мαяcos

Gosto muito quando uma obra consegue incendiar e reavivar o meu ódio de classe. Em O Homem que Virou Suco, Deraldo, um poeta rebelde vindo do Norte diretamente ao inferno sudestino, inicia sua via-crúcis na grande metrópole. De subemprego em subemprego, o homem atravessa o implacável espremedor da burguesia e dos patrões, num retrato transbordante de crueza e realismo sobre a jornada do povo migrante do Nordeste brasileiro. É a existência de um indigente, sem documentos de identificação e constantemente chamado de "Paraíba", inclusive por colegas operários e paupérrimos que partilham da mesma condição precária e degradante, mas que já assimilaram a ideologia dominante e a xenofobia. Apesar do ambiente desonroso e insalubre da classe trabalhadora, o personagem surge como uma espécie de figura mítica, cuja resistência verte do poeta louco que se recusa a ser esmagado pelas botas da burguesia paulistana

Essa obra do Bruno Barreto é uma adaptação de grandíssima excelência! São marcantes as atuações viscerais, a ambientação de toda hostilidade devoradora da cidade, o sensacionalismo mesquinho dos jornais e o beijo homossexual que se torna um escândalo e a própria manchete, chocando mais do que a morte do rapaz atropelado, que transforma-se num evento secundário e esvaziado. O diretor conseguiu capturar a acidez rodrigueana, já que uma das características mais marcantes das peças de Nelson Rodrigues é a tentativa de desvelar as verdades inconfessadas das personagens e as dinâmicas entre dito e não-dito na fachada da sociedade brasileira. O Beijo no Asfalto é um pouco sobre essa obsessão voyeurista pelo outro e a heteronormatividade, que aparecem no dia-a-dia como uma espécie de inquisição moral, que no fundo parece revelar mais sobre as frustrações, fantasias e taras de quem acusa do que daquele acusado. O tal "pecado" de Arandir apenas faz aparecer em seu tribunal público uma horda de fascinados reprimidos, mesmo que, em última análise, tenha sido apenas um beijo de compaixão e fraternidade diante da morte

Não é um longa recheado de melodrama e eloquência como em outras obras mais aclamadas do Fassbinder, mas novamente podemos ver o brilhantismo do diretor colocando em cena personagens em eterno conflito com seus próprios desejos, em seus cotidianos atravessados por dilemas burgueses e sofrimentos da vida moderna. Hanna busca estabilidade no casamento e na vida doméstica, enquanto os rapazes procuram um meio de se livrar da vida assalariada daquela Alemanha massacrante do pós-guerra. O drama dos personagens e suas opressões inevitavelmente passam pelo triturador das instituições burguesas, seja o matrimônio, a família ou o dinheiro. É um retrato da alienação da juventude alemã da época diante de suas utopias vazias: a vida matrimonial e o empreendimento colonizador europeu no sul global. Apesar da atitude dos rapazes parecer como uma espécie de fuga existencial ou salvação pra uma chaga individual, no final das contas é também símbolo da perpetuação do modelo extrativista... Ah, e bem que eu estranhei o fato de 'Rio das Mortes' não ser um local no Peru, mas sim no Brasil... Mais um indício do profundo alheamento dos dois jovens e da grande qualidade e inventividade do Fassbinder em produzir sátiras políticas

um vagabundo suicida talvez seja o arquétipo perfeito do herói fassbinderiano, um sujeito (que está de fato sujeitado, subjugado e subalternizado) em uma ordem social burguesa onde a vagabundagem e o suicídio são duas profanações graves; nesse curta, a câmera segue os passos incertos e erráticos do vagabundo desvalido em sua via crucis num mundo que o nega até mesmo a possibilidade de morrer; o único diálogo desse curta-metragem é tão cômico quanto aterrador, e o final é de uma ironia tão espirituosa que só mesmo um fassbinder poderia engendrar; os personagens fassbinderianos são representações muito certeiras dos sofrimentos encarniçados diante de um mundo marcado pela massificação e pelo embotamento dos afetos

medo do medo é puro desespero, um terrível desamparo do início ao fim; certamente uma experiência familiar a quem sofre de ansiedade generalizada ou síndrome do pânico; fassbinder emulou muito bem os sofrimentos psíquicos da vida moderna e sua incomunicabilidade; margot padece das aflições de uma vidinha burguesa, desses temores sem face e insondáveis de uma classe média profundamente insensível e entorpecida por seus papéis sociais e suas fachadas; a temática da medicalização da vida também parece ser central, justamente na medida em que existe uma cisão entre o normal e o patológico na interpretação geral, como se a loucura fosse uma variação de normalidade, uma desalinho, uma falta e não uma dimensão completamente inédita; enfim, uma baita obra! fassbinder sempre esbanjando muita profundidade psicológica enquanto diretor

"Please let me start again
I want a face that's fair this time
I want a spirit that is calm"

estou atualmente numa longa sessão pra maratonar a filmografia do grande rainer werner fassbinder, o amor é mais frio que a morte está longe de ser a obra magna do cineasta, mas certamente foi um belíssimo nascimento do jovem fassbinder para o cinema alemão, um diretor com a cabeça prenhe de marginalidade e teatralidade. nessa obra monocromática e repleta de cigarros, tensão sexual e niilismo se confundem, as personagens aparecem sempre embotadas, cruéis e letárgicas; é a nouvelle vague francesa influenciando um fassbinder muito moço, experimentando esse cinema psicologizante e relativamente minimalista, onde alienação urbana, a tirania do amor e os dramas interpessoais dão o tom narrativo; para ser justo, acredito que nessa homenagem à nouvelle vague, fassbinder tenha sido até mais visceral no trato com a vulcânica vida moderna, repleta de vazio, frieza e opressões amorosas

acho que isso tudo é um pouco sobre participar da natureza humana ao invés de apenas retrata-la, tal como thomas mann havia confessado e fassbinder executado enquanto personagem; quebrar alguns copos de vidro e berrar uns com os outros! precauções diante de uma prostituta santa tem um pouquinho daquela perícia rodrigueana pra trazer à tona alguns aspectos viscerais da natureza humana no processo de fazer (ou não fazer) cinema; desassossegos, ciúmes, construção da identidade, megalomania e conflitos de poder; vejam só, a própria arquitetura desse microcosmos do hotel/resort comunica simbolicamente as turbulências no relacionamento entre os atores e toda a equipe... escadas e espelhos em quase todas as cenas; é um filme sobre fazer filme, mas um filme que nunca começou

o transe do povo é perpétuo na república das bananas, dilacerados ora pelo populismo, ora pelo conservadorismo, o povo miserável é a corda que rasga, são os famintos de comida, política e professias; até mesmo o poeta idealista sucumbe diante da ardilosa politica. terra em transe é um retrato da politica latino-americana e do destino de um povo imolado pelas convulsões megalomaníacas de seus líderes... a palavra transe normalmente está ligada a um acontecimento transcendental, é abordada como um fenômeno religioso, mas aqui ela aparece apenas como estado de alienação, medo e inconsciência; corrupção, poder e messianismo são eixos temáticos frequentes nos ensaios poético-políticos de glauber rocha; o lirismo e as atuações são impecáveis, porém o desenvolvimento não linear da narrativa torna o enredo um pouco confuso

a prodigiosa trilogia do silêncio de ingmar bergman é dirigida por essa tirânica política do não-dito, pelos labirintos sinitros dessa mudez que não é de serenidade, mas de profunda e pesada aflição; através de um espelho, luz de inverno e silêncio estão conectados por uma perturbação mais ou menos pascaliana, seus personagens são cativos de um sentimento inefável diante do silêncio desses espaços infinitos; não exatamente um drama em relação ao vazio do cosmos, mas dessa condição de esvaziamento da linguagem e a ruína da comunicabilidade... tystnaden condensa brilhantemente todos esses elementos que tornam seus personagens tão miseráveis e incapazes de diálogo vivo; seus relacionamentos acontecem sempre por meio de simulacros; as duas irmãs e o garoto parecem que morrem pelas palavras que não pronunciam e pelas confissões eternamente guardadas

lavra dor é um curta-metragem sessentista com uma organização poética muito instigante acerca da reforma agrária; a montagem estética não é lá tão poderosa, mas é digno de um comentário o filme em negativo e os altos contrastes que estão lá para anunciar as agruras da vida campesina e a forte dicotomia camponês-fazendeiro. a sua linguagem é revolucionária, seu discurso permite revelar a tez abatida dos trabalhadores rurais e a dureza da realidade pastoril em uma época de trevas políticas; é uma fotografia do povo e ao mesmo tempo ferramenta para sua própria emancipação. o poema-praxis de chamie surge como um mantra que busca destruir o concreto dos concretistas, estabelecer novas semânticas com uma abordagem mais social e brincar com a "fisionomia" das palavras

the great satan é uma riquíssima coletânea de mídias em vhs, desde trasheiras perdidas até programas religiosos dos anos 90 recheados de muito pânico satânico; todos esses conteúdos foram arranjados em um fluxo diabólico-vertiginoso que perverte suas semânticas originais de modo a fazer surgir uma nova narratividade... uma história luciférica, uma apologética do obscuro; o fato de ser uma composição com recortes muito rápidos faz com que o filme se torne uma marcha insana de satanismo e ocultismo, uma sucessão demoníaca e frenética; aprender sobre o senhor das trevas me deu uma terrível dor de cabeça, não recomendo assistir caso tenha problemas com enxaqueca

tudo o que envolve o diabo e seus arquétipos luciferianos me agrada! nesse curta francês do início do século passado, o anjo banido aparece bem vestido e disposto a se divertir com tudo o que as ruas parisienses podem oferecer para um lúcifer enfadado; tenho a plena certeza de que satã visitou os últimos poetas simbolistas, ofereceu-lhes haxixe e apontou-lhes as direções com seu bom e velho jeito mefistofélico de ser e seduzir. acho muito elegante esse véu cor de vinho que cobre a tela, embeleza a fotografia e potencializa a graciosidade dessa peça infernal

o mestre švankmajer nos apresenta três breves contos sobre nós mesmos; a comida e a maneira como nos relacionamos com ela é uma temática muito espirituosa para manifestar o grotesco da condição antropofágica da qual somos vítimas; as personagens se revelam feras! quando apertei o play eu já esperava uma antologia de críticas agudas, muita lucidez e discernimento... a obra é inconfundível, são aquelas célebres alegorias surrealistas feitas em stop motion pelas quais o diretor tcheco é amplamente conhecido; o primeiro conto me pareceu uma expressão inteligente da mecanização, precarização e massificação ligadas ao ato de comer; o segundo ato aparenta ser mais astuto e direto, compreendi como classismo e reprodução de ideologia; o último conto flerta ainda mais com a antropofagia e nos ensina que um pouco de tempero já pode disfarçar o absurdo de devorar a si mesmo, é fácil aniquiliar-se a depender dos rumos políticos de uma nação

é tão único e brilhante quanto rock lee vs gaara ao som de linkin park rsrs... um baita anime! hoje conheci o senhor kurosaka e essa obra me pareceu ser um apropriado cartão de visitas para apresentar-me a um diretor que está visceralmente filiado aos costumes da arte contemporânea e do experimentalismo; mochibei tem a duração ideal para ser exatamente o que é, nem curto demais para não ter substância, nem muito longo para se perder e se desligar de sua própria ideia; vejo uma figura que amaldiçoa a si mesmo, maldizendo-se e castigando-se, vítima de seu maior carrasco, o eu-mesmo. esse traço sujo e impolido da animação é algo que acompanha muitíssimo bem um horror surreal e bizarro feito no japão; a única forma de se preparar para esse curta é assistindo-o! por fim eu preciso dizer uma coisa, lá vai... nossa, é literalmente eu, sério mesmo, muito eu depois de qualquer interação social

sublime e formidável! é uma belíssima animação aquarelada! julgando somente o zelo técnico e o capricho artístico esse curtinha já é um delicioso deleite aos olhos. tango, da forma como interpreto, parece ser uma manifestação das transgressões e vícios do humano, uma história sobre feras e seus pecados, um breve conto sobre poluição, miséria e morte... inexorável condição humana que explora, esgota e degrada; comunica também o destino trágico que sempre nos reserva o odioso mecanismo do messianismo e dos mitos; a jornada dos povos e a marcha da história estão repletas desse nefasto devir... são tantos fatalismos que nos condenam!

tudo nesse curta me lembrava foucault; todos os desenhos, os escritos e as cenas de profunda e inefável alienação... tudo parece comunicar uma sabedoria obscura e impenetrável, um caos ainda não decifrado

"A loucura fascina porque é um saber. É saber, de início, porque todas essas figuras absurdas são, na realidade, elementos de um saber difícil, fechado, esotérico. Este saber, tão inacessível e temível, o Louco o detêm em sua parvoíce inocente. Enquanto o homem racional e sábio percebe apenas algumas figuras fragmentárias, e por isso mesmo mais inquietantes, o Louco o carrega inteiro em uma esfera intacta: essa bola de cristal, que para todos está vazia, a seus olhos está cheia de um saber invisível"

den skyldige é uma obra descomplicada e acessível, é desses filmes onde tudo acontece numa paisagem fixa e numa só cadência narrativa; essa simplicidade não é sinônimo de pobreza, mas de clareza e despojamento... é tão singelo e rico como ouvir a uma partida de futebol pelo rádio, nos permite fantasiar os acontecimentos e nos envolver intimamente com os fatos assim como o personagem principal, que se vê atravessado pelos dilemas e destinos do caso; a trama é costurada pelas ligações e somos colocados na mesma posição do policial, reféns das chamadas telefônicas e desse "outro lado" que nunca é visto, mas sempre cogitado

levei muito muito tempo para puxar um fôlego e assistir a esse prestigiado longa-metragem do glauber rocha; eu estava me preparando para uma cerimônia de alegorias de difícil acesso e muitas abstrações, mas então lembrei da materialidade, solidez e crueza social do cinema novo... em deus e o diabo na terra do sol, glaubão reproduz com preto e branco, teatralidade e muito barroco a miserabilidade do povo enquanto massa desamparada e desesperançada a mercê dos duelos políticos dos poderosos e sofrendo das cicatrizes de seus embates; deus ou diabo... burgueses, religiosos fervorosos ou cangaceiros vingativos, personagens de um eterno conflito na terra do sol, promessas vazias para um povo esvaziado

um homem aprendendo a morrer! normalmente o problema da morte não é um fato devidamente refletido; digo mais, é por causa dela que a vida é tão repleta de distrações, passatempos e divertimentos; cronenberg resgata brilhantemente o tabu primordial, abre a ferida primeira e nos mostra que morrer é difícil... enfrentar a mortalidade, se deitar ao lado do próprio corpo pálido, vazio e esgotado e aceitá-lo em toda a dimensão de seu não-ser é uma dura tarefa

uma maravilha do cinema nacional! a atmosfera das obras do cinema novo é quase sempre barulhenta; os filmes berram e gemem como se doessem. em os fuzis esse frenesi sonoro acontece através dos cantos litúrgicos de fé de um povo massacrado pela fome e oprimido pelos fuzis de soldados que prometem aquele fetiche positivista da ordem. a cantoria religiosa é tema e prece diante dos desesperos da seca e das forças militares maliciosas

estava torcendo para que nunca chegassem em lugar nenhum! o retrato de um tédio geracional precisa de um motor, necessita da velocidade que deforma um presente esvaziado. o carro faz com que as paisagens artificiais passem e não se fixem pelos vidros do automóvel... a identidade e todos os desejos de uma juventude sessentista marginal são igualmente fugidias, tal como o chão que corre e fica para trás; há uma tensão permanente entre passado e presente, e a montagem sganzerliana parece imitar as ansiedades da adolescência brasileira dos anos sessenta. a câmera percorre a cidade sem saber onde chegar, mas conservando o movimento e a ânsia pela novidade, nem que seja uma tragédia, sei lá... uma peste bubônica (risos)

gostei bastante! um olhar muito jovial e uma investigação interessante dentro do campo da cultura mágica dos filmes adaptados de Harry Potter e dos mitos escritos; essa proposta de um casamento entre o mundo fantástico-mitológico que banha a cultura e o mundo natural é uma possibilidade de conciliação única e genuinamente orgânica; a história dos animais fantásticos e a história natural parece que sempre integraram o mesmo aspecto de uma única imanência cri-ativa... a suposta transcendência desvairada que essas figuras nos transmitem pode ser só um julgamento moderno e apressado de uma íntima relação com a natureza mediada por todas as suas belezas, terrores e espantos

e como transborda de lirismo essa singelíssima obra do wim wenders! muito mais do que cair na implacabilidade do tempo ou voluntariar-se aos terrores do devir, os anjos monocromáticos e inchados de eternidade buscam preencher seus afetos gelados e suas poesias celestes com calor humano, sentir a carne, as lágrimas, o frio, a chuva, o amor e as tristezas da materialidade. ah! e como há tristezas, especialmente numa berlim tétrica e arrasada... por isso essa incomunicabilidade entre anjos e gente revela também um abismo, que faz com que o anjo deseje a experiência lúgubre e humana da aflição, das noites e do amor. apesar de ser um pouquinho cansativo, o filme-poesia do wenders fornece algumas belíssimas visões poéticas acerca da condição humana

farnese é um poeta das sucatas! artista dos troços e destroços! suas obras são pedaços de um poema fatal sobre o descartável e sobre os restos medíocres que se transfiguram através das forças recicladoras do inutilizável! fazer arte a partir dos entulhos do ex-mundo. escandalizar a morbidez da matéria... um barato total essas colagens que erguem, ao final, um monumento aos escombros e ao lixo... metáfora ao caos pós-guerra inflada de pessimismo, desilusão e amargura. um carinha bastante idiossincrático, já está entre meus favoritos