Em 1974, esse filme causou muito escândalo; imagine hoje, 2022, como seria? Luis Buñuel teria se encantado, dado acreditava que o cinema em sua forma habitual explorava apenas um fragmento dos recursos declaratórios a sua disposição para protestar e sonhar. Wedding Trough pode ser classificado entre as obras mais poderosas que imprimem imagens e feridas inesquecíveis na memória do espectador. Imagens puras desafiadoras, proposições místicas, alquímicas e psicanalíticas abordadas em um nível de consciência obliterada. Deixou-os com as palavras do diretor: "Meu personagem não tem psicologia específica, nem menos patologia. Ele é um homem de carne, fora de qualquer contexto cultural preciso, fora do tempo, ele é um fantasma que habita a tela por uma hora. Deixo ao espectador uma total liberdade de interpretação: eu queria colocar no filme uma multiplicidade de sinais que se pode encontrar matéria para ensinar ou fascinar."
Qualquer filme estrelado pela mãe dos sonhos dos estadunidenses, Mary Tyler Moore, como uma mãe neurótica e dominadora, sobre as rachaduras do contrato social que o casamento impõe, enquanto seu marido e filho vão aos pedaços, se arrastando nas aparências de uma boa família, deve pegar dez em dez. Infelizmente, o filme super de bom gosto de Robert Redford (do romance de Judith Guest) usa seu sorriso mágico como sua única ironia eficaz. Para o resto, é um psicodrama escrupulosamente observado que deseja que fosse Chekhov: tingido com folhas de outono, e seguindo o coquetel, o feriado de golfe, a corrida de natação escolar, ele tira o sorriso feliz dessas "pessoas comuns", mergulhado na miséria após a morte de um filho e o colapso de outro. Um filme de atores bons e um anúncio de terapia, extremamente amargo, mas bem dirigido em sua pretensiosidade elegante, deixa a impressão de que Redford é, apesar de tudo, tão fofinho quanto um ursinho de pelúcia, mas um aprendiz mediano como diretor; e de lá pra cá pouca coisa mudou...viva o white people problems, dado que de ordinary, em inglês nada tem, mas em português, já seriam outros 500!
Sophie e seu pai, Calum, estão em férias na Turquia, no final dos anos 90. Apesar de um começo difícil (como o braço quebrado de Calum e um quarto com uma cama de casal em vez de duas de solteiro), deve ser felicidade o que as férias terão de proporcionais – a Macarena está brilhando, o ar quente está cheio com o cheiro de protetor solar e Sophie está capturando tudo em sua minicâmera. No entanto, rachaduras começam a surgir na fachada que Calum está tentando manter para dar a Sophie um descanso perfeito. Uma representação requintadamente sutil, mas profundamente afetante e honesta da doença mental e do amor entre pai e filha, é ancorada por uma incrível química entre Mescal e Corio. Inquietante e fofo, gostei...
Após a morte de sua mãe, Elling, de 40 anos, fica isolado do mundo exterior e é internado em um centro especializado. Lá ele encontra Kjel, um eremita robusto com quem ele divide o quarto. Dois anos de tratamento e a direção decidiu reabilitá-los para a vida social e os instalou, juntos, em um apartamento dos serviços sociais de Oslo. Lá, uma nova vida começa, cheia de aventuras...
"Deixe-me dizer-lhe o que eu vejo aqui: um monte de talento bruto, arrogância e bravatas. As pessoas têm medo de vocês, elas os acham perigosos, mas vocês têm uma voz única. O mundo precisa ouvi-los". N.W.A. (Niggaz With Attitudes) é um grupo que desencadeou uma revolução ao longo dos anos e é um dos fundadores do rap gangster. O filme nos leva, como espectadores, em uma visão cronológica do nada para a ascensão e queda em torno da N.W.A.; cinco meninos que se levantam à ordem estabelecida, obviamente enquanto tentativa, criticando, à sua maneira, a realidade que não se quer ver. Apela para a imaginação e é até atual, em 2022, com as críticas da polícia dos EUA contra a minoria negra (além outras). Desta forma, uma música como "Fuck tha Police" mantém sua relevância, ainda. Para contar tal história em um tempo de jogo gerenciável, algumas coisas devem ser omitidas. O foco está em Eazy-E, Ice Cube e Dr. Dre, respectivamente, o que significa que o valor de MC Ren e DJ Yella permanece subposto. Até aparece como se eles adicionassem muito pouco. No entanto, F. Gary Gray consegue manter os eventos claros, além disso, ajuda que o elenco jogue corretamente. É principalmente para ser elogiado que O'Shea Jackson Jr. faz justiça ao seu pai, mas também diz algo que as aparências fugazes de Tupac e Snoop Dogg se assemelham à sua imagem. No entanto, deve-se dizer que o todo é muito romantizado e você pode tomar uma grande parte com um grão de areia; sempre é assim - a tal irremediavelmente exceção para confirmar a regra; aqui cabe! A mão dos produtores (Ice Cube, Dr. Dre e a viúva de Eazy-E) provavelmente desempenhou um papel nisso. Felizmente, ainda há muito para desfrutar e a trilha sonora fica como uma casa. Nesse sentido, as performances ilustres estão entre os muitos destaques que o filme tem a oferecer. Em suma, uma deliciosa biografia que, apesar de seu tempo de execução, nunca parece longa. Fiquei um pouco decepcionado quando os créditos finais chegaram. Espero que haja um recorte de diretor, porque ouvi dizer que a versão original de Gray seria de três horas e meia.
Muito triste; inspirado na história real do australiano David Helfgott (Rush) que foi uma criança prodígio, Shine analisa sua jornada desde a infância, marcada por um pai dominador, até uma crise nervosa na juventude. Adolescente, David vai para uma escola de música em Londres, sua chance de escapar da família e se dedicar à música clássica. Tem muita coisa triste na vida de pessoas. É um pouco esquizofrênico, assisti-lo, a gente, ou eu, sempre quere fugir disso...
"Entergalactic", é difícil de categorizar, eu ao menos tenho dificuldades para isso, e é exatamente isso e outras coisas que me fizeram gosta muito da obra. É anunciado como um "evento de televisão" e uma "história animada". Com um tempo de execução de 92 minutos, estou tentado a chamá-lo de filme, embora dividido em seções (que aparecem como títulos de capítulos, não quebras completas de episódios). O que já me excitou de cara! E ainda assim "Entergalactic" carece de muitas das coisas que compõem um filme. Há um enredo, seguindo as batidas típicas de um romance. Mas não há ação suficiente para dizer que é alimentada pela narrativa, e, ao final, quem quer saber de narrativas se o que vimos é um espetáculo, para que chegamos finalmente em 2022, mesmo já estando em setembro! Isso também não é um estudo de caráter. Kid Cudi como Jabari não tem motivações totalmente assanhadas ou experimenta algum crescimento profundo. Nem seu interesse amoroso, Meadow, dublado por Jessica Williams. Williams e Mescudi dão performances admiráveis, assim como os membros do elenco de apoio com trechos divertidos por vozes surpreendentes como Macaulay Culkin como Downtown Pat, compartilhando sua (falta de) sabedoria no amor a Jabari, Jimmy (Timothée Chalamet) e Jordan (Jaden Smith). Mas por mais divertidos que essas personagens sejam, elas existem mais como vibrações do que como as pessoas; e no nível de vibração, "Entergalactic" funciona totalmente. Pode não ser um filme ou um programa de TV, mas certamente é mais do que um videoclip estendido. É uma forma experimental, usando enredo e personagens para apresentar uma colagem de arte multissensorial. A animação é deslumbrante, apresentando uma mistura de história em quadrinhos e estética de arte de rua. Esse olhar reflete a visão de mundo do nosso protagonista como um muralista de grafite que se tornou criador de quadrinhos. Estamos vendo o mundo através de seus olhos, com traços das perspectivas dos outros artistas em "Entergalactic". A peça está cheia deles: Meadow é fotógrafa e um dos principais pontos da trama gira em torno de um show em grupo que ela está fazendo. Uma de suas colegas expositoras Nadia (070 Shake) apresenta sua arte com "isso me deixa apertada que as pessoas igualam Nova York com cinza e escuridão quando a cidade é louca colorida. Até as pessoas são tão coloridas. Então, no meu trabalho, eu tento mostrar isso. É um ethos que poderia descrever "Entergalactic" em si, que mistura cores e paisagens em preto e branco para construir contraste e drama". Jabari fez fama por meio de grandes murais de uma personagem em preto e branco, Sr. Rager (Keith David), que aparece em contraste com a vibrante Nova York ao seu redor. Ajuda que Jabari e Meadow tenham sua própria visão única sobre a cidade, viajando do que o amigo Jimmy chama de apartamento "um por cento" para becos de elite para festas de elite para ciclovias. Juntos, esses visuais retratam uma NYC semelhante à premiada animação de "Homem-Aranha: No Verso do Aranha", de 2018, apenas mais crescida. Esta história não segue personagens de quadrinhos, mas sim as pessoas que os fazem. Temos cenas sobre sexo, uso de drogas e ressacas. Também temos um pouco da política de Kid Cudi, que ele entrelaça inteligentemente ao longo de "Entergalactic". Quando nos encontramos pela primeira vez com Meadow, vemos ela dizer a sua melhor amiga, não-negra, Karina (Vanessa Hudgens, se divertindo com sua personagem over-the-top) que todos os caras brancos parecem iguais para ela, incluindo seu empresário Reed (Christopher Abbott) e todos eles estão excluídos de sua piscina de namoro. Por quê? "Opressão", ela diz em uma resposta de uma palavra, piedosa, mostrando a sua cadela má de boa fé. "Entergalactic" é decididamente e sem desculpas black, mesmo que suass personagens existam em um mundo multirracial, mas a obra é negra, e é assim que ela fala e é ouvida, vista, entendida; se vc não entendeu; netão, boa noite Osvaldo! Em seu trabalho de quadrinhos, Jabari é cético em relação ao porto-riquenho Len (Arturo Castro), de pele clara, que tenta criar um vínculo comum com ele, mesmo quando seu grupo de amigos cobre o espectro de tons de pele humana. E sobre gênero também, "Entergalactic" afirma um ponto de vista progressista. Jabari e Meadow são pessoas defeituosas e dinâmicas que têm que se comprometer e crescer para encontrar a felicidade — ambas são igualmente humanas. Aprofundando essa perspectiva feminista, Jabari diz a seu amigo Ky (Ty Dolla $ign) para "Pare de dizer vadias", modelando o que a masculinidade saudável parece quando nenhum olhar feminino está olhando. E em uma cena que soa fiel à minha experiência como irmão, Jabari chama sua irmã Ellie (Maisha Mescudi) para conselhos amorosos. Ela dá a ele diretamente — trazendo a mistura exata de conhecimento sobre as mulheres, seu irmão e a maneira como o mundo funciona. Kid Cudi fez fama na música, na moda e na cultura pop geral por uma razão. Seus números exuberantes aqui certamente apelarão para cabeças de hip hop e neófitos iguais. Essas canções capturam os altos e baixos do romance e a busca por identidade que também o acompanha. Aqui, não há agressão abrasiva ou ostentação. Em vez disso, é coisa de busca de almas. É o tipo de música com a sua relação. Como uma obra de arte, "Entergalactic" é evocativo, bonito e inteligente. Posso imaginar isso tocando em festas por décadas. Só não se aproxime como um programa de TV, porque simplesmente ele não é! Nota mil e recomendadíssimo...
Quando um avô migra da China para Westchester, nos EUA, para viver com seu filho, sua nora estadunidense, branca, Martha e seu neto Jeremy, a família luta para se relacionar entre gerações e divisões culturais. Este melodrama familiar introduz temas como a busca por identidade na intersecção entre tradição e modernidade, e uma conexão ambivalente com uma figura paterna falha e às vezes destrutiva. Em realidade trata-se do encontro entre diferentes; a antropologia já nos mostrou que nesses casos os dois lados são transformados. Este filme é a primeira das colaborações de roteiro de Lee com James Schamus, que passaria a produzir onze dos doze longas de Lee, e escrever ou co-escrever nove deles, tornando-se uma parte essencial da visão e voz do diretor.
Dirigido por Ryan Suffern, este documentário angustiante, pesado e aflitivo se concentra no massacre de dezembro de 1982 perpetrado por militares guatemaltecos contra a pequena vila de Dos Erres, cujos moradores - cerca de 250 homens, mulheres e crianças - foram mortos a tiros. A atrocidade ocorreu pouco depois que o presidente Reagan voou para a Cidade da Guatemala para endossar o presidente Ríos Montt, que havia tomado posse em um golpe no início daquele ano e estava lutando contra uma insurgência guerrilheira. O filme apresenta a atuação de diplomatas estadunidenses "denunciando" o massacre e relacionando aos militares, embora Reagan logo foi ao Congresso pedir mais fundos para as forças de Montt. Entre o punhado de sobreviventes estavam dois meninos levados pelos soldados e criados como crianças adotadas; crescidos à masculinidade e rastreados por ativistas da reconciliação, eles compartilham suas próprias memórias fracas do horror e tentam explicar a experiência de ter sua infância "limpa" e cega.
Talvez eu esteja bem enganado, mas tenho a impressão de que isso é uma política deliberada, para que as militares fiquem fortes para matar o inimigo; assim não correm o perigo de "fraquejar"...
Uma produção monumental, extremamente ambiciosa e luxuosa de Alexander Korda" o "filme britânico mais caro da época", com possui "efeitos especiais verdadeiramente inovadores e designs bizarros de cenários e figurinos 'futuristas' ainda são de interesse", mas "o que dá fantasia especial interesse é que ele foi roteirizado por H.G Wells de 70 anos", cujo objetivo era escrever uma "história preditiva" em vez de fantasia puramente especulativa. Esses foram os chamados da época do lançamento. O filme retrata a visão wellsiana de que um futuro próximo será catastrófico, mas com o tempo o homem construirá um mundo maravilhoso e pacífico, e ressalta que é pró-avanço científico, pró-conhecimento, pró-tecnologia. É impossível não olhar para as cenas em exibição, e imaginar se algum dia poderemos encontrar alguma maneira de viver em paz e harmonia globais por meio dos avanços tecnológicos. No entanto, a natureza colmeia da vila subterrânea parece desconfortavelmente como uma colina antisséptica de formigas e é claro que não nos dizem como a população é controlada, ou onde todas as pessoas não podem estar. As próprias personagens são visivelmente planas: com Wells se preocupando mais com a precisão de sua visão, e o diretor William Cameron Menzies principalmente preocupado com os cenários e visuais, performances nuances e arcos de personagens significativos estão faltando. No entanto, isso não parece importar tanto quanto se pensa: este é realmente um conto de amplo alcance de um planeta em transformação, tentando ir além do conflito bárbaro e literalmente em direção às estrelas. Fenomenal...
The Fountain é um filme de 2006, do filme ficção, até especulativa, escrito e dirigido por Darren Aronofsky, estrelado por Hugh Jackman e Rachel Weisz. O filme segue Jackman como o protagonista em três cenários diferentes. No The Present Day, Tommy Creo é um oncologista em busca de uma cura para o câncer cerebral de sua esposa, e é obsessivo em sua busca, a ponto de deixar sua esposa para lidar com sua doença por conta própria na maior parte do tempo. Ele tropeça em um extrato de uma árvore sul-americana que tem resultados promissores. Enquanto isso, sua esposa chega a um acordo com seu destino e está tentando terminar um livro que também acontece de ser sobre o segundo enredo; nesse, Tomás é um soldado espanhol durante a era da exploração, os grandes assaltos ao chamado mundo novo, implementado pelos europeus antropocentristas, tentando defender sua rainha, Isabel, (novamente interpretada por Weisz) da Inquisição Espanhola, quando ela o envia em uma busca para a América do Sul, onde ele está para encontrar a Árvore da Vida. O terceiro enredo chega com Tom, "O Astronauta", é um homem em uma bolha espacial contendo terra e uma árvore. Ele está se mantendo fora de um extrato dessa árvore mas, ao mesmo tempo, está racionando para evitar ver a árvore morrer. Parece que ele acredita que a árvore tem alguma conexão com sua esposa, que o visita em visões. Descobrimos, eventualmente, que ele está indo em direção a uma estrela que sua esposa lhe contou na linha do tempo atual. Ele tatua um padrão elaborado no braço para marcar a passagem do tempo, como anéis de árvores. Em cada uma das três histórias, ele se dedica à sua missão à negligência de todas as outras coisas. As relações entre as três histórias estão em debate, pois parece haver interações indiretas entre as três versões da personagem de Jackman, que sugerem que eles podem ser a mesma pessoa ou que uma ou duas das personagens podem ser imaginários para o terceiro. A história explora os temas da mortalidade e do ciclo natural da vida, bem como os estágios da perda. A ficção nunca me encantou, muito, mas essa sim é magnífica, pensar nisso já faz do filme uma odisseia, e o resultado se não é ótimo, chega muito próximo...
Em uma boate de Macau - hoje China, nas durante o filme, uma colônia portuguesa - Ying (Pauline Wong) sem saber irrita um grupo de homens bêbados que a seguem depois que seu turno terminou e a estupram. Após sua provação traumática, sua irmã cega (Elaine Kam) a encoraja a buscar vingança levando-a a pedir ajuda a um ex integrante da triad (a poderosa e assustadora organização criminosa) Hung (Lam Ching-ying). Hung que é cadeirante lhe dá um emprego em seu salão como garçonete e a ajuda a encontrar um lugar novo para viver, mas se recusa a ajudá-la a se vingar. Um encontro casual com um de seus agressores (Shing Fui-On) lhe dá a oportunidade que ela estava esperando quando ela começa a caçá-los um por um. Ela, no entanto, tem outras ideias. Quando um encontro casual fornece acesso ao primeiro agressor (Shing), ela improvisa o primeiro de uma série de atos horrivelmente gráficos de vingança. Os membros restantes da gangue tentam neutralizar seu adversário desconhecido. Do meu ponto de vista, a vingança é um artifício que se deve lançar mão quando não há outra saída; isso porque agir com "nobreza" e esquece o que ocorrer passa a ser um dos elementos que, além de incentivar outros, corrobora com o sentido de vitória que o mal exerceu sobre ti...Gostei do filme!
O Judeu Süss é uma peça alemã, de 1940, produzida pela Terra Film a mando do ministro da Propaganda da Alemanha nazista Joseph Goebbels, dirigido por Veit Harlan e baseado no romance homônimo de 1925 de Lion Feuchtwanger. É um dos filmes de propaganda antissemitas mais famosos já feitos, e estrelado por Ferdinand Marian, Kristina Söderbaum (esposa de Veit Harlan), Werner Krauss e Heinrich George. No século XVIII, o Duque Carlos Alexandre de Württemberg começa seu reinado prometendo governar com lealdade e honestidade, mas seu astuto tesoureiro judeu Josef Süss Oppenheimer o corrompe e enriquece nas costas dos cidadãos, fazendo-os reclamar e empurrando Württemberg à beira da guerra civil. Os relatos da produção do filme são envoltos em mito, devido à sua notoriedade e às tentativas posteriores de seu elenco e equipe de se distanciarem dele. Tanto Veit Harlan quanto Ferdinand Marian alegaram que foram forçados a fazer o filme contra sua vontade, e que Goebbels microgerenciou a produção na medida em que ordenava reescritos de roteiro e esforços de contra-ataque do diretor e ator para mitigar o antissemitismo do filme. Em particular, Harlan lembrou que ele deu a Oppenheimer um Discurso de Motivo antes de sua execução, mas isso foi considerado inaceitável por Goebbels por humanizar seu vilão judeu e extirpou da versão final. Se Harlan, em particular, é confiável em suas lembranças sobre o filme é discutível; após a Segunda Guerra Mundial, ele foi julgado por crimes contra a humanidade e, embora absolvido, ele e Kristina Söderbaum foram proibidos de trabalhar no cinema por mais de uma década. O ressentimento de Marian é melhor documentado; ele foi assombrado por Jud Süß e, finalmente, Impulsionado ao suicídio por sua participação vários anos depois. Independentemente disso, o filme era um projeto de paixão para Goebbels, e Harlan teria sido pressionado a desobedecê-lo mesmo que ele estivesse tão inclinado. O impacto direto do filme no Holocausto é inegável. Após seu lançamento inicial durante a Segunda Guerra Mundial, causou tumultos antissemitas em Viena e ataques a judeus em outras cidades da Europa. Por outro lado, os teatros que a mostravam em Paris ocupada foram bombardeados pela Resistência Francesa. Também foi mostrado aos estagiários das SS durante a guerra, e até mesmo exibido para guardas em Auschwitz e outros campos de concentração. Sem surpresa, Jud Süß foi banido na Alemanha do pós-guerra, Áustria e vários outros países e só pode ser examinado lá para fins educacionais. NÃO deve ser confundido com o filme britânico de 1934 de mesmo nome. Ambos são baseados no mesmo romance, mas o filme de 1934 condena o antissemitismo, ou tenta condená-lo! Vale o registro histórico, mas deve ser visto com cuidado! Eu arrisco dizer que muito do que se fala sobre os judeus ainda hoje se mantem...e aí está o perigo disso...
A adolescência é uma das etapas da vida cheia de conflitos; uma época em que acreditamos ter respostas precisas para boa parte dos problemas que incomodam os adultos, e os nossos próprios - logicamente, mas que com frequência precisamos de uma visão clara a respeito do nosso próprio futuro. As dúvidas só pioram com o tempo, sai pra lá com essa de melhor idade! os temores, as decisões e as opiniões alheias, quase sempre diferente das nossas, vão se agrupando e quase sempre tudo é questionado ou questionável. Neste processo encontra-se James Sveck, o narrador e protagonista dessa história, um jovem aparentemente inteligente de Nova York, nos EUA, como 18 anos, que recém terminou o colégio e que não sabe ainda o que irá fazer. Ele trabalha na galeria de arte em Manhatan, que é de sua mãe - que meigo, uma cinquentona que vive uma crise sentimental pela separação do seu terceiro marido (nossa e o menino nem imagina de onde vem tanto problema, logicamente dinheiro não é um deles (há em quê de White People Problem, apesar de ter uma visão muito reflexiva e profunda do mundo, esse jovem inteligente e muito vulnerável, não sabe como se integrar e viver nele. Sei lá, os ricos também choram, dizem!!
"A Plataforma" é, quase, inegavelmente inteligente. Quase todo o filme se passa em uma espécie de estrutura futurista chamada "O Buraco". Centenas de andares de altura; é uma prisão em que as pessoas são colocadas no andar dois de cada vez. Todos os dias, uma plataforma desce por um grande buraco no meio do prédio, e é a única chance de comida para o dia inteiro. No nível 1, os prisioneiros têm acesso a uma festa de pratos carinhosamente preparados. Se todos comessem uma pequena ração, poderia chegar até o fundo com algo para cada prisioneiro. Mas isso nunca acontece. Nossos olhos para esse pesadelo pertencem a Goreng (Ivan Massagué), que se ofereceu para entrar na prisão para parar de fumar e ler um livro (todos têm permissão para um item), sem entender completamente o que ele estava se metendo. Seu primeiro companheiro de cela explica o processo de O Buraco, enquanto o filme estreia no nível 48. Nessa altura, geralmente há algumas sobras na plataforma. Mas a parte mais maligna desse sistema, e sem dúvida a visão social mais inteligente do filme, é que os presos mudam de andar todos os meses. Então você poderia ser relativamente feliz em 8 um dia e, em seguida, em 133 no dia seguinte. E se você está se perguntando como essas pessoas sobrevivem quando estão nos andares inferiores, você pode não estar pronto para o lugar horrível que esse filme vai. A parábola social parece clara — se as pessoas não tomassem mais do que precisavam, haveria o suficiente para os que não têm. No entanto, os escritores David Desola & Pedro Rivero e o diretor Galder Gaztelu-Urrutia não se contentam em simplesmente sentar-se nessa ideia, expandindo-a e desempacotando-a a cada novo desenvolvimento. É um filme com múltiplas reviravoltas impressionantes dado seu cenário limitado, e cada um deles lança uma nova luz sobre como o filme deve refletir a sociedade. Eu particularmente achei fascinante a forma como as mudanças de pisos impactou as pessoas que estavam em níveis mais baixos antes, mas agora tiveram a sorte de serem altas. Em vez de simpatizar com aqueles em um lugar que eles estavam, eles parecem tomar ainda mais, compensar o tempo perdido e cientes de que eles podem não chegar tão perto do topo nunca mais. Mas espere, isso não é o que de fato ocorre no mundo que nos foi dado conhecer? ou alguém conhece um ser humano que está aqui por escolha? "A Plataforma" também é um filme de terror muito horrível, que se torna surpreendentemente banhado em sangue durante seu ato final pesado de ação. Há interpretações por certo, essa foi a minha, que nem mesmo eu sei se será a mesma se a ele eu voltar! A estrutura levou a comparações com "Cube" e "Snowpiercer", mas também me lembrou de filmes de ação brutais como os da série "The Raid". Em última análise, no entanto, o que faz "A Plataforma" funcionar é que ela se mantém por conta própria. Não é apenas um remix de ideias de outros filmes, uma peça ousada de cinema de gênero. E, claro, como tudo, tem uma energia diferente agora. À medida que vemos como a sociedade funciona (ou não consegue fazê-lo) diante de uma das crises mais devastadoras da história, tire um tempo e assista "A Plataforma", um espelho de reflexão do nosso mundo. Provavelmente!
Um general aposentado/reformado, Enrique Monteverde, deve responder perante um tribunal por abusos cometidos trinta anos antes. Se sua esposa Carmen o apoia, sua filha Natalia fica abalada com as acusações. Ao final do julgamento, Monteverde é condenado, mas o julgamento foi posteriormente anulado. A família se retirou para suas casas, enquanto manifestantes se reuniam pacificamente em frente à sua casa e os criados demitiram-se, um após o outro. Quando Alma é contratada como governanta, sonhos terríveis atacam Enrique, que pensa que ouve uma mulher chorando o tempo todo. Fantástico e político se cruza neste filme que evoca um sangrento golpe de Estado que ocorreu na Guatemala em 1982. Se há uma lenda que é destaque na cultura do povo mexicano, com certeza essa é a lenda de La Llorona (A Chorona), a história de uma mulher que aparece em noites de lua cheia chorando amargamente por algo ou alguém que perdeu no passado. A força dessa lenda é tão forte que mesmo outros países possuem uma versão derivada dela em seu folclore local, até mesmo aqui no Brasil. Como toda lenda popular, La Llorona deu origem a diversas variantes, misturando simples histórias e relatos de pessoas que afirmam ter visto a mulher com os próprios olhos, mas o relato mais conhecido remonta ao século XVI. Esse relato específico conta que quando chegava à noite e os moradores da Cidade do México se acolhiam em seus lares para dormir, eram sempre acordados no meio da noite pelo choro de uma mulher que andava sob a luz da lua cheia. Daí o nome “A Chorona”. Poucos tiveram a coragem de ir até lá fora e ver o motivo do choro da mulher, e os que o fizeram dizem que apenas conseguiam ver uma neblina espessa sobre o solo e no meio estava a mulher, vestida de branco e com um véu cobrindo seu rosto – o que a tornava quase indistinta em meio à neblina. Ela percorria a cidade em todas as direções e desaparecia quando chegava às margens do lago Texcoco. Contam os relatos que aqueles que se arriscaram a chegar mais perto da Chorona morreram ou passaram o resto da vida perturbados com as visões chocantes que ela lhes fazia ver. Mas, você deve estar se perguntando, quem é essa mulher misteriosa e porque ela chora? O filme de Bustamante não lhe dará resposta alguma, mas a genialidade está em associar, de modo quase sutil, uma crítica à ditadura militar guatemalteca com o medo pessoal, que até um general, outrora poderoso e destemido para provocar o terror, sente quando se defronta com a crença...belo filme! Eu queria uma Chorona por acá...
Esses filmes ou documentários servem, a mais das vezes, para relembrar ou até registrar algo que escapa, propositalmente, ao conhecimento da maioria; é o caso específico deste; eu desconhecia a história em si, mas ela não me surpreende em nada; obviamente há um licenciamento poético, como não poderia deixar de ser, mas é tão crível que chega a ser chato. Vale pelo registro...
Sanju Reddy (Allu Arjun) é o guitarrista de uma banda sediada na Espanha. Akanksha (Catherine Tresa) é uma garota rica, filha de um político indiano, que vem para a Espanha para estudos mais elevados. Ela é atraída por este diário em particular na Espanha. O estabelecimento das personagens principais é feito de forma muito sutil e muito crível.
Vase de Noces
2.6 72Em 1974, esse filme causou muito escândalo; imagine hoje, 2022, como seria? Luis Buñuel teria se encantado, dado acreditava que o cinema em sua forma habitual explorava apenas um fragmento dos recursos declaratórios a sua disposição para protestar e sonhar. Wedding Trough pode ser classificado entre as obras mais poderosas que imprimem imagens e feridas inesquecíveis na memória do espectador. Imagens puras desafiadoras, proposições místicas, alquímicas e psicanalíticas abordadas em um nível de consciência obliterada. Deixou-os com as palavras do diretor: "Meu personagem não tem psicologia específica, nem menos patologia. Ele é um homem de carne, fora de qualquer contexto cultural preciso, fora do tempo, ele é um fantasma que habita a tela por uma hora. Deixo ao espectador uma total liberdade de interpretação: eu queria colocar no filme uma multiplicidade de sinais que se pode encontrar matéria para ensinar ou fascinar."
Gente Como a Gente
3.8 142 Assista AgoraQualquer filme estrelado pela mãe dos sonhos dos estadunidenses, Mary Tyler Moore, como uma mãe neurótica e dominadora, sobre as rachaduras do contrato social que o casamento impõe, enquanto seu marido e filho vão aos pedaços, se arrastando nas aparências de uma boa família, deve pegar dez em dez. Infelizmente, o filme super de bom gosto de Robert Redford (do romance de Judith Guest) usa seu sorriso mágico como sua única ironia eficaz. Para o resto, é um psicodrama escrupulosamente observado que deseja que fosse Chekhov: tingido com folhas de outono, e seguindo o coquetel, o feriado de golfe, a corrida de natação escolar, ele tira o sorriso feliz dessas "pessoas comuns", mergulhado na miséria após a morte de um filho e o colapso de outro. Um filme de atores bons e um anúncio de terapia, extremamente amargo, mas bem dirigido em sua pretensiosidade elegante, deixa a impressão de que Redford é, apesar de tudo, tão fofinho quanto um ursinho de pelúcia, mas um aprendiz mediano como diretor; e de lá pra cá pouca coisa mudou...viva o white people problems, dado que de ordinary, em inglês nada tem, mas em português, já seriam outros 500!
Aftersun
4.1 714Sophie e seu pai, Calum, estão em férias na Turquia, no final dos anos 90. Apesar de um começo difícil (como o braço quebrado de Calum e um quarto com uma cama de casal em vez de duas de solteiro), deve ser felicidade o que as férias terão de proporcionais – a Macarena está brilhando, o ar quente está cheio com o cheiro de protetor solar e Sophie está capturando tudo em sua minicâmera. No entanto, rachaduras começam a surgir na fachada que Calum está tentando manter para dar a Sophie um descanso perfeito. Uma representação requintadamente sutil, mas profundamente afetante e honesta da doença mental e do amor entre pai e filha, é ancorada por uma incrível química entre Mescal e Corio. Inquietante e fofo, gostei...
Elling
4.0 17Após a morte de sua mãe, Elling, de 40 anos, fica isolado do mundo exterior e é internado em um centro especializado. Lá ele encontra Kjel, um eremita robusto com quem ele divide o quarto. Dois anos de tratamento e a direção decidiu reabilitá-los para a vida social e os instalou, juntos, em um apartamento dos serviços sociais de Oslo. Lá, uma nova vida começa, cheia de aventuras...
Straight Outta Compton - A História do N.W.A.
4.2 361 Assista Agora"Deixe-me dizer-lhe o que eu vejo aqui: um monte de talento bruto, arrogância e bravatas. As pessoas têm medo de vocês, elas os acham perigosos, mas vocês têm uma voz única. O mundo precisa ouvi-los". N.W.A. (Niggaz With Attitudes) é um grupo que desencadeou uma revolução ao longo dos anos e é um dos fundadores do rap gangster. O filme nos leva, como espectadores, em uma visão cronológica do nada para a ascensão e queda em torno da N.W.A.; cinco meninos que se levantam à ordem estabelecida, obviamente enquanto tentativa, criticando, à sua maneira, a realidade que não se quer ver. Apela para a imaginação e é até atual, em 2022, com as críticas da polícia dos EUA contra a minoria negra (além outras). Desta forma, uma música como "Fuck tha Police" mantém sua relevância, ainda. Para contar tal história em um tempo de jogo gerenciável, algumas coisas devem ser omitidas. O foco está em Eazy-E, Ice Cube e Dr. Dre, respectivamente, o que significa que o valor de MC Ren e DJ Yella permanece subposto. Até aparece como se eles adicionassem muito pouco. No entanto, F. Gary Gray consegue manter os eventos claros, além disso, ajuda que o elenco jogue corretamente. É principalmente para ser elogiado que O'Shea Jackson Jr. faz justiça ao seu pai, mas também diz algo que as aparências fugazes de Tupac e Snoop Dogg se assemelham à sua imagem. No entanto, deve-se dizer que o todo é muito romantizado e você pode tomar uma grande parte com um grão de areia; sempre é assim - a tal irremediavelmente exceção para confirmar a regra; aqui cabe! A mão dos produtores (Ice Cube, Dr. Dre e a viúva de Eazy-E) provavelmente desempenhou um papel nisso. Felizmente, ainda há muito para desfrutar e a trilha sonora fica como uma casa. Nesse sentido, as performances ilustres estão entre os muitos destaques que o filme tem a oferecer. Em suma, uma deliciosa biografia que, apesar de seu tempo de execução, nunca parece longa. Fiquei um pouco decepcionado quando os créditos finais chegaram. Espero que haja um recorte de diretor, porque ouvi dizer que a versão original de Gray seria de três horas e meia.
Shine - Brilhante
4.0 144Muito triste; inspirado na história real do australiano David Helfgott (Rush) que foi uma criança prodígio, Shine analisa sua jornada desde a infância, marcada por um pai dominador, até uma crise nervosa na juventude. Adolescente, David vai para uma escola de música em Londres, sua chance de escapar da família e se dedicar à música clássica. Tem muita coisa triste na vida de pessoas. É um pouco esquizofrênico, assisti-lo, a gente, ou eu, sempre quere fugir disso...
Anos de Rebeldia
3.8 22 Assista AgoraQuando a loucura de alguns é simplesmente insuportável... leva zero, porque não é possível atribuir -1.
Entergalactic
4.1 90 Assista Agora"Entergalactic", é difícil de categorizar, eu ao menos tenho dificuldades para isso, e é exatamente isso e outras coisas que me fizeram gosta muito da obra. É anunciado como um "evento de televisão" e uma "história animada". Com um tempo de execução de 92 minutos, estou tentado a chamá-lo de filme, embora dividido em seções (que aparecem como títulos de capítulos, não quebras completas de episódios). O que já me excitou de cara! E ainda assim "Entergalactic" carece de muitas das coisas que compõem um filme. Há um enredo, seguindo as batidas típicas de um romance. Mas não há ação suficiente para dizer que é alimentada pela narrativa, e, ao final, quem quer saber de narrativas se o que vimos é um espetáculo, para que chegamos finalmente em 2022, mesmo já estando em setembro! Isso também não é um estudo de caráter. Kid Cudi como Jabari não tem motivações totalmente assanhadas ou experimenta algum crescimento profundo. Nem seu interesse amoroso, Meadow, dublado por Jessica Williams. Williams e Mescudi dão performances admiráveis, assim como os membros do elenco de apoio com trechos divertidos por vozes surpreendentes como Macaulay Culkin como Downtown Pat, compartilhando sua (falta de) sabedoria no amor a Jabari, Jimmy (Timothée Chalamet) e Jordan (Jaden Smith). Mas por mais divertidos que essas personagens sejam, elas existem mais como vibrações do que como as pessoas; e no nível de vibração, "Entergalactic" funciona totalmente. Pode não ser um filme ou um programa de TV, mas certamente é mais do que um videoclip estendido. É uma forma experimental, usando enredo e personagens para apresentar uma colagem de arte multissensorial. A animação é deslumbrante, apresentando uma mistura de história em quadrinhos e estética de arte de rua. Esse olhar reflete a visão de mundo do nosso protagonista como um muralista de grafite que se tornou criador de quadrinhos. Estamos vendo o mundo através de seus olhos, com traços das perspectivas dos outros artistas em "Entergalactic". A peça está cheia deles: Meadow é fotógrafa e um dos principais pontos da trama gira em torno de um show em grupo que ela está fazendo. Uma de suas colegas expositoras Nadia (070 Shake) apresenta sua arte com "isso me deixa apertada que as pessoas igualam Nova York com cinza e escuridão quando a cidade é louca colorida. Até as pessoas são tão coloridas. Então, no meu trabalho, eu tento mostrar isso. É um ethos que poderia descrever "Entergalactic" em si, que mistura cores e paisagens em preto e branco para construir contraste e drama". Jabari fez fama por meio de grandes murais de uma personagem em preto e branco, Sr. Rager (Keith David), que aparece em contraste com a vibrante Nova York ao seu redor. Ajuda que Jabari e Meadow tenham sua própria visão única sobre a cidade, viajando do que o amigo Jimmy chama de apartamento "um por cento" para becos de elite para festas de elite para ciclovias. Juntos, esses visuais retratam uma NYC semelhante à premiada animação de "Homem-Aranha: No Verso do Aranha", de 2018, apenas mais crescida. Esta história não segue personagens de quadrinhos, mas sim as pessoas que os fazem. Temos cenas sobre sexo, uso de drogas e ressacas. Também temos um pouco da política de Kid Cudi, que ele entrelaça inteligentemente ao longo de "Entergalactic". Quando nos encontramos pela primeira vez com Meadow, vemos ela dizer a sua melhor amiga, não-negra, Karina (Vanessa Hudgens, se divertindo com sua personagem over-the-top) que todos os caras brancos parecem iguais para ela, incluindo seu empresário Reed (Christopher Abbott) e todos eles estão excluídos de sua piscina de namoro. Por quê? "Opressão", ela diz em uma resposta de uma palavra, piedosa, mostrando a sua cadela má de boa fé. "Entergalactic" é decididamente e sem desculpas black, mesmo que suass personagens existam em um mundo multirracial, mas a obra é negra, e é assim que ela fala e é ouvida, vista, entendida; se vc não entendeu; netão, boa noite Osvaldo! Em seu trabalho de quadrinhos, Jabari é cético em relação ao porto-riquenho Len (Arturo Castro), de pele clara, que tenta criar um vínculo comum com ele, mesmo quando seu grupo de amigos cobre o espectro de tons de pele humana. E sobre gênero também, "Entergalactic" afirma um ponto de vista progressista. Jabari e Meadow são pessoas defeituosas e dinâmicas que têm que se comprometer e crescer para encontrar a felicidade — ambas são igualmente humanas. Aprofundando essa perspectiva feminista, Jabari diz a seu amigo Ky (Ty Dolla $ign) para "Pare de dizer vadias", modelando o que a masculinidade saudável parece quando nenhum olhar feminino está olhando. E em uma cena que soa fiel à minha experiência como irmão, Jabari chama sua irmã Ellie (Maisha Mescudi) para conselhos amorosos. Ela dá a ele diretamente — trazendo a mistura exata de conhecimento sobre as mulheres, seu irmão e a maneira como o mundo funciona. Kid Cudi fez fama na música, na moda e na cultura pop geral por uma razão. Seus números exuberantes aqui certamente apelarão para cabeças de hip hop e neófitos iguais. Essas canções capturam os altos e baixos do romance e a busca por identidade que também o acompanha. Aqui, não há agressão abrasiva ou ostentação. Em vez disso, é coisa de busca de almas. É o tipo de música com a sua relação. Como uma obra de arte, "Entergalactic" é evocativo, bonito e inteligente. Posso imaginar isso tocando em festas por décadas. Só não se aproxime como um programa de TV, porque simplesmente ele não é! Nota mil e recomendadíssimo...
A Arte de Viver
3.9 21Quando um avô migra da China para Westchester, nos EUA, para viver com seu filho, sua nora estadunidense, branca, Martha e seu neto Jeremy, a família luta para se relacionar entre gerações e divisões culturais. Este melodrama familiar introduz temas como a busca por identidade na intersecção entre tradição e modernidade, e uma conexão ambivalente com uma figura paterna falha e às vezes destrutiva. Em realidade trata-se do encontro entre diferentes; a antropologia já nos mostrou que nesses casos os dois lados são transformados. Este filme é a primeira das colaborações de roteiro de Lee com James Schamus, que passaria a produzir onze dos doze longas de Lee, e escrever ou co-escrever nove deles, tornando-se uma parte essencial da visão e voz do diretor.
Macumba Sexual
2.6 12Talvez esteja sendo exigente demais; com o Xídeos, tudo isso fica tão morno...
Finding Oscar
4.4 4Dirigido por Ryan Suffern, este documentário angustiante, pesado e aflitivo se concentra no massacre de dezembro de 1982 perpetrado por militares guatemaltecos contra a pequena vila de Dos Erres, cujos moradores - cerca de 250 homens, mulheres e crianças - foram mortos a tiros. A atrocidade ocorreu pouco depois que o presidente Reagan voou para a Cidade da Guatemala para endossar o presidente Ríos Montt, que havia tomado posse em um golpe no início daquele ano e estava lutando contra uma insurgência guerrilheira. O filme apresenta a atuação de diplomatas estadunidenses "denunciando" o massacre e relacionando aos militares, embora Reagan logo foi ao Congresso pedir mais fundos para as forças de Montt. Entre o punhado de sobreviventes estavam dois meninos levados pelos soldados e criados como crianças adotadas; crescidos à masculinidade e rastreados por ativistas da reconciliação, eles compartilham suas próprias memórias fracas do horror e tentam explicar a experiência de ter sua infância "limpa" e cega.
A Guerra Invisível
4.3 69Talvez eu esteja bem enganado, mas tenho a impressão de que isso é uma política deliberada, para que as militares fiquem fortes para matar o inimigo; assim não correm o perigo de "fraquejar"...
A caça de Madoff
3.1 3de ruim a péssimo!
A História Sionista
4.5 6Sionismo é materialização da maldade, que não deu certo, mas agora querem recauchutá-la! O filme é muito interessante...
Daqui a Cem Anos
3.5 37 Assista AgoraUma produção monumental, extremamente ambiciosa e luxuosa de Alexander Korda" o "filme britânico mais caro da época", com possui "efeitos especiais verdadeiramente inovadores e designs bizarros de cenários e figurinos 'futuristas' ainda são de interesse", mas "o que dá fantasia especial interesse é que ele foi roteirizado por H.G Wells de 70 anos", cujo objetivo era escrever uma "história preditiva" em vez de fantasia puramente especulativa. Esses foram os chamados da época do lançamento. O filme retrata a visão wellsiana de que um futuro próximo será catastrófico, mas com o tempo o homem construirá um mundo maravilhoso e pacífico, e ressalta que é pró-avanço científico, pró-conhecimento, pró-tecnologia. É impossível não olhar para as cenas em exibição, e imaginar se algum dia poderemos encontrar alguma maneira de viver em paz e harmonia globais por meio dos avanços tecnológicos. No entanto, a natureza colmeia da vila subterrânea parece desconfortavelmente como uma colina antisséptica de formigas e é claro que não nos dizem como a população é controlada, ou onde todas as pessoas não podem estar. As próprias personagens são visivelmente planas: com Wells se preocupando mais com a precisão de sua visão, e o diretor William Cameron Menzies principalmente preocupado com os cenários e visuais, performances nuances e arcos de personagens significativos estão faltando. No entanto, isso não parece importar tanto quanto se pensa: este é realmente um conto de amplo alcance de um planeta em transformação, tentando ir além do conflito bárbaro e literalmente em direção às estrelas. Fenomenal...
Fonte da Vida
3.7 779 Assista AgoraThe Fountain é um filme de 2006, do filme ficção, até especulativa, escrito e dirigido por Darren Aronofsky, estrelado por Hugh Jackman e Rachel Weisz. O filme segue Jackman como o protagonista em três cenários diferentes. No The Present Day, Tommy Creo é um oncologista em busca de uma cura para o câncer cerebral de sua esposa, e é obsessivo em sua busca, a ponto de deixar sua esposa para lidar com sua doença por conta própria na maior parte do tempo. Ele tropeça em um extrato de uma árvore sul-americana que tem resultados promissores. Enquanto isso, sua esposa chega a um acordo com seu destino e está tentando terminar um livro que também acontece de ser sobre o segundo enredo; nesse, Tomás é um soldado espanhol durante a era da exploração, os grandes assaltos ao chamado mundo novo, implementado pelos europeus antropocentristas, tentando defender sua rainha, Isabel, (novamente interpretada por Weisz) da Inquisição Espanhola, quando ela o envia em uma busca para a América do Sul, onde ele está para encontrar a Árvore da Vida. O terceiro enredo chega com Tom, "O Astronauta", é um homem em uma bolha espacial contendo terra e uma árvore. Ele está se mantendo fora de um extrato dessa árvore mas, ao mesmo tempo, está racionando para evitar ver a árvore morrer. Parece que ele acredita que a árvore tem alguma conexão com sua esposa, que o visita em visões. Descobrimos, eventualmente, que ele está indo em direção a uma estrela que sua esposa lhe contou na linha do tempo atual. Ele tatua um padrão elaborado no braço para marcar a passagem do tempo, como anéis de árvores. Em cada uma das três histórias, ele se dedica à sua missão à negligência de todas as outras coisas. As relações entre as três histórias estão em debate, pois parece haver interações indiretas entre as três versões da personagem de Jackman, que sugerem que eles podem ser a mesma pessoa ou que uma ou duas das personagens podem ser imaginários para o terceiro. A história explora os temas da mortalidade e do ciclo natural da vida, bem como os estágios da perda. A ficção nunca me encantou, muito, mas essa sim é magnífica, pensar nisso já faz do filme uma odisseia, e o resultado se não é ótimo, chega muito próximo...
Her Vengeance
3.9 8Em uma boate de Macau - hoje China, nas durante o filme, uma colônia portuguesa - Ying (Pauline Wong) sem saber irrita um grupo de homens bêbados que a seguem depois que seu turno terminou e a estupram. Após sua provação traumática, sua irmã cega (Elaine Kam) a encoraja a buscar vingança levando-a a pedir ajuda a um ex integrante da triad (a poderosa e assustadora organização criminosa) Hung (Lam Ching-ying). Hung que é cadeirante lhe dá um emprego em seu salão como garçonete e a ajuda a encontrar um lugar novo para viver, mas se recusa a ajudá-la a se vingar. Um encontro casual com um de seus agressores (Shing Fui-On) lhe dá a oportunidade que ela estava esperando quando ela começa a caçá-los um por um. Ela, no entanto, tem outras ideias. Quando um encontro casual fornece acesso ao primeiro agressor (Shing), ela improvisa o primeiro de uma série de atos horrivelmente gráficos de vingança. Os membros restantes da gangue tentam neutralizar seu adversário desconhecido. Do meu ponto de vista, a vingança é um artifício que se deve lançar mão quando não há outra saída; isso porque agir com "nobreza" e esquece o que ocorrer passa a ser um dos elementos que, além de incentivar outros, corrobora com o sentido de vitória que o mal exerceu sobre ti...Gostei do filme!
O Judeu Süss
3.2 3O Judeu Süss é uma peça alemã, de 1940, produzida pela Terra Film a mando do ministro da Propaganda da Alemanha nazista Joseph Goebbels, dirigido por Veit Harlan e baseado no romance homônimo de 1925 de Lion Feuchtwanger. É um dos filmes de propaganda antissemitas mais famosos já feitos, e estrelado por Ferdinand Marian, Kristina Söderbaum (esposa de Veit Harlan), Werner Krauss e Heinrich George. No século XVIII, o Duque Carlos Alexandre de Württemberg começa seu reinado prometendo governar com lealdade e honestidade, mas seu astuto tesoureiro judeu Josef Süss Oppenheimer o corrompe e enriquece nas costas dos cidadãos, fazendo-os reclamar e empurrando Württemberg à beira da guerra civil. Os relatos da produção do filme são envoltos em mito, devido à sua notoriedade e às tentativas posteriores de seu elenco e equipe de se distanciarem dele. Tanto Veit Harlan quanto Ferdinand Marian alegaram que foram forçados a fazer o filme contra sua vontade, e que Goebbels microgerenciou a produção na medida em que ordenava reescritos de roteiro e esforços de contra-ataque do diretor e ator para mitigar o antissemitismo do filme. Em particular, Harlan lembrou que ele deu a Oppenheimer um Discurso de Motivo antes de sua execução, mas isso foi considerado inaceitável por Goebbels por humanizar seu vilão judeu e extirpou da versão final. Se Harlan, em particular, é confiável em suas lembranças sobre o filme é discutível; após a Segunda Guerra Mundial, ele foi julgado por crimes contra a humanidade e, embora absolvido, ele e Kristina Söderbaum foram proibidos de trabalhar no cinema por mais de uma década. O ressentimento de Marian é melhor documentado; ele foi assombrado por Jud Süß e, finalmente, Impulsionado ao suicídio por sua participação vários anos depois. Independentemente disso, o filme era um projeto de paixão para Goebbels, e Harlan teria sido pressionado a desobedecê-lo mesmo que ele estivesse tão inclinado. O impacto direto do filme no Holocausto é inegável. Após seu lançamento inicial durante a Segunda Guerra Mundial, causou tumultos antissemitas em Viena e ataques a judeus em outras cidades da Europa. Por outro lado, os teatros que a mostravam em Paris ocupada foram bombardeados pela Resistência Francesa. Também foi mostrado aos estagiários das SS durante a guerra, e até mesmo exibido para guardas em Auschwitz e outros campos de concentração. Sem surpresa, Jud Süß foi banido na Alemanha do pós-guerra, Áustria e vários outros países e só pode ser examinado lá para fins educacionais. NÃO deve ser confundido com o filme britânico de 1934 de mesmo nome. Ambos são baseados no mesmo romance, mas o filme de 1934 condena o antissemitismo, ou tenta condená-lo! Vale o registro histórico, mas deve ser visto com cuidado! Eu arrisco dizer que muito do que se fala sobre os judeus ainda hoje se mantem...e aí está o perigo disso...
Um Dia Essa Dor Será Útil
3.2 70 Assista AgoraA adolescência é uma das etapas da vida cheia de conflitos; uma época em que acreditamos ter respostas precisas para boa parte dos problemas que incomodam os adultos, e os nossos próprios - logicamente, mas que com frequência precisamos de uma visão clara a respeito do nosso próprio futuro. As dúvidas só pioram com o tempo, sai pra lá com essa de melhor idade! os temores, as decisões e as opiniões alheias, quase sempre diferente das nossas, vão se agrupando e quase sempre tudo é questionado ou questionável. Neste processo encontra-se James Sveck, o narrador e protagonista dessa história, um jovem aparentemente inteligente de Nova York, nos EUA, como 18 anos, que recém terminou o colégio e que não sabe ainda o que irá fazer. Ele trabalha na galeria de arte em Manhatan, que é de sua mãe - que meigo, uma cinquentona que vive uma crise sentimental pela separação do seu terceiro marido (nossa e o menino nem imagina de onde vem tanto problema, logicamente dinheiro não é um deles (há em quê de White People Problem, apesar de ter uma visão muito reflexiva e profunda do mundo, esse jovem inteligente e muito vulnerável, não sabe como se integrar e viver nele. Sei lá, os ricos também choram, dizem!!
O Poço
3.7 2,1K Assista Agora"A Plataforma" é, quase, inegavelmente inteligente. Quase todo o filme se passa em uma espécie de estrutura futurista chamada "O Buraco". Centenas de andares de altura; é uma prisão em que as pessoas são colocadas no andar dois de cada vez. Todos os dias, uma plataforma desce por um grande buraco no meio do prédio, e é a única chance de comida para o dia inteiro. No nível 1, os prisioneiros têm acesso a uma festa de pratos carinhosamente preparados. Se todos comessem uma pequena ração, poderia chegar até o fundo com algo para cada prisioneiro. Mas isso nunca acontece. Nossos olhos para esse pesadelo pertencem a Goreng (Ivan Massagué), que se ofereceu para entrar na prisão para parar de fumar e ler um livro (todos têm permissão para um item), sem entender completamente o que ele estava se metendo. Seu primeiro companheiro de cela explica o processo de O Buraco, enquanto o filme estreia no nível 48. Nessa altura, geralmente há algumas sobras na plataforma. Mas a parte mais maligna desse sistema, e sem dúvida a visão social mais inteligente do filme, é que os presos mudam de andar todos os meses. Então você poderia ser relativamente feliz em 8 um dia e, em seguida, em 133 no dia seguinte. E se você está se perguntando como essas pessoas sobrevivem quando estão nos andares inferiores, você pode não estar pronto para o lugar horrível que esse filme vai. A parábola social parece clara — se as pessoas não tomassem mais do que precisavam, haveria o suficiente para os que não têm. No entanto, os escritores David Desola & Pedro Rivero e o diretor Galder Gaztelu-Urrutia não se contentam em simplesmente sentar-se nessa ideia, expandindo-a e desempacotando-a a cada novo desenvolvimento. É um filme com múltiplas reviravoltas impressionantes dado seu cenário limitado, e cada um deles lança uma nova luz sobre como o filme deve refletir a sociedade. Eu particularmente achei fascinante a forma como as mudanças de pisos impactou as pessoas que estavam em níveis mais baixos antes, mas agora tiveram a sorte de serem altas. Em vez de simpatizar com aqueles em um lugar que eles estavam, eles parecem tomar ainda mais, compensar o tempo perdido e cientes de que eles podem não chegar tão perto do topo nunca mais. Mas espere, isso não é o que de fato ocorre no mundo que nos foi dado conhecer? ou alguém conhece um ser humano que está aqui por escolha? "A Plataforma" também é um filme de terror muito horrível, que se torna surpreendentemente banhado em sangue durante seu ato final pesado de ação. Há interpretações por certo, essa foi a minha, que nem mesmo eu sei se será a mesma se a ele eu voltar! A estrutura levou a comparações com "Cube" e "Snowpiercer", mas também me lembrou de filmes de ação brutais como os da série "The Raid". Em última análise, no entanto, o que faz "A Plataforma" funcionar é que ela se mantém por conta própria. Não é apenas um remix de ideias de outros filmes, uma peça ousada de cinema de gênero. E, claro, como tudo, tem uma energia diferente agora. À medida que vemos como a sociedade funciona (ou não consegue fazê-lo) diante de uma das crises mais devastadoras da história, tire um tempo e assista "A Plataforma", um espelho de reflexão do nosso mundo. Provavelmente!
A Cidade é uma Só
3.9 27Vale o registro!
A Chorona
3.4 90 Assista AgoraUm general aposentado/reformado, Enrique Monteverde, deve responder perante um tribunal por abusos cometidos trinta anos antes. Se sua esposa Carmen o apoia, sua filha Natalia fica abalada com as acusações. Ao final do julgamento, Monteverde é condenado, mas o julgamento foi posteriormente anulado. A família se retirou para suas casas, enquanto manifestantes se reuniam pacificamente em frente à sua casa e os criados demitiram-se, um após o outro. Quando Alma é contratada como governanta, sonhos terríveis atacam Enrique, que pensa que ouve uma mulher chorando o tempo todo. Fantástico e político se cruza neste filme que evoca um sangrento golpe de Estado que ocorreu na Guatemala em 1982. Se há uma lenda que é destaque na cultura do povo mexicano, com certeza essa é a lenda de La Llorona (A Chorona), a história de uma mulher que aparece em noites de lua cheia chorando amargamente por algo ou alguém que perdeu no passado. A força dessa lenda é tão forte que mesmo outros países possuem uma versão derivada dela em seu folclore local, até mesmo aqui no Brasil.
Como toda lenda popular, La Llorona deu origem a diversas variantes, misturando simples histórias e relatos de pessoas que afirmam ter visto a mulher com os próprios olhos, mas o relato mais conhecido remonta ao século XVI. Esse relato específico conta que quando chegava à noite e os moradores da Cidade do México se acolhiam em seus lares para dormir, eram sempre acordados no meio da noite pelo choro de uma mulher que andava sob a luz da lua cheia. Daí o nome “A Chorona”. Poucos tiveram a coragem de ir até lá fora e ver o motivo do choro da mulher, e os que o fizeram dizem que apenas conseguiam ver uma neblina espessa sobre o solo e no meio estava a mulher, vestida de branco e com um véu cobrindo seu rosto – o que a tornava quase indistinta em meio à neblina. Ela percorria a cidade em todas as direções e desaparecia quando chegava às margens do lago Texcoco. Contam os relatos que aqueles que se arriscaram a chegar mais perto da Chorona morreram ou passaram o resto da vida perturbados com as visões chocantes que ela lhes fazia ver. Mas, você deve estar se perguntando, quem é essa mulher misteriosa e porque ela chora? O filme de Bustamante não lhe dará resposta alguma, mas a genialidade está em associar, de modo quase sutil, uma crítica à ditadura militar guatemalteca com o medo pessoal, que até um general, outrora poderoso e destemido para provocar o terror, sente quando se defronta com a crença...belo filme! Eu queria uma Chorona por acá...
1817, a Revolução Esquecida
3.8 4Esses filmes ou documentários servem, a mais das vezes, para relembrar ou até registrar algo que escapa, propositalmente, ao conhecimento da maioria; é o caso específico deste; eu desconhecia a história em si, mas ela não me surpreende em nada; obviamente há um licenciamento poético, como não poderia deixar de ser, mas é tão crível que chega a ser chato. Vale pelo registro...
Iddarammayilatho
3.0 1Sanju Reddy (Allu Arjun) é o guitarrista de uma banda sediada na Espanha. Akanksha (Catherine Tresa) é uma garota rica, filha de um político indiano, que vem para a Espanha para estudos mais elevados. Ela é atraída por este diário em particular na Espanha. O estabelecimento das personagens principais é feito de forma muito sutil e muito crível.