomar a medicação. Mas vemos o que ele vê: ela está engolfada em chamas. Em um momento discreto, Adam está andando em um ônibus e vislumbra um sem-teto que está mentalmente doente. Não precisamos que Adam nos diga o que está pensando. Nesse momento, estamos tão preocupados com o futuro dele quanto ele. A mãe do Adam não desistirá até que ele melhore, e então ele tenta outra nova medicação. E no começo funciona, "o mais perto que me senti do normal bem, nunca." Tudo o que ele precisa da nova escola é um lugar onde ninguém conheça sua história e um diploma para que ele possa realizar seu sonho de frequentar a escola de culinária. No início, ele descarta seu amor por cozinhar, dizendo-nos que é uma distração ou automedicação. Mas, em última análise, ele reconhece que na cozinha "Tudo desaparece e eu posso ser exatamente quem eu quero ser." Essa honestidade pode estar vindo da maturidade ou do efeito esclarecedor da medicação. Mais provável, é porque há alguém mais importante do que nós no público impessoal com quem ele quer ser honesto. A incandescente Taylor Russell interpreta Maya, a garota mais inteligente e legal da escola. Ela gosta de Adam e tem seu próprio segredo, o que não será surpresa para quem já viu um filme. Mas isso nos dá a chance de ver sua vulnerabilidade compartilhada e a luta entre ser seguro e ser conhecido. Freudenthal tem um dom genuíno para trabalhar com crianças e adolescentes, como ele mostrou no primeiro "Diário de um Garoto Fraco", "Percy Jackson: Mar de Monstros" e vários episódios do Arrowverse. Plummer e Russell têm uma química genuína e, como mostraram em "Lean on Pete" e "Waves", respectivamente, um naturalismo refrescante e discreto. Todos os membros do elenco excepcionalmente talentosos dão o seu melhor considerável, incluindo Molly Parker como mãe de Adam e Walton Goggins como seu namorado. Uma revelação sobre sua personagem perto do final do filme é tão significativa quanto o desenvolvimento do romance entre Maya e Adam. Andy Garcia é soberbo como um padre caloroso e empático e Grant dá alguma profundidade a um papel que poderia ter sido um clichê. "Ninguém quer realizar nossos desejos", diz Adam. Crianças com câncer são mais fáceis de simpatizar do que crianças com doenças mentais. Roger Ebert chamou os filmes de "máquinas de empatia" porque eles podem entregar uma mensagem poderosa de que as pessoas não são definidas por seus limites ou suas lutas. Pessoas com doenças mentais querem ser conhecidas e amadas, e este filme homenageia Adam com ambos. Filme surpreendente; fui a ele como quem vai a padaria comprar pão, e me emocionei; tinha ido ao melhor jantar de todos, em tempos!
Pecados Íntimos
3.8 572 Assista AgoraEntre American Beauty e Desperate Housewives, esse filme se incluí, de moralidade média estadunidenses, introduz personagens sem complacência da classe média dos EUA que estão entediados em sua pequena vida arrumada. Essa fábula moderna, sutil e controlada, onde a tensão cresce, segue seus protagonistas à beira da explosão que tentam viver suas vidas entre a conveniência, redentora da nação e seus verdadeiros desejos, quase sempre, inenarráveis. Todd Field consegue capturar os pretextos no meio dessa hipocrisia burguesa que é ofendida por tudo o que não é social e politicamente correto, e que entra em pânico quando a vida tranquila do bairro é ameaçada pelo movimento de um homem de quarenta anos, condenado pelo exibicionismo. Obviamente se condena da boca para fora e se deseja, da boca para dentro! Afinal a vida é tão tacanha, não sob sol. Este atormentado, apontado e guiado por seus impulsos, buscará construir uma vida no meio de dedos estendidos, olhares preocupados e folhetos. Bode expiatório de um policial um pouco mal-humorado que vai assediar ele, e embora ciente de seus distúrbios comportamentais, ele vai se esforçar para voltar ao caminho certo, empurrado por sua antiga mãe que faz todo o possível para encorajá-lo, começando por procurar uma namorada "de sua idade". Isso dará origem a cenas duras, às vezes insuportáveis, onde se pode estar apaixonado por um sentimento de compaixão antes de ser horrorizado pela desordem incontrolável da personagem. Foda-se, os desejos são secretos e ainda não inventaram um software que capte isso; pelo menos ainda não divulgado. Sarah, casada com um homem que só sai do trabalho para encontrar o escritório do sótão uma vez em casa, procura seu lugar no meio de todas essas mães perfeitas, cujo único hobby é fantasiar sobre Brad, um pai que acompanha seu bebê todas as tardes até a praça. Mas este "rei da promoção" se transformou em "papai galinha", trancado em um casal cuja esposa castradora controla sua vida, vai encontrar Sarah que estava procurando nada melhor do que um álibi para se afastar das banalidades de seus vizinhos. Ela encontrará nele alguém que permitirá que ela escape de seu destino como uma esposa negligenciada e mãe oprimida passando suas tardes de verão à sua beira municipal ao seu lado, de olho em seus filhos. Após uma tempestade, entre as roupas que secam e os pequenos que tiram o cochilo, eles darão esse passo que a comunidade proíbe para superar suas frustrações pessoais e conjugais. Nada mais estadunidense, do que criticar o que se deseja e desejar o que se critica: Oh! vida, Oh! céus...Kate Winslet prova mais uma vez seu formidável talento neste papel a la Erin Brokovich, polvilhado com um toque da Contemporânea Sra. Bovary. Jennifer Connelly, por sua vez, consegue nos fazer sentir esse sufocamento que Brad sofre por essa mulher de perfeita conformidade – dinâmica e assertiva, como símbolo da mudança desta sociedade em que a mulher tem poder, presta atenção em sua linha e mantém seu marido – acompanhando o menor momento de sua vida. Embora tratemos de bom grado sem a moralidade um tanto pesada declarada pela narração durante os últimos segundos, o encontro dessas duas almas em perdição é tratado com bastante sutileza, e o que é preciso psicologia, para fazer deste filme um verdadeiro sucesso que consegue nos cativar ao longo de mais de duas horas enquanto não damos muito do futuro de sua história. Por fim, será necessário esclarecer para concluir que não esperamos a magia incomparável do filme de Sam Mendes, que é uma obra-prima. Uma comédia satírica, perturbadora, onde a atmosfera pesada deste ambiente pleno de hipocrisia e convenções às vezes é iluminada por sequências narradas por uma voz cínica que felizmente não abusa muito de seu autor. Carregado por excelentes atores, naturais e sem modéstia, este filme cruel evita cair pesadamente em clichês graças a um cenário bem construído e uma encenação notável.
Distúrbio
3.3 257"Unsane", de Steven Soderbergh, abre da perspectiva de um perseguidor. Ouvimos na narração como o objeto de sua afeição o fez ver o mundo de uma maneira completamente nova. E não se engane. Essa mulher é um "objeto" para este homem, alguém que não tem sua própria agenda ou realidade fora do que ela pode fazer por ele; talvez nem tão diferente da realidade não virtual que nos apresenta o mundo! Mais tarde, saberemos que o perseguidor é um homem chamado David Strine (Joshua Leonard) e a mulher é Sawyer Valentini (Claire Foy), que ele conheceu enquanto ela cuidava do pai de Davi em seus últimos dias. Ele ficou obcecado por ela por causa do conforto que ela proporcionou ao pai, e, por extensão, a Davi. Em outras palavras, ela se tornou um objeto que o fez se sentir bem e assim ele sentiu uma conexão verdadeiramente unilateral, como muitas vezes são com perseguidores. Na superfície, "Unsane" é um potboiler, um thriller de perseguição de rotina, uma visão atualizada dos stalkers. Mas funciona por causa do quanto está acontecendo dentro dessa estrutura familiar, cortesia do roteiro inteligente de Jonathan Bernstein & James Greer, da direção claustrofóbica de Soderbergh, e da performance principal comprometida de Claire Foy. Sawyer ficou traumatizada com sua experiência com David, e isso impactou sua vida profissional e pessoal de uma maneira que a fez procurar tratamento. Ela vai a uma instalação, conta sua história, e preenche alguns formulários. Antes que ela perceba, ela está sendo convidada a entregar seus pertences pessoais e pediu para tirar a roupa. Ela vai ter que ficar pelo menos 24 horas para observação. Claro, ela surta, tentando falar com a mãe (Amy Irving), e até chamando a polícia. Quando ela confunde um ordenador com seu perseguidor e o atinge, sua "sentença" é aumentada para sete dias. Ela conhece uma paciente ameaçadora chamada Violet (Juno Temple) e uma solidária chamada Nate (Jay Pharoah), que diz a ela que ela é basicamente parte de um golpe de seguro, no qual hospitais como este admitem pacientes apenas para obter dinheiro de seus provedores. Como se tudo isso não fosse pesadelo o suficiente, Sawyer se assusta ao ver David distribuindo medicamentos para os pacientes. No início, ele afirma não ter ideia de quem sawyer é, e suas internações de trauma permitem que aqueles ao seu redor facilmente desacreditem suas alegações de que seu perseguidor se infiltrou no hospital em que ela está hospedada. Há um subtexto fascinante que é tecido através de "Unsane" sobre ouvir as mulheres quando elas dizem algo errado. O primeiro médico que Sawyer entra em pânico quando percebe que tem que ficar não sai do telefone imediatamente para falar com ela; um advogado que a mãe de Sawyer pede ajuda desliga sem esperar por perguntas ou mesmo dizer adeus; e até mesmo o novo papel em que Sawyer pode ou não estar vendo David é o de um homem controlador: alguém literalmente drogando as pessoas sob seus cuidados para que eles se comportem da maneira que eles querem (QUALQUER semelhança com o anestesista estuprador de grávidas em trabalho de parto - 2022 - no Rj, Brasil, não terá sido mera coincidência). Sem exagerar na dinâmica de gênero em "Unsane", Bernstein, Greer e Soderbergh têm algo a dizer sobre controlar, deslistar, homens carentes e tentativas de cancelamentos mais atuais. (E há outro comentário sobre a falha do sistema de saúde que liga este trabalho a "Logan Lucky", que também inegavelmente tinha esse tema.). E eles dizem isso com um novo estilo visual ousado. "Unsane" foi filmado em um iPhone e tem uma proporção maluca de 1.56:1. Está em algum lugar entre uma relação de quadro completo à moda antiga e uma tela larga tradicional, criando um visual boxy que combina perfeitamente com um filme sobre alguém que está essencialmente preso. Mais uma vez, Soderbergh apresenta uma economia tão notável da linguagem visual, como ele faz em quase todo o seu trabalho. Não parece que haja um cena desperdiçada aqui. (Se alguma coisa, parece que algumas cenas poderiam ter usado um pouco mais de material.) Na maior parte, "Unsane" é magro e mau, dando-lhe exatamente o que você precisa para ficar com ele. E o estilo visual tem um imediatismo que aumenta a intensidade, especialmente nas primeiras cenas em que a confusão reina e acima de tudo em uma sequência fantástica que já foi chamada de "A Cena da Sala Azul". Parece um estilo que permite pouco espaço para muletas tradicionais de atuação ou produção, o que coloca mais peso nos ombros de Foy. Ela sobe para o desafio com uma performance complexa e ousada. Ela é ótima aqui. Enquanto Soderbergh faz tudo o que pode para elevar o material, o ato final não aterrissa com o mesmo peso que seu melhor trabalho como o roteiro veers por algumas estradas que incluem alguns buracos de enredo demais e diminuem o trabalho no geral. É um pouco frustrante ver "Unsane" sucumbir a algumas armadilhas tradicionais nas cenas finais, especialmente depois de ser tão ousada até aquele ponto. Dito isso, a primeira hora é tão interessante, Foy é tão boa, e Soderbergh está tão claramente ainda no topo de seu jogo, que as falhas relativas do clímax podem ser perdoadas. Depois de uma breve aposentadoria, Soderbergh voltou rugindo com dois filmes muito diferentes em "Logan Lucky" e "Unsane". Ele não só voltou, ele está tão ativo como sempre foi. E o mundo cinematográfico é melhor para ele. Talvez o que me seja mais fascinantes é que um iphone tem esse poder, provado; obviamente que não teremos uma produtora de filmes na mão de muitos; a começar pelo preço do iphone, mas imaginar, pelo menos enquanto possibilidade, é genial...
Forças Ocultas
3.9 4A França de Vichy foi estabelecida em 10 de julho de 1940, após a rendição francesa à Alemanha. Os termos do armistício dividiram a França em uma zona ocupada, cobrindo o norte e oeste do país, e a chamada zona franca, no sul. O marechal Philippe Pétain, um herói da Primeira Guerra Mundial por seu papel na defesa de Verdun, tornou-se o líder do novo regime, tendo recebido plenos poderes de ambas as câmaras do parlamento. Pétain e sua comitiva viram a derrota da França e o colapso da Terceira República como uma chance de acabar com o legado de permissividade e decadência representado pelo governo da Frente Popular de esquerda da década de 1930 e pela Revolução Francesa. O governante de Vichy dispensou a democracia parlamentar e se engajou em uma política de colaboração com a Alemanha nazista, saudando-a como um novo começo para a França – uma “Revolução Nacional”. Charles Maurras, o ideólogo do movimento antissemita da Action Française, saudou esses desenvolvimentos como uma “surpresa divina”. Após a derrota da Alemanha nazista, um mito nacional cuidadosamente construído obscureceu a realidade do regime de Vichy. Charles de Gaulle, líder das forças francesas ditas livres, propagou esse mito, e os historiadores o ecoaram por muitos anos. Os livros escolares retratavam a França em tempos de guerra como uma nação de resistentes que se recusavam a colaborar com o ocupante. Relatos históricos influentes, como o “Histoire de Vichy”, de Robert Aron, retratavam Pétain como um “escudo” e De Gaulle como uma “espada”, cada um dos quais era necessário de maneiras diferentes para a defesa dos interesses franceses. À semelhança, quase, com Tiradentes, no Brasil, que hora serve a um e hora, a outro interesse. Na época da libertação, De Gaulle afirmou que “apenas um punhado de patifes” se comportou mal durante a ocupação: o resto do país podia se ver como patriotas. Essa “sublime meia mentira”, como Henry Rousso a apelidou, serviu de base para as tentativas de reconciliação nacional do pós-guerra, simbolizadas em 1964 pela transferência dos restos mortais do herói da resistência Jean Moulin para o Pantheon, em uma elaborada cerimônia de dois dias. Embora relatos críticos do regime tenham aparecido em francês durante esse período, como “Vichy: Année 40”, de Henri Michel, foram as pesquisas de historiadores estrangeiros que derrubaram essas concepções do regime no pós-guerra. Após a publicação dos estudos de Stanley Hoffmann, Alan Milward e Eberhard Jäckel (cujo “Frankreich in Hitlers Europa” ainda não foi traduzido para o francês), foi a “Vichy France: Old Guard and New Order” {França de Vichy: Velha Guarda e Nova Ordem], de Robert O. Paxton,1940-1944, que destruíram o consenso estabelecido sobre Vichy como uma estrutura que protegia os interesses franceses e resistia às demandas nazistas. Após a revolta de maio de 1968 e a morte de De Gaulle, o livro de Paxton virou o estudo de Vichy de cabeça para baixo, com um impacto combinado alcançado por muito poucas obras históricas, inspirando as conversas sobre uma “revolução paxtoniana”. Como o próprio Paxton teve o cuidado de enfatizar, foi maio de 68 que provou ser o elemento decisivo aqui, quando “os estudantes começaram a desafiar a reticência de seus idosos” e os franceses começaram a enfrentar “o lado sombrio de sua resposta à ocupação nazista.” Paxton argumentou que a colaboração não foi apenas uma catástrofe imposta à França pela derrota militar, mas parte de um conflito interno francês com uma história muito mais longa. Era algo que os líderes de Vichy buscavam ativamente, não uma exigência feita à França pela Alemanha. Tradições conservadoras, autoritárias e contrarrevolucionárias incubadas na própria França sustentavam a política do regime. Vichy não era um “mal menor”. Isso se aplicava com força especial ao tratamento de Vichy à população judaica na França. O regime promulgou leis antissemitas por vontade própria, aparentemente sem qualquer conexão com a invasão alemã em seu território; talvez seja verdade, talvez não seja! o que resta, de fato, é um sombrio obscurantismo que impede a verdade, se é que ela existe, de aparecer. EM 1940, ele revisou os casos de pessoas naturalizadas como francesas pela legislação aprovada em 1927: mais de 15.000 pessoas perderam a cidadania francesa dessa maneira, 6.000 das quais eram judias. Em agosto de 1940, os governantes de Vichy revogaram a Lei de Marchandeau, de 1939, que tornara ilegal estigmatizar, na imprensa, qualquer grupo de pessoas, com base em sua raça ou religião. Em outubro de 1940, o primeiro estatuto judaico definia as pessoas como sendo “de raça judaica”, se eles tivessem três avós judeus, ou dois avós judeus e um cônjuge judeu. As autoridades restringiram o emprego dos judeus no exército, no setor público e nas profissões liberais, e concederam aos chefes de departamentos permissão para colocar judeus estrangeiros sob vigilância policial ou interná-los em campos. Uau, a liberdade a igualdade, e a fraternidade não é para todos, meu lindo! Um segundo estatuto judaico em 1941 reforçou e ampliou essas medidas. Empresas judias foram retomadas ou fechadas. Em julho de 1942, policiais franceses reuniram 13.000 judeus “apátridas” em Paris e os levaram ao Velódromo de Inverno. Outros investidas ocorreram no ano seguinte no sul da França e no leste da França em 1944. Qualquer semelhança com o tratamento nazista dispensados aos judeus não é mera coincidência, mon amour! No total, 76.000 judeus foram deportados da França para os campos de concentração, a maioria deles passando pelo centro de detenção de Drancy, nos arredores de Paris. Poucos sobreviveram. Quase 2.000 dos deportados tinham menos de seis anos; mais de 6.000 tinham menos de treze anos. Como Paxton e Michael Marrus observaram em seu livro “Vichy France and the Jewish”, publicado pela primeira vez em 1981: “Quando os alemães começaram a deportação sistemática e o extermínio de judeus em 1942, o antissemitismo rival de Vichy ofereceu-lhes ajuda mais substancial do que encontraram em qualquer outro lugar na Europa Ocidental, e mais ainda do que receberam de aliados como Hungria e Romênia”. Os apologistas do regime inicialmente receberam “Vichy France” de Paxton com hostilidade, mas o livro teve uma influência duradoura em nossa compreensão da colaboração. Em sua esteira, surgiram diversos estudos sobre a ocupação, incluindo os de Philippe Burrin, Rod Kedward, John F. Sweets, Pascal Ory, Jean-Pierre Azéma e Bertram Gordon. Henry Rousso examinou a fixação com o período e os traumas associados a ele em seu livro “The Vichy Syndrome”.
Esses debates e controvérsias relacionadas à existência e extensão da organização fascista, na França entre as guerras, ganharam nova relevância na década de 1980 com o surgimento da Frente Nacional de extrema direita (FN), liderada por um revisionista antissemita do Holocausto, Jean- Marie Le Pen. A equipe de liderança da FN e as influentes publicações de seus satélites incluíam vários ex-milicianos de Vichy, oficiais da Waffen-SS e colaboracionistas de vários tipos. Colaboracionistas como Roland Gaucher, ex-editor do jornal National-Hebdo da FN, não viram “nenhuma contradição” entre trabalhar com o partido colaboracionista Rassemblement National Populaire de Marcel Déat na década de 1940 e a FN de Le Pen meio século depois. As notórias observações de Le Pen descrevendo o Holocausto como um “detalhe” da Segunda Guerra Mundial, seu uso da palavra “sidaïques” em referência a pacientes com AIDS – que ecoavam o termo desdenhoso de Vichy para judeus, “judaïques” – e sua declaração de 2005 de que o regime de Vichy não foi “especialmente desumano” para ajudar a explicar por que homens como Gaucher se reuniram ao seu lado. A reinvenção de uma herança fascista na França contemporânea aguçou e dramatizou os debates sobre a ocupação. Tentativas de processar aqueles que participaram dos crimes do regime de Vichy, e esforços paralelos para reprimir tais esforços, demonstraram que, quaisquer que fossem os avanços da investigação histórica, ainda havia forças determinadas a bloquear um acerto de contas completo com o período. Paul Touvier era uma figura de destaque na milícia de Vichy, no leste da França, desde 1943. Ele serviu sob o chefe da Gestapo em Lyon, Klaus Barbie, que foi condenado por crimes contra a humanidade em 1987. No final da guerra, Touvier se escondeu e recebeu uma sentença de morte à revelia por sua participação na deportação e execução de prisioneiros judeus. Essas sentenças prescreveram em meados da década de 1960; em 1971, o Presidente Georges Pompidou concedeu-lhe um perdão. Em 1973, Touvier enfrentou novas acusações de crimes contra a humanidade. Os atrasos policiais e a indulgência de alguns clérigos católicos (Oh, meu Deus!), que lhe forneceram refúgios, significaram que ele não foi preso até 1989, tendo sido encontrado no Priorado de São Francisco em Nice. Em 1992, o Tribunal de Apelação de Paris decidiu que Touvier não poderia ser acusado de crimes contra a humanidade, pois as atrocidades cometidas por indivíduos sob o domínio de Vichy não se enquadravam na definição legal de tais crimes. A igreja católica é pródiga em não reconhecer seus crimes, e muito menos os crimes dos outros! Por que o caso assim se desenvolveu? De maneira extraordinária, a Corte divulgou uma avaliação detalhada do regime de Vichy, que concluiu que não poderia ser considerado totalitário, uma vez que não era caracterizado pela política de “hegemonia ideológica” e continha apenas alguns elementos semelhantes ao fascismo. O episódio de Touvier jogou luz sobre lugares desconfortáveis. Os refúgios seguros oferecidos pela Igreja Católica a um criminoso de guerra eram um lembrete, não apenas do papel da Igreja no caso Dreyfus – quando o antissemitismo político mais tarde mobilizado pelo fascismo do século XX havia surgido pela primeira vez – mas também da persistência do antissemitismo na França contemporânea. Não podemos esquecer que a extrema direita sobrevive e, respira, sem a ajuda de aparelhos; Marine Le Pen que o diga, não? Havia também a questão de outras cumplicidades subjacentes ao fracasso das instituições estatais, da polícia à presidência, em levar Touvier à justiça nos cinquenta anos desde que ele ordenou a execução de sete prisioneiros judeus. Ele acabou sendo condenado em 1994, tornando-se a primeira pessoa francesa a ser considerada culpada de crimes contra a humanidade. O caso de René Bousquet chamou a atenção para silêncios e indulgências ainda mais estranhos. Bousquet tinha sido um funcionário público no Ministério da Agricultura antes da guerra, e ele foi encarregado de arquivos de serviços secretos sob o governo da Frente Popular. Ele era um funcionário público de centro-esquerda, não um ativista de extrema-direita ou um agitador antissemita. Em abril de 1942, ele se tornou chefe de polícia de Vichy. A mágica nunca foi suficientemente explicada. Trabalhando em estreita colaboração com Carl Oberg, chefe da polícia alemã e da SS na França ocupada, Bousquet supervisionou mais de 60.000 deportações para os campos da morte entre 1942 e 1943. Ele organizou o recolhimento dos judeus no Velódromo de Inverno de 1942 em Paris e o ataque de 1943 ao Porto Velho de Marselha, durante o qual o bairro da classe trabalhadora foi arrasado, 25.000 pessoas ficaram desabrigadas e 1.642 prisioneiros foram enviados para o campo de internação Royallieu-Compiègne. Bousquet acabou sendo deposto de sua posição, acusado por colaboradores de extrema direita de ajudar a resistência. Após a libertação, ele foi condenado por “indignidade nacional” como parte do expurgo do pós-guerra, mas não cumpriu sua sentença de cinco anos por causa de sua contribuição para a resistência. Ele passou a ter uma carreira de sucesso no Banque de l’Indochine e no jornal Depêche du Midi, cultivando amizades com várias figuras políticas de destaque, especialmente François Mitterrand. Em 1991, Bousquet enfrentou acusações por sua participação na atrocidade do Velódromo de Inverno e pela abolição de regulamentos que protegiam algumas crianças judias da deportação. Bousquet representou a elite leal, eficiente e tecnocrática, cujo papel era se conformar à autoridade em vigor e promulgar sua legislação. Seu caso, presumiu-se, colocaria Vichy em julgamento e levantaria todas as difíceis perguntas não respondidas sobre as continuidades entre esse regime, a Terceira República, anterior à guerra, e as Quarta e Quinta Repúblicas do pós-guerra que se seguiram. Por que levou quase cinquenta anos para que o papel de Bousquet na deportação de judeus fosse revelado? Como se esquivou disso em seu julgamento de 1949? Quem o protegeu do escrutínio desde então? Como poderia uma autoridade estatal de alto escalão, cúmplice do Holocausto, ter desfrutado de uma carreira tão bem-sucedida no pós-guerra? Nunca recebemos respostas satisfatórias para essas perguntas, porque, em 8 de junho de 1993, um homem chamado Christian Didier entrou, vindo na rua, bateu na porta de Bousquet e o matou a tiros, alegando depois que era uma vitória do bem sobre o mal. O caso Bousquet e as revelações sobre sua amizade com Mitterrand chamaram a atenção para o papel do próprio presidente socialista na ocupação. Em 1994, quando Mitterrand ainda estava no cargo, o livro de Pierre Péan, “Une Jeunesse Française”, detalhou seu histórico de envolvimento político antes de se envolver na resistência no final da guerra. O flerte de Mitterrand com a extrema direita durante a década de 1930, o emprego de Vichy e o recebimento da honra Francisca pelos serviços prestados ao regime não eram segredos. Mas essas revelações ainda foram um choque para o público francês e obrigaram Mitterrand a se sujeitar a uma entrevista na televisão sobre seu passado. A recusa de Mitterrand em pedir desculpas em nome do Estado francês pelas atrocidades cometidas durante a Ocupação foi de maior significado. Ele argumentou que Vichy havia rompido com a República, que, portanto, não tinha responsabilidade por seus crimes: “Não vou me desculpar em nome da França. A República não tem nada a ver com isso. Eu acredito que a França não é responsável.” Isso foi uma continuidade da postura adotada anteriormente por De Gaulle e seus sucessores, que acreditavam que a negação era a melhor maneira de preservar a unidade nacional. Por fim, Jacques Chirac, dois meses após sua eleição como presidente em 1995, pediu desculpas em nome da nação francesa por sua cumplicidade no Holocausto, enquanto se esforçava para enfatizar que “outra França” de resistência ao nazismo estava prosperando em Londres na época. Como Bousquet, Maurice Papon era um funcionário público de alto escalão. Ele trabalhou para o governo da Frente Popular, depois provou ser um servo leal de Vichy e das várias administrações pós-guerra da Quarta e Quinta Repúblicas. Papon acabou se tornando deputado e prefeito gaullista e tesoureiro do Partido Gaullista UDR. No final da década de 1970, ele havia sido nomeado ministro do orçamento no governo de Raymond Barre sob o presidente Valéry Giscard d’Estaing. Papon esteve fortemente envolvido na atividade policial, durante e após a guerra. Como secretário-geral do chefe de polícia de Bordeaux durante a guerra, Papon tinha uma responsabilidade especial pelos assuntos judaicos e supervisionou a deportação de 1.600 judeus de Bordeaux para Auschwitz via Drancy. Após a libertação, ele assumiu cargos no Marrocos e na Argélia, onde empregou métodos de contrainsurgência envolvendo tortura, execuções sumárias e esquadrões da morte em apoio ao domínio colonial francês. Em 1958, ele se tornou prefeito de Paris. De Gaulle concedeu a ele a Légion d’Honneur em julho de 1961 por seus serviços ao estado francês.
Em outubro de 1961, Papon se encarregou da repressão de uma manifestação argelina pro-independência em Paris, que prosseguiu desafiando o toque de recolher que havia sido imposto. A polícia sob o comando de Papon prendeu 11.000 argelinos: muitos deles foram espancados até a morte e jogados no Sena, com estimativas do total de mortos que variam de 50 a mais de 200. Em 9 de fevereiro do ano seguinte, a polícia de Papon atacou uma demonstração que o Partido Comunista Francês havia organizado em resposta a ataques terroristas da Organização Secreta do Exército, que estava empenhada em obstruir a independência da Argélia a todo custo. Seus oficiais mataram nove manifestantes e deixaram 250 feridos. Papon foi forçado a renunciar após o sequestro e desaparecimento do político marroquino Mehdi Ben Barka em 1965: Ben Barka foi preso por policiais em Paris, para nunca mais ser visto. Mas De Gaulle o nomeou diretor da empresa estatal Sud Aviation em 1967. Papon deixou o cargo em 1968 para seguir uma carreira política. Detalhes de seu papel de guerra só se tornaram públicos em 1981, quando a revista Le Canard enchaîné publicou documentos descobertos pelo historiador Michel Bergès. Papon foi acusado de crimes contra a humanidade em 1983, mas foi em 1997 antes de finalmente ser julgado, para ser condenado em abril de 1998. A carreira de Papon como funcionário do Estado destacou uma disparidade entre o acerto de contas da França com seu passado colaboracionista e sua amnésia sobre o registro colonial. Alguns historiadores argumentaram que seu julgamento marcou um ponto de virada, deslocando a atenção da lembrança de Vichy para a lembrança da Argélia. No entanto, não houve um marco simbólico para a memória colonial comparável com o pedido de desculpas de Chirac pelos crimes de Vichy. Em vez disso, a radicalização da direita dominante no século XXI tendeu a cimentar uma teimosa recusa a aceitar os crimes do império. Em 2005, houve até uma tentativa desajeitada de insistir que os alunos fossem ensinados sobre os aspectos positivos do colonialismo francês. Mais recentemente, quando os protestos do movimento Black Lives Matter eclodiram em junho de 2020, e ativistas na França expressaram sua raiva por estátuas comemorando figuras associadas à escravidão e ao colonialismo, os assessores do Presidente Emmanuel Macron alertaram contra a imposição de uma visão “binária” da história, alertando que uma concepção de memória “importada e interseccional” era incompatível com uma “memória republicana” compartilhada por todos. O próprio Macron falou do perigo de o “comunitarismo” levar o antirracismo a uma reescrita odiosa e falsa do passado: “A República”, declarou ele, em termos que recordavam a aversão de Mitterrand a qualquer pedido de desculpas por Vichy, “não apagará nenhum vestígio ou nome de sua história. A República não derrubará estátuas”. Embora Macron seja o primeiro presidente a reconhecer publicamente a tortura sistemática do Estado pela França durante a Guerra da Argélia, ele descreveu sua posição, em relação ao papel francês na Argélia e em suas outras colônias, como “nem de negação, nem de arrependimento”. Só em 2013 foi removida a última placa de rua com o nome de Philippe Pétain. Aqueles que buscam um acerto de contas genuíno para o colonialismo francês provavelmente precisarão de seu próprio maio de 1968 para alcançá-lo. Vamos ao filme! Em1942, os franceses foram ocupados pela Alemanha, durante o governo do Partido Nacional Socialista. A delegação de Propaganda Abteilung do ministério de propaganda da Alemanha do ex-maçon Jean Mamy (conhecido pelo pseudônimo Paul Riche), encomendou o filme Forças Ocultas que sem desculpas denuncia a Maçonaria como parte de uma conspiração judaica. Foi escrito por Jean Marquès-Rivière, e produzido por Robert Muzard, ambos condenados a punições no dia 25 de novembro de 1945 por sua colaboração, sob a França libertada. O filme de propaganda desonesta detalha um jovem deputado, que aprende que os maçons estão conspirando com os judeus e as nações anglo-americanas para levar a França a uma guerra com a Alemanha. Os nacional-socialistas eram inimigos da maçonaria, espalhando "fofocas" como os meninos do coro da Igreja, que haviam lutado contra ambos com mentiras. Ao opor-se a ela, e a tal propaganda, esta defende em alguma medida, a maçonaria. Portanto, eu nunca poderia pedir desculpas por defender o que faço, porque tem e pode (já que os fatos ainda não informam a mente do público) ser demonstrado, que suas opiniões se baseiam em suas opiniões, não em fatos. A visão de Guido von List e as idéeas de Adolf Hitler ainda influenciam setores da Europa com inclinaçõe tiradas de várias influências. No entanto, os EUA que adotam qualquer variante da escorregadia conspiração judaico-maçônica-iluminati inevitavelmente desenvolvem um antiamericanismo paradoxal, em nome do patriotismo - um revisionismo da história americana e do propósito dos fundadores, apesar de a própria nação eleger seu primeiro chefe sobre as honras maçônicas, com seu próprio capital, sendo uma referência à antiga Deusa Etrusca da Sabedoria. A visão nacional-socialista era um novo mito do sangue, e "preservacionismo da essência piedosa do Teuto (A Alemanha)", eles recentemente chamaram de "ariana", com Mussolini desejando que os italianos fossem reconhecidos como arianos. Segundo o ministro Goebbels em seu apelo à Alemanha cristã, Deus criou os alemães. Os mitos acreditados pelos nacional-socialistas não estavam em sua base, diferentes daquelas ideias que preocupavam qualquer outra ordem fraternal secreta, ou organizações públicas de natureza religiosa e filosófica. A Alemanha abrigou muitos desses grupos, e os nacional-socialistas como Himmler não estavam livres da moda ocultista. Atacar e reprimir maçons, judeus, etc., parece, portanto, muito estranho, hipócrita e suspeito. Mais uma vez, o Estado fascista não poderia ter nenhum elemento fora de si e, portanto, eles procuraram subverter estes grupos. Benito Mussolini também expressou seu pensamento sobre a Maçonaria, que francamente acho pouco convincente, mas suas opiniões são dignas de nota para a pesquisa. Havia Maçons que cedo se tornaram fascistas, assim como os judeus eram atraídos pela força das ideias no fascismo, e os maçons eram os primeiros financiadores de Mussolini. Isto para nem mencionar a afirmação de que Mussolini durante a Primeira Guerra Mundial foi um agente pago do MI5 britânico, o famoso serviço secreto do Reino Unido. Mussolini diz, ele é o renascimento de Mazzini, mas desrespeita a revolução que o precedeu e falhou, assim como falhou como Mazzini e Garibaldi, que eram maçons e partidários da Democracia popular. Era natural que alguns maçons vissem nele a chama de um destinado a erguer a Nova Itália e o povo italiano. Este desejo de ver o avanço da raça, como eles o colocariam, é compartilhado por muitos na esperança de todo o mundo. Mas ao contrário de Mussolini, apesar das diferenças, estavam lutando por uma causa em uma luta com o R.C.C. Mussolini, em seu apelo hipócrita ao Papado, portanto se alinhou contra esta causa, e parece nem mesmo compreender o que isso era. "Não esqueçamos que os maçons da Itália sempre representaram uma distorção, não só na vida política, mas também nos conceitos espirituais". Toda a força da maçonaria foi dirigida contra as políticas papais, mas esta luta não representou um ideal real e profundo". Mussolini diz: "em conceitos espirituais"! "Nenhum ideal real e profundo"! E muitas pessoas hoje em dia sustentam o sentimento anti-Maçônico de Mussolini. O filme é um dos exemplos mais extremos de colaboração ideológica franco-alemã a emergir da Segunda Guerra Mundial. Ecoando estereótipos racistas do século XIX, propaganda contemporânea e uma ampla gama de medidas repressivas instituídas tanto pelos nazistas quanto pelo governo de Vichy, o filme revive a teoria da conspiração paranoica de que uma rede secreta e internacional de maçons e judeus controla a política e a economia mundial. Um documentário que encobre a ficção nas convenções narrativas do verdadeiro documentário, e a perseguição ideologicamente motivada sob o pretexto da objetividade escolar, Forças Ocultistas coloca os espectadores no papel de um iniciado ingênuo - o jovem legislador Pierre Avenel - que a princípio acredita na democracia parlamentar e nos maçons, mas gradualmente descobre a "verdade" e é brutalmente atacado quando ameaça expô-la. Seguindo o padrão de dois clássicos docu-dramas nazistas de 1933, Hitlerjunge Quex e Hans Westmar, Avenel se transforma de um cruzado pela justiça em um mártir destinado a inspirar indignação moral e apoio ao fascismo. Um dos mais extremos filmes de propaganda anti-semita e anti-masônica já realizados. Vale o registro histórico e peço desculpas pelo intenso e enorme cenário, à guia de introdução; mas julgo importante pelo relato histórico e o entendimento que a histórico se repete; e está sempre, umbilicalmente, interligada!
Meu Nome é Dolemite
3.8 363 Assista Agora"Dolemite Is My Name" é uma espécie de homecoming. Depois de décadas de comédia pg e pg-13 avaliado, sem mencionar voltas mais dramáticas como seu papel indicado ao Oscar em "Dreamgirls" e sua escolha imprudente de "Mr. Church", o auto-proclamado "Mister F--k You Man" está de volta. A menos de um minuto da cinebiografia muito divertida do diretor Craig Brewer, Murphy solta a palavra Samuel L. Jackson é mais famoso por pronunciar. Não é apenas o retorno triunfante ao xingamento que os fãs têm desejado, é também um lembrete: a palavra favorita de Sam Jackson pode ser maternal-adjacente e doze letras de comprimento, mas antes que ele a comandasse, era propriedade de Rudy Ray Moore. Murphy interpreta Moore, o trapaceiro camaleão que dividiu sua capacidade de mudar e sua tenacidade em uma carreira como comediante de stand-up cujo personagem de assinatura, Dolemite, o tornou famoso. Antes de descobrir o mal-humorado e auto-promotor do título, Moore tentou sua mão na dança do shake, atos mágicos e até mesmo cantando. Quando o filme estreia, Moore está tentando convencer um DJ local (Snoop Dogg) a tocar um disco que gravou na sala de estar de sua tia. O DJ não se comove com o som de R&B ultrapassado. "Nosso tempo passou", diz o DJ Snoop. "Você acha que eu quero estar executando uma estação de rádio fora de uma loja de discos do gueto?" Essa loja de discos mantém ambos empregados, juntamente com o amigo de Moore, Toney (Titus Burgess). É trabalho de Toney afastar o wino (Ron Cephas Jones) que continua vindo para pedir mudança. Jones pode ser fisicamente estranho, mas seu jogo verbal cheira a gênio em potencial. Tropeçando na loja, ele regala qualquer um que vai ouvir com contos da "mãe mais malvada que já viveu, Dolemite". Dolemite se gabava de sua proeza sexual sobrenatural e seus feitos lendários de derring-do. Ele "algemou um raio e jogou a bunda do trovão na cadeia." Com cascalho em sua voz e os tremores de possível retirada em sua pessoa, Jones é eletrizante nesta breve participação, cativando o público tanto quanto ele faz o Moore na tela. Com um pouco de afiação das piadas, Moore pode pegar essas histórias e produzir um álbum de comédia refletindo-as de volta ao mundo. O verdadeiro Rudy Ray Moore está no registro creditando o bairro como a gênese para suas histórias e raps Dolemite. Como uma pessoa diz no filme, muitos desses caras estavam na cadeia e, para passar o tempo, elaboraram esses contos altos de significação e braggadocio a partir de suas próprias experiências e do diálogo colorido que ouviram nas esquinas. Moore recolhe essas lojas em uma cena montada em torno de uma lata de lixo onde Jones e seus companheiros de rua giram seus fios por dinheiro. No entanto, Moore não estava sozinho na mineração desta veia particular para o ouro cômico: Quando Richard Pryor virou sua comédia para longe do olhar branco e olhou para seu próprio jardim da frente, ele criou Mudbone, o filósofo de rua que estreou no registro no mesmo ano em que Dolemite fez sua estreia na tela. De Ned the Wino em "Good Times" a "Do the Right Thing" Da Mayor, este personagem em particular tem sido frequentemente usado como uma folha que escondia verdades amargas dentro do humor amplo, como os tolos de Shakespeare, mas com mais hipérbole. Bêbados e oprimidos podem ser, mas isso não nega a sabedoria obtida com as duras realidades de suas experiências. Como diz o ditado, em vino veritas. Após o sucesso de seus álbuns de comédia, um dos quais até mesmo paradas na Billboard, Moore considera o que vem a seguir para Dolemite. Enquanto assiste "A Primeira Página" de Billy Wilder com seus amigos, Moore percebe que a verdadeira imortalidade reside na tela, onde o feixe de luz atirando do projetor é como uma gravação de caverna. Ele acha que fazer filmes é fácil porque, para ele e seus comparsas, a comédia de Wilder não é nada divertida, mas foi feita e está nas telas de toda a América. "Este filme não tinha peitos, nem engraçado e nem kung-fu", diz Moore, "as coisas que pessoas como nós querem ver." Moore está determinado a fazer um filme doLemite. E ele não vai deixar sua falta de conhecimento cinematográfico atrapalhar. Quando os escritores Scott Alexander e Larry Karaszewski foram anunciados, pensei que eles eram a escolha errada para este material, mas em muitos aspectos, a história de Moore tem paralelos com seu antigo sujeito, Ed Wood. Como o filme de Burton, "Dolemite Is My Name" tem um elenco coadjuvante de personagens coloridos que são adoravelmente estranhos, começando com D'Urville Martin, de Wesley Snipes. Martin é a pessoa mais ácida do set, tendo trabalhado como ator com Roman Polanski ("oh, você foi o operador do elevador em 'O Bebê de Rosemary'", alguém aponta) e o colega de Moore, Fred Williamson. Martin não está a bordo até Moore oferecer "Dolemite" como sua estreia na direção, além do papel do antagonista do filme. Bêbado com o poder, Snipes dá uma performance escandalosamente engraçada que combina prima donna preening com resignação mal-humorada sobre o que ele percebe como um caso amador sob seus talentos. Também estão em performances divertidas Keegan-Michael Key como o escritor Jerry Jones e Craig Robinson como Ben Taylor, o homem que faz por Dolemite o que Ike Hayes fez por Shaft, menos o Oscar. No centro de "Dolemite Is My Name" está Eddie Murphy, cuja performance me deixou um pouco em conflito. Uma imitação brilhante, Murphy poderia ter ido para uma imitação vocal completa de Moore (embora, mesmo com o intestino pudgy, ele realmente não se assemelha a sua contraparte da vida real), que é o que eu esperava que ele faria. Em vez disso, Murphy praticamente usa sua própria voz, então a cena em que Dolemite está cantando "The Signifyin' Monkey", toca mais como Eddie Murphy homenageando seu herói em vez de se tornar ele. No entanto, há algo mais acontecendo aqui, algo parecido com o que Anthony Hopkins fez em "Nixon", ou talvez o que Diana Ross fez em "Lady Sings the Blues". Isso não é fac-símile; em vez disso, captura a essência da pessoa que o ator está interpretando. O verdadeiro Moore tinha empatia genuína pelas pessoas ao seu redor, bem como uma tenacidade que surgiu de seu ego, mas foi temperada pela autodepreciação. Murphy transmite tudo isso soberbamente, muito dele refletido em seus olhos. Há aquele brilho travesso que conhecemos e amamos Eddie, mas também há uma doçura e vulnerabilidade que não vejo de Murphy desde que Lisa devolveu os brincos ao Príncipe Akeem no MTA em "Coming to America". Olhe para a maneira amorosa que ele platonicamente aparesenta em Lady Reed (uma excelente Da'Vine Joy Randolph), o patrono em seu clube de comédia que mais tarde vai estrelar como a senhora do estábulo de dolemite de mulheres de kung-fu. Nela, ele vê um espírito igualmente confiante, uma grande e bonita mulher, contrapartida ao seu homem pastoso e médio. Seu hilário e imundo dueto de paródia de música country é um dos destaques do filme. Reed recebe um discurso sobre representação que no início parecia exagero — podemos inferir o que ela está dizendo das cenas em que está — mas talvez precisasse ser vocalizada de qualquer maneira para que as pessoas na parte de trás possam ouvi-lo.
Comparações certamente serão feitas entre este filme e o muito mais azedo e terrível "O Artista do Desastre", mas uma distorção mais próxima seria "Baadassss" de Mario van Peebles! Como a crônica de Van Peebles sobre a criação do clássico indie de seu pai, "Dolemite Is My Name" toca como algo que foi feito enquanto estava em fuga, evocando a sensação de seu assunto. Seu humor abundante nunca é amargo ou auto-zombador, mesmo em seus momentos mais absurdos. "Dolemite" de Moore pode parecer um filme à meia-noite no estilo "The Room". "Dolemite Is My Name" é uma biografia típica impulsionada por sua alegria implacável, sua afeição por seu sujeito e compromisso com o tempo e o lugar que está definido. E ainda assim, algo ainda me incomoda sobre seu desempenho principal. Não me faça mal, Murphy é muito, muito bom, e com base nisso, eu adoraria vê-lo enfrentar Pryor em seguida. Eu só compro-o mais como Rudy Ray Moore do que como Dolemite. Essa é muito provavelmente a intenção aqui, como Moore diz inúmeras vezes no filme que o papel é inteiramente um put-on. Que eu continuo rolando esta performance em torno de minha cabeça diz algo sobre o seu poder de permanência. Murphy não é exatamente o mais caridoso dos atores quando ele é o protagonista, um subproduto de seu poder estelar, mas ele está no seu melhor aqui quando ele está deixando a cena ser roubada debaixo dele. Sua última cena é um excelente exemplo disso — quem pensou que sua persona sábia na tela poderia ser tão humilde?
Correndo com Tesouras
3.8 264 Assista Agorasei lá...
Geração Prozac
3.6 465Prozac é um medicamento antidepressivo, da classe dos inibidores seletivos de recaptação de serotonina; foi descoberto por Eli Lilly and Company, em 1972. Contudo, só em 1986 começou a ser usado. Em geral, o Prozac é usado para o tratamento da depressão. Contudo, pode ser indicado para TOC, TDPM, TPM, e até bulimia nervosa. É administrado oralmente, ou seja, em pílulas. O Prozac aumenta os níveis de serotonina no cérebro e isso causa a melhora dos sintomas dos problemas para os quais ele é indicado. Contudo, as melhoras não são instantâneas, podendo levar algumas semanas para fazer efeito. Prozac Nation, ou geração Prozac, é um filme de autoria estadunidense e alemã que foi lançado em 2001. Ele é baseado no livro do mesmo nome de Elizabeth Wurtzel, que foi lançado em 1994. A história narra os dramas psicológicos que acontecem com Elizabeth no início da utilização do Prozac. Na trama, Elizabeth é uma adolescente brilhante que foi aceita em jornalismo na conceituada Universidade de Harvard. Por essa razão, ela e a mãe vão morar na cidade de Cambridge, Massachusetts, nos EUA. Como seus pais são divorciados desde muito que ela era muito nova, a falta que ela sente do pai a faz sentir-se carente e depressiva; ou contribuí para isso. Já na faculdade, ela tem como companheira de quarto uma moça chamada Ruby e começa a namorar com um rapaz chamado Noah. Ela começa a trabalhar para um jornal grande, se envolve com drogas e tem uma vida sexual desregrada. No entanto, essa mudança de vida, somada a problemas familiares, a faz se afundar mais na depressão. Ademais, com o aumento de tudo isso, ela acaba magoando e afastando seus amigos, a mãe e o namorado. Nesse momento, decide procurar ajuda profissional. Elizabeth marca uma consulta com a Dra. Diana Sterling (Anne Heche), que lhe receita o antidepressivo Prozac. Mesmo a história sendo de 1994, o tema ainda é atual (2022). Isso se dá porque tanto na história como na nossa sociedade o Prozac é considerado uma pílula salvadora. Não por coincidência, ela é conhecida como a pimenta da felicidade. A nossa sociedade está marcada pela convicção de que qualquer sofrimento pode ser abolido. Nem que para isso se precise tomar bombas de medicamento. Assim sendo, o importante é parar de sentir dor. Com isso, o uso constante de medicamento se tornou comum. Não se pode deixar de culpar também a indústria farmacêutica por isso. Essa indústria há anos investe pesado no marketing das pílulas salvadoras. Assim, é a partir disso que tem início a fomentação de remédios para doenças, transtornos, e síndromes para emagrecimento ou para o sono. Além de tudo isso, a depressão recebe muito mais foco. Por essa razão, o número de casos vem se disseminando mais e mais. No Brasil, cerca 10% da população sofre de depressão. Porém, muitos indivíduos não sabem ou não admitem que tem a doença, e não procuram ajuda especializada. Sei lá, conhecendo tanto gente com depressão que fica muito difícil criticar o remédio...
Três Formas de Amar
3.8 272 Assista AgoraTem a emoção de uma fatia de mamão passado do ponto!
Os Selvagens da Noite
4.0 597 Assista Agoraque coisa, não?
O Selvagem da Motocicleta
3.9 227 Assista AgoraQue bosta!
Totally Fucked Up
3.9 42Gregg Araki uma vez descreveu Totally F***ed Up, sua continuação do novo grampo do Cinema Queer de 1992, The Living End, como uma "história de bonecas de fag-and-dyke adolescente underground... uma espécie de cruzamento entre o cinema experimental de vanguarda e um filme queer John Hughes. A declaração atesta não apenas o radicalismo comprometido de Araki, mas também ao seu senso de como a política da cultura pop joga para a juventude alienada. Ele provavelmente adorou uma rave de um jornal de São Francisco saudando o filme como "uma versão dos anos 90 do Clube do Café da Manhã".
Os Brat Packers de Araki, muito mais rudes e mais vociferantes que os de Hughes, são um grupo de adolescentes arco-íris se misturando por meio do triplo-whammy da adolescência, tédio e homossexualidade desabotoada em uma Los Angeles, EUA, melosa e falsamente libera obviamente em tudo o que pode ser considerado liberal pelos estadunidenses. Na verdade, sexo estranho nunca é um problema; em vez disso, é a carga emocional e os babacas homofóbicos que as jovens personagens têm que lidar regularmente que levam à principal ninhada Andy (James Duval) a concluir que o suicídio pode não ser uma má ideia, afinal. Outros orbitando em torno do deliberadamente caloteiro beverly Hills do filme, incluem o aspirante a cineasta Steven (Gilbert Luna) e seu namorado Deric (Lance May), Tommy (Roko Belic), e o casal de lésbicas ácidas Michele (Susan Behshid) e Patricia (Jenee Gill), todos lidando com suas ecstasyas pessoais e misérias. Godard sempre esteve entre as maiores influências de Araki, e, de fato, Totalmente F***ed Up foi chamado de Masculin Féminin. Vivre Sa Vie também é evocado por meio da estrutura segmentada do filme, mas a maior sombra estilística aqui pode ser Katzelmacher, durante a qual Rainer Werner Fassbinder igualmente apoiou um lote de jovens forasteiros contra a parede da sociedade e assistiu aos destroços resultantes. As personagens tentam fugir para seus próprios universos independentes, completos com gírias auto-contidas (se masturbando para Randy se torna "atirar girinos na lua"), mas o mundo está sempre invadindo, inevitavelmente na forma de dor emocional. O romance provisório de Randy com um potencial Sr. Right (Alan Boyce) fornece ao filme não apenas o mais próximo que tem de uma narrativa, mas também com o senso de Araki (também compartilhado com Fassbinder) de que chegar a um acordo com sua sexualidade não necessariamente protege você das agonias que muitas vezes vêm com relacionamentos. Afinal, este é um filme onde um vídeo do Contrabandista Nine Inch Nails é motivo suficiente para trair a afeição de outra pessoa. "A vida é uma merda", diz Andy em um de seus momentos mais ensolarados, mas o niilismo nunca é de Araki. Na verdade, para todos os discursos murmurados sobre aids e relacionamentos de merda, grande parte do tom de Totally F***ed Up é espetado em sua compaixão e humor, devido em grande parte à dupla lésbica engraçada de Behshid e Gill. A total falta de piedade e condescendência carrega o filme sobre seus pontos ásperos e remendos sem rumo. Os finais da Trilogia do Apocalipse Adolescente de Araki (da qual Totalmente F***ed Up é a primeira parte) podem parecer totalmente desolados, mas todos eles se movem em direção a uma rejeição do negativismo em favor das duras, mas inescapáveis complexidades do mundo. A vida é foda, o cineasta está dizendo, mas vale a pena viver. Principalmente porque, aparentemente, não temos opção!
As Armas das Árvores
4.2 17Ofuscado por seu trabalho diário e periódico de 16 mm de anos posteriores, o filme de estreia de Jonas Mekas, Guns of the Trees é uma narrativa experimental de longa-metragem filmada em 35mm. É um trabalho fundamental tanto dentro de sua própria filmografia quanto dentro do nascente movimento do Novo Cinema Americano. Como tal, qualifica-se como uma encruzilhada crucial entre as possibilidades do cinema narrativo e o pioneiro cinema de vanguarda que estava por vir. Influenciado igualmente pela Europa New Wave e american beat cinema – especificamente Shadows (1959) e Pull My Daisy (1959) – Guns of the Trees é uma cápsula do tempo da agitação cultural e do crescente movimento cinematográfico independente do início dos anos de 1960. Quatro jovens estão tentando entender por que sua amiga, uma jovem mulher, cometeu suicídio. Um filme feito de cenas desconectadas, tecendo entre passado e presente a reviravolta pela qual passava os EUA; muitas possibilidades e vida e uma atuação criminosa a focar em guerras e invasões ao redor do mundo. O título do filme vem de um poema de Stuart Perkoff que conta que alguns jovens sentiram (por volta de 1960) que tudo estava contra eles, tanto que até as árvores nos parques e ruas pareciam-lhes como armas apontando para sua própria existência. "Guns of the Trees" registra com seriedade e alegria a sensação de um determinado momento no tempo, início de 1960, e as preocupações que pareciam imediatas então. Nada muito diferente do que hoje parece se dar; a novidade, à época, era uma certa preocupação com o coletivo, e hoje fala mais alto a individualidade.
Agora eles têm um onírico, de qualidade: Caryl Chessman, Estrôncio 90, Castro, Formosa, a geração beat. As emoções uma vez agitadas por essas palavras se dissiparam em grande parte sem muita atenção ser tomada. O que Jonas Mekas fez nesse filme, talvez sem a intenção total, é um documentário de um estilo de vida. Não há nenhum complô para falar. As personagens são representações dos abandonos da sociedade, beatniks que costumavam ser chamados, que vivem vidas relativamente simples, descomplicadas pelo Vietnã e Timothy Leary. Eles falam muito, e levam ideias muito a sério. Eles mantêm gatinhos de estimação, jogam handebol, escrevem poesias, marcham em manifestações de paz, fazem amor e se reúnem para jantares baratos de cozidos de vegetais. Eles achariam um Be-In levemente ridículo, e quando eles querem explodir suas mentes, baby, eles fazem isso do jeito estadunidenses; algo como somos os melhores do mundo e o resto, ah, o resto é o resto! honrado pelo tempo ficando bêbado. A câmera de Mekas acompanha a vida de dois casais em vários dias bastante comuns, antes e depois de uma das mulheres cometer suicídio. O suicídio não é uma surpresa; a mulher tem falado sobre isso, e seus amigos têm tentado animá-la. Depois de falharem, perguntam-se por quê. Não há resposta, é claro, e Mekas não tenta forçar uma. Ele se contenta em deixar as coisas acontecerem e muitas vezes consegue uma espontaneidade difícil de descrever. Em uma cena, por exemplo, a atriz Argus Speare Julliard senta seu amante (Ben Carruthers) grosseiramente e carinhosamente para baixo em uma cadeira e administra um corte de cabelo. É um momento alegremente humano. A trilha sonora também evoca o estilo de 1960. Canções folclóricas são executadas na moda apalachiana e bluegrass popular antes de todos serem amplificados, e Allan Ginsberg lê o jovem verso irritado que escreveu antes de ir para a Índia e se refrescou nas águas do Ganges. Porque não oferece as recompensas habituais dos filmes - suspense, fuga, romance, humor - esse filme provavelmente não vai atrair muitas pessoas. Mas se você ler "Uive" em voz alta ou pensou que talvez um dia você pegaria carona para São Francisco, você poderia dar uma olhada. Vai se surpreender, mesmo passados 60 anos, ainda se emocionara com as tentativas, ainda que as possibilidades estejam cada vez mais restritas! É um belo registro de muita coisa...
Quase um Segredo
3.7 144Início dos anos 2000, em uma pequena cidade no Estado do Oregon, nos EUA. Para se vingar do gordinho George que persegue seu irmão mais novo, Sam, na saída da escola, o adolescente Rocky convida alguns companheiros para uma viagem de barco, a fim de jogar George na água e fazê-lo tomar um susto saudável, ou não! História terna e cruel sobre a dinâmica adolescente em diferentes níveis de idade, favorecida pela unidade de lugar, tempo e ação do passeio de barco; é White People Problem berrando aos ventos, a plenos pulmões; a minha emoção indica zero! Filme pequeno e conciso, apoiado por uma direção impecável dos artistas e uma fotografia panorâmica (Sharone Meir) "que captura as semelhanças entre a variação da luz e os desenvolvimentos da história" (E. Terrone). Tímido e minucioso, Sam é vítima do ataque desmotivado do arrogante Georgie, um valentão da escola; obviamente cheio de problemas típicos de gente assim! Foda-se! Após mais uma investida do gordo e intolerável maníaco, Rocky, irmão mais velho de Sam, elaborará, junto a outros dois amigos um, plano para punir e humilhar o valentão corpulento: com a desculpa de um falso aniversário, o grupo convidará Georgie para fazer uma viagem, durante a qual a vingança deverá ser consumada. Percebendo que Georgie é realmente um garoto solitário e desajustado, Sam pedirá a seu irmão Rocky para abortar o plano, mas será a dinâmica do grupo que determinará os eventos, entre impulsos adolescentes e a dolorosa aquisição de um senso de responsabilidade. Vou à lagrimas quanto o justiceiro aborta a vingança com pena do punível; vejam só o gordo idiota é uma aberração social; deixe atacar os outros, vai ser bom pra ele! e para os outros, cara pálida? Perdi meu tempo e leva zero de 1.
O Selvagem
3.7 93 Assista AgoraO Selvagem (1953) ainda aproveita hoje? quase 70 anos após seu lançamento, uma aura infalível com a presença de Marlon Brando, que lançou a moda do Perfeito Homem desejável, mas não para casar-se: James Dean fará o mesmo em "A fúria de viver" (1956), mas muito melhor (lado da interpretação). Isso resultará no fenômeno rock'n'roll popularizado em todo o mundo graças a Elvis que assumirá os códigos de vestimenta do jovem Marlon. De certa forma, um novo e fundador filme que lançou as bases da geração do rock. Originalmente seu, Sr. Brando! Vamos notar ao seu lado a presença de um certo Lee Marvin !!, já visto em Hathaway ou Lang. Mais tarde, ele será encontrado em "A bout portant", "The dirty tozen"... Mal premiado com o Globo de Ouro de melhor diretor por "Morte de um Funcionário Viajante", Laslo Benedek aproveita seu sucesso para pintar (em traços muito grandes) o retrato de um jovem à deriva (uma geração? um país? de uma nação que venceu a grande segunda guerra!?. E assim, afixar seu nome reconhecido pela profissão a um filme transgeracional (1950-60). Parabéns, Laslo! Além disso, ele é o primeiro a encenar esse novo gênero de filmes: Benedek polvilha "The Wild Equipped" com um classicismo hoje de partir o coração. Música muito pouco procurada, ídolo dos jovens mal apresentado (como Brando se tornou Brando? Graças a Kazan, para mim), realização muito suave (entender clássico), montagem muito lenta (a la "Easy rider" mas menos mítica). Finalmente, "O selvagem", uma verdadeira obra-prima do período censurado pela fúria bárbara deve ser observada apenas para os fãs incondicionais do ator de "A Perseguição Implacável" e as "Revoltas da Recompensa". Os outros, decolam a toda velocidade! Espectadores, sim, há momentos de antologia (Brando e sua banda nas motos), sim, é uma obra-prima (porque revolucionou o cinema: novo gênero e novo ator meio anjo meio-demônio), e sim envelheceu, mas temos diante de nós O filme fundador do rock n' roll, possivelmente talvez; há de se registrar que o rock que vendia discos como água no deserto tinha muita coisa, mas nada revolucionário como se ficou conhecido; afinal das contas money is money! Então, vamos perdoar e procurar uma cultura cinematográfica completa. Eu me permito não fazer. leva 2 de 10!
Mas não Livrai-nos do Mal
3.8 66sei lá; me livrai desse filme e nem peço amém!
Janes - Mulheres Anônimas
3.9 3 Assista AgoraNa primavera de 1972, a polícia invadiu um apartamento no lado sul da cidade de Chicago, no Estado d Illinois, nos EUA, onde sete mulheres, que faziam parte de uma rede clandestina, foram presas e acusadas de praticar e ajudar a praticar abortos. Usando codinomes, fachadas e esconderijos para se protegerem, e seu trabalho, as acusados construíram um serviço subterrâneo para mulheres que buscavam abortos ilegais, acessíveis e todas identificavam-se pelo codinome Jane. Dirigido por Tia Lessin e Emma Pildes, The Janes oferece relatos, em primeira mão, das mulheres no centro do grupo, muitas falando primeira vez. The Janes conta a história de um grupo de criminosos improváveis. Desafiando a legislação estadual, que proibiu o aborto, a Igreja Católica que o condenou, e a Máfia de Chicago que estava lucrando com tal estado das coisas, os membros de Jane arriscaram suas vidas pessoais e profissionais para ajudar mulheres necessitadas. Numa época em que o aborto era um crime na maioria dos estados estadunidenses, e até mesmo a circulação de informações sobre aborto era um crime no Illinois, as Janes forneceram abortos de baixo custo e, até, gratuitos para cerca de 11.000 mulheres. Um documentário olha para o passado – uma rede secreta de provedores de aborto no final da década de 1960 – como uma janela para o futuro dos direitos reprodutivos restritos nos EUA, e que parece será recrudescido - agora em 2022, quando a Suprema Corte de Justiça decide pela ilegalidade naquele país para abortos. Os EUA continuarão sua marcha de anos para trás sobre os direitos reprodutivos. O acesso ao aborto nos EUA em 2022 espelha 1972, um ano antes de a Suprema Corte garantir o direito da mulher a um aborto com Roe v Wade, e uma época em que uma esparsa colcha de retalhos de legalização em alguns estados forçou muitas mulheres a procurar atendimento de provedores ilegais duvidosos ou métodos perigosos em casa. O filme de 101 minutos, dirigido por Tia Lessin e Emma Pildes, traça as evoluções políticas pessoais de vários membros, bem como o desenvolvimento do grupo a partir da coleção de ativistas que conectavam mulheres com provedores de aborto seguros – médicos homens ou homens que alegavam ser médicos – para realizar o procedimento eles mesmos. O grupo eventualmente proporcionou mais de 11.000 abortos, muitos para mulheres pobres que não podiam pagar outra opção. As mesmas mulheres – pobres, rurais, pessoas de cor, muitas vezes jovens – que são deixadas para trás agora pelas medidas extremas aprovadas pelas legislaturas estaduais republicanas que proíbem o aborto já de seis semanas após a gravidez, antes que a maioria das mulheres saibam que estão grávidas.
"Este filme é instrutivo sobre como este país se parece quando a saúde da mulher – saúde básica – é criminalizada", disse Lessin ao The Guardian. "Porque o que sabemos ser verdade é que quando o aborto é ilegal, não significa que as mulheres parem de procurar abortos. Significa apenas que eles não têm acesso a abortos seguros." Como um ex-médico de Chicago observa no filme, a ala de aborto séptico de seu hospital – uma característica padrão antes de Roe – admitia 15-20 mulheres por dia com lesões ou infecções, às vezes letais, de tentativas de aborto. Esse perigo levou Heather Booth, entrevistada no filme, a encontrar um médico para fornecer à irmã de um amigo um aborto como estudante universitária em 1965. À medida que o boca a boca se espalhou, Booth reuniu vários amigos do movimento das mulheres para compartilhar a carga de trabalho, que informalmente se tornou as Janes. A rede eventualmente incluiu numerosos esconderijos, motoristas clandestinos, funcionários telefônicos, panfletos pseudônimos e, uma vez que souberam que um de seus principais médicos não tinha licença médica (ele também aparece no filme e fala francamente sobre sua motivação: debaixo do dinheiro da mesa), treinamento para fazer os procedimentos eles mesmos. "Há muitas maneiras pelas quais este filme nos dá um exemplo de como ele parece ser de ajuda e de uso. E, infelizmente, vamos precisar cada vez mais disso nos próximos anos", disse Lessin. "É uma espécie de chute na bunda e talvez um chamado à ação. Não deveríamos estar sentados em nossas mãos e suspirando sobre o estado deste país. Há sempre algo a ser feito. E, neste caso, eles decidiram criar essa rede." O filme, que inclui entrevistas com várias ex-Janes e imagens de arquivo de protestos do final dos anos 60 em Chicago, faz parte de uma coleção de filmes recentes que revisitam o passado de pre-legalização como eclipses de acesso nos EUA. Acontecendo, um filme da diretora francesa Audrey Diwan, transforma o livro de memórias da romancista Annie Ernaux de procurar um aborto ilegal na década de 1960 em um thriller. O longa-metragem Call Jane, estrelado por Elizabeth Banks como uma fictícia jane cliente-virou-membro-transformado-provedor de aborto e Sigourney Weaver como um organizador dauntless modelado em parte sobre a líder da vida real Jody Parsons. Call Jane, dirigido por Phyllis Nagy, alistou Jane membro e participante do documentário Judith Arcana como consultora histórica. Arcana estava entre as sete Janes presas pela polícia de Chicago em 1972 e foi acusada de conspiração para cometer aborto, com a ameaça de 110 anos de prisão. "Éramos mulheres comuns tentando salvar a vida das pessoas, mas éramos criminosos", diz Arcana no filme. (A advogada do grupo, Jo-Anne Wolfson, parou o julgamento até que o veredicto de Roe rejeitou suas acusações.) O filho de Arcana, Daniel, começou a produzir sobre o que se tornaria o documentário em 2016, quando Trump foi eleito e "a escrita estava na parede", disse Emma Pildes, sua irmã e codiretora do filme. O contexto no final da década de 1960 é diferente de agora, mas as razões pelas quais as pessoas procuram abortos – com medo, confiança ou, muitas vezes, desespero – permanecem as mesmas. Ela não estava pronta. Estupro. Falta de finanças. Lutando para ficar à tona com as crianças que ela tem. Riscos médicos. Ela simplesmente não quer ter um filho. Em uma das sequências mais pungentes do filme, várias Janes seguram os cartões de índice usados para acompanhar as chamadas, que foram lidas em voz alta e passadas aos membros para acompanhamento. Há pilhas deles, cada caso individual com notas como "medo da dor", "aterrorizado", "21, tem um filho, $0" e "seja cauteloso pai é um policial". Cada Jane também se lembra das que fugiram ou não puderam ser alcançadas, como uma mulher negra de 19 anos que entrou em seu esconderijo com uma infecção por um aborto mal feito e, quando disse que precisava ir ao hospital, fugiu. As Janes mais tarde descobriram que ela morreu de septicemia. "Sentimos uma enorme quantidade de culpa ligada a isso", diz Martha Scott, uma ex-Jane, no filme. "Não que isso fosse nossa culpa, mas ela veio por meio de nossas mãos, e nós não fizemos o suficiente." "Mostramos muito claramente no filme o que acontece quando o aborto é legal em um estado e não legal em outro", disse Lessin. "Vimos quem é capaz de fazer a viagem e quem fica para trás. É muito cortado e seco. É ao longo das linhas raciais, é ao longo das linhas econômicas – nós vimos isso então e estamos vendo isso agora, e vamos vê-lo em esteroides nos próximos anos." A ameaça da legislação contra a escolha é clara no horizonte; 13 Estados têm as chamadas proibições de "gatilho" prontas para entrar em vigor no dia em que Roe for derrubado, e foi; aprovado por legisladores conservadores profundamente fora de sintonia com a opinião pública mais matizada, que favorece o acesso ao aborto. Os direitos reprodutivos simbolizam o endurecimento do domínio minoritário nos EUA; a questão não está mudando a opinião pública, mas tendo uma democracia que a reflita. Perguntado, nesse sentido, se esperava alcançar audiências conservadoras, Pildes respondeu: "Não precisamos", como a maioria das pesquisas acha que entre 85% e 90% dos estadunidenses acham que o aborto deve ser legal em pelo menos algumas circunstâncias. "Seria bom e certamente uma das coisas que queremos promover é o diálogo. Queremos que as pessoas conversem sobre isso por várias razões, não apenas para mudar corações e mentes, mas para não estigmatizá-lo e fazer com que as pessoas que fizeram abortos não se sintam como párias, envergonhadas ou que fizeram algo errado." "Não podemos controlar o que as pessoas fazem com o que fizemos", disse Lessin. "Principalmente espero que, depois que os créditos rolarem, eles possam sentir as emoções em torno do que parece quando o aborto é criminalizado. Que eles podem sentir a raiva que sentimos, eles podem sentir o compromisso de nos impedir de voltar." Eu gostei do filme do pondo de vista do resgate histórico, mas eu tenho minhas dúvidas sobre o tema...cidadãos estadunidenses implementando ações para ajudar pobres e desassistidos, não me convence...sei lá!
Livrai-nos do Mal
3.9 49A igreja católica é responsável por grande parte da desgraça existente nesse mundo!
A Ponte
4.0 303 Assista Agora"A Ponte" é um documentário misterioso e indelével sobre suicídio, justapõe a beleza transcendente e a tragédia pessoal tão fortemente quanto qualquer filme que eu possa me lembrar. Ao longo do filme, inspirado em "Jumpers", artigo de Tad Friend de 2003 para o The New Yorker, a Golden Gate Bridge brilha como um caminho para o céu. Fotografada de múltiplas perspectivas, em todos os momentos do dia e em todos os tipos de clima, a ponte se aproxima como um monumento sobrenatural que parece flutuar no espaço, especialmente quando tocado com neblina através da qual as torres de São Francisco espiam. A Golden Gate, no entanto, também é um ponto de partida lendário para pessoas determinadas a acabar com suas vidas. E à medida que a câmera fixa seu olhar sobre a estrutura, captura pessoas pulando para a morte. O diretor Eric Steel e sua equipe passaram todo o ano de 2004 filmando a ponte durante o dia e flagraram a maioria das duas dúzias de suicídios ocorridos naquele ano. Steel comparou essas imagens com a pintura de Bruegel "Paisagem Com a Queda de Ícaro"; porque os saltos fatais passam quase despercebidos pelos transeuntes, a analogia gruda. "A Ponte" justapõe cenas de tirar o fôlego da Golden Gate e seus arredores, filmados em vídeo digital, com as angustiantes histórias pessoais de familiares e amigos daqueles que pularam. Como seu testemunho é notavelmente livre de apelos religiosos e de brometos aconchegantes da Nova Era, tanto quanto isso de fato for possível, ese é um dos filmes mais comoventes e brutalmente honestos sobre suicídio já feito. O suicídio já pensado e estudado por muitos e o fato é que não se consegue chegar a uma explicação comum; o que fica, de quase todas as histórias, é que a morte foi a opção encontrada por muitos para fugir de uma dor lancinante. Há pouca torção de mão e nenhum abanando os dedos acusatórios. Um amigo próximo de um saltador se preocupa que os antidepressivos que ele lhe deu sem receita médica, e isso o deixou com insônia, pode ter contribuído para seu suicídio. Mas o relato dele sugere que teria acontecido mais cedo ou mais tarde. "A Ponte" começa e termina com a história de Gene Sprague, um roqueiro de 34 anos de cabelos compridos que era periodicamente fotografado rondando a ponte antes de dar seu salto final, um dramático mergulho para trás. Sprague deixou seus amigos pensando se ouviu uma mensagem deixada em sua secretária eletrônica oferecendo-lhe um emprego gerenciando uma loja de videogames. Outra saltadora, Lisa Smith, de 44 anos, recebeu um diagnóstico de esquizofrenia paranoica quando adolescente e é lembrada por sua família como lutando contra doenças mentais graves durante a maior parte de sua vida. Pouco antes de seu suicídio, todos os dentes, que tinham apodrecido de uma combinação de medicação e um vício em cola, tiveram que ser removidos, e isso pode ter sido o gatilho. Por toda a sua discussão sobre doença mental, "A Ponte" é metafisicamente e não clinicamente orientada. Nenhum profissional de saúde mental está à disposição para falar sobre suicídio. O mais próximo que o filme chega de oferecer uma história de caso é a história de Kevin Hines, um jovem com transtorno bipolar que decidiu no meio do caminho que queria viver e arranjou seu corpo em uma posição sentada antes de cair na água. Ele sobreviveu com graves danos nas costas. Hines se lembra de estar na ponte chorando por 40 minutos antes de fazer o salto. A única pessoa a se aproximar dele foi uma turista alemã, alheia às lágrimas, que lhe pediu para tirar sua foto. Na linguagem de Wallace Stevens, "a morte é a mãe da beleza." O fato de tantas pessoas escolherem um paraíso terrestre para acabar com suas vidas reforça a insinuação do filme de que as esperanças das pessoas de acabar com o sofrimento psíquico ao se mudarem para um lugar mais agradável pode ser inútil. Eu resisto em concordar; nesse caso tendo a ser mais utilitarista e identificar a ponto com um ponto ideal dada a sua altura e a facilidade de acessá-la e impulsos suicidas são seus demônios, eles provavelmente irão acompanhá-lo ao lugar da salvação. "A Ponte" levanta questões inevitáveis sobre os motivos e métodos do cineasta e se ele poderia ter se esforçado mais para salvar vidas. Ele levanta questões morais e estéticas antigas sobre o desprendimento do ambiente que olhar através da lente da câmera tende a produzir. Essas questões ainda devem ser abordadas em um artigo, não em uma revisão. Estritamente como um filme, este é um trabalho impressionante, embora sua trilha sonora musical (por Alex Heffes), embora sombria, não se compara às suas imagens; obviamente pode ser de caso pensado! A tristeza e o fatalismo que o filme pode incutir talvez sejam melhor expressos pela descrição de um saltador sobrevivente: "Algumas pessoas dizem que o corpo é um templo". Ele pensou que seu corpo era uma prisão. Em sua mente, ele sabia que era amado, que tinha tudo e podia fazer qualquer coisa. E ainda assim ele se sentiu preso, e essa era a única maneira que ele poderia ficar livre. "A Ponte" é classificado como R nos EUA (Menores de 17 anos requer acompanhamento de pais ou responsáveis adultos). Tem imagens chocantes de saltos suicidas. Eu creio que ninguém, absolutamente ninguém que o assista fique indiferente; pode ser que uns se abalem mais que os outros, mas de alguma forma é afetado...
Do Que Vem Antes
4.4 12 Assista AgoraDo Que Vem Antes é uma sessão mais longa do que "Norte" (250 minutos), mas uma corrida rápida em comparação com "Melancholia" (450 minutos), "Death in the Land of Encantos" (538 minutos) e "Evolution of a Filipino Family" (593 minutos). Como sempre, a eficácia da abordagem de Diaz depende de sua descoberta de um tema digno de ruminação sustentada, e nesse filme, que ele apropriadamente descreve como "uma memória de um cataclismo", é o próprio ato de lembrar, de recordar a textura específica e a atmosfera de sua infância perdida, que parece determinar a duração de cada cena e a colocação de cada corte. Poeta-histórico do cinema, Diaz procura não apenas retransmitir uma série de eventos, mas nos atrair para um mundo totalmente habitado. Diaz filma suas paisagens tons monocromáticos que podem se estender ininterruptamente por minutos, permanecendo à vista de um touro vagando livremente pela selva, ou formações rochosas escarpadas que servem de baluarte contra um mar violentamente agitado. A frágil interação da natureza e da civilização é melhor expressa na forma como Diaz frequentemente prepara o palco para cada cena, permitindo-nos absorver os contornos e detalhes de cada local antes de introduzir gradualmente personagens humanos, parecendo pequenos e semelhantes a formigas, na moldura. São pessoas que compreendem profundamente o grau de dependência da terra e também a medida em que estão à sua mercê. Numa remota aldeia rural, nas Filipinas, crenças tradicionais coexistem e até se misturam com o cristianismo, este último representado pelo gentil Padre Guido (Joel Saracho), e o primeiro por duas irmãs, Itang (Hazel Orencio) e Joselina (Karenina Haniel), que se acredita possuírem poderes curativos. Itang, a mais velha das duas, é abnegadamente dedicada a Joselina, cujos dons podem explicar os distúrbios mentais e físicos que abalam seu corpo como o de uma mulher possuída. Mas será necessário mais do que meros fenômenos sobrenaturais para tentar explicar a inexplicável ameaça que parece ter se instalado nessa aldeia empobrecida, vencida pelo tempo, e que lentamente se torna conhecida durante as duas primeiras horas do filme. As vacas são encontradas mortas em um campo, custando ao ancião Sito (Perry Dizon, também creditado como designer de produção) e seu jovem sobrinho, Hakob (Reynan Abcede), seus trabalhos de guarda do rebanho. Três cabanas são incendiadas em uma noite. O corpo de um homem é descoberto em uma estrada, com uma misteriosa ferida no pescoço (há um vampiro em trabalho?). Em contraste com "A Fita Branca", a ambiguidade é finalmente dissipada, o mistério claramente resolvido, e felizmente a solução está ligada a algo mais substancial do que uma teoria fácil de malevolência humana inata. Os homens e mulheres do bairro são pessoas fundamentalmente decentes, o que não nega, como Diaz entende, sua capacidade de atos de violência assustadores. O ritmo deliberado do cineasta lhe dá tempo suficiente para explorar este preocupante enigma, para pesar a moralidade dos pensamentos e atos de suas personagens sem julgar. Padre Guido tem uma longa (se for unilateral) conversa sobre a viabilidade de contar uma mentira compassiva com Tony (Roeder Camanag), um belo vinicultor que está abrigando um segredo obscuro. Sito tem suas próprias verdades dolorosas a derramar a respeito da questão da filiação de Hakob, e quando elas chegam, elas apenas confirmam nosso senso de um mundo que há muito tempo vem se transformando em loucura. Não é surpresa que a única figura desprezível aqui, um vendedor ambulante é um intrometido chamado Heding (um excelente Mailes Kanapi), seja alguém que se empenha em descobrir os assuntos particulares de todos os outros, espalhando mentiras e rumores que representam o oposto da sondagem observacional paciente de Diaz. Eventualmente, o braço militar do regime do famoso ditador Ferdinand Marcos intervém, quando os soldados entram no bairro, impõem um toque de recolher e prometem guardar os locais dos "inimigos" das Filipinas, desde que eles cooperem. É uma oferta de proteção que, em realidade, é uma ameaça, e embora a natureza total dessa ameaça demore a se revelar, a devastação ardente das brutais imagens finais não deixam dúvidas. A incursão do exército nesse remoto posto rural assume a sensação de um crime contra a natureza, uma violação das leis morais e espirituais não ditas que regem uma comunidade que, por todas as suas imperfeições, sempre cuidou de suas próprias mazelas e contradições. Enquanto Diaz procura memorizar a destruição dessa comunidade, ele também quer que nos lembremos de que ela já existiu, e é por isso que ele mora tão amorosamente em cenas da vida cotidiana, exaltando as lutas diárias através de tableaux vivos e respiratórios. "A vida aqui é dura", diz Sito a um soldado encarregado de acabar com a agitação local. Mas a vida aqui também não está sem seus momentos de beleza, seja a imagem de Itang calmamente, ritualisticamente banhando sua irmã com ternura praticada, ou Sito gentilmente embalando seu filho adormecido pela luz do fogo. Mesmo nas horas mais escuras, a esperança nunca é totalmente banida; em um filme onde parece estar acontecendo pouco, enganosamente, a qualquer momento; certamente não é por acaso que "Do que é antes" conclui não sobre um pano de fundo estático, mas sobre um gesto ousado de desafio humano. "Estes são tempos amaldiçoados", observa um homem ao final de "Do Que É Antes", e todo o peso e significado dessas palavras entram em foco com força em todas as cinco horas e meia do novo quadro assombrosamente belo de Lav Diaz, que narra o declínio gradual de um pequeno bairro costeiro nas Filipinas nos últimos dias antes do presidente Ferdinand Marcos impor a lei marcial em 1972. Ao mesmo tempo, uma obra vital de recuperação histórica e uma espécie de peça de companhia do sudeste asiático para o "The White Ribbon" de Michael Haneke - outro drama austero, em preto e branco, sobre atos misteriosos de maldade que assolam uma comunidade frágil - esse trabalho incessantemente paciente e contemplativo cortejará um público menor do que o avanço internacional de Diaz em Cannes, "Norte, o Fim da História".
As Hiper Mulheres
3.9 24 Assista AgoraAs hiper mulheres (2011) resulta dos agenciamentos entre três diretores com formações distintas: o cineasta, não índio Leonardo Sette, o antropólogo Carlos Fausto e o cineasta Takumã Kuikuro, integrante do Projeto Vídeo nas Aldeias, estudante na Escola de Cinema Darcy Ribeiro, no Rio de Janeiro, transeunte de fronteiras e da possibilidade de se contar histórias por meio das narrativas fílmicas desde pontos de vista diversos. O filme etnográfico, portanto, representa, em linhas gerais o processo de negociação que grupos indígenas tem de estabelecer com diversos outros grupos, em diversas escalas e ambientes. Nesse trabalho, o marco de partida é um exercício de negociação, em que a distinção entre os papéis de quem filma e é filmado é enfraquecida, na direção de se realizar um filme que, a despeito de transpirar um caráter etnográfico, observa uma estrutura narrativa com todos os elementos típicos de uma história ficcional, contada com imagens em movimento sonorizadas. A figura do outro, presente nos filmes etnográficos, desfaz-se, perdendo a centralidade na narrativa, na experiência partilhada não só entre os diretores, mas com toda a comunidade que performa em seu próprio cotidiano, o que nos apresenta uma caráter centralizado do pensamento dito selvagem. Há uma história a ser vivida e a ser contada, e há os sujeitos que a performam, tomando parte da tessitura construída ponto a ponto, cena a cena. As mulheres são protagonistas porque hiper mulheres, como o título antecipa, Kuegü, da língua falada pelos kuikuro, foi traduzida como hiper, ocupando o lugar de superlativo, e itão corresponde a mulheres. Como o filme conta a preparação e a realização do Jamurikumalu, ritual feminino do Alto Xingu, no Mato Grosso, Brasil, o título realça a centralidade das mulheres no ritual e no filme, e sua força que se estende desde a situação extraordinária da festa ao cotidiano da comunidade.
Estudos sobre o evento precederam a produção do filme, formando a base para a formulação do argumento central, em torno do qual transcorre o enredo. Nele, o tio pede ao sobrinho que realize o ritual, pois ele teme a proximidade da morte de sua mulher, já velha, a única que conhece todos os cantos da festa. A possível morte sem a realização do ritual implicaria esquecimento e perda de cantos que ela ainda não teve tempo e condições de ensinar para sua sucessora. Kanu, mulher adulta, mais jovem, que tem o conhecimento necessário para realizar o ritual, está gravemente enferma. Enquanto as expectativas se estabelecem em tensão, o cotidiano da comunidade vai se desenhando, e a narrativa se desenvolve. O tempo gasto para a pesquisa, bem como a duração das gravações, envolveu período mais extenso do que o tempo ficcional sugere. Além disso, muitas sequências foram reorganizadas de modo a dar mais clareza e força à história, não observando a ordem cronológica das gravações. No entanto, durante o seminário "Pensamento indígena: educação, arte e comunicação", realizado na Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de Goiás, em julho de 2013, Takumã enfatizou que "tudo no filme é verdade, aconteceu mesmo". Um dos exemplos mais contundentes está no fato de Kanu ter caído gravemente doente, de fato, o que gerou preocupação entre os familiares, e implicou o risco efetivo de o ritual não ser realizado. O evento acabou potencializando a dramaticidade do filme. Em uma época (jul/2022) em que as populações indígenas estão ameaçadas, e que o estado é seu grande algoz, parece importante filmes assim...