O enredo realmente se move muito bem, considerando o tempo de execução inchado e, na maior parte, o cenário estacionário. A maior parte da ação é confinada a um local, ocorrendo em tempo real, o que permite que o espectador permaneça envolvido, raramente com uma pausa, já que todo o filme é essencialmente uma longa série de mini episódios de causa e efeito sendo reproduzidos. fora. Samuel L. Jackson em uma atuação crível de Samuel, já que o sucesso do filme depende apenas de sua capacidade de desempenhar esse papel de forma convincente. O tom permanece sério o tempo todo e seu retrato nunca fica muito cafona ou cozido demais, o que pode acontecer nos filmes de ação dessa época com seus enredos exagerados mas muito divertidos.
O filme ficou famoso, além de cult, pelo surgimento de muitos novos nomes que viriam a se tornar nomes próprios de Hollywood, numa década em que o jovem cinema conheceu glórias. Thomas Howell, Matt Dillon, Patrick Swayze, Ralph Macchio, Rob Lowe, Emilio Estevez e Tom Cruise eram agora conhecidos como Brat Pack. A estreia na tela grande, no entanto, foi apenas para Rob Lowe deles. Foi uma carta de uma bibliotecária escolar em Fresno, Califórnia, chamada Jo Ellen Misakian, para Francis Ford Coppola que o comoveu e o convenceu a adaptar o romance de 1967. A carta vinha acompanhada de 15 páginas de assinaturas de alunos, em várias cores. Mickey Rourke, Scott Baio e Dennis Quaid também fizeram o teste. As pegadinhas no set fizeram história, sendo os principais "culpados" Matt Dillon, Rob Lowe, Tom Cruise e Patrick Swayze, mas também as "vítimas" mais frequentes de C. Thomas Howell e Diane Lane. Apenas Ralph Macchio ficou de fora, pois estava muito nervoso com seu papel. A paixão de Coppola pelo realismo quase trouxe um desastre. Na cena em que a igreja está pegando fogo, o diretor gritou "mais fogo", e o pequeno incêndio se transformou em um incêndio incontrolável. Felizmente para todos, coincidiu com uma chuva torrencial. Esses. Hinton, que escreveu o livro quando tinha 16 anos, esteve presente em quase todas as etapas da produção. Desde a escrita do roteiro até a filmagem. Ela também aparece como enfermeira no final, enquanto mais tarde afirmou que agia como uma espécie de chefe para os jovens atores. Sofia Coppola é a garota que pede dinheiro aos Greasers. Normalmente teria sido a estreia de Heather Langenkamp (Nancy de A hora do pesadelo), mas sua participação especial foi cortada na edição. Coppola entregou à Warner Bros. um filme de 2 horas e 13 minutos. O estúdio nem sequer discutiu a possibilidade de tal duração, tendo o criador sido obrigado a cortá-la para 91 minutos. Em 2005, porém, o criador mostrou a maior parte desses minutos perdidos em The Outsiders: The Complete Novel, lançado em Home Cinema. Esta é uma versão de 114 minutos, com novas músicas de Michael Seifert e Dave Padrutt. Com um orçamento de $ 10 milhões, arrecadou 33,7. Em 1990, a série de TV de mesmo nome foi ao ar no canal Fox, com um elenco inédito, mais conhecido pela estreia de Leonardo DiCaprio em um pequeno papel.
Stevie Wonder interpreta Stay Gold, uma composição de Carmine Coppola, para o filme.
Os elementos do rock dos anos 80 faziam todo o sentido, já que o jogo se originou nos anos 80. Então, a trilha sonora realmente explora a nostalgia do que estava acontecendo na cultura pop em geral quando criança naquela época. Os criadores foram muito sábios em incluir esse tipo de trilha sonora para capitalizar a nostalgia da geração mais velha e, ao mesmo tempo, apresentar essa música a um público mais jovem.
Cada vez que me deparo com um filme como esse, me pergunto o quanto o público experimentou o espetáculo do exorcismo para justificar essa abundância. E menciono conscientemente a palavra 'cena' em vez de 'tema' porque, por um lado, não há sinal de uma abordagem séria no roteiro além de intenções ridículas e, por outro lado, essas próprias cenas são do tipo manipulador . Parece que o subgênero começou e terminou qualitativamente em 1973 com "O Exorcista".
É incrível como essas histórias são inventadas pelos maiores estúdios de Hollywood e atraem atores de primeira linha. Se a intenção era fazer algo parecido com “The Ceremony” com Anthony Hopkins, o resultado aqui é mais uma paródia de um roteiro excessivamente ingênuo e misteriosamente motivado. Embora seja essencialmente a biografia de Gabriel Amorth, um exorcista do Vaticano com 30 anos de atividade, este é apenas um pretexto para a criação de um filme voltado para as cenas de 'ação' do exorcismo, ou seja, aquelas que fascinam o público.
Mas aqui não temos um pequeno filme de plataforma e sim uma apresentação da Sony, com direção de Julius Avery e roteiro de Evan Spiliotopoulos como nomes bem conhecidos de Hollywood - o trabalho anterior deste último foi o similar "The Unholy". É claro que ninguém está levando o assunto a sério e a motivação são sustos baratos, com Amorth sendo apresentado como 'o exorcista amigo da vizinhança' ignorando todos os aspectos problemáticos de sua personalidade. O que obviamente não teria lugar em um filme com conteúdo tão grotesco e sobrenatural onde se referir a ele como 'verdadeiro' é apenas marketing picante.
Russell Crowe tem que se divertir com o humor desajeitado e as falas cômicas com as quais ele infunde seu personagem, que são apenas um pouco mais engraçados do que seu sotaque italiano, com a presença de Franco Nero como o Papa sendo o verdadeiro elemento chato. O resto dos personagens são apenas seres sem sentido que vagam na frente da câmera.
Sem subestimar o valor de entretenimento casual dos medíocres filmes de terror sobrenatural, "O Exorcista do Vaticano" não pode ser colocado nessa categoria devido à seriedade desenfreada na tela combinada com a hilaridade absoluta de seus criadores, querendo drenar tempo, e dinheiro dos espectadores.
Um romance sólido de John Grisham encontra um roteiro sólido do vencedor do Oscar Akiva Goldsman, e mesmo o padrão Joel Schumacher não poderia falhar.
O filme, como um drama antiquado de tribunal, oferece fortes mensagens ideológicas contra o racismo e o conceito de justiça. Se Schumacher tivesse visto ainda mais internamente, teríamos um filme muito longo. Na mesma tradição dos filmes judiciais, aqui também temos uma riqueza de papéis coadjuvantes, e Samuel Jackson, com razão, conseguiu uma indicação ao Globo de Ouro. Matthew McConaughey deve sua carreira a este filme, que causa uma impressão melhor do que qualquer outra coisa que fez depois, mas também a Ashley Judd, que tem um bom papel coadjuvante. A convivência de pai e filho Sutherland também impressiona.
O filme foi acusado, como o livro, de encorajar a hipocrisia, mas é aí que reside toda a sua essência, já que abre uma conversa em vez de usar o assunto para, digamos, um thriller de ação. Bilhetes muito bons, sendo um filme de audiência, mas aquela coisa que o realizador não entrega foi o suficiente para a privar de uma carreira ainda mais gratificante.
Sem Denis Villeneuve no comando, o que acaba causando o sinal positivo aqui deveria ser chamado de "velocidade adquirida". Sem pergaminhos semelhantes, mas não desprezíveis, Stefano Solima compromete-se simplesmente a continuar a boa forma que o primeiro tinha, transferindo-a simplesmente para um novo campo de ação “ocidental”. E enquanto esta ação é realmente imparável e forte, não há renovação na essência temática e significativa, relegando este projeto ao seu nível puramente superficial. Claro, isso vai incomodar os fãs da violência cinematográfica crua e bem feita, até porque é até um "clique" melhor que o original, e você não seria injusto com eles. Há também um clima de “culto à violência” que faltou desde o início, o que não chega a ser perturbador, pois não está longe da verdade amoral daquelas áreas, simplesmente enfraquece ainda mais qualquer substância.
A trilogia Cursed Asthma é um caso muito especial, se você olhar para os filmes em que consiste, pois o estilo às vezes muda bastante de filme para filme. O remake/reboot de 2013 assim como esta sequência/reboot provavelmente segue o caminho mais tradicional de puro horror da primeira parte da franquia, e se Fede Alvarez um tanto rotineiramente aproveitou a oportunidade que lhe foi dada dez anos atrás, Lee Cronin consegue muito melhor, mas caindo em alguns "buracos".
Cronin é certamente creditado por ter boas ideias de direção. São muitos os achados, menores e maiores (o mais memorável talvez seja o monoplano do “olho” na porta), que mostram que todo o projeto foi feito com paixão e apetite por algo além do processamento. Também não economiza sangue, com sequências flertando em ir além do 'R', especialmente na construção. Aqueles que querem um espetáculo dentro de certas zonas de segurança podem, portanto, se divertir um pouco, mas os fãs obstinados certamente se divertirão. E numa época em que o terror cinematográfico aponta alto, com orçamentos relativamente maiores e mudanças de localizações, é gratificante que Morte do Demônio: A Ascensão nos lembre que mesmo com uma limitação geográfica da ação “o trabalho está feito”, se houver talento em a concepção e a execução. Para crédito do elenco, há também um intervalo cronológico nas referências a grandes momentos do gênero, de "O Iluminado" a "O Babadook: As Páginas do Terror", sem esquecer as raízes do programa com muitas piscadelas na trilogia que o iniciou. todos.
Mas há limitações criativas que são aparentes, no sentido de que certas "caixas" precisam ser verificadas para que algo voltado para o estúdio surja. É por isso que, junto com o que é contado positivamente, o espectador é forçado a sofrer um drama familiar bastante enfadonho que é usado como esqueleto, que é até elaborado de maneira bastante leviana, alguns momentos moralistas astutos que seriam mais adequados para outro tipo de filme e seu enredo clichê de mecanismos (o adolescente problemático que causa o dano, heróis que simplesmente tomam uma decisão e de indefesos e assustados a se tornarem "Rambo" em segundos). Tudo isso mostra que Cronin é por um lado um profissional competente e bem versado nas convenções do gênero que atende, mas por outro lado ainda não é "sábio" o suficiente e com sua técnica aperfeiçoada o suficiente para ir além desse rótulo. Existe também um parâmetro em que esta sequela "perde" em relação ao renascimento anterior de 2013, e é a estética da "sujeira" que dominou e fortaleceu toda a experiência, enquanto aqui todo o pacote poderia ser caracterizado como mais "polido" . E o final deixa um sabor misto, pois parece do ponto de vista realista particularmente antinatural com base no que aconteceu antes.
Poderia ter ajudado se o conjunto tivesse um senso de humor negro mais forte, que está presente, mas em doses relativamente pequenas. Desta forma, seria desvinculado de uma seriedade que em alguns lugares incomoda, mas também seria mais fiel ao espírito da saga. Porque até a alegoria subjacente à natureza da maternidade pode ser ambiciosa, mas falta-lhe profundidade para marcar a diferença e acaba por fundamentar ainda mais uma criação que parece tender para a anarquia, mas que tem como destino final o conservadorismo.
A aventura estilizada dos Coen está repleta de diálogos malucos, piadas visuais inteligentes e muitas referências culturais astutas o lendário gângster Baby Face Nelson e vendeu sua alma para o músico de blues do diabo, Robert Johnson, estão entre os coloridos personagens sulistas que os fugitivos encontram na estrada. é uma caricatura cômica do Mississippi dos anos 1930 e seu meio visto através de lentes míticas. O apoio fantástico de John Goodman, Charles Durning e Hunter completam um elenco excepcionalmente excêntrico, enquanto Alison Krauss e T-Bone Burnett fornecem a nota graciosa com sua trilha sonora antiga.
Escrito pelo ex-aluno do Monty Python, Cleese, a hilária comédia de alcaparras de Crichton é uma mistura desenfreada de quedas histéricas, piadas exageradas e traições desonestas. Curtis arde como o líder de gangue sedutor e manipulador que seduz e depois se apaixona por Archie comicamente reprimido de Cleese. Mas este filme não teria metade da graça sem o vencedor do Oscar Kevin Kline, o psicótico idiota que gosta de cheirar as axilas antes de fazer amor e que grita indignado: Não me chame de estúpido! Palin é a outra arma secreta do filme, ao mesmo tempo escandalosa e patética como uma assassina gaga e amante dos animais. Para se assistir numa noite de sabádo qualquer.
Não apenas a trilogia Blade termina aqui, mas Wesley Snipes não estrelou um grande filme desde então. A maioria de suas principais entradas são para DVD ou serviços de streaming. Antes mesmo de Blade II chegar aos cinemas, a New Line assinou um contrato com David S. Goyer para escrever e produzir a terceira parcela. O diretor mais provável na época era o alemão Oliver Hirschbiegel, mas no final ele se voltou para The Fall. Os produtores queriam que Wesley Snipes não ficasse satisfeito nem com o roteiro nem com a escolha original do diretor. Isso trouxe o roteirista dos dois primeiros capítulos, David S. Goyer, para a cadeira do diretor, mas isso não foi algo que tranquilizou o protagonista. Como resultado, Snipes causou muitos e variados problemas durante as filmagens. O próprio ator negou tudo, dizendo apenas que como membro da equipe de produção tomou decisões que alguns acharam difíceis de aceitar. Como Goyer era amigo de Stephen Norrington e Guillermo Del Toro, ele pediu conselhos a eles sobre sua linha de direção. Del Toro também contribuiu com alguns gráficos, com seu nome aparecendo nos créditos finais. Ashley Scott era a Abigail original, com o estúdio visando ela e Ryan Reynolds para estrelar um possível spin-off. Estreia interpretativa do lutador profissional, Paul Levesque. Nos títulos ele assina como Triple H, que era seu apelido esportivo. Sua escolha coube exclusivamente a Goyer, que superou as fortes dúvidas da New Line ao lhe dar o papel. A primeira aparição de Ryan Reynolds em um blockbuster, a primeira em um filme de super-herói, mas também sua primeira colaboração com a Marvel. A língua falada na cidade fictícia do filme é o Esperanto. Sua bandeira também é visível nos sets. Na versão estendida sem classificação de 123 minutos, o final é diferente. Tendo as piores críticas da trilogia e ganhando menos que as outras duas partes, forçou a New Line a colocar a franquia e os spin-offs planejados em espera. Por fim, em 2012 os direitos do herói passaram novamente para a Marvel, que a partir de 2019 havia anunciado sua integração em seu universo cinematográfico na forma de Mahershala Ali.
A trilha sonora não fez sucesso, embora seja composta por sons de hip-hop e música eletrônica. Eles também apresentam RZA, Wu-Tang Clan, Black Lab, E-40, Lil 'Flip, Overseer e The Crystal Method.
Devido ao sucesso da primeiro filme, a New Line e a Marvel estavam fazendo planos para uma sequência já em 1999. Dizia-se que eles incluíam os novos heróis Hannibal King e Frank Drake, e um enredo de viagem no tempo. Goyer também queria Morbius na trama, mas a Marvel tinha planos independentes para aquele herói em particular. Stephen Norrington recusou uma oferta para dirigir novamente, com o chefe da New Line contratando Guillermo del Toro, aqui em seu segundo filme em inglês. Donnie Yen assumiu além do papel de Snowman, e corógrafou as cenas de luta. Para Wesley Snipes, este foi o seu filme favorito da trilogia. Michael Jackson estava fazendo uma aparição especial. Para o papel de Nissa, os candidatos foram: Asia Argento, Kristanna Loken, Elena Anaya e Rhona Mitra. Um videogame com o mesmo nome foi lançado imediatamente para PlayStation 2 e Xbox.
A trilha sonora vendeu muito bem e gerou dois singles: Child Of The Wild West (Cypress Hill & Roni Size) e Mind What You Say (Lennox Brown).
Baseado na série de quadrinhos da Marvel Comics. O super-herói sombrio foi apresentado pela primeira vez como personagem coadjuvante em a tumba do dracula, de 1973, e ganhou uma carreira solo em contos de vampiro, de 1974, em preto e branco. A Marvel Studios planejava a versão cinematográfica de seu herói desde 1992, quando o rapper LL Cool J se interessou pelo papel principal. O projeto foi para as mãos da New Line Cinema, que originalmente planejava torná-lo uma comédia. Quando a empresa falhou em trazer o Pantera Negra para a tela grande, ela se voltou para esse herói para sempre e, em 1996, Wesley Snipes assinou contrato para o papel. Os executivos da New Line escolheram três atores como ideais para Blade: Snipes, Denzel Washington e Laurence Fishburne. Foi Goyer quem pensou que Snipes era perfeito em primeiro lugar. Para vários papéis coadjuvantes, os principais candidatos foram: Patrick McGoohan, Marc Singer, Jet Li, Mark Wahlberg e Skeet Ulrich. O corte original tinha 140 minutos, mas as exibições de teste foram um desastre completo. Assim, começaram as refilmagens e reedições, com o filme sendo adiado por um ano desde o lançamento. Na versão original, Stephen Norrington queria uma participação especial de Morbius, mas não está presente na versão final. É o primeiro grande sucesso de bilheteria da Marvel, levando-a a investir mais nesse meio também. Custando $ 45 milhões, arrecadou 131,2. Isso gerou duas sequências, bem como uma série de TV em 2006, estrelada por Sticky Fingaz. Como uma versão muito mais sombria do super-herói do que era conhecido na tela até então, o filme rapidamente ganhou seguidores e construiu um culto de seguidores, apesar das críticas medíocres. Em 2019, a Marvel Studios anunciou um reboot do herói, com Mahershala Ali como Blade.
O Prodigy havia sido abordado para escrever a trilha sonora, mas estava ocupado com outros projetos. O filme gerou 4 singles: Wrek Tha Discotek (Roger Sanchez e Soulson), Reservations (P.A.), Deadly Zone (Bounty Killer, Mobb Deep e Big Noyd) e 1/2 & 1/2 (Gang Starr e M.O.P.). Este último seria um sucesso maior, embora não seja ouvido no filme.
Esta paródia obscena de mau gosto dos faroestes de Hollywood inclui muita comédia boba e maluca em seus 90 minutos de duração. Quase todo mundo imaginável se torna o alvo das sátiras descaradamente engraçadas de Mel Brooks, e Wilder, Korman e Slim Pickens apresentam algumas das performances mais loucas de suas carreiras. Mas é Kahn quem é especialmente memorável como Lilli Von Shtupp, uma cantora parecida com Marlene Dietrich.
Não perca esta paródia sem limites dos velhos filmes de Frankenstein, concebida pelo diretor comicamente demente Mel Brooks e pela estrela Wilder, que colaborou no roteiro indicado ao Oscar. A equipe Brooks Wilder primeiro se propôs a criar autenticidade completa na aparência, com fotografia em preto e branco e adereços reais das antigas produções da Universal. Eles então se misturaram em uma galeria de desonestos com os principais atores cômicos, incluindo Madeline Kahn como a noiva do Doutor, Kenneth Mars como o chefe de polícia local e Cloris Leachman como a infame Frau Blucher. esta comédia só melhora com visualizações repetidas.
Os talentos consideráveis do diretor britânico Carol Reed e do compositor/letrista Lionel Bart se combinam para criar um musical exuberante digno de sua fonte reverenciada. O elenco, jovem e velho, se destaca, e canções como "Consider Yourself" e "As Long As He Needs Me" resistem ao teste do tempo. ganhou seis Oscars, incluindo Melhor Filme, um feito raro para um musical.
Concebido a partir de uma ideia do compositor Irving Berlin, é um delicioso musical de Crosby/Astaire que encontra os dois artistas cantando e batendo os pés. O filme sempre será famoso por apresentar White Christmas, o single mais vendido de todos os tempos e um favorito instantâneo das tropas no exterior. Ainda assim, esta brincadeira festiva é bastante melodiosa, com uma trilha sonora sublime de Berlim que abrange não apenas o Natal, mas todos os feriados importantes.
Seja lutando com um canhão ou tentando montar um trem em movimento, o timing cômico de Keaton e a linguagem corporal expressiva rivalizam com os de Chaplin, e ele envergonha os engraçadinhos de hoje. Mack é fantástica por si só, interpretando a bravata impassível e imprudente de Keaton com um charme alegre. As acrobacias altamente criativas e as sequências de perseguição são tão incríveis quanto hilárias.
O poderoso documentário do diretor Riley pinta um retrato revelador dessa figura até então enigmática e em grande parte desconhecida, contando com imagens de arquivo evocativas e, crucialmente, a própria voz de Brando. Por meio de suas ruminações íntimas, conversas consigo mesmo, sentimos o isolamento, a frustração e a dor não resolvida desse homem. Oferecendo uma nova visão sobre Brando com surpreendente imediatismo, “A verdade” ilumina e, ao fazê-lo, parte seu coração. Indicado ao Emmy por excelente documentário, este filme indispensável é obrigatório para todo e qualquer fã de cinema.
Attenborough adquiriu os direitos da autobiografia de Chaplin em 1988 e pretendia fazer o filme com a Universal. Como pensamento alternativo, teve que ser feito em forma de minissérie, para que pudesse incluir todos os acontecimentos da vida do grande ator e criador. Enquanto o diretor originalmente queria Robert Downey Jr. para o papel central, a Universal Pictures estava pressionando por Robin Williams, Dustin Hoffman ou Billy Crystal. Jim Carrey (ainda desconhecido), Kevin Kline e Tom Cruise também foram indicados. A recusa de Attenborough fez com que o estúdio arquivasse o projeto, com o diretor encontrando novo refúgio em Mario Kassar e Carolco Pictures. A única exigência era que também houvesse capital para o fim da vida de Chaplin na Suíça. William Goldman foi imediatamente contratado para expandir o roteiro, enquanto a possibilidade de Nick Nolte interpretar o velho Chaplin foi considerada. A filha verdadeira de Charlie Chaplin, Geraldine Chaplin, interpreta sua mãe (sua avó). Ela havia dito isso quando viu Downey Jr. como Chaplin na frente dela, ela demorou um pouco para se recuperar. Inicialmente seria intitulado Charlie, que é como todos conheciam o ator. Mas eles foram forçados a usar seu sobrenome porque os criadores de Charly, vencedor do Oscar de 1968, protestaram. Steven Spielberg mudou o cronograma de filmagem de Jurassic Park para acomodar Sir Richard Attenborough para que ele pudesse ser incluído no elenco (ele também lhe ofereceu, sem sucesso, um papel em Capitão Gancho). O corte original tinha 4 horas de duração (de 200 horas de filmagem!), Mas o estúdio exigiu um corte muito mais curto. Mas mesmo que uma edição especial do 15º aniversário fosse lançada em DVD, nenhum minuto extra foi exibido. Attenborough havia dito sobre isso que os cortes prejudicaram seu filme. Um desastre nos cofres. Enquanto o orçamento era de 31 milhões de dólares, as receitas eram limitadas a 12.
Era uma vez no oeste e tudo isso compõe a trilogia Era uma vez, mesmo que não estejam diretamente conectados. Depois de fazer Três homens em conflito, Leone decidiu se aposentar dos faroestes para adaptar The Hoods (que anos depois se tornaria Era uma vez na América). Por isso, recusou uma proposta da United Artists para um filme com Charlton Heston, Kirk Douglas e Rock Hudson. Mas ele não podia recusar a oferta da Paramount Pictures, que lhe oferecia acesso a Henry Fonda (que por acaso era seu ator favorito) e um alto orçamento para outro faroeste. Ele então convocou Bernardo Bertolucci e Dario Argento para ajudá-lo e, juntos, os três passaram muitas horas assistindo a clássicos do faroeste na casa de Leone. Sergio Donati se encarregou de adaptar o diálogo para uma duração específica, pois o diretor não queria recortar o material do estúdio. Clint Eastwood recusou o papel de harmônica que se tornou mais característico de Charles Bronson. Fonda não aceitou de imediato a oferta para atuar, obrigando o diretor a pegar o avião e chegar a Nova York para convencê-lo. Uma grande contribuição para a decisão final foi a mediação de seu amigo em comum, Eli Wallach. As tomadas internas foram feitas nos estúdios Cinecittà, enquanto as tomadas externas foram feitas na Espanha e nos Estados Unidos. Henry Fonda chegou ao set usando lentes escuras e barba, acreditando que eram adequados para o papel de vilão. Leone imediatamente disse a ele para removê-los, estabelecendo um assassino "angelical". Esta é também uma das primeiras vezes que o protagonista central de um faroeste é também o vilão do filme. O filme foi dublado em vários idiomas: italiano, espanhol, francês e inglês. Na versão em inglês, que é a mais popular, a maioria dos atores é ouvida com suas vozes, enquanto Claudia Cardinale com a de Joyce Gordon. Além do grande sucesso na Europa, teve um enorme impacto, especialmente na França. Lá foi assistido por 14,8 milhões de telespectadores, enquanto em Paris estourou uma moda com jaquetas, que, no entanto, não continuou. Para o lançamento americano, a Paramount cortou o filme para 145 minutos, e é um daqueles países onde o filme não mudou muito. Em 2000, a versão do diretor, que tem 175 minutos, foi lançada em DVD. Em 2018, ocorreu uma restauração 4K, que corrigiu qualitativamente as cores e a imagem.
Ennio Morricone escreveu um padrão para cada personagem principal separadamente. Man with a Harmonica deveria ser mais clássico, enquanto Edda Dell'Orso é ouvida no tema de Jill. Leone pediu ao compositor que terminasse a partitura antes do início das filmagens, para que estivesse disponível para eles e para os atores ouvirem enquanto atuavam.
Curiosidades sobre o filme: Tudo surgiu do desejo de George Lucas de reviver os seriados de filmes das décadas de 1930 e 1940. Foi em 1973 que ele escreveu uma história chamada As Aventuras de Indiana Smith. Philip Kaufman acrescentou a isso a arca da aliança. Mas quando Kaufman se viu em outro emprego, Lucas deixou o projeto de lado, tendo que trabalhar também em Star Wars. Em 1977 ele conheceu por acaso no Havaí Steven Spielberg, que estava interessado em dirigir um James Bond. Lucas disse a ele que tinha um novo personagem "melhor que Bond" e explicou a história para ele. Spielberg se apaixonou pela ideia, embora não gostasse do sobrenome Smith. E Lucas disse, "Ok, que tal Jones?" Mas Spielberg ainda estava cauteloso, porque seu novo amigo estava conversando com ele sobre uma trilogia. Mas quando lhe disse que já havia roteiros para os outros dois (o que não era o caso...), o negócio foi fechado. Indiana era o nome do cachorro da infância de George Lucas, e ele baseou Chewbacca nele. Kasdan tinha em mãos um manuscrito de 100 páginas que incluía todas as ideias que ele, Lucas e Spielberg haviam jogado na mesa, e com isso produziu o roteiro final em 6 meses. Claro que algumas ideias foram cortadas, principalmente por serem grandiosas, mas uma delas envolvendo uma fuga de Xangai acabou abrindo o segundo filme da série. Spielberg queria que Jones fosse um playboy e um personagem sombrio (até mesmo um alcoólatra). Mas Lucas já achava complicada sua dupla identidade de acadêmico e homem de ação. A figurinista Deborah Nadoolman "testificou" que o modelo era Charlton Heston quando ele apareceu em uma pequena produção, O Segredo dos Incas (1954), filme que toda a equipe assistiu várias vezes para entender. Inicialmente, nenhum grande estúdio de Hollywood queria assumir a produção, principalmente por causa do orçamento de US $ 20 milhões, mas também por causa de algumas negociações difíceis de Lucas sobre os direitos. Mas a Paramount finalmente deu o OK, com o acordo falando de 5 filmes. Além disso, Lucas lutou para manter o orçamento dentro de níveis razoáveis, tanto com os muitos storyboards prontos quanto com as poucas tomadas. Embora as cenas desse escopo geralmente levassem de 30 a 40 tomadas, aqui elas eram limitadas a quatro. Normalmente, Spielberg dizia que era como fazer um filme mudo, onde eles filmavam apenas o que precisavam e nada era desperdiçado. A maior parte das filmagens ocorreu no Elstree Studios, no Reino Unido, mas também foram usadas locações nos Estados Unidos, Havaí, Tunísia e França. Para o papel de Indiana, os candidatos foram: Paul Le Mat, Christopher Guest, Bruce Boxleitner, Barry Bostwick, Sam Elliott, Mark Harmon, Nick Mancuso, Peter Coyote, John Calvin, Michael Biehn, Sam Shepard, Sam Neill, David Hasselhoff e Tom Seleck. Harrison Ford sempre foi a primeira escolha, com Tom Selleck chegando como segundo colocado. George Lucas não queria o mesmo ator de Star Wars, mas quando eles se voltaram para Selleck, ele tinha compromissos com a Magnum da TV, P.I. Para zombar do elenco do ator, um episódio de 1988 do show foi intitulado Magnum, PI: Legend of the Lost Art, onde Selleck estava vestido com uma roupa paralela a Indiana. Danny DeVito era a escolha do diretor para Salah, mas tinha compromissos com a TV. Harrison Ford fez quase todas as acrobacias sozinho, até mesmo aquele em que ele rasteja atrás do caminhão. Primeira vez que o nome de Alfred Molina foi escrito nas manchetes. Ele já havia atuado duas vezes antes, mas os papéis eram tão pequenos que não foram mencionados em nenhum lugar nos créditos. Ao final, o orçamento foi mantido em patamares baixos, de 18 milhões de dólares. Em vez disso, o 389,9 rendeu ao filme a maior bilheteria de 1981 e uma das maiores bilheterias de todos os tempos. A franquia continuou com as conhecidas sequências de sucesso, uma série de TV prequela (The Young Indiana Jones Chronicles), brinquedos, livros, quadrinhos e vários videogames. Omissões musicais
John Williams escreveu dois temas diferentes para simbolizar o personagem principal, mas Spielberg insistiu em usar os dois. Eventualmente, o compositor os juntou e nasceu Raiders March, que se tornaria um dos temas mais icônicos já escritos para o cinema, e acompanhou o herói em todas as suas aventuras.
O ancestral do roteiro é um roteiro de 1968 chamado The Man Who Came to Play, que era sobre Las Vegas e a roleta russa, mas nunca foi transformado em filme. Este foi comprado pelo produtor Michael Deeley, e ele imediatamente contratou Michael Cimino, bem como Deric Washburn para transformá-lo, colocando-o em foco na Guerra do Vietnã. Mas além da versão oficial, Cimino, Deeley e Washburn também tiveram uma versão separada para a preparação do roteiro. De Niro substituiu Roy Scheider, que saiu devido a diferenças criativas, apenas 2 semanas antes do início das filmagens. Para que a Universal mantivesse o ator, eles o obrigaram por meio de seu contrato a estrelar o segundo Jaws of the Shark. A contratação de De Niro trouxe um pequeno "golpe" na distribuição do elenco. A já famosa performer trouxe Meryl Streep, que por sua vez se juntou a John Cazale. Além disso, De Niro acompanhou Cimino na prospecção de locações de filmagem, além de transformar os ensaios dos atores em união. John Cazale tinha câncer e eles estavam à beira da morte. O estúdio queria substituí-lo, mas Meryl Streep, que tinha um relacionamento com ele na época, e Cimino ameaçaram sair também. Como também não tinha seguro, De Niro pagou o seguro para poder participar do filme. Todas as suas cenas foram filmadas primeiro, com o ator falecendo assim que todas as filmagens terminaram e, claro, nunca conseguindo ver o filme finalizado. No roteiro, o papel de Streep era insignificante. Mas Cimino mudou isso, encorajando-a a escrever seu próprio novo diálogo. Chuck Aspegren não era ator, nem voltou a atuar em nenhum outro lugar. Ele era capataz em uma usina siderúrgica, que De Niro e Cimino visitaram enquanto procuravam locais. A impressão que causou neles lhe rendeu o papel. Primeiro filme sobre o Vietnã rodado na península da Indochina, especificamente na Tailândia. Lá as condições eram extremas, com mosquitos e ratos de verdade dominando a equipe. Depois de muita procura, foi encontrado o tailandês que daria um tapa forte em De Niro, mas não conseguiu. Então ele encontrou outro, onde tinha uma antipatia especial pelos americanos. Para o tapa em Walken, De Niro instruiu os guarda-costas a esbofeteá-lo sem avisar. Então a reação de Walken foi além de genuína. Na cena em que De Niro e Walken caem de 30 pés no rio, não há dublês. Os dois atores caíram um total de 30 vezes até que o tiro perfeito saiu. A cena do casamento foi realizada na histórica Igreja Ortodoxa Russa de São Teodósio, em Cleveland. Demorou 5 dias para ser concluído, e o padre é o verdadeiro padre do templo, Stephen Kopestonsky. A famosa cena da roleta russa foi muito debatida, pois foi considerada artificial e longe do realismo, já que não havia registro de tal cena desde a Guerra do Vietnã. No festival de cinema de Berlim de 1979, um delegado russo acusou o filme de ter como alvo o povo vietnamita. Embora Cimino se referisse ao filme como parcialmente autobiográfico, os jornalistas reclamaram que nada no passado do diretor justificava tal afirmação. Em 1980, um filme de ação barato saiu da Itália, The Last Hunter, que foi promovido como uma sequência de The Deer Hunter. O filme excedeu em muito o orçamento original - junto com a estimativa original de tempo de filmagem atingindo um custo de 15 milhões de dólares. Mas os lucros foram de 49.
As principais mudanças em substância são adaptações em torno da atual realidade americana, com tiros contra as práticas desleais utilizadas pelas imobiliárias nos EUA para lucrar entre outras coisas e com uma perspectiva bem-vinda mais liberal em matéria de direitos em relação ao filme original . O que é de se esperar é que o sentimentalismo um tanto doce não falte, já que "Mr. Ove" também caiu na mesma armadilha.
Independentemente de essa adaptação ser necessária, o resultado final pelo menos se mantém decentemente. Marc Forster captura com bastante sucesso aqueles tons de drama tipicamente americanos que têm uma sensação invernal além do cenário de ação e ao mesmo tempo combina humor com emoção, mas colocando mais ênfase no último componente. Também é auxiliado por um roteiro de David Magee que, embora mantendo intacto o material de origem, trata a grande maioria de seus personagens com ternura e que exala adequadamente aquele calor íntimo que sua escrita geralmente possui (,Em Busca da Terra do Nunca, As Aventuras de Pi).
No entanto, o que surge nunca realmente decola, pela simples razão de que Forster se desvia para um caminho muito popular e não captura as frequências sutis de outros mestres da comédia dramática como Alexander Payne e Noah Baumbach. A profundidade na análise dos personagens se limita a descrever minuciosamente apenas o protagonista, mas não há foco que tenha o peso de uma psicografia para não sacrificar o espírito de bem-estar que definitivamente deve prevalecer no final. E no geral, existem estritas “distâncias de segurança” que mantêm as tensões algo baixas, com o humor nunca a ser explosivo e os elementos trágicos a não atingirem o seu máximo.
Tom Hanks é inegavelmente crível e eficaz em incorporar um "amavelmente distorcido", com explosões comedidas e evitando inclinar-se para maneirismos excessivamente extravagantes em busca de mais uma indicação ao Oscar. Performativamente, ela supera confortavelmente Rolf Lassgard, tendo a segurança de um veterano, aquele que trata um papel com equilíbrios objetivamente difíceis para aqueles com um leque mais limitado de habilidades como um jogo. É uma pena, porém, que não encontre apoio igualmente bom por parte de seus colegas de elenco, que se movem exclusivamente no nível do executor, embora Mariana Trevino faça um esforço honroso para superar isso.
A parte do público que está mais familiarizada com a cinematografia de Hollywood e ignora o original pode reagir com bastante entusiasmo. O resto não verá nada inédito, mas no final reconhecerá que é um produto suficientemente bem pensado, que simplesmente carece de grandes riscos e surpresas. E para uma visualização casual, isso pode ser suficiente.
No segundo turno, a mistura de mistério e comédia é ainda menos eficaz, e nem mesmo o carisma do elenco consegue compensar a superabundância de inatividade. Uma comédia com um mistério a resolver não mais um assassinato como no primeiro filme da série, mas um sequestro a desvendar. Um filme com uma trama infelizmente previsível, mas que tem Adam Sandler e Jennifer Aniston perfeitos no papel de um casal que sempre acaba se metendo em muita confusão.
A Negociação
3.6 139 Assista AgoraO enredo realmente se move muito bem, considerando o tempo de execução inchado e, na maior parte, o cenário estacionário. A maior parte da ação é confinada a um local, ocorrendo em tempo real, o que permite que o espectador permaneça envolvido, raramente com uma pausa, já que todo o filme é essencialmente uma longa série de mini episódios de causa e efeito sendo reproduzidos. fora. Samuel L. Jackson em uma atuação crível de Samuel, já que o sucesso do filme depende apenas de sua capacidade de desempenhar esse papel de forma convincente. O tom permanece sério o tempo todo e seu retrato nunca fica muito cafona ou cozido demais, o que pode acontecer nos filmes de ação dessa época com seus enredos exagerados mas muito divertidos.
Vidas Sem Rumo
3.8 259Curiosidades sobre The Outsiders
O filme ficou famoso, além de cult, pelo surgimento de muitos novos nomes que viriam a se tornar nomes próprios de Hollywood, numa década em que o jovem cinema conheceu glórias. Thomas Howell, Matt Dillon, Patrick Swayze, Ralph Macchio, Rob Lowe, Emilio Estevez e Tom Cruise eram agora conhecidos como Brat Pack. A estreia na tela grande, no entanto, foi apenas para Rob Lowe deles.
Foi uma carta de uma bibliotecária escolar em Fresno, Califórnia, chamada Jo Ellen Misakian, para Francis Ford Coppola que o comoveu e o convenceu a adaptar o romance de 1967. A carta vinha acompanhada de 15 páginas de assinaturas de alunos, em várias cores.
Mickey Rourke, Scott Baio e Dennis Quaid também fizeram o teste.
As pegadinhas no set fizeram história, sendo os principais "culpados" Matt Dillon, Rob Lowe, Tom Cruise e Patrick Swayze, mas também as "vítimas" mais frequentes de C. Thomas Howell e Diane Lane. Apenas Ralph Macchio ficou de fora, pois estava muito nervoso com seu papel.
A paixão de Coppola pelo realismo quase trouxe um desastre. Na cena em que a igreja está pegando fogo, o diretor gritou "mais fogo", e o pequeno incêndio se transformou em um incêndio incontrolável. Felizmente para todos, coincidiu com uma chuva torrencial.
Esses. Hinton, que escreveu o livro quando tinha 16 anos, esteve presente em quase todas as etapas da produção. Desde a escrita do roteiro até a filmagem. Ela também aparece como enfermeira no final, enquanto mais tarde afirmou que agia como uma espécie de chefe para os jovens atores.
Sofia Coppola é a garota que pede dinheiro aos Greasers.
Normalmente teria sido a estreia de Heather Langenkamp (Nancy de A hora do pesadelo), mas sua participação especial foi cortada na edição.
Coppola entregou à Warner Bros. um filme de 2 horas e 13 minutos. O estúdio nem sequer discutiu a possibilidade de tal duração, tendo o criador sido obrigado a cortá-la para 91 minutos. Em 2005, porém, o criador mostrou a maior parte desses minutos perdidos em The Outsiders: The Complete Novel, lançado em Home Cinema. Esta é uma versão de 114 minutos, com novas músicas de Michael Seifert e Dave Padrutt.
Com um orçamento de $ 10 milhões, arrecadou 33,7.
Em 1990, a série de TV de mesmo nome foi ao ar no canal Fox, com um elenco inédito, mais conhecido pela estreia de Leonardo DiCaprio em um pequeno papel.
Stevie Wonder interpreta Stay Gold, uma composição de Carmine Coppola, para o filme.
Super Mario Bros.: O Filme
3.9 785Os elementos do rock dos anos 80 faziam todo o sentido, já que o jogo se originou nos anos 80. Então, a trilha sonora realmente explora a nostalgia do que estava acontecendo na cultura pop em geral quando criança naquela época. Os criadores foram muito sábios em incluir esse tipo de trilha sonora para capitalizar a nostalgia da geração mais velha e, ao mesmo tempo, apresentar essa música a um público mais jovem.
O Exorcista do Papa
2.8 358 Assista AgoraCada vez que me deparo com um filme como esse, me pergunto o quanto o público experimentou o espetáculo do exorcismo para justificar essa abundância. E menciono conscientemente a palavra 'cena' em vez de 'tema' porque, por um lado, não há sinal de uma abordagem séria no roteiro além de intenções ridículas e, por outro lado, essas próprias cenas são do tipo manipulador . Parece que o subgênero começou e terminou qualitativamente em 1973 com "O Exorcista".
É incrível como essas histórias são inventadas pelos maiores estúdios de Hollywood e atraem atores de primeira linha. Se a intenção era fazer algo parecido com “The Ceremony” com Anthony Hopkins, o resultado aqui é mais uma paródia de um roteiro excessivamente ingênuo e misteriosamente motivado. Embora seja essencialmente a biografia de Gabriel Amorth, um exorcista do Vaticano com 30 anos de atividade, este é apenas um pretexto para a criação de um filme voltado para as cenas de 'ação' do exorcismo, ou seja, aquelas que fascinam o público.
Mas aqui não temos um pequeno filme de plataforma e sim uma apresentação da Sony, com direção de Julius Avery e roteiro de Evan Spiliotopoulos como nomes bem conhecidos de Hollywood - o trabalho anterior deste último foi o similar "The Unholy". É claro que ninguém está levando o assunto a sério e a motivação são sustos baratos, com Amorth sendo apresentado como 'o exorcista amigo da vizinhança' ignorando todos os aspectos problemáticos de sua personalidade. O que obviamente não teria lugar em um filme com conteúdo tão grotesco e sobrenatural onde se referir a ele como 'verdadeiro' é apenas marketing picante.
Russell Crowe tem que se divertir com o humor desajeitado e as falas cômicas com as quais ele infunde seu personagem, que são apenas um pouco mais engraçados do que seu sotaque italiano, com a presença de Franco Nero como o Papa sendo o verdadeiro elemento chato. O resto dos personagens são apenas seres sem sentido que vagam na frente da câmera.
Sem subestimar o valor de entretenimento casual dos medíocres filmes de terror sobrenatural, "O Exorcista do Vaticano" não pode ser colocado nessa categoria devido à seriedade desenfreada na tela combinada com a hilaridade absoluta de seus criadores, querendo drenar tempo, e dinheiro dos espectadores.
Tempo de Matar
4.1 568 Assista AgoraUm romance sólido de John Grisham encontra um roteiro sólido do vencedor do Oscar Akiva Goldsman, e mesmo o padrão Joel Schumacher não poderia falhar.
O filme, como um drama antiquado de tribunal, oferece fortes mensagens ideológicas contra o racismo e o conceito de justiça. Se Schumacher tivesse visto ainda mais internamente, teríamos um filme muito longo. Na mesma tradição dos filmes judiciais, aqui também temos uma riqueza de papéis coadjuvantes, e Samuel Jackson, com razão, conseguiu uma indicação ao Globo de Ouro. Matthew McConaughey deve sua carreira a este filme, que causa uma impressão melhor do que qualquer outra coisa que fez depois, mas também a Ashley Judd, que tem um bom papel coadjuvante. A convivência de pai e filho Sutherland também impressiona.
O filme foi acusado, como o livro, de encorajar a hipocrisia, mas é aí que reside toda a sua essência, já que abre uma conversa em vez de usar o assunto para, digamos, um thriller de ação. Bilhetes muito bons, sendo um filme de audiência, mas aquela coisa que o realizador não entrega foi o suficiente para a privar de uma carreira ainda mais gratificante.
Sicario: Dia do Soldado
3.5 234 Assista AgoraSem Denis Villeneuve no comando, o que acaba causando o sinal positivo aqui deveria ser chamado de "velocidade adquirida". Sem pergaminhos semelhantes, mas não desprezíveis, Stefano Solima compromete-se simplesmente a continuar a boa forma que o primeiro tinha, transferindo-a simplesmente para um novo campo de ação “ocidental”. E enquanto esta ação é realmente imparável e forte, não há renovação na essência temática e significativa, relegando este projeto ao seu nível puramente superficial. Claro, isso vai incomodar os fãs da violência cinematográfica crua e bem feita, até porque é até um "clique" melhor que o original, e você não seria injusto com eles. Há também um clima de “culto à violência” que faltou desde o início, o que não chega a ser perturbador, pois não está longe da verdade amoral daquelas áreas, simplesmente enfraquece ainda mais qualquer substância.
A Morte do Demônio: A Ascensão
3.3 817 Assista AgoraA trilogia Cursed Asthma é um caso muito especial, se você olhar para os filmes em que consiste, pois o estilo às vezes muda bastante de filme para filme. O remake/reboot de 2013 assim como esta sequência/reboot provavelmente segue o caminho mais tradicional de puro horror da primeira parte da franquia, e se Fede Alvarez um tanto rotineiramente aproveitou a oportunidade que lhe foi dada dez anos atrás, Lee Cronin consegue muito melhor, mas caindo em alguns "buracos".
Cronin é certamente creditado por ter boas ideias de direção. São muitos os achados, menores e maiores (o mais memorável talvez seja o monoplano do “olho” na porta), que mostram que todo o projeto foi feito com paixão e apetite por algo além do processamento. Também não economiza sangue, com sequências flertando em ir além do 'R', especialmente na construção. Aqueles que querem um espetáculo dentro de certas zonas de segurança podem, portanto, se divertir um pouco, mas os fãs obstinados certamente se divertirão. E numa época em que o terror cinematográfico aponta alto, com orçamentos relativamente maiores e mudanças de localizações, é gratificante que Morte do Demônio: A Ascensão nos lembre que mesmo com uma limitação geográfica da ação “o trabalho está feito”, se houver talento em a concepção e a execução. Para crédito do elenco, há também um intervalo cronológico nas referências a grandes momentos do gênero, de "O Iluminado" a "O Babadook: As Páginas do Terror", sem esquecer as raízes do programa com muitas piscadelas na trilogia que o iniciou. todos.
Mas há limitações criativas que são aparentes, no sentido de que certas "caixas" precisam ser verificadas para que algo voltado para o estúdio surja. É por isso que, junto com o que é contado positivamente, o espectador é forçado a sofrer um drama familiar bastante enfadonho que é usado como esqueleto, que é até elaborado de maneira bastante leviana, alguns momentos moralistas astutos que seriam mais adequados para outro tipo de filme e seu enredo clichê de mecanismos (o adolescente problemático que causa o dano, heróis que simplesmente tomam uma decisão e de indefesos e assustados a se tornarem "Rambo" em segundos). Tudo isso mostra que Cronin é por um lado um profissional competente e bem versado nas convenções do gênero que atende, mas por outro lado ainda não é "sábio" o suficiente e com sua técnica aperfeiçoada o suficiente para ir além desse rótulo. Existe também um parâmetro em que esta sequela "perde" em relação ao renascimento anterior de 2013, e é a estética da "sujeira" que dominou e fortaleceu toda a experiência, enquanto aqui todo o pacote poderia ser caracterizado como mais "polido" . E o final deixa um sabor misto, pois parece do ponto de vista realista particularmente antinatural com base no que aconteceu antes.
Poderia ter ajudado se o conjunto tivesse um senso de humor negro mais forte, que está presente, mas em doses relativamente pequenas. Desta forma, seria desvinculado de uma seriedade que em alguns lugares incomoda, mas também seria mais fiel ao espírito da saga. Porque até a alegoria subjacente à natureza da maternidade pode ser ambiciosa, mas falta-lhe profundidade para marcar a diferença e acaba por fundamentar ainda mais uma criação que parece tender para a anarquia, mas que tem como destino final o conservadorismo.
E Aí, Meu Irmão, Cadê Você?
3.9 371 Assista AgoraA aventura estilizada dos Coen está repleta de diálogos malucos, piadas visuais inteligentes e muitas referências culturais astutas o lendário gângster Baby Face Nelson e vendeu sua alma para o músico de blues do diabo, Robert Johnson, estão entre os coloridos personagens sulistas que os fugitivos encontram na estrada. é uma caricatura cômica do Mississippi dos anos 1930 e seu meio visto através de lentes míticas. O apoio fantástico de John Goodman, Charles Durning e Hunter completam um elenco excepcionalmente excêntrico, enquanto Alison Krauss e T-Bone Burnett fornecem a nota graciosa com sua trilha sonora antiga.
Um Peixe Chamado Wanda
3.5 169 Assista AgoraEscrito pelo ex-aluno do Monty Python, Cleese, a hilária comédia de alcaparras de Crichton é uma mistura desenfreada de quedas histéricas, piadas exageradas e traições desonestas. Curtis arde como o líder de gangue sedutor e manipulador que seduz e depois se apaixona por Archie comicamente reprimido de Cleese. Mas este filme não teria metade da graça sem o vencedor do Oscar Kevin Kline, o psicótico idiota que gosta de cheirar as axilas antes de fazer amor e que grita indignado: Não me chame de estúpido! Palin é a outra arma secreta do filme, ao mesmo tempo escandalosa e patética como uma assassina gaga e amante dos animais. Para se assistir numa noite de sabádo qualquer.
Blade: Trinity
2.8 340 Assista AgoraCuriosidades sobre Blade Trinity
Não apenas a trilogia Blade termina aqui, mas Wesley Snipes não estrelou um grande filme desde então. A maioria de suas principais entradas são para DVD ou serviços de streaming.
Antes mesmo de Blade II chegar aos cinemas, a New Line assinou um contrato com David S. Goyer para escrever e produzir a terceira parcela. O diretor mais provável na época era o alemão Oliver Hirschbiegel, mas no final ele se voltou para The Fall.
Os produtores queriam que Wesley Snipes não ficasse satisfeito nem com o roteiro nem com a escolha original do diretor. Isso trouxe o roteirista dos dois primeiros capítulos, David S. Goyer, para a cadeira do diretor, mas isso não foi algo que tranquilizou o protagonista. Como resultado, Snipes causou muitos e variados problemas durante as filmagens. O próprio ator negou tudo, dizendo apenas que como membro da equipe de produção tomou decisões que alguns acharam difíceis de aceitar.
Como Goyer era amigo de Stephen Norrington e Guillermo Del Toro, ele pediu conselhos a eles sobre sua linha de direção. Del Toro também contribuiu com alguns gráficos, com seu nome aparecendo nos créditos finais.
Ashley Scott era a Abigail original, com o estúdio visando ela e Ryan Reynolds para estrelar um possível spin-off.
Estreia interpretativa do lutador profissional, Paul Levesque. Nos títulos ele assina como Triple H, que era seu apelido esportivo. Sua escolha coube exclusivamente a Goyer, que superou as fortes dúvidas da New Line ao lhe dar o papel.
A primeira aparição de Ryan Reynolds em um blockbuster, a primeira em um filme de super-herói, mas também sua primeira colaboração com a Marvel.
A língua falada na cidade fictícia do filme é o Esperanto. Sua bandeira também é visível nos sets.
Na versão estendida sem classificação de 123 minutos, o final é diferente.
Tendo as piores críticas da trilogia e ganhando menos que as outras duas partes, forçou a New Line a colocar a franquia e os spin-offs planejados em espera. Por fim, em 2012 os direitos do herói passaram novamente para a Marvel, que a partir de 2019 havia anunciado sua integração em seu universo cinematográfico na forma de Mahershala Ali.
A trilha sonora não fez sucesso, embora seja composta por sons de hip-hop e música eletrônica. Eles também apresentam RZA, Wu-Tang Clan, Black Lab, E-40, Lil 'Flip, Overseer e The Crystal Method.
Blade II: O Caçador de Vampiros
3.1 295 Assista AgoraCuriosidades sobre Blade II
Devido ao sucesso da primeiro filme, a New Line e a Marvel estavam fazendo planos para uma sequência já em 1999. Dizia-se que eles incluíam os novos heróis Hannibal King e Frank Drake, e um enredo de viagem no tempo.
Goyer também queria Morbius na trama, mas a Marvel tinha planos independentes para aquele herói em particular.
Stephen Norrington recusou uma oferta para dirigir novamente, com o chefe da New Line contratando Guillermo del Toro, aqui em seu segundo filme em inglês.
Donnie Yen assumiu além do papel de Snowman, e corógrafou as cenas de luta.
Para Wesley Snipes, este foi o seu filme favorito da trilogia.
Michael Jackson estava fazendo uma aparição especial.
Para o papel de Nissa, os candidatos foram: Asia Argento, Kristanna Loken, Elena Anaya e Rhona Mitra.
Um videogame com o mesmo nome foi lançado imediatamente para PlayStation 2 e Xbox.
A trilha sonora vendeu muito bem e gerou dois singles: Child Of The Wild West (Cypress Hill & Roni Size) e Mind What You Say (Lennox Brown).
Blade: O Caçador de Vampiros
3.2 356 Assista AgoraCuriosidades sobre Blade: O Caçador de Vampiros
Baseado na série de quadrinhos da Marvel Comics. O super-herói sombrio foi apresentado pela primeira vez como personagem coadjuvante em a tumba do dracula, de 1973, e ganhou uma carreira solo em contos de vampiro, de 1974, em preto e branco.
A Marvel Studios planejava a versão cinematográfica de seu herói desde 1992, quando o rapper LL Cool J se interessou pelo papel principal. O projeto foi para as mãos da New Line Cinema, que originalmente planejava torná-lo uma comédia. Quando a empresa falhou em trazer o Pantera Negra para a tela grande, ela se voltou para esse herói para sempre e, em 1996, Wesley Snipes assinou contrato para o papel.
Os executivos da New Line escolheram três atores como ideais para Blade: Snipes, Denzel Washington e Laurence Fishburne. Foi Goyer quem pensou que Snipes era perfeito em primeiro lugar.
Para vários papéis coadjuvantes, os principais candidatos foram: Patrick McGoohan, Marc Singer, Jet Li, Mark Wahlberg e Skeet Ulrich.
O corte original tinha 140 minutos, mas as exibições de teste foram um desastre completo. Assim, começaram as refilmagens e reedições, com o filme sendo adiado por um ano desde o lançamento.
Na versão original, Stephen Norrington queria uma participação especial de Morbius, mas não está presente na versão final.
É o primeiro grande sucesso de bilheteria da Marvel, levando-a a investir mais nesse meio também. Custando $ 45 milhões, arrecadou 131,2. Isso gerou duas sequências, bem como uma série de TV em 2006, estrelada por Sticky Fingaz.
Como uma versão muito mais sombria do super-herói do que era conhecido na tela até então, o filme rapidamente ganhou seguidores e construiu um culto de seguidores, apesar das críticas medíocres.
Em 2019, a Marvel Studios anunciou um reboot do herói, com Mahershala Ali como Blade.
O Prodigy havia sido abordado para escrever a trilha sonora, mas estava ocupado com outros projetos.
O filme gerou 4 singles: Wrek Tha Discotek (Roger Sanchez e Soulson), Reservations (P.A.), Deadly Zone (Bounty Killer, Mobb Deep e Big Noyd) e 1/2 & 1/2 (Gang Starr e M.O.P.). Este último seria um sucesso maior, embora não seja ouvido no filme.
Banzé no Oeste
3.7 117 Assista AgoraEsta paródia obscena de mau gosto dos faroestes de Hollywood inclui muita comédia boba e maluca em seus 90 minutos de duração. Quase todo mundo imaginável se torna o alvo das sátiras descaradamente engraçadas de Mel Brooks, e Wilder, Korman e Slim Pickens apresentam algumas das performances mais loucas de suas carreiras. Mas é Kahn quem é especialmente memorável como Lilli Von Shtupp, uma cantora parecida com Marlene Dietrich.
O Jovem Frankenstein
4.0 253Não perca esta paródia sem limites dos velhos filmes de Frankenstein, concebida pelo diretor comicamente demente Mel Brooks e pela estrela Wilder, que colaborou no roteiro indicado ao Oscar. A equipe Brooks Wilder primeiro se propôs a criar autenticidade completa na aparência, com fotografia em preto e branco e adereços reais das antigas produções da Universal. Eles então se misturaram em uma galeria de desonestos com os principais atores cômicos, incluindo Madeline Kahn como a noiva do Doutor, Kenneth Mars como o chefe de polícia local e Cloris Leachman como a infame Frau Blucher. esta comédia só melhora com visualizações repetidas.
Oliver!
3.8 61 Assista AgoraOs talentos consideráveis do diretor britânico Carol Reed e do compositor/letrista Lionel Bart se combinam para criar um musical exuberante digno de sua fonte reverenciada. O elenco, jovem e velho, se destaca, e canções como "Consider Yourself" e "As Long As He Needs Me" resistem ao teste do tempo. ganhou seis Oscars, incluindo Melhor Filme, um feito raro para um musical.
Duas Semanas De Prazer
3.9 25Concebido a partir de uma ideia do compositor Irving Berlin, é um delicioso musical de Crosby/Astaire que encontra os dois artistas cantando e batendo os pés. O filme sempre será famoso por apresentar White Christmas, o single mais vendido de todos os tempos e um favorito instantâneo das tropas no exterior. Ainda assim, esta brincadeira festiva é bastante melodiosa, com uma trilha sonora sublime de Berlim que abrange não apenas o Natal, mas todos os feriados importantes.
A General
4.4 174 Assista AgoraSeja lutando com um canhão ou tentando montar um trem em movimento, o timing cômico de Keaton e a linguagem corporal expressiva rivalizam com os de Chaplin, e ele envergonha os engraçadinhos de hoje. Mack é fantástica por si só, interpretando a bravata impassível e imprudente de Keaton com um charme alegre. As acrobacias altamente criativas e as sequências de perseguição são tão incríveis quanto hilárias.
A Verdade sobre Marlon Brando
4.4 71 Assista AgoraO poderoso documentário do diretor Riley pinta um retrato revelador dessa figura até então enigmática e em grande parte desconhecida, contando com imagens de arquivo evocativas e, crucialmente, a própria voz de Brando. Por meio de suas ruminações íntimas, conversas consigo mesmo, sentimos o isolamento, a frustração e a dor não resolvida desse homem. Oferecendo uma nova visão sobre Brando com surpreendente imediatismo, “A verdade” ilumina e, ao fazê-lo, parte seu coração. Indicado ao Emmy por excelente documentário, este filme indispensável é obrigatório para todo e qualquer fã de cinema.
Chaplin
4.2 363Trivia ( curiosidades sobre Chaplin 1992)
Attenborough adquiriu os direitos da autobiografia de Chaplin em 1988 e pretendia fazer o filme com a Universal. Como pensamento alternativo, teve que ser feito em forma de minissérie, para que pudesse incluir todos os acontecimentos da vida do grande ator e criador.
Enquanto o diretor originalmente queria Robert Downey Jr. para o papel central, a Universal Pictures estava pressionando por Robin Williams, Dustin Hoffman ou Billy Crystal. Jim Carrey (ainda desconhecido), Kevin Kline e Tom Cruise também foram indicados. A recusa de Attenborough fez com que o estúdio arquivasse o projeto, com o diretor encontrando novo refúgio em Mario Kassar e Carolco Pictures. A única exigência era que também houvesse capital para o fim da vida de Chaplin na Suíça. William Goldman foi imediatamente contratado para expandir o roteiro, enquanto a possibilidade de Nick Nolte interpretar o velho Chaplin foi considerada.
A filha verdadeira de Charlie Chaplin, Geraldine Chaplin, interpreta sua mãe (sua avó). Ela havia dito isso quando viu Downey Jr. como Chaplin na frente dela, ela demorou um pouco para se recuperar.
Inicialmente seria intitulado Charlie, que é como todos conheciam o ator. Mas eles foram forçados a usar seu sobrenome porque os criadores de Charly, vencedor do Oscar de 1968, protestaram.
Steven Spielberg mudou o cronograma de filmagem de Jurassic Park para acomodar Sir Richard Attenborough para que ele pudesse ser incluído no elenco (ele também lhe ofereceu, sem sucesso, um papel em Capitão Gancho).
O corte original tinha 4 horas de duração (de 200 horas de filmagem!), Mas o estúdio exigiu um corte muito mais curto. Mas mesmo que uma edição especial do 15º aniversário fosse lançada em DVD, nenhum minuto extra foi exibido. Attenborough havia dito sobre isso que os cortes prejudicaram seu filme.
Um desastre nos cofres. Enquanto o orçamento era de 31 milhões de dólares, as receitas eram limitadas a 12.
Era uma Vez no Oeste
4.4 730 Assista AgoraTrivia (curiosidades sobre o filme)
Era uma vez no oeste e tudo isso compõe a trilogia Era uma vez, mesmo que não estejam diretamente conectados.
Depois de fazer Três homens em conflito, Leone decidiu se aposentar dos faroestes para adaptar The Hoods (que anos depois se tornaria Era uma vez na América). Por isso, recusou uma proposta da United Artists para um filme com Charlton Heston, Kirk Douglas e Rock Hudson. Mas ele não podia recusar a oferta da Paramount Pictures, que lhe oferecia acesso a Henry Fonda (que por acaso era seu ator favorito) e um alto orçamento para outro faroeste. Ele então convocou Bernardo Bertolucci e Dario Argento para ajudá-lo e, juntos, os três passaram muitas horas assistindo a clássicos do faroeste na casa de Leone.
Sergio Donati se encarregou de adaptar o diálogo para uma duração específica, pois o diretor não queria recortar o material do estúdio.
Clint Eastwood recusou o papel de harmônica que se tornou mais característico de Charles Bronson.
Fonda não aceitou de imediato a oferta para atuar, obrigando o diretor a pegar o avião e chegar a Nova York para convencê-lo. Uma grande contribuição para a decisão final foi a mediação de seu amigo em comum, Eli Wallach.
As tomadas internas foram feitas nos estúdios Cinecittà, enquanto as tomadas externas foram feitas na Espanha e nos Estados Unidos.
Henry Fonda chegou ao set usando lentes escuras e barba, acreditando que eram adequados para o papel de vilão. Leone imediatamente disse a ele para removê-los, estabelecendo um assassino "angelical". Esta é também uma das primeiras vezes que o protagonista central de um faroeste é também o vilão do filme.
O filme foi dublado em vários idiomas: italiano, espanhol, francês e inglês. Na versão em inglês, que é a mais popular, a maioria dos atores é ouvida com suas vozes, enquanto Claudia Cardinale com a de Joyce Gordon.
Além do grande sucesso na Europa, teve um enorme impacto, especialmente na França. Lá foi assistido por 14,8 milhões de telespectadores, enquanto em Paris estourou uma moda com jaquetas, que, no entanto, não continuou.
Para o lançamento americano, a Paramount cortou o filme para 145 minutos, e é um daqueles países onde o filme não mudou muito.
Em 2000, a versão do diretor, que tem 175 minutos, foi lançada em DVD.
Em 2018, ocorreu uma restauração 4K, que corrigiu qualitativamente as cores e a imagem.
Ennio Morricone escreveu um padrão para cada personagem principal separadamente. Man with a Harmonica deveria ser mais clássico, enquanto Edda Dell'Orso é ouvida no tema de Jill.
Leone pediu ao compositor que terminasse a partitura antes do início das filmagens, para que estivesse disponível para eles e para os atores ouvirem enquanto atuavam.
Indiana Jones e os Caçadores da Arca Perdida
4.0 668 Assista AgoraCuriosidades sobre o filme: Tudo surgiu do desejo de George Lucas de reviver os seriados de filmes das décadas de 1930 e 1940. Foi em 1973 que ele escreveu uma história chamada As Aventuras de Indiana Smith. Philip Kaufman acrescentou a isso a arca da aliança. Mas quando Kaufman se viu em outro emprego, Lucas deixou o projeto de lado, tendo que trabalhar também em Star Wars. Em 1977 ele conheceu por acaso no Havaí Steven Spielberg, que estava interessado em dirigir um James Bond. Lucas disse a ele que tinha um novo personagem "melhor que Bond" e explicou a história para ele. Spielberg se apaixonou pela ideia, embora não gostasse do sobrenome Smith. E Lucas disse, "Ok, que tal Jones?" Mas Spielberg ainda estava cauteloso, porque seu novo amigo estava conversando com ele sobre uma trilogia. Mas quando lhe disse que já havia roteiros para os outros dois (o que não era o caso...), o negócio foi fechado.
Indiana era o nome do cachorro da infância de George Lucas, e ele baseou Chewbacca nele.
Kasdan tinha em mãos um manuscrito de 100 páginas que incluía todas as ideias que ele, Lucas e Spielberg haviam jogado na mesa, e com isso produziu o roteiro final em 6 meses. Claro que algumas ideias foram cortadas, principalmente por serem grandiosas, mas uma delas envolvendo uma fuga de Xangai acabou abrindo o segundo filme da série.
Spielberg queria que Jones fosse um playboy e um personagem sombrio (até mesmo um alcoólatra). Mas Lucas já achava complicada sua dupla identidade de acadêmico e homem de ação. A figurinista Deborah Nadoolman "testificou" que o modelo era Charlton Heston quando ele apareceu em uma pequena produção, O Segredo dos Incas (1954), filme que toda a equipe assistiu várias vezes para entender.
Inicialmente, nenhum grande estúdio de Hollywood queria assumir a produção, principalmente por causa do orçamento de US $ 20 milhões, mas também por causa de algumas negociações difíceis de Lucas sobre os direitos. Mas a Paramount finalmente deu o OK, com o acordo falando de 5 filmes. Além disso, Lucas lutou para manter o orçamento dentro de níveis razoáveis, tanto com os muitos storyboards prontos quanto com as poucas tomadas. Embora as cenas desse escopo geralmente levassem de 30 a 40 tomadas, aqui elas eram limitadas a quatro. Normalmente, Spielberg dizia que era como fazer um filme mudo, onde eles filmavam apenas o que precisavam e nada era desperdiçado.
A maior parte das filmagens ocorreu no Elstree Studios, no Reino Unido, mas também foram usadas locações nos Estados Unidos, Havaí, Tunísia e França.
Para o papel de Indiana, os candidatos foram: Paul Le Mat, Christopher Guest, Bruce Boxleitner, Barry Bostwick, Sam Elliott, Mark Harmon, Nick Mancuso, Peter Coyote, John Calvin, Michael Biehn, Sam Shepard, Sam Neill, David Hasselhoff e Tom Seleck. Harrison Ford sempre foi a primeira escolha, com Tom Selleck chegando como segundo colocado. George Lucas não queria o mesmo ator de Star Wars, mas quando eles se voltaram para Selleck, ele tinha compromissos com a Magnum da TV, P.I. Para zombar do elenco do ator, um episódio de 1988 do show foi intitulado Magnum, PI: Legend of the Lost Art, onde Selleck estava vestido com uma roupa paralela a Indiana.
Danny DeVito era a escolha do diretor para Salah, mas tinha compromissos com a TV.
Harrison Ford fez quase todas as acrobacias sozinho, até mesmo aquele em que ele rasteja atrás do caminhão.
Primeira vez que o nome de Alfred Molina foi escrito nas manchetes. Ele já havia atuado duas vezes antes, mas os papéis eram tão pequenos que não foram mencionados em nenhum lugar nos créditos.
Ao final, o orçamento foi mantido em patamares baixos, de 18 milhões de dólares. Em vez disso, o 389,9 rendeu ao filme a maior bilheteria de 1981 e uma das maiores bilheterias de todos os tempos. A franquia continuou com as conhecidas sequências de sucesso, uma série de TV prequela (The Young Indiana Jones Chronicles), brinquedos, livros, quadrinhos e vários videogames.
Omissões musicais
John Williams escreveu dois temas diferentes para simbolizar o personagem principal, mas Spielberg insistiu em usar os dois. Eventualmente, o compositor os juntou e nasceu Raiders March, que se tornaria um dos temas mais icônicos já escritos para o cinema, e acompanhou o herói em todas as suas aventuras.
O Franco Atirador
4.0 356 Assista AgoraO ancestral do roteiro é um roteiro de 1968 chamado The Man Who Came to Play, que era sobre Las Vegas e a roleta russa, mas nunca foi transformado em filme. Este foi comprado pelo produtor Michael Deeley, e ele imediatamente contratou Michael Cimino, bem como Deric Washburn para transformá-lo, colocando-o em foco na Guerra do Vietnã. Mas além da versão oficial, Cimino, Deeley e Washburn também tiveram uma versão separada para a preparação do roteiro.
De Niro substituiu Roy Scheider, que saiu devido a diferenças criativas, apenas 2 semanas antes do início das filmagens. Para que a Universal mantivesse o ator, eles o obrigaram por meio de seu contrato a estrelar o segundo Jaws of the Shark.
A contratação de De Niro trouxe um pequeno "golpe" na distribuição do elenco. A já famosa performer trouxe Meryl Streep, que por sua vez se juntou a John Cazale. Além disso, De Niro acompanhou Cimino na prospecção de locações de filmagem, além de transformar os ensaios dos atores em união.
John Cazale tinha câncer e eles estavam à beira da morte. O estúdio queria substituí-lo, mas Meryl Streep, que tinha um relacionamento com ele na época, e Cimino ameaçaram sair também. Como também não tinha seguro, De Niro pagou o seguro para poder participar do filme. Todas as suas cenas foram filmadas primeiro, com o ator falecendo assim que todas as filmagens terminaram e, claro, nunca conseguindo ver o filme finalizado.
No roteiro, o papel de Streep era insignificante. Mas Cimino mudou isso, encorajando-a a escrever seu próprio novo diálogo.
Chuck Aspegren não era ator, nem voltou a atuar em nenhum outro lugar. Ele era capataz em uma usina siderúrgica, que De Niro e Cimino visitaram enquanto procuravam locais. A impressão que causou neles lhe rendeu o papel.
Primeiro filme sobre o Vietnã rodado na península da Indochina, especificamente na Tailândia. Lá as condições eram extremas, com mosquitos e ratos de verdade dominando a equipe.
Depois de muita procura, foi encontrado o tailandês que daria um tapa forte em De Niro, mas não conseguiu. Então ele encontrou outro, onde tinha uma antipatia especial pelos americanos. Para o tapa em Walken, De Niro instruiu os guarda-costas a esbofeteá-lo sem avisar. Então a reação de Walken foi além de genuína.
Na cena em que De Niro e Walken caem de 30 pés no rio, não há dublês. Os dois atores caíram um total de 30 vezes até que o tiro perfeito saiu.
A cena do casamento foi realizada na histórica Igreja Ortodoxa Russa de São Teodósio, em Cleveland. Demorou 5 dias para ser concluído, e o padre é o verdadeiro padre do templo, Stephen Kopestonsky.
A famosa cena da roleta russa foi muito debatida, pois foi considerada artificial e longe do realismo, já que não havia registro de tal cena desde a Guerra do Vietnã. No festival de cinema de Berlim de 1979, um delegado russo acusou o filme de ter como alvo o povo vietnamita.
Embora Cimino se referisse ao filme como parcialmente autobiográfico, os jornalistas reclamaram que nada no passado do diretor justificava tal afirmação.
Em 1980, um filme de ação barato saiu da Itália, The Last Hunter, que foi promovido como uma sequência de The Deer Hunter.
O filme excedeu em muito o orçamento original - junto com a estimativa original de tempo de filmagem atingindo um custo de 15 milhões de dólares. Mas os lucros foram de 49.
O Pior Vizinho do Mundo
4.0 495 Assista AgoraAs principais mudanças em substância são adaptações em torno da atual realidade americana, com tiros contra as práticas desleais utilizadas pelas imobiliárias nos EUA para lucrar entre outras coisas e com uma perspectiva bem-vinda mais liberal em matéria de direitos em relação ao filme original . O que é de se esperar é que o sentimentalismo um tanto doce não falte, já que "Mr. Ove" também caiu na mesma armadilha.
Independentemente de essa adaptação ser necessária, o resultado final pelo menos se mantém decentemente. Marc Forster captura com bastante sucesso aqueles tons de drama tipicamente americanos que têm uma sensação invernal além do cenário de ação e ao mesmo tempo combina humor com emoção, mas colocando mais ênfase no último componente. Também é auxiliado por um roteiro de David Magee que, embora mantendo intacto o material de origem, trata a grande maioria de seus personagens com ternura e que exala adequadamente aquele calor íntimo que sua escrita geralmente possui (,Em Busca da Terra do Nunca, As Aventuras de Pi).
No entanto, o que surge nunca realmente decola, pela simples razão de que Forster se desvia para um caminho muito popular e não captura as frequências sutis de outros mestres da comédia dramática como Alexander Payne e Noah Baumbach. A profundidade na análise dos personagens se limita a descrever minuciosamente apenas o protagonista, mas não há foco que tenha o peso de uma psicografia para não sacrificar o espírito de bem-estar que definitivamente deve prevalecer no final. E no geral, existem estritas “distâncias de segurança” que mantêm as tensões algo baixas, com o humor nunca a ser explosivo e os elementos trágicos a não atingirem o seu máximo.
Tom Hanks é inegavelmente crível e eficaz em incorporar um "amavelmente distorcido", com explosões comedidas e evitando inclinar-se para maneirismos excessivamente extravagantes em busca de mais uma indicação ao Oscar. Performativamente, ela supera confortavelmente Rolf Lassgard, tendo a segurança de um veterano, aquele que trata um papel com equilíbrios objetivamente difíceis para aqueles com um leque mais limitado de habilidades como um jogo. É uma pena, porém, que não encontre apoio igualmente bom por parte de seus colegas de elenco, que se movem exclusivamente no nível do executor, embora Mariana Trevino faça um esforço honroso para superar isso.
A parte do público que está mais familiarizada com a cinematografia de Hollywood e ignora o original pode reagir com bastante entusiasmo. O resto não verá nada inédito, mas no final reconhecerá que é um produto suficientemente bem pensado, que simplesmente carece de grandes riscos e surpresas. E para uma visualização casual, isso pode ser suficiente.
Mistério em Paris
2.8 173 Assista AgoraNo segundo turno, a mistura de mistério e comédia é ainda menos eficaz, e nem mesmo o carisma do elenco consegue compensar a superabundância de inatividade. Uma comédia com um mistério a resolver não mais um assassinato como no primeiro filme da série, mas um sequestro a desvendar. Um filme com uma trama infelizmente previsível, mas que tem Adam Sandler e Jennifer Aniston perfeitos no papel de um casal que sempre acaba se metendo em muita confusão.